ADORNO DE DIFERENTES ERA Y ESTILOS
La ornamentación se desarrolló en el mundo antiguo. El arte de Egipto y Asia occidental supo extraer imágenes ornamentales especiales de las formas del mundo exterior y utilizarlas para el procesamiento artístico de varios planos.
Los antiguos griegos, después de haber seleccionado y reelaborado cuidadosamente motivos ornamentales egipcios y orientales, basándose en su interpretación lógica y comprensión constructiva, crearon su propio estilo decorativo, que encontró expresión clásica principalmente en la decoración arquitectónica.
El arte medieval de Oriente, limitado por el Islam en la representación de seres vivos, centró toda su atención en los patrones decorativos. Los antiguos maestros crearon verdaderas obras maestras de patrones geométricos y florales basadas en construcciones matemáticas complejas y a menudo ingeniosas. La colocación dispersa de motivos ornamentales dio paso a un arabesco continuo, donde un motivo se transforma directamente en otro, creando las estructuras rítmicas más ricas de una composición colorida y de patrones lineales.
Todas las épocas posteriores, en mayor o menor medida, participaron en el desarrollo del arte ornamental, utilizando la creatividad ornamental popular y el patrimonio de toda la cultura humana.
ADORNO DE LOS PUEBLOS PRIMITIVOS
Desde tiempos primitivos, la gente ha buscado decorar sus hogares y artículos para el hogar. Desde el Paleolítico, en las paredes de las cuevas han quedado numerosos objetos de piedra, hueso, arcilla, pinturas y tallas, todo lo que permite sentir y familiarizarse realmente con esa parte del mundo artístico desaparecido, que se llama el mundo de arte.
En el Paleolítico se puede rastrear el deseo del hombre primitivo de reproducir el mundo que lo rodeaba en imágenes precisas y visibles. Por tanto, el primer y principal tema del arte paleolítico fue el tema de la bestia, el tema de la caza, que fue la base de la existencia de los pueblos de la Edad del Hielo. El contenido principal de las pinturas rupestres son imágenes de animales: mamuts, rinocerontes, toros, caballos, leones cavernarios y osos.
La representación de cazas, animales muertos y heridos, o simplemente figuras de animales, siempre ha tenido como objetivo garantizar el éxito de la caza. El segundo lugar después de las escenas de caza lo ocuparon imágenes de ritos de resurrección y reproducción de animales, personificando la magia de la fertilidad. Además de los animales, a menudo se representaba a humanos durante la realización de ritos de fertilidad. Se trataba predominantemente de figuras femeninas.
Estas imágenes estaban coloreadas con colores intensos: negro, rojo, amarillo, marrón.
Junto con imágenes realistas de animales, el hombre primitivo comienza a utilizar signos convencionales y combinaciones de líneas similares a figuras geométricas para transmitir el mundo que lo rodea. De esta manera se sientan las bases de la semántica mágica. La esquematización de imágenes realistas conduce gradualmente a imágenes geométricas abstractas de estos símbolos, que formaron la base de la creación como método de decoración.
El artista del Paleolítico decora herramientas y armas, utensilios domésticos y domésticos con adornos, por regla general, con adornos de naturaleza geométrica. A veces estos objetos estaban decorados con imágenes talladas o escultóricas de animales: caballos, mamuts, toros, ciervos.
Dos categorías de artículos para el hogar se distinguen por la originalidad de la decoración y un sentido de gusto artístico desarrollado: lanzadores de lanzas y "bastones de jefes". En ellos, la forma de una cosa y su decoración ornamental o detalles escultóricos no se contradicen, sino que forman un todo artístico único.
Los mismos rasgos caracterizan también las joyas, que ocuparon un lugar importante en la vida del hombre del Paleolítico. Las pulseras paleolíticas se distinguen especialmente por la delicadeza del trabajo y la originalidad de la composición ornamental. Estas verdaderas obras maestras del arte de tallar huesos también sorprenden porque están hechas con herramientas de piedra, sin torno, sin taladros ni cinceles de metal, decorándolas con el más fino patrón en forma de franjas serpenteantes, separadas por zigzags paralelos, o un Patrón en “espiga”, que es disecado por meandros-rombos.
En la Edad del Bronce (a finales del tercer milenio antes de Cristo), cuando la civilización del Reino Antiguo se estaba desarrollando con éxito en Egipto y la civilización sumeria en Mesopatamia, Europa aún no había salido del Neolítico. Por tanto, aquí, como en la época anterior, sigue prevaleciendo la ornamentación geométrica. Por lo tanto, los patrones característicos de los productos metálicos artísticos siguen siendo patrones curvilíneos, ondulados, en forma de cinta o en espiral. Las vasijas de cerámica suelen estar decoradas con una espiral con una punta elevada en el centro.
Un adorno similar se encuentra en el arte de Europa Central en la Edad del Hierro (cultura Hallstatt, siglos IX-VI a.C.).
Cultura La Tène(Siglos V-I aC), marcado por el florecimiento de la cultura celta, conserva motivos abstractos, junto con los cuales se desarrollan los adornos florales tomados por los celtas de los griegos y etruscos. Además, en el arte ornamental celta había motivos asociados con la representación del mundo animal y del hombre, que llegaron aquí desde Oriente. Poco a poco, a partir de los diversos y dispares elementos del ornamento celta, se formó un solo estilo, con predominio de elementos animales y florales, un estilo en el que la decoración y la predilección por las elegantes líneas curvas se convirtieron en el principio definitorio.
África. Los pueblos de África han creado ejemplos de arte decorativo que tienen verdadera originalidad.
EN Dahomey la cerámica se moldeaba a mano, sin torno de alfarero, y se decoraba con un solo adorno: líneas dibujadas con un palo. Estos productos son de color rojo. En los casos en que son de carácter ritual (dedicados a los espíritus), las vasijas se blanquean con cal.
El arte de la joyería en varios países africanos se caracteriza por adornos zoomorfos y antropomorfos. Por ejemplo, una imagen de un león con una boca vuelta y con una sonrisa amenazadora en un anillo, pesas de latón y cobre para pesar arena dorada con forma de animales salvajes, desde un elefante hasta un antílope, figuras de bailarines y mujeres cargando agua.
En el mobiliario ritual se suelen utilizar como soportes cariátides y figuras geométricas. El patrón cubre crestas caladas, así como "recades", símbolos de poder, decorados con motivos aterradores: relámpagos, halcones; León devorando a un hombre.
Los patrones decorativos de las telas congoleñas están dominados por patrones de cuadrados, triángulos y rombos.
Indonesia famoso por sus tallas en piedra. Las mesas estaban decoradas con cabezas de monstruos, los pilares de soporte estaban decorados con imágenes de ciervos y ornitorrincos y los sarcófagos estaban decorados con figuras de ciervos.
Oceanía. El arte de los pueblos de Oceanía se ha mantenido sin cambios en algunos aspectos debido a tradiciones religiosas y sociales estables. Sus ideas religiosas estaban asociadas principalmente con el culto a la fertilidad y a los antepasados.
En las islas de Nueva Guinea, los papúes crearon productos cerámicos decorados con incisiones en espiral; diversos utensilios de madera con forma de pájaros o figuras humanas. Las vasijas de bambú solían estar decoradas con diseños geométricos tallados.
La cultura de Nueva Zelanda está relacionada con la melanesia, pero también tiene características independientes. Entre ellos: el culto a los héroes, el deseo de evitar los vacíos a la hora de decorar la superficie y el uso más frecuente del motivo en espiral frente a otros motivos ornamentales. La espiral se usa a menudo en tallas de madera: en relieve, para decoración del hogar, en forma transversal, para la popa y la proa del pastel; en el patrón de cajas para guardar plumas. El motivo en espiral se encuentra no sólo en tallas de madera caladas o en relieve, sino también en tatuajes faciales. Sin embargo, debido a su especificidad, este tipo de creatividad decorativa casi nunca nos ha llegado.
Las islas de la Polinesia son famosas por la producción de tejidos de corteza llamados tapa. El notable efecto decorativo de estos tejidos se consiguió con un adorno muy sencillo. La mayoría de las veces, los patrones se basaban en un patrón de diamante o de tablero de ajedrez, y cada isla les aportaba algo propio. A veces el adorno estaba cubierto con barniz vegetal.
El arte de tatuarse el rostro y el cuerpo ha alcanzado grandes alturas artísticas en las Islas Marquesas y Marchant. El tatuaje podría cubrir todo el cuerpo con motivos geométricos. No sólo tenía un significado mágico, sino también social. Por ejemplo, los patrones en zigzag en la cara estaban destinados únicamente a los líderes. El arte de las islas hawaianas estuvo influenciado por el arte del México precolombino, pero sus patrones geométricos, a diferencia de los mexicanos, son muy simples.
