Istoria artei Romei antice pentru copii. Arta plastică a Romei antice. Caracteristici ale culturii Romei antice. Înconjurat de compozitorii Mighty Handful

Potrivit tradițiilor antice, Roma s-a format la mijlocul secolului al VIII-lea î.Hr. e. Cultura, care era considerată una dintre cele mai influente în perioada antichității, a avut un impact uriaș asupra civilizației europene. Și asta în ciuda faptului că pictura și sculptura Romei antice se bazează pe motive grecești, iar teatrul și muzica sunt indisolubil legate de tradițiile antice etrusce.

Caracteristicile artei romane antice

Spre deosebire de alte țări antice, romanii nu atribuiau artei sarcini educaționale sau morale. Dimpotrivă, artele plastice ale Romei Antice erau de natură mai utilitară, deoarece era considerată doar o modalitate de organizare rațională a spațiului de locuit. De aceea arhitectura a ocupat un loc important în viața populației acestei țări străvechi. Civilizația Romei Antice își amintește încă de ea însăși cu clădiri monumentale: temple, arene și palate.

Pe lângă monumentele de arhitectură magnifice, cultura Romei din antichitate poate fi judecată și prin numeroasele sculpturi care erau portrete ale celor care au trăit în acea perioadă. Viața în Roma antică a fost întotdeauna supusă unor reguli stricte, iar în unele perioade, portretele sculpturale au fost create doar pentru a perpetua chipurile conducătorilor sau ale oamenilor celebri. Abia după ceva timp, sculptorii romani au început să-și înzestreze statuile cu personaje sau trăsături deosebite. Creatorii romani au preferat să înfățișeze evenimente istorice importante sub formă de basoreliefuri.

Este demn de remarcat faptul că trăsăturile constă în absența aproape completă a unor fenomene precum teatrul - în sensul obișnuit pentru noi, precum și propria noastră mitologie. Folosind imaginile create de greci pentru mulți romani magnifici, ei fie au distorsionat evenimentele pentru a le face pe plac autorităților lor, fie nu le-au acordat prea multă importanță. Acest lucru s-a întâmplat în primul rând pentru că artele plastice ale Romei Antice s-au dezvoltat sub influența ideologiei dominante, care era străină de principiile filosofice abstracte și de ficțiunea artistică.

Trăsături distinctive ale artei Romei antice

În ciuda existenței dovedite a Romei ca civilizație separată, istoricii pentru o lungă perioadă de timp nu au putut separa arta greacă antică de arta romană. Cu toate acestea, datorită faptului că multe lucrări din moștenirea artistică și arhitecturală a Romei Antice au fost păstrate până în prezent, a fost posibil să se determine principalele caracteristici inerente exclusiv lucrărilor romane antice. Deci, ce realizări și invenții ale Romei Antice în domeniul artei plastice o caracterizează ca fiind un fenomen independent?

1. Realizarea arhitecturală a romanilor a fost combinația dintre percepția spațială și formele artistice în clădiri. Arhitecții romani au preferat să ridice clădiri și ansambluri separate în zonele joase naturale, iar dacă nu existau, au înconjurat structurile cu ziduri mici.
2. Spre deosebire de imaginile plastice grecești, arta romană a pus alegorie, simbolism și natura iluzorie a spațiului. Aceste invenții ale Romei antice în raport cu reprezentarea sculpturală și artistică au făcut posibilă înzestrarea cu caracter nu numai portretelor sculpturale, ci și imaginilor mozaice sau fresce.
3. Artiștii romani antici au dezvoltat pictura de șevalet care își are originea în Grecia, care practic nu era larg răspândită în patria sa istorică.

În ciuda abundenței de trăsături subtile și abia vizibile pentru ochiul profanului, există un factor care permite chiar și unui nespecialist să determine dacă un obiect sculptural sau arhitectural aparține culturii romane antice. Aceasta este dimensiunea lui. Civilizația Romei Antice este cunoscută în întreaga lume pentru clădirile și sculpturile sale grandioase. Valoarea lor este de câteva ori mai mare decât analogii din Grecia antică și din alte țări.

periodizare

Artele plastice ale Romei Antice s-au dezvoltat în mai multe etape, care corespundeau perioadelor de formare istorică a statului însuși. Dacă istoricii împart evoluția artei antice grecești în formare (arhaică), înflorire (clasică) și perioadă de criză (elenism), atunci dezvoltarea artei antice romane capătă noi trăsături în timpul schimbării dinastiei imperiale. Acest fenomen se datorează faptului că factorii socio-economici și ideologici au jucat un rol fundamental în schimbarea formelor stilistice și artistice.

Etapele evoluției artei la Roma sunt considerate a fi perioada regatului roman (sec. 7-5 î.Hr.), cea republicană (sec. 5-1 î.Hr.) și perioada Imperiului Roman (sec. 1-2 î.Hr.). ANUNȚ). Adevărata înflorire a tuturor tipurilor de arte, inclusiv sculptura, teatrul, muzica și artele artistice și aplicate, a venit la sfârșitul secolului I î.Hr. e. și a continuat până când

Arta perioadei țariste

Formarea artei romane antice datează din secolul al VIII-lea î.Hr. e., când motivele principale în arhitectură sunt metodele etrusce de planificare a clădirilor, zidăria și utilizarea materialelor de construcție. Acest lucru poate fi judecat după templul lui Jupiter Capitolinus. Pictura și realizarea de obiecte decorative sunt, de asemenea, strâns legate de rădăcinile etrusce. Abia pe la mijlocul secolului al VII-lea î.Hr. e., când romanii au colonizat Grecia, s-au familiarizat cu tehnicile artistice ale grecilor. Este demn de remarcat faptul că artiștii romani antici au încercat deja să-și creeze lucrările cât mai aproape de originale. Istoricii atribuie acest lucru tradiției de a face măști de ceară de moarte care repeta exact trăsăturile feței unei persoane. Zeii Romei antice, ale căror statui au fost realizate în perioada regatului roman, erau reprezentați în același mod ca oamenii obișnuiți.

Arta perioadei republicane

Perioada republicană a statului roman a fost marcată de formarea definitivă a arhitecturii: fără excepție, toate complexele (locuințe și templu) au căpătat o structură axială și o simetrie. Fațada clădirii era decorată mai magnific, iar o urcare (de obicei o scară de piatră) ducea la intrare. Dezvoltarea rezidențială din clădiri cu mai multe etaje se răspândește în orașe, în timp ce segmente bogate ale populației construiesc case la țară cu terase, decorate cu fresce și compoziții sculpturale. În această perioadă, s-au format în sfârșit tipuri de clădiri precum teatrul Romei Antice (amfiteatru), apeducte și poduri.