América precolombina. Interconectadas y al mismo tiempo muy diferentes en su orientación ideológica y artística, las culturas de los países de la antigua América Central y del Sur forman una compleja síntesis de arte. En él se pueden encontrar algunas similitudes tipológicas con las culturas clásicas de la sociedad de clases primitiva de Chipre y los despotismos esclavistas de Egipto y la antigua Mesopotamia. Pero otras características étnicas y paisajísticas, así como otras vías de desarrollo sociohistórico de los pueblos indios, contribuyeron a la creación de una apariencia única de su arte.
México. Ningún otro arte conoce tal combinación de tectónica geométrica con el elemento violento incontrolable de motivos ornamentales y simbólicos como la arquitectura antigua mexicana. En los templos piramidales de México, los motivos pictóricos y simbólicos ocuparon un lugar importante: cabezas de serpientes con la boca abierta, el exuberante plumaje de sus cuerpos retorcidos, cabezas de jaguar, imágenes antropomorfas: todo el mundo diverso y vibrante de la mitología india. Además, en la arquitectura fundamentalmente geométricamente estricta del Antiguo México, además de motivos pictóricos, se utilizaba un ornamento “puro”, formado por elementos geométricos alternos y que recuerda a un meandro, pero con formas más complejas o creando otras combinaciones de los mismos. elementos geométricos. Aquí se utilizaron 14 motivos diferentes: cruz, zigzag, poliedro, escalera, motivo en forma de T y muchos otros. Toda esta geometría ornamental parece provenir de patrones textiles, y algunos de los motivos tienen un significado simbólico asociado con la deidad local: la serpiente emplumada. Una característica del tema de los antiguos adornos decorativos mexicanos es la ausencia total de elementos del mundo animal: personas, animales y plantas. La cerámica se encuentra entre los logros más sorprendentes del arte antiguo americano. Los productos cerámicos se elaboraban sin torno de alfarero y eran muy diversos. El adorno se raspaba con un punzón, se estampaba con una placa de piedra o terracota y se grababa en la superficie de los platos. Los indios de México desarrollan diversos tipos de cerámica (vasijas, máscaras, pequeñas esculturas), que se distinguen por características de originalidad y originalidad. La cerámica del Perú es de mayor interés. Aquí, en diferentes períodos, la cerámica estaba decorada con un patrón de grabado abstracto, con una decoración moldeada o con un adorno pictórico. Los pueblos chimú introdujeron la ornamentación de arcilla moldeada en la arquitectura. Entre sus motivos se pueden encontrar pájaros, peces, cuadrúpedos, volutas y meandros, dispuestos en franjas verticales y diagonales. Los Nazcas decoraban su cerámica con pinturas brillantes y multicolores, utilizando hasta ocho colores en cada pieza, con predominio del rojo, el marrón y el negro. Las imágenes de animales a menudo se disponían en forma de friso. Los siguientes motivos se encuentran en las obras de los joyeros mexicanos: un juego de pelota, el sol, una mariposa, símbolo del cielo; La boca del monstruo es un símbolo de la tierra.
Perú. Las antiguas copas peruanas de Quero de madera, con forma de cabeza humana o con un mango con forma de figurilla de animal, estaban decoradas con diseños grabados de carácter geométrico o figurativo, utilizando rojo, rosa ladrillo, rojo oscuro, naranja, verde oscuro, verde grisáceo. y pinturas ultramarinas. Los tejidos peruanos de lana y algodón estaban decorados con diversas escenas mitológicas y cotidianas y asombraban con la riqueza de su colorido. Su gama cromática incluía hasta 190 tonalidades diferentes. Después del 800 a.C. también produjo telas tipo enrejado que se utilizaban para cenefas en la ropa; en ocasiones confeccionaban con él una prenda entera de unku, similar al poncho actual. El ornamento característico de estos tejidos es animal: peces, pájaros, animales depredadores, en ocasiones hay imágenes de personas: líderes, guerreros, bailarines o escenas mitológicas. Además, la decoración abstracta tuvo lugar en la ornamentación de las telas: patrones escalonados, meandros; La verdura se usaba muy raramente. Todos los dibujos se distinguían por su decoración y estilización atrevida. Los peruanos también utilizaban bordados para decorar telas.
ADORNO DE PUEBLOS NÓMADAS
"ESTILO ANIMAL"
El área de distribución del arte de los nómadas esteparios es enorme, desde el Mar Negro hasta el lago Baikal, y cronológicamente se ubica en un marco temporal muy incierto, entre los siglos VII y II. ANTES DE CRISTO. Debido a que el metal jugó un papel importante en el arte de los nómadas, se le asocia con la era prehistórica de Europa. La similitud de las condiciones socioeconómicas básicas de vida, la movilidad de la vida y la interconexión de las tribus esteparias dieron lugar a la similitud de ideología y la uniformidad de su arte. Esto se expresó en el llamado “estilo animal”, que se materializó en joyas de bronce dorado, así como en productos de madera, fieltro y cuero, todos ellos decorados con figuras de carneros, jabalíes, ciervos, cabras montesas, tigres. , leopardos, liebres, gansos, cisnes, águilas, pelícanos, animales fantásticos, etc., entrelazándose o apresurándose unos contra otros en una furiosa lucha.
Las escenas de lucha animal y el tormento de los herbívoros por parte de los depredadores fueron muy populares entre los nómadas y recibieron una respuesta en sus mentes. Muy expresiva es la imagen de una criatura con rostro humano con cuernos, orejas de animal, garras, cola doblada y alas largas, que proviene del arte del Cercano Oriente.
En todas las cosas, en cada protuberancia de un objeto, en el mango de un peine, en la punta de un cuchillo, en todas partes, por así decirlo, se esconde un principio zoomórfico; parece que del objeto “brotan” figuras de animales.
Los primeros monumentos del arte escita tienen huellas de la fuerte influencia de la antigua civilización oriental, principalmente mesopotámica y urartiana (por ejemplo, una placa de oro en forma de pantera del montículo de Kelermes). En el siglo IV. ANTES DE CRISTO. Comenzó una fuerte influencia del arte griego en la cultura escita, que se expresó en motivos antropomórficos.
Para el período temprano del "estilo animal" escita-siberiano, la característica principal es el cierre deliberado de las líneas de una figura o varias figuras. Esta naturaleza plástica de la imagen del animal dio lugar a la aparición de placas redondas con la forma de un animal acurrucado en un anillo. El cierre de la imagen se logra por varios medios: equilibrando los detalles, su armonía, contrastando líneas suaves con protuberancias que las rompen y, como se señaló anteriormente, cerrando el contorno en una figura redonda. A estos mismos rasgos hay que añadir la tendencia existente a sustituir la expresividad del cuerpo del animal por la expresividad de formas generalizadas, casi geométricas.
Otro rasgo característico del "estilo animal" es su mayor funcionalidad. Por ejemplo, un león sostiene en su boca un pájaro cuya cabeza y cuello curvados sirven como gancho para conectarse al extremo opuesto de la correa.
Para el período temprano del estilo escita-siberiano, es típica una combinación de naturalismo con el deseo de estilizar, simplificar y reemplazar toda la imagen con el detalle más característico.
A mediados del primer milenio antes de Cristo. El “estilo animal” se convierte en un estilo ornamental y decorativo, en el que el naturalismo desaparece paulatinamente no sólo en la transmisión de toda la figura del animal, sino también en los detalles.
La figura del animal se transforma en un conjunto de bolas, semicírculos y cilindros; Los motivos animales se caracterizan por modelar y retorcer los cuerpos de los animales en rizos complejos, transformándolos en un elegante adorno de alfombra.
El predominio total de los temas zoomorfos se observa en las obras de los vecinos orientales de los escitas, los sármatas. Figuras de animales: grifos, cabras, osos, panteras, leopardos, lobos, ciervos, etc. – decorar varias cosas sármatas. Los arneses para caballos son particularmente ricos en decoración.
Los maestros del "estilo animal" a menudo combinaban todas las técnicas artísticas que conocían en una sola obra. Pero a pesar de su diversidad, que no puede evitarse combinando materiales de diferentes texturas y colores, así como temas prestados, se siente en todas partes el predominio de un estilo único, ajeno a cualquier eclecticismo.
Los sármatas provienen de Irán. Se establecieron en la cuenca del Volga en el siglo V. ANTES DE CRISTO. Durante la época de la gran migración de pueblos, el arte sármata se extendió por toda Europa, donde se descubrieron imágenes decoradas con motivos animales.