Artele vizuale s-au bazat pe sculptura portret: oficială și privată. Primul a servit scopului imortalizarii oamenilor de stat, iar al doilea a existat grație comenzilor pentru fabricarea de statui și busturi pentru case și morminte. Clădirile publice erau decorate cu basoreliefuri înfățișând scene istorice sau imagini din viața de zi cu zi a statului. În temple, se puteau vedea cel mai adesea picturi (inclusiv mozaicuri și fresce) reprezentând zeii Romei Antice.

Imperiul Roman: ultima perioadă a dezvoltării artei

Perioada este considerată vremea adevăratei înfloriri a artei romane antice. Arhitectura este dominata de arcade, bolti si cupole. Pereții de piatră sunt peste tot acoperiți cu cărămidă sau marmură. Spațiile mari din camere sunt ocupate de picturi și sculpturi decorative. Artele plastice ale Romei antice în această perioadă suferă schimbări semnificative. Când se realizează portrete sculpturale, se acordă mai puțină atenție caracteristicilor individuale, care uneori arată oarecum schematic. În același timp, sculptorii au încercat să înfățișeze rapiditatea mișcărilor, starea emoțională a persoanei înfățișate (poziția corpului, a brațelor și a picioarelor, coafura etc.). Imaginile în basorelief iau forma unor panorame cu un complot care se dezvoltă treptat.

Spre deosebire de perioada anterioară, ea devine mai complexă datorită introducerii peisajului și fundalurilor arhitecturale. Vopselele folosite pentru fresce sunt mai strălucitoare, iar combinațiile de culori sunt mai contrastante. Pe lângă mozaicurile colorate, alb-negru este distribuit pe scară largă.

Cele mai cunoscute portrete sculpturale

Portretele romane ale oamenilor de stat, zeilor și eroilor sunt reprezentate prin busturi sau statui la dimensiunea normală. Cel mai vechi portret roman antic este considerat a fi un bust de bronz al lui Junius Brutus. Are o mare influență a artei grecești, totuși, trăsăturile faciale tipice romane și o ușoară asimetrie fac posibil să ne convingem încă o dată că sculptorii romani antici deja atunci, în secolul al III-lea î.Hr. e., au dat lucrărilor lor un maxim de realism. În ciuda lipsei tehnologiilor moderne de prelucrare a metalelor, micile detalii ale bustului sunt frumos executate. În primul rând, acest lucru se observă în gravura fină a bărbii și a părului.

Cel mai realist este încă considerat a fi portretul sculptural al lui Vespasian, împăratul roman. Maestrul nu numai că și-a transmis imaginea în cel mai mic detaliu, ci și-a înzestrat bustul cu trăsături caracteristice. Ochii atrag o atenție deosebită: adânciți și mici, ei radiază viclenia și inteligența naturală a împăratului. Dar cel mai remarcabil este faptul că sculptorul a înfățișat și cele mai mici detalii (vene și vene încordate pe gât, riduri care traversează frunte), care vorbesc despre forța și inflexibilitatea conducătorului statului. Nu mai puțin expresiv a fost bustul cămătarului Lucius Caecilius Jucundus, ai cărui ochi lacomi și părul gras sunt înfățișați cu o acuratețe uimitoare.

Mari monumente de arhitectură ale epocii romane antice

Până în prezent, nici măcar una dintre clădirile construite în epoca Romei Antice nu a fost păstrată pe deplin. Cel mai faimos și faimos dintre ele este Colosseum - o arenă în care aveau loc lupte de gladiatori și spectacole ale oamenilor de stat de diferite niveluri, inclusiv împărați. Templul lui Saturn, care a fost distrus în mod repetat și reconstruit din nou, are o istorie nu mai puțin vie. Spre deosebire de Colosseum, acesta nu poate fi văzut, deoarece din magnifica clădire au rămas doar câteva coloane. Dar ei au reușit să salveze celebrul Panteon, sau templul tuturor zeilor, care este o clădire destul de mare, culminată cu o cupolă.

Poeții Romei Antice și operele lor

În ciuda mitologiei împrumutate de la greci, vechii romani aveau și propriile lor talente în domeniul adăugării de poezie, cântece și fabule. Cei mai cunoscuți poeți ai Romei sunt Vergiliu și Horațiu. Primul a devenit celebru pentru scrierea poeziei „Eneida”, care amintea foarte mult de „Iliada” de Homer. În ciuda componentei poetice și artistice mai puțin expresive, acest poem este încă considerat standardul limbii latine originale. Horațiu, dimpotrivă, avea o stăpânire excelentă a cuvântului artistic, datorită căruia a devenit poet de curte, iar replici din poeziile și cântecele sale încă apar în operele multor scriitori.

Artă teatrală

Teatrul Romei antice semăna inițial puțin cu ceea ce considerăm noi astăzi. Aproape toate spectacolele au fost organizate în genul concursurilor de poeți și muzicieni. Numai ocazional, cunoscătorii romani antici de artă se puteau bucura de interpretarea actorilor, însoțiți de un cor mare. Adesea publicului i s-au arătat numere de circ, pantomimă teatrală și dansuri solo sau de grup. O trăsătură distinctivă a spectacolului de teatru roman antic a fost numărul mare al trupei. În acest sens, publicul a spus că au fost mai puțini decât actori.

Este de remarcat faptul că la acea vreme nu acordau prea multă atenție costumelor și machiajului. Numai că uneori, jucând rolul unui împărat sau al unei persoane semnificative în stat, actorii s-au îmbrăcat în haine mai magnifice de culoare roșie. Repertoriul a constat în principal din lucrări ale poeților romani: Horațiu, Vergiliu și Ovidiu. Destul de des, narațiunile și cântările fără grabă din teatre erau înlocuite cu lupte sângeroase de gladiatori, la care publicul mergea cu nu mai puțină plăcere.

Muzica si instrumente muzicale

Muzica Romei antice s-a format independent de greaca veche. În timpul evenimentelor și spectacolelor publice, cele mai populare erau instrumentele muzicale capabile să producă un sunet foarte puternic: țevi, claxone și altele asemenea. Cu toate acestea, cel mai adesea în timpul spectacolului au fost preferate timpanii, harpele și citarele. Este de remarcat faptul că toată lumea era pasionată de muzică, inclusiv împărații romani. Printre muzicieni și cântăreți au fost cei care au fost imortalizați în sculptură. Cântăreții și kyfaredii Apelles, Terpnius, Diodorus, Anaxenor, Tigelius și Mesomedes s-au bucurat de o popularitate și dragoste deosebită în rândul poporului roman în acea epocă. Muzica Romei Antice este încă vie, deoarece s-au păstrat nu numai motivele principale, ci și instrumentele muzicale.

Influența artei romane antice asupra modernității

Se vorbește multe despre influența civilizației romane asupra modernității și peste tot. Desigur, caracteristicile Romei Antice, sau mai bine zis, ale zonei sale care se referă la artă, nu au fost încă prezentate integral. Cu toate acestea, se poate deja susține că arhitectura, sculptura și artele plastice ale epocii romane antice au influențat direct componenta culturală a aproape tuturor statelor europene. Acest lucru este vizibil mai ales în arhitectură, când armonia și măreția clădirilor este închisă într-o formă clară simetrică.

AGENȚIA FEDERALĂ PENTRU EDUCAȚIE

Instituție de învățământ de stat de învățământ profesional superior

Universitatea Pedagogică de Stat Rusă. A.I. Herzen

FACULTATEA DE MUZICA

Departamentul de Educație și Educație Muzicală

Curs de istoria muzicii ruse

Lucrări simfonice ale lui N.A. Rimski-Korsakov

Efectuat

student anul 2

departamentul de seară

Kraineva Maria

consilier științific

Verba Natalia Ivanovna

Sankt Petersburg 2010

Introducere

Acest subiect este relevant, deoarece: moștenirea creativă a lui Rimsky-Korsakov este foarte mare. A scris un număr mare de compoziții în diverse genuri muzicale. Calea creativă a lui Rimsky-Korsakov acoperă o eră complexă, bogată și diversă a dezvoltării muzicale a Rusiei. Muzica lui este iubită și admirată până astăzi.

Cine a scris despre compozitor: Rimsky-Korsakov N.A., „Cronica vieții mele muzicale”, Moscova, „Muzica”, 1980; muzicologul Abram Akimovich Gozenpud într-un interviu revista de teatru din Petersburg (2002) a citat o scrisoare a lui Rimski-Korsakov în care își explică atitudinea față de propria sa opera; Maslov A., cântec popular rusesc în operele lui Rimski-Korsakov, „Muzică și viață”, 1909; Grachev P. V., Laitmotiv în operele lui Rimski-Korsakov, în cartea: De musica, nr. 3, L., 1927; Rushanov V. A., N. A. Rimski-Korsakov (1844-1908), L., 1928; Maggit S. D., Trăsături stilistice ale romanțelor de N. A. Rimsky-Korsakov, în colecția: Romantism rusesc, Experiența analizei intonației, ed. B. V. Asafiev, Moscova-Leningrad, 1930. Solovtsov A. A., N. A. Rimski-Korsakov, M., 1948, 1958; Solovtsov A., Opere simfonice ale lui Rimski-Korsakov, Moscova, Editura Muzicală de Stat, 1953; Kabalevsky D. B., Rimski-Korsakov și modernismul, „SM”, 1953, nr. 6-8; Berkov V. O., Manualul de armonie al lui Rimski-Korsakov, M., 1953; Tretyakova L.S., Pagini de muzică rusă, Moscova, „Cunoașterea”, 1979; Ratskaya Ts., N.A. Rimski-Korsakov, Moscova, „Muzică”, 1958; Barsova L., Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov, Leningrad, „Muzica”, 1986; Komissarskaya M.A., Muzica rusă a secolului XIX, Moscova, „Cunoașterea”, 1974; Keldysh Yu., Istoria muzicii ruse, Moscova-Leningrad, Editura Muzicală de Stat, 1947 (partea a 2-a); Rapatskaya L.A., Istoria muzicii ruse din Rusia antică până în „Epoca de argint”, Moscova, Vlados, 2001; Kobalevsky D.B., Ossovsky A.V., Tumanina N.V., Yankovsky M.O., Moștenirea muzicală. Rimski-Korsakov, Moscova, Editura Academiei de Științe a URSS, 1953; si multi alti autori.

Obiectul este opera simfonică a lui Rimski-Korsakov, subiectul este trăsăturile operei simfonice.

Scopul este de a considera și studia opera simfonică a lui N.A. Rimski-Korsakov.

Sarcini: 1. Să se familiarizeze cu biografia lui Rimsky-Korsakov; 2. Studiază-i ideile principale, dă o descriere generală a creativității; 3. Familiarizați-vă cu conceptul de „simfonism clasic rusesc” și luați în considerare dezvoltarea muzicii simfonice rusești în secolul al XIX-lea; 4. Luați în considerare programul lucrărilor simfonice ale lui Rimski-Korsakov pe exemplul tabloului muzical pentru orchestra simfonică „Sadko”, suita simfonică „Antar” și suita simfonică „Sheherazade”; 5. Luați în considerare lucrările simfonice care nu au un program publicat de autor pe exemplul primei și a treia simfonii și „Capriccio pe teme spaniole”; 6. Luați în considerare uverturi, suite simfonice din opere și transcripții ale scenelor de operă pentru o orchestră simfonică pe exemplul uverturii la operă Noapte de mai, suita simfonică din opera Fecioara zăpezii și suita din opera Noaptea înainte de Crăciun; 7. Rezumați toate cele de mai sus și trageți o concluzie: care sunt trăsăturile operei simfonice a lui Rimski-Korsakov.

Structura lucrării: introducere, conținut (partea 1 - Scurtă biografie, caracteristici generale ale creativității și ideilor; partea a 2-a - Creativitatea simfonică), concluzie, listă de referințe, cuprins.

scurtă biografie

Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (6 martie (18), 1844, Tikhvin, provincia Novgorod - 8 iunie (21), 1908, moșia Lyubensk, lângă Luga, provincia Sankt Petersburg) - compozitor rus, profesor, dirijor, persoană publică, muzică critic; reprezentant al „Mighty Handful”, a condus cercul Belyaevsky. Printre lucrările sale se numără 15 opere, 3 simfonii, lucrări simfonice, concerte instrumentale, cantate, muzică instrumentală de cameră, vocală și sacră.