El “estilo animal” de la Europa precristiana, en contraste con el “animal” mismo, está marcado por un mayor dramatismo y tensión de las formas. En este adorno es difícil identificar imágenes individuales: todo parece estar entretejido en una bola apretada y ya no es posible encontrar dónde comienza y termina la imagen de tal o cual animal fantástico. Este adorno carece de simetría, no hay repeticiones de formas idénticas, no hay intervalos que separen partes del objeto representado y enfaticen el énfasis semántico del motivo ornamental.
En Europa, este estilo se desarrolló entre los alemanes, celtas y escandinavos. Posteriormente se convirtió a la cultura cristiana.
El hombre lleva mucho tiempo buscando decorar su hogar y todo lo que encuentra en la vida cotidiana. Al realizar cualquier cosa, el artesano no sólo pensaba en su finalidad práctica, sino que tampoco se olvidaba de la belleza. La belleza y el beneficio en su obra siempre han sido inseparables. A partir de los materiales más simples (madera, metal, piedra, arcilla) creó verdaderas obras de artes decorativas y aplicadas, revelando la comprensión poética del maestro del mundo que lo rodeaba. La naturaleza nativa siempre se ha reflejado en el arte popular. Flores y hierbas modestas, conocidas desde la infancia, transformadas por la imaginación del artista, convirtieron la superficie del producto pintado en un adorno brillante y expresivo. Un cucharón ordinario en manos de un tallador tomó la hermosa y conveniente forma de un pato, y el ohlupen que coronaba el techo de una choza campesina fue esculpido en la forma de un caballo de pecho grueso.
El arte popular ha evolucionado a lo largo de los siglos, gracias al esfuerzo de maestros de muchas generaciones. Los secretos del dominio se transmitieron de padres a hijos. Pero al crear una nueva obra, un verdadero maestro no sólo se basó en la experiencia de generaciones pasadas, sino que también trató de encontrar su propia solución original, espiritualizando cada producto con su personalidad y talento. Por eso cada producto de un artesano popular parece conservar el calor de sus manos.
El arte decorativo y aplicado tiene su propio lenguaje y sus propias leyes. Al expresar la idea de belleza con sus medios específicos, nunca se esfuerza por copiar ciegamente el mundo que lo rodea, sino que transmite solo lo más característico y expresivo. El artista reelabora creativamente las formas que se encuentran en la naturaleza, teniendo en cuenta un material específico, sus ventajas decorativas y las características tecnológicas de su procesamiento.
Como ya se señaló, la belleza y la utilidad son inseparables; se fusionan orgánicamente en cada obra genuina de artes decorativas y aplicadas. Imagínese que un maestro, queriendo hacer una hermosa taza de té de porcelana, la decoró con un adorno calado. Por supuesto, beber de una taza así no sólo es inconveniente, sino también imposible, porque basta con inclinarla y el té saldrá inmediatamente por las ranuras. Este es uno de los ejemplos típicos en los que la decoración irreflexiva conduce a tales rarezas.
Al realizar cualquier artículo, el maestro presta gran atención a la belleza de la forma. Pero tampoco puede crearlo sin tener en cuenta la finalidad práctica del producto. ¿Alguna vez te has preguntado por qué una jarra de leche normal siempre tiene el cuello ancho, mientras que otros recipientes destinados a kvas, miel o cerveza suelen tener el cuello estrecho? El secreto resulta sencillo. La leche, a diferencia de otros líquidos, forma sedimentos insolubles en las paredes de la jarra. Solo se pueden eliminar mediante acción mecánica, es decir, las paredes de los recipientes de leche deben lavarse con un trapo o toallita. Esto significa que su cuello debe ser tal que la mano de una persona pueda pasar libremente a través de él. Y esto lo debe tener en cuenta el alfarero que da forma a la jarra de leche. Cualquier reducción en el diámetro del cuello conduce al hecho de que el recipiente no se puede utilizar para el fin previsto.
De gran importancia es el acabado decorativo de los productos, que no sólo realza la expresividad de la forma. Por ejemplo, el vidriado mejora la apariencia de la cerámica, haciéndola más atractiva. Al mismo tiempo, la vajilla de cerámica se vuelve higiénica y resistente a la humedad.
Un artista aplicado debe ser capaz de ver los matices de color más sutiles en diversos materiales, tal como los ve un pintor en la naturaleza. La sencilla madera de pino o abedul puede resultar tan atractiva como la más llamativa madera de nogal o caoba. Solo necesita revelar hábilmente la belleza oculta de estos materiales y encontrarles un uso donde todas sus ventajas puedan revelarse desde el mejor lado. Incluso el material natural más simple siempre es mejor que una falsificación tosca de uno más caro. Un producto de madera pintado con pinturas al óleo de nogal tendrá un aspecto antiartístico y de mal gusto. Los colores y patrones de las piedras muy extendidas son infinitamente variados. Incluso el pedernal común sorprende con la riqueza de los más finos tonos de color, sin mencionar las piedras ornamentales, cuya variedad de colores es ilimitada. Los maestros talladores de huesos distinguen muchos tonos de color en un material aparentemente acromático como el hueso. Se conoce un tipo especial de incrustación, en el que se presenta una composición multicolor a partir de placas delgadas con una amplia variedad de colores naturales. ¡Y metales! Coloque láminas de latón, cobre y acero una al lado de la otra. ¿El cobre es rojo, el latón es amarillo y el acero? Mire más de cerca el acero, compárelo con el cobre y el latón y, por supuesto, notará que tiene un tinte ligeramente azulado o verdoso. Si los metalúrgicos dividen los metales en no ferrosos y ferrosos, entonces para los artistas todos los metales son no ferrosos. Los fabricantes de incrustaciones lo saben bien y combinan armoniosamente inserciones de varios metales, seleccionadas según el color, por ejemplo, en incrustaciones de madera.
En obras de artes decorativas y aplicadas, la textura del material también es de gran importancia. Algunos materiales, como el hueso y el cuerno, requieren un pulido obligatorio. En otros se prefiere un acabado mate. Muy a menudo, la expresividad decorativa se logra contrastando superficies mate y brillantes. Por ejemplo, en la talla de Asia Central, el islimi pule solo los elementos que sobresalen del adorno, dejando el fondo mate. Los artesanos conocen y sienten bien el material y reaccionan inmediatamente al más mínimo cambio en sus propiedades durante el trabajo. El estudio de las técnicas de procesamiento artístico de diversos materiales, desarrolladas a lo largo de muchos siglos por artistas populares, puede convertirse en una verdadera escuela para los maestros modernos.
El interés por las artes decorativas y aplicadas, incluido el arte popular, crece cada año. El Partido y el gobierno muestran gran preocupación por la preservación y el desarrollo de las artes y la artesanía. Prueba vívida de esto son las resoluciones del Comité Central del PCUS “Sobre la artesanía artística popular” (1974) y “Sobre medidas para un mayor desarrollo de la creatividad artística amateur” (1978). La Constitución de la URSS enfatiza que en nuestro país “se fomenta de todas las formas posibles el desarrollo del arte profesional y la creatividad artística popular” (artículo 27).
Cada exposición de arte popular es siempre un descubrimiento, el descubrimiento de un mundo de belleza y sabiduría. Los productos de artistas antiguos y modernos invariablemente despiertan la admiración de los visitantes y algunos desean seguir el ejemplo de los artesanos populares. Por tanto, surgen preguntas: ¿cómo se elabora un tuesok o pájaro chip? ¿Qué herramientas y materiales se necesitan? Etc. Por supuesto, las respuestas a ellas no se pueden obtener en las salas de exposición. De las placas de las exhibiciones solo se puede averiguar el momento de su fabricación y el nombre del autor. En ocasiones también se indica el material del que están fabricados. Encontrará respuestas a estas y muchas otras preguntas en el libro que tiene ante usted. Por supuesto, este libro, como cualquier otro, no puede ofrecerle una receta con la que pueda alcanzar alturas creativas; no existen tales recetas. Solo te ayudará a dar los primeros pasos hacia el dominio del oficio artístico. Y todo lo demás dependerá únicamente de tus habilidades, gusto e imaginación, multiplicadas por la constancia y el trabajo duro.
Es muy difícil dominar las técnicas de trabajo en un producto artístico a partir de descripciones, y hay que estar preparado para ello. Intenta leer el texto con más atención y no te limites a leer solo una sección dedicada al material que te interesa. En el arte decorativo todo está interconectado. Un producto puede combinar los materiales más diferentes que deben poder procesarse. Por ejemplo, en los conjuntos de mosaicos realizados mediante la técnica de la incrustación, además de varios tipos de madera para las inserciones, se utilizan metal, vidrio, hueso, cuerno y muchos otros materiales.
No se apresure a asumir un trabajo difícil de inmediato. Las técnicas para procesar cualquier material se pueden dominar con éxito fabricando al principio los productos más simples. Sólo después de adquirir cierta experiencia podrá plantearse tareas más complejas.
No comience a trabajar hasta que el lugar de trabajo esté cuidadosamente preparado y las herramientas estén colocadas de manera racional y conveniente. Recuerde siempre y siga estrictamente las normas de seguridad. Guarde los productos químicos lejos del fuego y de los alimentos en recipientes con tapas selladas y use guantes de goma cuando trabaje con ellos. Almacenar herramientas en casos especiales. Cuando trabaje con herramientas que tengan bordes cortantes afilados, asegúrese de que la mano que sostiene la pieza de trabajo no esté colocada en la línea de su movimiento. Use gafas y guantes de seguridad cuando opere máquinas.
Si decide estudiar un oficio en particular con más profundidad, por ejemplo, el procesamiento artístico del hueso o la madera, debe consultar literatura adicional, cuyas listas se encuentran al final de este libro. Por supuesto, no todas las bibliotecas tienen los libros que necesita, pero se pueden solicitar en bibliotecas grandes mediante préstamo interbibliotecario. Consulte con su biblioteca local para obtener información sobre cómo hacer esto.
Me gustaría creer que, no importa dónde tengas que trabajar en el futuro, no importa qué profesión elijas, tu tiempo libre siempre estará ocupado con cosas interesantes y útiles. Es posible que para algunos de vosotros, vuestros primeros estudios independientes sean el inicio del camino hacia el arte profesional. Este camino pasa por instituciones educativas especiales, cuyas direcciones encontrarás al final del libro.
Cuando practique de forma independiente o bajo la guía de un maestro, esfuércese no solo por aprender lo mejor posible las técnicas técnicas del oficio, sino también por desarrollar constantemente su gusto y, como dicen, entrenar su vista. Intenta asistir a exposiciones de arte lo antes posible. Se pueden ver muchos bellos ejemplos de artes decorativas y aplicadas en los museos de arte, históricos, de historia local y etnográficos, así como en libros, álbumes y páginas de revistas. Pero no se queden como espectadores ociosos, sino esfuércense por ser investigadores, tratando cada vez de comprender en qué técnicas artísticas y técnicas el maestro pudo alcanzar la perfección. Si en su zona hay una empresa de artesanía popular, intente establecer contacto con sus artesanos. Puede verlos trabajar y, al mismo tiempo, obtener consejos útiles. Siga la revista Joven Técnico, que habla periódicamente sobre artesanía popular. Por cierto, sus ensayos formaron la base de este libro.
Aunque los materiales utilizados en las artes decorativas y aplicadas han sido bastante estudiados, siguen ocultando posibilidades ilimitadas. Busque constantemente nuevas técnicas de procesamiento, intente combinar una amplia variedad de materiales en sus obras y experimente con la mayor frecuencia posible. Sólo entonces podrás experimentar plenamente la verdadera alegría creativa, y mucho de lo que hagas con amor con tus propias manos brindará a quienes te rodean la alegría de encontrar la belleza hecha a mano.
"Eras antiguas" - A la derecha hay una fotografía de estromatolitos fósiles formados por antiguas bacterias fotosintéticas. La foto muestra estromatolitos modernos que se encontraron frente a las costas de Australia. Al parecer, tanto los heterótrofos como los autótrofos surgieron al mismo tiempo. Tenían una estructura bastante compleja y dejaron bastantes sedimentos orgánicos.
“Antiguos eslavos” - 9. ¿Cómo se llamaba el sol? Cada tarea tiene 4 opciones de respuesta. Recuerde los cuentos de hadas que describen el proceso de convertirse en hombre lobo. Con tu astucia. Perun (Svarog) dio a luz a dos hijos (Svarozhichi): el sol y el fuego. 2. ¿Por qué nuestros antepasados comían carne de oso? Ígor. Las creencias más antiguas son el culto a los objetos y fenómenos del entorno inmediato.
“Estados antiguos” - Memphis Biblos Babilonia Jerusalén Nínive. ¿Cuándo aparece el estado? Sala de Cartografía. ¿Qué es un estado? Un gran recorrido por el Museo de Historia del Mundo Antiguo. ¿Dónde surgieron los estados antiguos? Mostrar tablillas con los nombres de las principales clases en los estados del Antiguo Oriente. Marque ríos y ciudades, así como los límites estatales.
“Libros Antiguos” - Libro – rollo de papiro Libro – mesa de barro Libro – códice de pergamino. La antigua Rusia. Escribió. Porcelana. Libros antiguos. Álbum de dibujos sobre hojas de palma. Estilo. India. Kalam. Documentos de corteza de abedul de Novgorod. Las capas colocadas se cubrieron con un paño y las fibras se aplanaron cuidadosamente con un martillo de madera. Pergamino.
“Ciudades antiguas”: ¿por qué los asentamientos de los antiguos eslavos comenzaron a llamarse ciudades? ¿Qué lugares aparecieron en la antigua Rusia? ¿Cómo se llamaba el centro fortificado de la ciudad rusa? Nóvgorod. Cámara de granada. Kremlin de Nóvgorod. Boyardos. Príncipe Vladimir. Sergiev Posad. Iniciar prueba. Menta. Príncipe Yaroslav. Cerrar con llave. Foso.
“Belleza Humana” - Objetivos de la lección: Identificar la diferencia entre el esqueleto y los músculos de un hombre y una mujer. La heroína de "Scarlet Sails" de Alexander Greene. La escoliosis se puede detectar durante la fluorografía. Los antiguos griegos utilizaban el ancho de la palma como unidad de medida. Proporciones faciales. La creatividad de los estudiantes. El resto está más allá de las palabras, excepto la palabra "encanto".
Los pueblos primitivos se pintaban el cuerpo y la cara con colores brillantes y utilizaban maquillaje en diversos rituales y actos místicos. Y cada evento tenía su propia composición, enfatizando la información para la cual fue creado. Los dibujos dibujados son símbolos capaces de emitir energía que atrae ciertos eventos hacia su propietario.
Un papel importante lo juega la información que su creador introduce en este objeto. En la antigüedad, la gente conocía el valor de una palabra, cualquier símbolo. Con la ayuda de las palabras curaban y mataban, con la ayuda de los símbolos se protegían, sanaban y con la ayuda de los símbolos podían aterrorizar a sus enemigos, destruirlos y arruinarlos.
En la antigüedad, los secretos del arte cosmético sólo eran conocidos por los sacerdotes y se mantenían en estricta confidencialidad. El maquillaje no sólo tenía un significado ritual, místico y estético, sino que también tenía fines medicinales. Los sacerdotes de la antigüedad tenían conocimientos con los que podían cambiar mucho en una persona, su carácter, salud, estado de ánimo, vida. Atraer la buena suerte, el patrocinio de las personas necesarias, mejorar la salud, prolongar la juventud, rodear a la persona con la energía de la alegría y hacerla más atractiva. Y todo ello con la ayuda del maquillaje, combinando conocimientos sobre las propiedades de las fragancias, los efectos del color, las plantas, las piedras y su influencia en el ser humano.
Por ejemplo, el maquillaje de ojos, realizado por un maestro con conocimientos especiales, aumentó la vitalidad, hizo a la persona sociable, alegre, alegre, le dio un encanto especial, aumentó el atractivo y contribuyó al éxito en el amor. Una combinación correctamente seleccionada de aromas, colores y un diseño adecuado, un símbolo específicamente para una determinada acción, aplicado en zonas adecuadas del cuerpo, para determinados eventos, ayudó a curar a una persona o atraerle el favor de los dioses. buena suerte en los negocios y en la vida, y prolongar la juventud.
En aquellos tiempos lejanos, tanto hombres como mujeres eran aficionados a los cosméticos. Las mujeres principalmente para agregar encanto, para enfatizar su belleza, se pintaban pestañas, uñas, labios, cabello, cejas, se vestían hermosa y brillantemente, se sonrojaban y empolvaban y se peinaban. Y los hombres principalmente para atraer eventos y situaciones necesarias a sus vidas, para volverse más valientes, firmes, para atraer el éxito en todos los ámbitos de la vida, tanto en los negocios como en el amor.
Desde la antigüedad también han enseñado el arte de ser mujer, de ser encantadora e irresistible. En aquella época no se respetaba a una mujer que no se cuidaba y caminaba por la casa o aparecía en público sin maquillaje, desaliñada y mal vestida. En entierros que datan del VI milenio se descubrieron cosméticos y dispositivos para su fabricación y aplicación.
Hoy en día se ha acumulado una gran experiencia en esta dirección. La cosmética se traduce como el Arte de decorarse y, dominando perfectamente este arte, podrás crear verdaderos milagros decorándote, cuidándote, enfatizando tu singularidad y encanto, aprendiendo a tener más confianza en ti mismo, a amarte y apreciarte. , para tratarte con respeto y admiración.