Copilărie și tinerețe

Rimsky-Korsakov s-a născut în micul oraș Tikhvin. Tatăl compozitorului - Andrey Petrovici Rimski-Korsakov (1784-1862) - a servit de ceva timp ca viceguvernator Novgorod, iar apoi guvernator în Volyn, mama sa - Sofia Vasilievna - fiica unei țărănci iobag și a unui proprietar de pământ bogat Skaryatin, o femeie destul de educată. O influență puternică asupra viitorului compozitor a exercitat-o ​​și fratele său mai mare Voin Andreevich, contraamiral, reorganizator al sistemului de învățământ naval. Casa familiei Rimski-Korsakov era situată pe malul râului Tikhvinka, vizavi de Mănăstirea Tikhvin Bolshoy Bogoroditsky.

Compozitorul a învățat să cânte la pian acasă, iar apoi la un internat, unde lecțiile de muzică erau printre alte discipline educaționale generale. Se știe că din copilărie compozitorul a fost pasionat de muzică, s-a familiarizat cu operele lui Rossini, Beethoven, Meyerbeer, Mendelssohn, dar cea mai mare impresie asupra lui a fost muzica lui M. I. Glinka - „Kamarinskaya”, „Uverturi spaniole” ”, opera „Viața pentru țar” și „Ruslan și Lyudmila”. În 1859-1869, simțind nevoia de a dobândi mai multe abilități muzicale profesionale, Rimsky-Korsakov a luat lecții de la pianistul F. A. Canille.

În 1856, tatăl său l-a dus pe tânărul Nikolai la Corpul de Cadeți Navali, din care a absolvit cu onoare în primăvara anului 1862 (la vremea aceea instituția de învățământ și-a schimbat numele în Școala Navală). Până atunci, tatăl compozitorului murise (în 1861), iar familia Rimski-Korsakov s-a mutat la Sankt Petersburg.

Cunoștință cu Balakirev, serviciu la Almaz

În 1861, Canille l-a prezentat pe N. A. Rimsky-Korsakov lui M. A. Balakirev. Tânărul compozitor a devenit imediat membru al cercului Balakirev („Mâna cea puternică”), care a avut o influență decisivă asupra formării personalității sale și a opiniilor estetice ale compozitorului. În acel moment, pe lângă capul său - Balakirev - și însuși Rimski-Korsakov, cercul includea pe Caesar Cui și Modest Mussorgsky. Balakirev, care a supravegheat munca colegilor mai tineri, nu numai că a determinat compozitorii să ia decizii potrivite pentru compozițiile pe care le-au creat, dar și-a ajutat și camarazii cu instrumente.

În 1862-1865, Rimsky-Korsakov a fost repartizat în serviciul naval pe clipperul Almaz, datorită căruia a vizitat o serie de țări - Anglia, Norvegia, Polonia, Franța, Italia, Spania, SUA, Brazilia. Impresii din viața marină au fost întruchipate după un timp în peisaje maritime uimitoare, pe care a reușit să le surprindă în lucrările sale prin intermediul culorilor orchestrale. Lucrările la mașina de tuns nu au lăsat mult timp pentru îmbunătățirea abilităților muzicale, așa că singura lucrare care a apărut în această perioadă din condeiul compozitorului a fost partea a doua (Andante) a Simfoniei I (sfârșitul anului 1862), după care Rimski-Korsakov a abandonat. scriind mult timp.

rimsky korsakov compozitor simfonic

Viața creativă a anilor 70, 80, 90

Din anii 70. limitele activităților muzicale ale lui Rimski-Korsakov s-au extins: a fost profesor la Conservatorul din Sankt Petersburg (din 1871, cursuri de compoziție practică, instrumentare, orchestrală), inspector de fanfare al Departamentului Naval (1873-84), director de Școala de Muzică Liberă (1874-1881), dirijor de concerte simfonice (din 1874), și mai târziu de spectacole de operă, în calitate de asistent manager al Capelei de Cânt al Curții (1883-94), a condus Cercul Belyaevsky (din 1882). La mijlocul anilor '70. a lucrat la perfecţionarea tehnicii sale de compunere. În această perioadă, în 1871, a fost invitat să predea la Conservatorul din Sankt Petersburg, cu titlul de profesor; și, după ce a început să predea la Conservator, Rimski-Korsakov descoperă neajunsuri serioase în educația sa muzicală și el însuși începe să studieze cu entuziasm disciplinele predate la Conservator.

Rimski-Korsakov a scris despre numirea sa ca profesor la conservator: „În vara anului 1871, un eveniment important a avut loc în viața mea muzicală. Într-o bună zi, Azanchevsky a venit la mine, tocmai ce a preluat postul de director al Conservatorului din Sankt Petersburg în locul lui N. I. Zaremba, care plecase. Spre surprinderea mea, m-a invitat să intru la conservator ca profesor de compoziție practică și instrumentație, precum și profesor, i.e. lider, clasa orchestrală. [N. Rimski-Korsakov „Cronica vieții mele muzicale”, Moscova, „Muzica”, 1980, p. 93]

În anii 80. a acordat o mare atenție genurilor simfonice, tocmai în această perioadă și-a creat cea mai mare pânză simfonică epică - suita simfonică „Scheherazade”.

La începutul anilor 90. s-a înregistrat un anumit declin al activității creative (în această perioadă a studiat filosofia, a scris articole, a revizuit și a editat unele dintre lucrările sale anterioare). În a doua jumătate a anilor '90. creativitatea a căpătat o intensitate excepţională: au apărut operele „Sadko” (1896), „Mireasa ţarului” (după mai, 1898). În timpul Revoluției din 1905-07, Rimski-Korsakov a susținut activ cererile studenților grevi, a condamnat deschis acțiunile administrației reacționare a Conservatorului din Sankt Petersburg (a fost concediat din conservator, revenit abia după conservatorului i s-au acordat drepturi autonome parțiale și o schimbare a conducerii). Rimski-Korsakov a murit la 11 iunie 1908 din cauza unei insuficiențe cardiace. A fost înmormântat la cimitirul Novodevichy din Sankt Petersburg.

Caracteristici generale ale creativității și ideilor

Opera lui Rimski-Korsakov de-a lungul a mulți ani de activitate (peste 40 de ani) a suferit modificări, reflectând nevoile vremii, concepțiile estetice ale compozitorului și stilul său au evoluat. Rimsky-Korsakov s-a format ca muzician în atmosfera ascensiunii publice din anii 1960. sub influența principiilor estetice ale „Noii Școli muzicale rusești”. Cea mai importantă dintre ele - dorința de naționalitate, conținut ridicat, semnificația socială a artei - compozitorul a dus-o de-a lungul întregii sale vieți. În același timp, era mai interesat de problemele interne specifice ale artei decât alți membri ai cercului Balakirev. Rimsky-Korsakov se caracterizează prin identificarea principiului estetic în fiecare compoziție, dorința de frumos, perfecțiunea execuției. De aici o atenție deosebită acordată problemelor de profesionalism și estetică particulară a măiestriei, care a adus principiile lui Rimski-Korsakov mai aproape de tendințele generale în dezvoltarea artei rusești la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. În apariția creativă a lui Rimsky-Korsakov, există multe asemănări cu M. I. Glinka. În primul rând - armonia viziunii asupra lumii, echilibrul interior, arta subtilă, gust impecabil, simțul proporției artistice, claritatea clasică a gândirii muzicale.

Gama de teme și intrigi întruchipate de Rimski-Korsakov este largă și variată. La fel ca toți „kuchkisții”, compozitorul s-a orientat către istoria rusă, imagini ale vieții populare, imagini ale Orientului, a atins, de asemenea, zona dramei de zi cu zi și sfera lirică și psihologică. Dar cu cea mai mare completitudine, talentul lui Rimski-Korsakov a fost dezvăluit în lucrări legate de lumea fanteziei și diverse forme de artă populară rusă. Un basm, o legendă, o epopee, un mit, un ritual determină nu numai subiectul, ci și sensul ideologic al majorității operelor sale. Dezvăluind tonurile filozofice ale genurilor folclorice, Rimsky-Korsakov dezvăluie viziunea asupra lumii a oamenilor: visul lor etern de o viață mai bună, de fericire, întruchipată în imaginile țărilor și orașelor luminoase de basm Kitezh); idealurile sale morale și estetice, care sunt întruchipate, pe de o parte, de eroinele captivant de pure și blânde ale operelor (Prițesa din Kashchei Nemuritorul, Fevronia), pe de altă parte, de cântăreții legendari (Lel, Sadko), aceste simboluri ale artei populare care se stinge; admirația lui pentru puterea dătătoare de viață și frumusețea veșnică a naturii; în cele din urmă, credința indestructibilă a oamenilor în triumful forțelor luminii, dreptății și bunătății - sursa optimismului inerentă lucrării lui Rimski-Korsakov.

Atitudinea lui Rimski-Korsakov față de cel reprezentat este, de asemenea, asemănătoare cu arta populară. Potrivit lui B.V. Asafiev, „...între empatia personală a compozitorului și obiectul operei sale există un mediastin minunat: cum gândesc oamenii despre asta și cum și-ar întruchipa oamenii gândul despre asta?...”. Această detașare a poziției autorului a determinat obiectivitatea tonului caracteristică lui Rimski-Korsakov și predominarea principiilor epice ale dramaturgiei în majoritatea operelor sale. De aceasta se leagă și trăsăturile specifice ale versurilor sale, mereu sincere și în același timp lipsite de tensiune emoțională - calm, întreg și oarecum contemplativ.

În opera lui Rimski-Korsakov, dependența de folclorul muzical rusesc (în principal straturile sale cele mai vechi) și de tradițiile clasicilor naționali (Glinka) sunt combinate organic cu dezvoltarea largă a tendințelor picturale și coloristice ale artei romantice, ordinea și ordinea. echilibrul tuturor elementelor limbajului muzical. Compozitorul introduce în operele sale cântece populare autentice și își creează propriile melodii în spiritul cântecelor populare. (Deosebit de tipice pentru el sunt temele diatonice arhaice în metri impare complexe, cum ar fi, de exemplu, refrenul final din „The Snow Maiden” pe 11/4). Intonațiile cântecelor colorează și melodia lirică (în principal operică) a lui Rimski-Korsakov. Dar, spre deosebire de temele populare, se caracterizează mai mult prin completitudine structurală, disecție internă și repetarea periodică a legăturilor motive. Tipic pentru Rimski-Korsakov sunt melodiile mobile, bogat ornamentate, de natură instrumentală, adesea introduse în părțile vocale ale personajelor de operă fantastică (Volhova, Prințesa Lebedelor).

Dezvoltarea materialului tematic de către Rimski-Korsakov nu duce de obicei la transformări intonaționale radicale. La fel ca toți „kuchkisții”, compozitorul folosește pe scară largă și variat tehnicile variaționale, completându-le cu polifonie – adesea subvocală, dar adesea imitativă.

Gândirea armonioasă a lui Rimski-Korsakov se distinge prin logică strictă, claritate și un principiu de organizare rațional se simte în ea. Astfel, utilizarea modurilor diatonice naturale, provenite din stilul cântecului țărănesc rus și din principiile Balakirev ale prelucrării sale, este de obicei combinată în Rimsky-Korsakov cu o simplă armonizare a triadei, folosind acorduri de pași laterali. Contribuția compozitorului la dezvoltarea posibilităților coloristice de armonie este semnificativă. Bazat pe tradițiile lui „Ruslan și Lyudmila”, el a creat până la mijlocul anilor '90. propriul sistem de mijloace armonice (asociat în primul rând cu sfera imaginilor fantastice), care se bazează pe moduri complexe: mărit, în lanț și mai ales redus, cu o scară caracteristică ton-semiton, așa-numita „scara Rimski-Korsakov”.

În orchestrație apar și tendințe coloriste, pe care Rimski-Korsakov a considerat-o parte integrantă a ideii („una dintre părțile sufletului” operei). El introduce numeroase solo-uri instrumentale în partituri și, urmând preceptele lui Glinka, preferă sunetul timbrelor pure culorilor groase amestecate. Strălucirea și strălucirea virtuozală a orchestrei sale sunt combinate cu transparența și ușurința texturii, care se distinge prin claritatea impecabilă a vocii.