Pero no sólo el uso correcto de cosméticos de alta calidad, sino también la capacidad de cuidar el cuerpo preservan la juventud y la energía durante muchos, muchos años.
El arte de ser joven y encantador incluye la armonía en todos los ámbitos de la vida. Porque una persona puede conservar la juventud y el encanto durante muchos años cuando está en armonía consigo misma y con el mundo que la rodea. Y esto significa que avanza con confianza por la vida. Un concepto como la pereza está ausente en su vida. Una persona se valora a sí misma y se trata a sí misma y a las personas que la rodean con respeto. No calumnia ni critica a sí mismo ni a los demás. No tiene envidia y no desprende malicia. Una persona así tiene un cuerpo y un alma jóvenes, y es precisamente la juventud del alma la que contribuye principalmente a la preservación de la juventud del cuerpo y del organismo en su conjunto.
Utilizando en combinación todos los métodos que promueven la salud, la belleza del cuerpo y del alma, fortaleciendo la energía vital, fortalecerás tu cuerpo, lo harás más saludable, lo limpiarás de energías sucias y enfermedades. Y podrá mantener su rendimiento durante mucho tiempo, tener energía y lucir genial.
Una persona es tan mayor como parece. Y no hay necesidad de sucumbir a la idea errónea de que después de 50 años una persona ya es vieja y frágil. Todo depende de tu estado de ánimo y de tus ganas: ¿quieres ser una persona joven y sana durante el mayor tiempo posible o, sucumbiendo al desaliento, parecer un anciano a los 30 años?
A lo largo de la historia de la humanidad, la belleza femenina ha sido una de las fuentes de inspiración más poderosas para la gente del arte. Sin embargo, es poco probable que incluso los estándares de belleza generalmente aceptados y replicados con un enfoque imparcial complazcan a muchos de nuestros contemporáneos. La famosa Nefertiti puede parecer encorvada y torpe para algunos, las bellezas de Rubens pueden parecer demasiado regordetas, y otros encontrarán poco atractiva la frente alta y las cejas afeitadas de Mona Lisa...
Entonces, ¿cuáles fueron los cánones de belleza en diferentes períodos del desarrollo de nuestra sociedad?
De hecho, las primeras obras de arte fueron figuras femeninas. Los arqueólogos los apodaron "Venus paleolítica". Por supuesto, con bastantes bromas, porque estas "Venus" parecen extremadamente poco atractivas para nuestros estándares. La cara, los brazos y las piernas, por regla general, ni siquiera estaban delineados, pero el artista primitivo dotó ricamente a las figuras de características femeninas exageradas: senos caídos, un vientre claramente definido que colgaba hasta las rodillas y caderas grandes.
Sin embargo, es poco probable que estas figuras fueran cánones de belleza. Al hacer "Venus", el artista no estaba motivado tanto por motivos eróticos como de culto: aquí mostró respeto por una mujer madura, una especie de "recipiente" para el embarazo. Teniendo en cuenta que la vida de los pueblos del Paleolítico era difícil y peligrosa, estas mujeres "fértiles" que vivieron hasta la madurez tuvieron que pagar un alto precio.
Según pinturas rupestres posteriores, las mujeres primitivas eran esbeltas, musculosas y no muy diferentes de los hombres.
Bellezas de Egipto y Creta.
Al observar las imágenes del antiguo Egipto, es fácil ver que la desnudez en aquellos días no se percibía en Egipto como algo reprensible. La ropa de las mujeres egipcias es fina y translúcida, prácticamente no oculta las líneas del cuerpo, y las bailarinas suelen actuar en topless.
Se consideraba que el ideal de la belleza femenina era una morena alta y esbelta con hombros anchos, pecho plano, caderas angostas y piernas largas. Los rasgos faciales de la antigua mujer egipcia eran delicados y sus ojos destacaban especialmente. Para dar brillo a los ojos y dilatar las pupilas, se les goteaba jugo de belladona, lo que se conoce como "estupor somnoliento".
La forma ideal de los ojos se consideraba almendrada; se enfatizaba delineando los ojos con pintura verde hecha de carbonato de cobre y alargando el contorno hasta las sienes. También se consideraba hermoso resaltar las venas del cuello y las sienes con pintura azul. En el antiguo Egipto ya existían todos los tipos principales de cosméticos: desde polvos y barras de labios hasta pinturas para uñas y diversos ungüentos. Incluso se conocen obras escritas sobre cosmética, como el tratado de Cleopatra “Sobre los medicamentos para el rostro”.
A las mujeres egipcias también les encantaban los peinados abullonados. Es cierto que en lugar de dejarse crecer el cabello de forma natural, lo hicieron de forma más sencilla: se afeitaron la cabeza y se pusieron pelucas de lana de oveja. Para realzar el peinado, a menudo se usaba una peluca sobre otra. Las pelucas las usaban no sólo la gente noble, sino también la gente corriente (aunque sus pelucas deberían haber sido “más modestas”).
Los egipcios buscaban que su piel fuera suave, sin un solo vello, por eso hace miles de años practicaban la depilación con cera, que también es conocida por nuestros contemporáneos. Después de la depilación, la piel se ungió con aceites e incienso, y con la ayuda de cal se le dio un tinte amarillo claro "de moda".
La ropa era transparente. Al mismo tiempo, las faldas de las damas nobles se ajustaban tan estrechamente a sus pantorrillas que su andar se volvía lento y majestuoso. Los senos de las mujeres egipcias a menudo estaban expuestos, pero nunca se enfatizaban específicamente.
El naturalismo del Antiguo Egipto fue restringido, lo que no se puede decir de Moda cretense. En la antigua cultura de la isla de Creta, aparentemente, la mujer era el centro de especial atención. En contraste con la elegante y majestuosa mujer egipcia, la mujer cretense era brillante y liberada. Hizo todo lo posible para resaltar sus encantos. Los frescos y figurillas representan una figura femenina con cintura delgada y senos levantados, que se asoma abiertamente desde el profundo escote de un chaleco. Las caderas estaban realzadas por una amplia falda que ocultaba por completo las piernas.
Los rostros animados y de nariz chata de las mujeres cretenses de los frescos están muy maquillados y tienen una expresión coqueta. No es de extrañar que las imágenes de las bellezas cretenses hicieran pensar a los investigadores en sus contemporáneos (uno de los frescos incluso fue apodado "La mujer parisina").
muestra antigua
Aquí, por ejemplo, están los parámetros "modelo" de Afrodita de Cnidos, realizados por el famoso Praxíteles: altura -164 cm, pecho - 86, cintura - 69, caderas - 93.
De las estatuas puedes hacerte una idea de los rasgos faciales ideales de una mujer griega antigua: ojos grandes con una rendija ancha y centenaria, una boca pequeña y una nariz clásica "griega", recta y que en realidad continúa la línea de la frente. Las mujeres griegas, como las egipcias, usaban cosméticos con todas sus fuerzas: se teñían los ojos y las cejas y se sonrojaban las mejillas. El peinado más popular de aquella época también nos resulta muy familiar: se trata de un nudo griego “korymbos” atado en la nuca. Las mujeres griegas negras preferían decolorarse el cabello con jabón alcalino y luz solar.
Los cánones de belleza griegos pasaron a los romanos con algunas modificaciones. La mujer romana ideal debía ser majestuosa, corpulenta y en ningún caso delgada. Sin embargo, se requería plenitud, nada holgada, la figura debía mantener gracia y armonía. Para las mujeres romanas, cuyos esqueletos eran genéticamente más delgados que los de las mujeres griegas, esta condición no era fácil de cumplir. Participaron activamente en ejercicios físicos y también se vendaron fuertemente el pecho y los muslos.
El deseo de ser rubias pasó de los griegos a los romanos junto con otros cánones de belleza. Era el cabello rubio, rubio y rojo el que era especialmente valorado en la Antigua Roma. Las prostitutas simplemente estaban obligadas a tener el pelo amarillo o blanco.
La piel de las mujeres romanas también era blanqueada, y además de una forma bastante peligrosa: con blanco de plomo, lo que a menudo provocaba envenenamiento. Había otras “recetas” menos peligrosas: por ejemplo, nata hecha con pan rallado y leche, jabón con grasa de cabra y ceniza de haya. Y la emperatriz romana Popea iba acompañada en todos sus viajes por una caravana de quinientas burras, en cuya leche se bañaba diariamente.
Mujeres de China y Japón
Parece que en ningún lugar la belleza era tan artificial como en los países del Lejano Oriente. No es de extrañar que un sabio chino escribiera: “Es mejor admirar a una belleza en su baño matutino después de haberse empolvado la cara”.