Marea semnificație culturală și istorică a lucrării editoriale a lui Rimski-Korsakov, datorită căreia au fost publicate și interpretate multe capodopere ale muzicii ruse, Rimski-Korsakov a pregătit de două ori partiturile de operă ale lui Glinka pentru publicare (împreună cu Balakirev și Lyadov, 1877-81; cu Glazunov, cu ocazia împlinirii a 100 de ani de la nașterea lui Glinka, 1904). De două ori a orchestrat The Stone Guest (1870 și 1897-1902) de Dargomyzhsky. Împreună cu Glazunov a completat, editat și parțial orchestrat „Prințul Igor” (1887-90) și a instrumentat o serie de romane ale lui Borodin. Aproape întreaga moștenire creativă a lui Mussorgski a fost supusă procesării editoriale de către Rimski-Korsakov: el a completat, editat și orchestrat „Khovanshchina” (1881-83), a realizat propria editare și instrumentare a lui „Boris Godunov” (1895-96, completat). în 1906), precum și prelucrarea liberă și orchestrarea ediției picturii simfonice „Noapte pe munte chel” (1886), editat și orchestrat o serie de fragmente din opera neterminată „Salambo”, piese simfonice (Intermezzo, Scherzo), coruri. Rimski-Korsakov a pregătit pentru publicare manuscrisul Căsătoriei (1906) și majoritatea lucrărilor vocale de cameră (a instrumentat câteva dintre ele). Această opera uriașă, care a contribuit la promovarea operei lui Mussorgski, nu este lipsită de contradicții interne, deoarece revizuirile făcute de Rimski-Korsakov poartă o amprentă profundă a personalității, vederilor estetice și gusturilor compozitorului său. Drept urmare, trăsăturile caracteristice ale stilului lui Mussorgsky (în primul rând, intonațional, modal, armonic) au suferit modificări semnificative.

Un rol deosebit în dezvoltarea culturii muzicale ruse îi revine lui Rimski-Korsakov, un profesor care, peste 37 de ani de muncă la St. 200 de compozitori, dirijori, muzicologi. A fost fondatorul școlii de compozitor. Printre elevii săi se numără A.K. Glazunov, A. K. Lyadov, A. S. Arensky, M. M. Ippolitov-Ivanov, I. F. Stravinsky, N. N. Cherepnin, A. T. Grechaninov, V. A. Zolotarev, N. Ya. Myaskovsky, S S. Prokofiev, M. F. Gnesin, B. V. V. A. Asafi V. V. Rimsky-Korsakov a avut o contribuție semnificativă la dezvoltarea culturii muzicale a popoarelor Rusiei. Mulți dintre elevii săi au devenit figuri majore în școlile naționale de muzică - Ucraina (N.V. Lysenko, Y.S. Stenova, F.S. Akimenko), Letonia (A.A. Yuryan, J. Vitol, E. Melngailis), Estonia (R.I. Tobias, A.I. Kapp), Lituania (K.M. Galkauskas), Armenia (M.G. Ekmalyan, A.A. Spendiarov), Georgia (M.A. Balanchivadze). Rimski-Korsakov a acordat o mare atenție organizării procesului de învățământ: a scris articolele „Despre educația muzicală” (1892) și „Proiectul de reformare a programului de teorie muzicală și compoziție practică în conservatoare” (1901). O generalizare parțială a vastei experiențe pedagogice a lui Rimski-Korsakov au fost manualele pe care le-a creat: „Manualul armoniei” (părțile 1-2, 1884-85; refacet în „Manualul practic al armoniei”, 1886) și „Fundamentals of Orchestration” (1908, ed. 1913). Dintre operele literare ale lui Rimski-Korsakov se remarcă recenzia operei lui Napravnik Nizhegorodtsy (1869), articolul Wagner și Dargomyzhsky (1892) și analiza operei Fecioara zăpezii. Cel mai valoros material despre istoria culturii muzicale ruse din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. conține cartea sa autobiografică „Cronica vieții mele muzicale” (1876-1906, ed. 1909), care a contribuit la conștientizarea de către autor a propriului său drum creator.

Spectacolele lui Rimski-Korsakov ca dirijor au avut o valoare educațională inestimabilă. În concertele Școlii de Muzică Liberă, RMS, „Concerte simfonice ruse”, a promovat lucrările clasicilor ruși, opera compozitorilor „Mighty Handful”, lucrările contemporanilor - Glazunov, P. I. Ceaikovski, S. I. Taneyev, S. V. Rachmaninov , etc. Activitatea multifațetă a lui Rimski-Korsakov a lăsat o amprentă profundă asupra istoriei culturii muzicale mondiale. Opera sa a avut impact nu numai asupra compozitorilor autohtoni (Glazunov, Lyadov, Spendiarov, Stravinsky, Prokofiev), ci a influențat semnificativ și muzica vest-europeană (C. Debussy, M. Ravel, O. Respighi, A. Baks). În 1944, în legătură cu aniversarea a 100 de ani de la nașterea lui Rimski-Korsakov, a fost deschisă o casă-muzeu în patria compozitorului din Tikhvin, în 1971 la Leningrad - un muzeu-apartament (în apartamentul în care compozitorul a petrecut ultimele 15 ani). Numele de Rimski-Korsakov a fost dat Conservatorului din Leningrad, iar în fața clădirii sale a fost ridicat un monument al lui Rimski-Korsakov de către sculptorii V. Ya. Bogolyubov și V. I. Ingal (1952).

Creativitate simfonică. simfonie clasică rusă

Una dintre cele mai importante trăsături ale simfonismului clasic rus este că genurile simfonice din Rusia, deja în stadiul incipient al dezvoltării lor, aveau o orientare democratică. Această originalitate remarcabilă a simfonismului rus sa datorat întregului curs al dezvoltării socio-istorice a Rusiei.

De la începutul anilor 60 ai secolului al XIX-lea, o nouă etapă semnificativă a fost marcată în istoria simfoniei clasice rusești. Adepții lui Glinka - compozitorii „kuciști” și Ceaikovski, îndeplinind preceptele marelui „profesor”, au reușit să ridice muzica simfonică rusă la o asemenea înălțime încât i-a oferit un loc onorabil în dezvoltarea simfoniei mondiale.

Înflorirea strălucitoare a simfonismului clasic rus a fost stimulată de o atmosferă de mare entuziasm public. Sub influența ideilor democratice revoluționare avansate, compozitorii ruși ai secolului trecut au urmat în opera lor simfonică, ca, într-adevăr, în alte genuri, înaltele principii estetice ale realismului și popularului; s-au îndreptat constant către problemele vii ale timpului nostru.