Y, de hecho, los rostros de las mujeres chinas y japonesas estaban muy maquillados: se les aplicaba una capa tan grande de blanco que parecía una máscara de porcelana. Según el canon, el rostro de la bella debería haber parecido lo más impasible posible. La frente debe ser lo más alta posible, para lo cual se afeitó el cabello de la frente y se delineó la frente a lo largo del borde del cabello con rímel. El resultado fue el óvalo alargado deseado. Las mujeres japonesas incluso se afeitaron las cejas y, en lugar de ellas, dibujaron líneas cortas y gruesas lo más alto posible.
La boca debe verse pequeña (labios como un arco). Mostrar los dientes siempre se ha considerado de mala educación, por eso las mujeres chinas todavía se tapan la boca con las palmas de las manos al reír. Las mujeres japonesas se han ennegrecido los dientes durante muchos siglos, desde los 12 a los 14 años.
Por cierto, el kimono estaba tan hábilmente atado que desnudar a la mujer "muñeca" se convirtió en un arte en sí mismo. Los japoneses no experimentaron menos placer con este ritual que con el contacto sexual en sí. Por cierto, los japoneses trataban la desnudez con total calma y no le daban un contexto erótico especial.
Mujer sensual del Este
La idea de la belleza femenina entre los pueblos caucásicos de Asia (ya sean árabes o indios) es muy similar. Esta debería ser la belleza oriental "abrasadora" de Scheherazade de "Las mil y una noches": grandes ojos negros con una nube húmeda ("como una gacela"), dientes "como perlas", cabello y cejas - gruesos y negros "como la brea". ”, pechos - como “dos colinas coronadas de cerezas escarlatas, caderas llenas y al mismo tiempo dedos y tobillos delgados.
En general, los pueblos asiáticos valoraban mucho la integridad. Baste recordar los elogios de los indios, dudosos para nuestras mujeres: "hermosa como una vaca" y "elegante como un elefante".
El vientre de la belleza suele compararse con muchos pergaminos apilados uno encima del otro. Idealmente, debería tener tres pliegues profundos y “proyectarse bien”.
En este sentido, me gustaría señalar que las recetas del antiguo tratado de amor indio "Kama Sutra", ampliamente publicitado en Occidente, no siempre son adecuadas para las esbeltas mujeres europeas. Por ejemplo, los mordiscos de amor que dan placer a una mujer india regordeta pueden dejar dolorosos moretones en la piel de un "ideal" europeo.
Bella Dama de la Edad Media.
La saciada antigüedad fue reemplazada por la era ascética y dura del cristianismo. La desnudez y, en general, todo lo corporal era negado por ser “terrenal” y “pecaminoso”. Los cuerpos de las mujeres están ocultos bajo ropas holgadas y sin forma; sus cabezas están cubiertas con una capa. De moda: palidez, ausencia total de maquillaje, pureza e inocencia.
Sin embargo, cuando en la Alta Edad Media (siglos XII-XIII) la vida de las personas mejoró y la moral se volvió más suave, el mundo europeo volvió a recordar la belleza femenina. Ella vino del mundo del arte. Fue entre los trovadores provenzales donde nació el culto a la Bella Dama, que es la continuación terrenal del culto a la Virgen. El caballero debía servir fielmente a su Dama elegida, “que no conoce la indulgencia”. Cuando iban a la batalla, los guerreros a menudo llevaban consigo alguna parte de la ropa de su Amada, a veces incluso llevaban su camisa sobre su armadura. Las manifestaciones de devoción a la Señora llegaban a veces hasta la locura: un caballero declaraba con orgullo que bebe constantemente el agua en la que su Señora se lava las manos, otro se vestía de piel y hacía cabriolas delante del “objeto de deseo”, como un fiel perro.
La aparición de la “Bella Dama” debería tener las siguientes ventajas. En primer lugar, un cuerpo delgado y flexible, preferiblemente una silueta en forma de S. Las caderas deben ser estrechas, el cofre debe ser limpio y pequeño. Esto se acentuaba con ropa larga y ajustada. También se valoraba la cintura alta y el vientre ligeramente saliente (como símbolo del embarazo).
La delgadez y la palidez siguieron estando "de moda", pero las mejillas de la Dama ideal deben tener un brillo en las mejillas y sus ojos deben ser "claros y alegres". A pesar de que el arzobispo Anselmo de Canterbury proclamó públicamente que el cabello rubio era una práctica impía, en la Edad Media se volvió a valorar el cabello cuando era rubio y, preferiblemente, rizado. Es cierto que sólo se los podía ver sueltos en chicas solteras. Las mujeres casadas escondían sus rizos debajo de colchas, sombreros o los metían en una red. En este sentido, una frente alta adquiere un valor especial.
Renacimiento del cuerpo
Poco a poco la iglesia perdió su poder integral en Europa. La vida social gana cada vez más peso y cada vez invade más el arte. Los humanistas italianos están redescubriendo los cánones de belleza antiguos para Europa. El arte de la Antigua Grecia se convierte en modelo para artistas y escultores. Junto con ello, vuelve la atención al cuerpo humano como tal. La desnudez aparece cada vez más en las pinturas profanas.
Los maestros del Renacimiento temprano aún no estaban muy alejados del ideal medieval de belleza: la “Venus” de Botticelli tiene una figura frágil y familiar con hombros caídos. Sin embargo, con la llegada de los llamados "titanes del Renacimiento" (da Vinci, Miguel Ángel, Rafael), la figura femenina ideal se transforma. Ahora es una mujer alta, majestuosa y de pura sangre, con hombros anchos, senos exuberantes, caderas anchas, brazos y piernas llenos. Desde lejos, es fácil confundir los poderosos torsos de las mujeres de Miguel Ángel con los de los hombres. Vemos lo mismo en las pinturas de da Vinci, Tiziano y otros maestros. La celebración de la plenitud corporal alcanza su clímax en las pinturas de Rubens.
El vestido gótico ajustado también se sustituye por uno voluminoso, la cintura adquiere una posición natural. Mangas y falda anchas, tejidos pesados (satén y terciopelo) añaden peso a la figura femenina. Fue en este momento cuando apareció una nueva palabra "grandezza", que significa apariencia majestuosa y noble.
La moda de la frente alta se remonta a la Edad Media, cuyas líneas suaves no deberían verse perturbadas ni siquiera por las cejas (a menudo se afeitaban). El cabello queda “liberado” a la libertad. Ahora deben ser claramente visibles: largos, rizados y dorados.
Mujeres barrocas y rococó
En la época barroca (finales del siglo XVI-XVII), la naturalidad volvió a pasar de moda. Está siendo reemplazado por la estilización y la teatralidad. El apogeo del barroco se produjo durante el reinado del “Rey Sol” francés Luis XIV. A partir de entonces, la corte francesa empezó a dictar la moda en toda Europa (el llamado “dicto de Versalles”). La nobleza lo adoptó de las amantes del rey y lo difundió aún más.
El cuerpo femenino en el período barroco, como antes, debía ser “rico” con cuello de “cisne”, hombros anchos echados hacia atrás y caderas curvas. Pero ahora la cintura debería ser lo más delgada posible y los corsés de ballena se están poniendo de moda. Además, el corsé realiza otra función: levanta visualmente el pecho, generalmente casi abierto con un escote atrevido.
Las piernas siguen escondidas bajo la falda, que se sujeta mediante aros y alcanza una anchura considerable. La ropa exuberante y con volantes se ha convertido desde hace mucho tiempo en uno de los principales elementos de la irresistibilidad femenina. La pompa de la apariencia se manifestó más claramente en el uso generalizado de lujosos collares y pelucas, que existió entre la nobleza durante casi tres siglos. Los accesorios necesarios para las mujeres incluyen guantes, abanicos, paraguas, manguitos y joyas.
A principios del siglo XVIII. Comienza la época rococó y la silueta femenina vuelve a cambiar. Ahora la mujer debería parecerse a una frágil figura de porcelana. La solemne pompa del barroco es reemplazada por la gracia, la ligereza y la alegría. Al mismo tiempo, la teatralidad y la antinaturalidad no desaparecen, por el contrario, alcanzan su punto máximo. Tanto hombres como mujeres adquieren apariencia de muñecos.
La belleza rococó tiene hombros estrechos y una cintura fina, un corpiño pequeño que contrasta con una enorme falda redonda. El escote aumenta, la falda también se acorta un poco. En este sentido, se empieza a prestar mucha atención a la ropa interior. Las medias están de moda y la enagua está ricamente decorada. La riqueza de la ropa interior también cobra importancia gracias a las ceremonias matutinas de damas, en las que también participan los caballeros.