Foarte indicativ pentru simfonia rusă în perioada clasică a dezvoltării sale a fost uimitoarea varietate de genuri. Aici puteți întâlni simfonia, care a avut o tradiție îndelungată, care a primit un aspect nou, original pe pământul rusesc, și uverturi simfonice colorate, suite, program de fantezii simfonice, poezii, picturi și concerte instrumentale de diferite caractere. Această bogăție de gen a muzicii simfonice rusești s-a datorat dorinței compozitorilor clasici pentru o amplă afișare a fenomenelor realității, pentru afișarea multilaterală a vieții populare, pentru întruchiparea figurat concretă a temei naționale.

Aspirațiile realiste, democratice ale compozitorilor clasici s-au manifestat în atracția lor invariabilă pentru simfonismul programului. În esență, compozitorii ruși remarcabili ai secolului trecut au acționat ca creatori ai simfonismului programului clasic rusesc.

Ce este o lucrare instrumentală software? În centrul oricărei lucrări de program se află cu siguranță un complot specific, împrumutat fie din realitatea înconjurătoare (de exemplu, uverturile spaniole ale lui Glinka), fie dintr-o operă literară (de exemplu, Șeherazada lui Rimski-Korsakov), fie din pictură (de exemplu, Tablourile lui Mussorgsky la o expoziție).orchestrată de M. Ravel).

Dezvăluirea conceptului de program al compoziției se realizează cu ajutorul unor imagini muzicale specifice, care uneori au o bază în folclor, care se disting printr-o specificitate de gen clar exprimată (adică, trăsăturile de gen ale unui cântec, dans, marș). , etc. se simt clar în lucrare). Tematismul muzical al lucrărilor programului este marcat de un relief figurativ ascuțit.

Accesibilitatea, inteligibilitatea muzicii simfonice a compozitorilor ruși din secolul al XIX-lea pentru un public larg este determinată de legătura sa strânsă cu arta populară. În lucrările simfonice clasice, se poate găsi adesea o tematică folclorică autentică, care este atât de apropiată și de înțeles pentru un public larg. „...” Cu toate acestea, mult mai des compozitorii clasici au folosit melodiile populare indirect, refractându-le prin prisma individualității lor creative.

Modalități de dezvoltare a muzicii simfonice ruse

Simfonismul clasic rusesc al secolului trecut a cuprins două direcții principale: liric-dramatic, cel mai strălucit reprezentant al căruia a fost P.I. Ceaikovski, și narativ-epopee, care a primit cea mai completă expresie în operele simfonice ale lui A.P. Borodin și N.A. Rimski-Korsakov.

Simfonismul lirico-dramatic se caracterizează prin conflicte vii ale vieții, claritatea și intensitatea dezvoltării, tensiunea internă a imaginilor muzicale și artistice. Pentru simfonismul epic, caracterul narativ-obiectiv al expresiei artistice este tipic. În lucrările de acest fel, ciocnirile conflictuale sunt mai puțin pronunțate. Imaginile realității înconjurătoare sunt iluminate de compozitori în tonuri calme, contemplative.

În ultima treime a secolului al XIX-lea se conturează clar o nouă etapă în istoria simfoniei ruse.

Compozitorii abordează acum programaticitatea în muzică într-un mod diferit; sunt atrași nu atât de caracterul descriptiv al intrigii sau de reprezentarea picturală, cât de problemele psihologice și filozofice mai generalizate. Se poate vorbi deja nu numai despre cele mai importante tendințe ale simfonismului rus, ci și despre lucrări simfonice individuale, uneori singulare, în opera unuia sau altuia.

Printre cele mai bune realizări ale simfoniei ruse și mondiale din această perioadă se numără Simfoniile a patra, a cincea și a șasea ale lui Ceaikovski, lucrări simfonice de Glazunov, Lyadov, Kalinnikov, Rahmaninov, Scriabin, Taneev, Rimski-Korsakov. În muzica acestor compozitori, care au dezvoltat tradițiile simfonice ale lui Glinka, principiile naționalității sunt întruchipate clar, s-a realizat o combinație organică a principiilor filozofice și estetice cu cele etice.

Lucrări simfonice de Rimski-Korsakov

Rimski-Korsakov a dedicat mult mai puțin timp și efort muzicii simfonice decât operei. Numărul compozițiilor sale simfonice este relativ mic. Dar în ceea ce privește puterea artistică, profunzimea și originalitatea uimitoare, ele ocupă un loc alături de operele lui Korsakov. Rimski-Korsakov este un compozitor de operă indiscutabil strălucit și, la fel de incontestabil, un simfonist genial.

Principalele lucrări simfonice au fost create de Rimski-Korsakov în anii 60 și 80. Simfonia I este din punct de vedere cronologic cel mai vechi exemplu al simfoniei naționale ruse. Un rol de hotar în formarea stilului simfonic al compozitorului a fost jucat de muzical Sadko (episod epic ) și o suită simfonică Antar (simfonia a 2-a, bazată pe povestea orientală cu același nume de Osip Ivanovich Senkovsky). Apelul la lumea fanteziei populare rusești și a fabulozității orientale a dezvăluit cele mai caracteristice aspecte ale individualității artistice a lui Rimski-Korsakov - darul său muzical și pictural. Compunerea liberă a ambelor lucrări, cu o schimbare întâmplătoare a episoadelor, datorită conturului intrigii, reflectă atitudinile estetice. Noua Scoala Rusa . Factorul unificator structural în Sadko servește ca tehnică de încadrare preferată a lui Balakirev (tema mării), în Antar - trecerea prin toate părțile simfoniei laitmotivului personajului principal, asemănătoare cu principiile simfonismului programului lui Berlioz.

Evoluția creativității simfonice în anii 80. s-a manifestat mai ales prin respingerea detaliilor complot programe, într-un efort către o transmitere generalizată a conținutului și (ca urmare) la o încredere mai puternică pe metodele clasice de modelare, la rotunjimea și armonia compoziției. Noile tendințe sunt deja parțial dezvăluite în basm . Textul Pușkin i-a trimis din prolog la Ruslan și Lyudmila este folosit nu ca un program, ci ca o epigrafă poetică, permițând interpretarea liberă a unei serii de imagini fantastice. O lucrare semnificativă a acestor ani a fost Concertul pentru pian și orchestră, al cărui tematism național (cântec de recrutare) se îmbină în mod unic cu principiile venite de la Liszt (interpretarea poetică a unei singure mișcări, mai precis, formă monociclică; transformarea monotematică a materialului; metode de prezentare la pian).