Con todo esto, el vestido apenas enfatiza la figura. La atención se centra en el cuello, la cara, las manos, que parecían frágiles entre los volantes de encaje, volantes y cintas.
Las damas galantes se maquillaban tanto que, dicen, los maridos a menudo no reconocían a sus esposas. Y como en aquella época el polvo se elaboraba a partir de harina, las exigencias excesivas de los amantes de la moda a veces incluso provocaban una escasez temporal de este producto alimenticio en el país.
En la época rococó, las pelucas adquirieron formas verdaderamente grotescas y extrañas. En la cabeza llevan bodegones enteros de flores, plumas, barcos con velas e incluso molinos.
También se pusieron de moda los parches especiales de seda negra llamados "moscas". Sirvieron como una especie de simbolismo amoroso, centrando la atención de los caballeros en determinadas partes del cuerpo femenino. Debido a esta especificidad, las "moscas" a menudo se pegaban no solo en las partes abiertas del cuerpo, sino también debajo de la ropa. Algunos creen que la aparición de las "moscas" fue provocada por la epidemia de viruela, y en un principio ocultaban las cicatrices provocadas por esta terrible enfermedad.
Clasicismo y estilo Imperio
Cuando en 1734 la bailarina francesa Sale actuó con una falda ligera y transparente, confeccionada según un modelo antiguo, el público parisino la abucheó. Pero en Inglaterra su atuendo fue apreciado. El hecho es que mientras el rococó estaba rampante en Francia, en Foggy Albion nuevamente comenzaron a redescubrir “el gusto griego y el espíritu romano”, como declaró la Sociedad de Amantes de la Antigüedad de Londres. El clasicismo comenzó en la moda.
Incluso las joyas pasan de moda por un tiempo. Se cree que cuanto más bella es una mujer, menos joyas necesita.
La imitación de ropa antigua (principalmente el quitón y el peplo) también cambiaba la silueta de una mujer. El vestido adquiere proporciones claras y líneas suaves. La ropa principal de los amantes de la moda se ha convertido en el shmiz blanco como la nieve: una camisa de lino con un gran escote, mangas cortas, estrecha en la parte delantera y que envuelve holgadamente la figura de abajo. El cinturón se movió justo debajo del cofre. Dado que estos vestidos estaban hechos principalmente de fina muselina translúcida, las amantes de la moda corrían el riesgo de resfriarse en los días especialmente fríos. Por lo tanto, gracias a la campaña egipcia de Napoleón, los chales de cachemira se pusieron de moda como "complemento" del shmiz, que fueron ampliamente popularizados por la esposa del emperador, Josefina.
EN Siglo 19 la moda cambió rápidamente, los crinolines reemplazaron el antiguo ideal, ellos mismos fueron reemplazados por polisones, que a su vez sufrieron muchos cambios y a finales de siglo perdieron casi por completo su posición...
El colmo de la belleza era la “belleza aristocrática”: cintura de avispa, rostro aristocrático pálido, excesiva elegancia del cuerpo.
Las damas se atormentaban con dietas y enemas de limpieza, que los curanderos personales recomendaban tomar en vísperas del baile, "para aumentar el brillo en los ojos". Los círculos oscuros bajo los ojos eran un signo de espiritualidad. Dumas hijo escribió en aquella época que en los salones parisinos la tuberculosis era considerada una enfermedad de la élite intelectual. Las damas más elegantes no usaban rubor, sino que llevaban grandes lazos alrededor del cuello. Todos querían ser como Violetta Valerie de "La dama de las camelias".
A finales del siglo XIX, las mujeres se volvían completamente locas por la pasión por la delgadez; Incluso las mujeres embarazadas se pusieron corsés, tratando de alcanzar la marca deseada en la cinta métrica: 55. Este era precisamente el tamaño de cintura prescrito por la moda de esa época. En 1859, después de un baile, murió una fashionista de 23 años. Una autopsia reveló que el ajuste excesivo del corsé había provocado que tres costillas penetraran en su hígado.
Mucho más tarde, las mujeres descubrieron que la curvilínea Nana, la heroína de Zola, era mucho más atractiva que la “Dama de las Camelias”. Las personas de mayor rango comenzaron a sonrojarse y maquillarse, al igual que las mujeres del panel, horrorizadas ante la idea de que pudieran contraer tuberculosis. Se ha vuelto mucho más popular morir de apoplejía.
A finales del siglo XIX y XX la moda es demasiado extravagante. Ella es ridiculizada. Así describe N.A. a la “mujer demoníaca” de este período. Teffi en la historia del mismo nombre:
"Una mujer demoníaca se diferencia de una mujer común principalmente en su forma de vestir. Lleva una sotana de terciopelo negro, una cadena en la frente, una pulsera en la pierna, un anillo con un agujero para cianuro de potasio, que seguramente será llevado a ella el próximo martes”.
A principios del siglo XIX y XX, el ideal de belleza femenina en Occidente se acercaba al ideal oriental. La belleza parecía un crisantemo.
La elegante dama ahora se ve así: una cabeza pequeña con un peinado alto se convierte en un torso alargado, comprimido como un tallo de flor por un corsé; las mangas estrechas y los hombros caídos se parecen a las hojas; la falda estrecha se complementa con un polisón; Los tacones altos hacen que la marcha de la mujer sea insegura, lo que confiere fragilidad a toda la figura.
EN Siglo XX No existe un estándar único de belleza femenina, pero a juzgar por las modelos, las damas de moda son delgadas (al menos 170 cm) con senos desarrollados, cintura estrecha, caderas anchas y piernas largas.
El estilo Art Nouveau, que surgió a finales del siglo XIX y XX, se convirtió en la dirección definitoria de la época: el sentimiento de decadencia, desesperanza y tragedia condujo al surgimiento de la decadencia, que marcó la crisis de la cultura europea. En su deseo de resistir la moral burguesa generalmente aceptada, los seguidores del movimiento hicieron de la belleza un culto, incluso si era una continuación del vicio. Respondiendo a las exigencias de la época, la moda dicta languidez, palidez y tragedia acentuada. El ballet, una de las formas de arte más refinadas y abstractas, se convirtió en un signo de los tiempos y determinó todo lo que se convirtió en el fetiche estético de toda una generación: los salones seculares adoptaron todos sus descubrimientos escénicos: motivos de Oriente, una imagen dramática enfatizada con maquillaje, el rechazo a los corsés y las siluetas holgadas.
El fenomenal éxito de "Las estaciones rusas" de Diaghilev en París generó admiración por las bailarinas rusas: el nombre de la legendaria Anna Pavlova, la primera intérprete de "El cisne moribundo", se convirtió durante muchos años en el estándar de excelencia. En ese momento, el concepto de "símbolo sexual" no existía, y la estética del modernismo en sí no implicaba un llamamiento a lo terrenal y comprensible: los hombres de esa época querían reverenciar e inclinarse. El fantástico éxito de la bailarina rusa le dio al mundo la imagen de una belleza aireada y sobrenatural, que fue importante para la formación de los cánones de belleza en el contexto de la era de la decadencia.
Greta Garbo en 20 años también se convirtió en símbolo de la estética de la decadencia; La actriz más buscada de películas mudas y luego sonoras de principios del siglo XX, era la encarnación de los sueños de hombres (y mujeres): un perfil delgado, ojos enormes y tristes, un desapego teatralmente espectacular y un erotismo increíble para esa época. Los contemporáneos consideraban a Garbo la encarnación real del pecado, ¡y esto en una era de libertinaje, declive de los valores morales tradicionales y revoluciones!
Fue Garbo quien se convirtió en la fundadora del tipo andrógino de atractivo femenino, combinando la imagen de una mujer vampiro vaga y ambigua y una atleta masculina con pantalones y un sombrero de ala ancha. Este tipo de belleza y sexualidad pasó rápidamente de moda, pero en esa época Garbo no tenía ni podía tener rivales: estricta y seductora al mismo tiempo, le dio al mundo un nuevo tipo, cuya atracción erótica se basaba sobre un sentimiento de frialdad, misterio e inalcanzabilidad. La imagen de la pantalla se volvió tan apegada a la actriz que, en un esfuerzo por seguir siendo un misterio eterno, abandonó el cine en la cima de su carrera.
30 años El siglo XX es un breve momento en la historia mundial entre dos grandes guerras, cuando la humanidad recurrió al lujo deslumbrante en un esfuerzo por escapar de la realidad. La Gran Depresión, las guerras y las revoluciones dieron lugar a una sensación de inestabilidad y, como es habitual en tiempos de crisis, la sociedad jugó a la resistencia: en la intersección de la modernidad y el neoclasicismo nació el mismo glamour clásico, cuando las actrices eran deslumbrantemente hermosas. la moda era verdaderamente elegante y Hollywood estaba viviendo una época dorada, una era de estilo impecable y brillante.
Una mujer que salía a la calle con los labios sin pintar se consideraba desnuda y cualquier manifestación de naturalidad se consideraba de mala educación. Los íconos de la belleza y el estilo de la época eran sorprendentes por su cuidado, sofisticación y sofisticación; eran casi desesperadamente glamorosos en su deseo de estar a la altura de los altos estándares de la época.
EN 40 años Hollywood ya se ha convertido en un creador de tendencias en toda regla en la moda de las bellezas canónicas, pero el país vivía anticipando la guerra y, por lo tanto, las damas elegantes vestidas de seda y niebla están abandonando temporalmente las pantallas. La huella de la posición social del arte de masas estaba literalmente en todo: las mujeres intentaban no ser cautivadoras y deseables, sino activas, decisivas, iguales a los hombres en casi todo.
La moda de las rubias se está convirtiendo en una cosa del pasado: en la cima de la popularidad, las mujeres de cabello castaño, las expresiones faciales ingenuas, los peinados como de muñecas y los labios pequeños y bien definidos. Un nuevo fenómeno social de la “chica de portada” nace gracias a la increíble popularidad de la revista Life el 11 de agosto de 1941, con la imagen de la belleza semidesnuda Rita Hayworth, que adornaba la bomba atómica lanzada sobre la isla Bikini. Gracias a esta sesión de fotos, el concepto de "bomba sexual" entra en uso y la chica modelo de la noche a la mañana se convierte en un objeto de deseo para toda América.
Con el fin de la guerra, la feminidad vuelve naturalmente a estar de moda. Se considera que el punto de inflexión en el mundo de la “alta costura” fue el año 1947, cuando Christian Dior presentó la colección “New Look”. La silueta del nuevo ideal de belleza a partir de ahora se convirtió en esto: hombros redondos e inclinados, un corpiño ajustado que enfatiza el pecho, una cintura delgada, una cabeza pequeña y piernas con zapatos ligeros de tacón alto. El vestido se alargó hasta la mitad de la pantorrilla y se ensanchó. Para realzar la impresión de las líneas redondeadas del pecho y la cintura, se colocaron grandes cantidades de tela debajo de la cintura, ensanchando las caderas. Para crear la "ligereza" del vestido, a menudo se quitaba una enagua de varias capas. Los corsés comenzaron a usarse nuevamente (pero en su mayoría no rígidos).
Descubiertas en 1938, las medias de nailon se generalizaron, eliminaron las costuras longitudinales y se ganaron el corazón de las mujeres durante mucho tiempo.
El ideal de la belleza. década de 1950 se convirtió en Marilyn Monroe: una rubia regordeta con cabello rizado hasta los hombros, labios "atractivos", senos, caderas y cintura exuberantes; por el bien de su diminuta estrella de cine, se quitó dos costillas inferiores.
Sin embargo, ahora los modistos han actuado con prudencia. En lugar de promover un tipo de belleza, fueron pioneros en la introducción de múltiples siluetas de vestidos. En 1958, Dior presentó al público una línea de ropa “trapezoidal” que se expandía desde los hombros, así como una amplia línea “en forma de bolso” en la que la cintura “desaparecía” por completo. La moda se vuelve, como dicen, para todos los gustos...
Mini y sexy, hippie y Twiggy (años 60-70)
La década de 1960 estuvo marcada por una revolución juvenil y sexual. Los jóvenes y atrevidos, probablemente por primera vez en la historia, anunciaron la creación de su propia visión del mundo, su propia música y su propia moda.
Uno de los logros más sorprendentes de la moda fue la “liberación” final de las piernas femeninas, llevada a cabo por la diseñadora de moda británica Mary Quant. Fue ella quien inventó la minifalda, por la que incluso recibió la Orden del Imperio Británico en 1966 (aunque la interpretación del premio era “por servicios a las exportaciones inglesas”). Las medias se están volviendo innecesariamente arriesgadas y las medias, especialmente las opacas, se están poniendo de moda.
Para anunciar el “mini” también se necesitaba un modelo correspondiente. Si antes la fama de "ídolos de la belleza" pertenecía a mujeres "formadas", principalmente actrices, ahora la ha ganado la joven de 16 años Twiggy (traducida del inglés como "twig", "twig"). El apodo no se lo pusieron en vano: con una altura de 1m 65 cm, ¡pesaba sólo 45 kg! Las películas también conservaron la imagen de otros "ideales de belleza" de los años 60: la sexy y lujosa BB - Brigitte Bardot y la elegante y sofisticada Audrey Hepburn.
Finales de la década de 1960 Los hippies, los llamados "niños de las flores", comienzan a dictar la moda juvenil. Los jeans rotos, las joyas con cuentas, el cabello largo, los vestidos florales brillantes, junto con la predicación del amor libre y el regreso a la naturaleza, parecían extremos y revolucionarios en aquel entonces. Los hippies se opusieron deliberadamente a sus "padres" y encarnaron la "antimoda".
Sin embargo, gran parte de la moda hippie radical década de 1970, “acariciado y peinado” se convierte en “mainstream”. En primer lugar, se trata de pantalones acampanados, decoración luminosa, telas coloridas, prendas de punto: bufandas, suéteres, cuellos de tortuga. Las faldas vuelven a alargarse, la practicidad y la sencillez prevalecen en la confección. Las mujeres dejan de usar sujetadores. Se están poniendo de moda los tejidos sintéticos y resistentes a las arrugas.
El ideal de la belleza femenina es una rubia frágil, alta, de pecho plano, ojos grandes, flequillo lateral y cejas finas. Para el pueblo soviético, el estándar femenino de la década de 1970 es, en muchos sentidos, Barbara Brylska de la película Enjoy Your Bath!
En la década de 1980, el mundo capitalista se enriqueció y finalmente se convirtió en una “sociedad de consumo”. La riqueza y el poder, la ostentosa elegancia y el lujo se convirtieron en los principales valores de esta época. Una empresaria profesional y segura de sí misma y una chica vulgar y agresivamente sexy: estas son las dos imágenes femeninas principales de los años 80.
Un estricto traje de negocios hecho de telas caras se caracteriza nuevamente por una amplia línea de hombros, la personificación de la fuerza y el poder de las mujeres feministas. Los pantalones se usan rectos o "plátano", estrechándose hacia abajo. Para confirmar el alto coste de las cosas, muchas etiquetas de marcas de moda se colocan en la parte delantera de la ropa.
Una mujer se esfuerza por todos los medios por parecer impresionante y liberada. El fitness y el aeróbic están de moda, lo que significa un cuerpo esbelto y atlético. Para los perezosos, nuevamente, está la silicona y la cirugía plástica.
Vestidos ajustados, bodis elásticos, leggings y otras prendas confeccionadas en lycra y elásticos están diseñados para demostrar la sexualidad de las curvas. Gracias a la cantante pop Madonna, la ropa interior deja de ser algo íntimo y se muestra al público por primera vez. Los cosméticos se vuelven brillantes y provocativos, los peinados se vuelven desaliñados y multicolores, las joyas se vuelven masivas (en muchos sentidos, esto es una respuesta a la próxima "antimoda" de los punks que causó sensación a fines de la década de 1970).
Fue en los años 80 cuando comenzó la era de las “supermodelos”, ahora son modelos a seguir.
En los años 90, el péndulo de la moda volvió a girar en la dirección opuesta. El lujo es reemplazado por el minimalismo, la sexualidad demostrativa por el modelo unisex y las modelos regordetas por la delgada Kate Moss. La silueta sencilla y la falta de decoración están de moda. El fundador de la moda unisex, Calvin Klein, propone el lema “¡Just be!” Los elementos de un traje de hombre penetran en el de mujer y viceversa: la ropa de hombre se modela según los cánones de las mujeres. Ahora los niños y las niñas visten igual: camisetas, pantalones holgados, botas gruesas con plataforma. Los caracteres sexuales secundarios no se enfatizan de ninguna manera.
Pero ya a finales de los años 1990, lo “unisex” y lo “heroína chic” estaban desapareciendo. La humanidad una vez más se ha enamorado de las bellezas saludables y con curvas. Sin embargo, la industria de la moda ya no busca apostar por nuevos modelos, cambiándolos constantemente. Las tendencias de la moda también están cambiando vertiginosamente, la mayoría de ellas mezclando y citando épocas pasadas.
¿Qué sigue para nosotros? Esperaremos y veremos :) Pero, para ser honesto, no me gustaría que la moda se obsesionara con ningún "canon", todos somos tan diferentes que sería imperdonable privarnos de nuestra individualidad, confiando en el caprichos de los diseñadores.