Jocul pe teme ale vieții bisericești este rezolvat într-un mod deosebit Sfântă sărbătoare (Uvertura de duminică ), în care compozitorul a căutat (în propriile sale cuvinte) să transmită latura legendară și păgână a sărbătorii . De aici și caracterul de gen al secțiunii principale (Allegro) a uverturii cu sunete de clopot interpretate ca dans muzică bisericească .

Genul și liniile de program ale simfoniei lui Rimski-Korsakov sunt completate de două capodopere - capriccio spaniol și Scheherazade . LA capriccio schițe luminoase temperamentale ale vieții populare spaniole, continuând tradițiile uverturilor spaniole ale lui Glinka, sunt combinate cu conceptul muzical original în sine; această lucrare este un fel de concert genial pentru orchestră (timbricul și capacitățile virtuoz-tehnice ale fiecărui instrument sunt relevate în numeroase solo-uri și cadențe de improvizație). Partitura suitei simfonice este, de asemenea, marcată cu elemente de concert. Scheherazade . Spre deosebire de Antara , imaginile Orientului fabulos din el nu sunt asociate cu un complot anume. La aceasta se răspunde și o interpretare generalizată a celor mai importante laitmotive care nu sunt atribuite anumitor imagini și sunt supuse unei libere regândiri (de exemplu, tema lui Shakhriar devine tema mării în prima parte a suitei). Unitatea tematică, prin dezvoltarea simfonică, sintetizând rolul finalului conferă suitei o integritate excepțională și o fac să se raporteze la simfonie. Frumusețea plastică și relieful temelor, bogăția ritmică, orchestrația strălucitoare și perfecțiunea formei fac Scheherazade una dintre lucrările marcante ale muzicii ruse dedicate Orientului.

Opera simfonică a lui Rimski-Korsakov este completată și îmbogățită de fragmente orchestrale ale operelor sale. Urmând tradițiile lui Glinka, Rimski-Korsakov a urmat încă de la începutul activității sale creatoare calea simfonizării genului de operă. Orchestra din operele lui Rimski-Korsakov nu se limitează la rolul modest de a acompania părțile vocale. Acesta este un participant activ și, în multe cazuri, dominant în acțiune. În operele lui Rimski-Korsakov se găsesc destul de multe episoade orchestrale și orchestral-vocale în care gândirea compozitorului se dezvoltă cu o amploare cu adevărat simfonică. Unele dintre ele au fost incluse în suitele compilate de Rimski-Korsakov din Fecioara Zăpezii , doamnă , Nopți înainte de Crăciun , Poveștile țarului Saltan , pan guvernator . Adiacent acestora: muzica pentru drama lui May Pskovicianka (bazat pe a 2-a ediție inedită a operei), Noapte pe Muntele Triglav (transcrierea concertului pentru orchestra actului 3 doamnă ) și o transcriere simfonică a Procesiunii din cocoș de aur . Puține imagini ale simfonismului dramatic din opera lui Rimski-Korsakov sunt asociate cu muzica de operă: uverturi la opere Pskovicianka , Vera Sheloga , mireasa regala , pauză epico-dramatică Bătălia de la Kerzhents din actul 3 Povești despre orașul invizibil Kitezh și fecioara Fevronia .

Programe compoziții simfonice

"Sadko"

Apropo de tabloul muzical, nu putem să nu ne amintim de opera epică Sadko. Rimski-Korsakov a introdus temele principale ale unui joc simfonic tineresc în opera epică ca fiind cele mai importante laitmotive. Datorită acestui fapt, ne putem imagina mai clar sensul, semnificația fiecărei teme a „primului” Sadko. Datorită acestui fapt, este mai ușor de urmărit cum se dezvăluie intriga epică în schimbarea și dezvoltarea imaginilor muzicale.

Peisajul sonor maiestuos deschide imaginea muzicală. Măsurător, se ridică încet valurile Oceanului-Mării de albastru. Dar această liniște este plină de putere ascunsă. Se pare că o furtună este pe cale să se ridice, iar elementul apă va apărea în toată puterea sa formidabilă.

Este greu să nu admiri natura pitorească și poetică a acestei imagini muzicale, găsită de un tânăr compozitor care făcea primii pași creativi. În „portul muzical” cu adevărat strălucit, Rimski-Korsakov nu urmează calea bătută. Evită onomatopeele directe, nu imită sunetul valurilor sau exploziile de unde. Rimski-Korsakov găsește o altă cale către fantezia ascultătorului. Muzica introductivă crește dintr-un motiv scurt (doar trei sunete). Laconismul sever al acestui motiv și simplitatea strictă a ritmului creează impresia de putere restrânsă. Îmbogățit cu noi și noi culori armonice și timbrale, motivul principal nu își pierde contururile. De aici iau naștere impresiile de infinit, de nemărginire: marea este mereu în mișcare, mereu în schimbare și, în același timp, mereu aceeași.

Regele Mării îl târăște pe Sadko în adâncurile oceanului. Ritmul se schimbă rapid. Decolează rapid, aruncând de la un instrument la altul, un motiv scurt.

Sadko se scufundă pe fundul mării. Rimsky-Korsakov găsește aici o imagine muzicală pitorească simplă și în același timp rară. Este un lanț de coarde; vocile lor superioare se deplasează pe o scară neobișnuită, în care intervale de ton și semiton alternează.

Această muzică lasă o impresie aproape clară vizual de cădere rapidă.

Una după alta, minunile regatului mării sunt înlocuite. La cererea țarului mării, Sadko începe să joace. Pe fondul enumerarii negrabite a harpei (harpa in orchestra), apare o melodie de dans simpla, clar ritmata. Este înlocuită cu o altă temă, foarte melodioasă - acesta este un cântec laudativ pe care Sadko îl cântă țarului mării. Este ușor să simți în ea, așa cum a remarcat însuși Rimski-Korsakov, „o anumită parte din priceperea rusă”. Într-un mod diferit - acorduri măsurate, solemne și sonore - acum sună harpa lui Sadko.

Dans din ce în ce mai rapid (această parte a poemului simfonic al lui Rimski-Korsakov se bazează pe dezvoltarea a două melodii). O lovitură puternică din partea întregii orchestre - Sadko a rupt coarda de la harpă... Și din nou imaginea unei mări calme. Aceasta este lucrarea muzicală „Sadko”, care este pe deplin în concordanță cu programul autorului.

Cu o îndemânare remarcabilă, Korsakov desenează elementul apă, marea în diverse stări: uneori liniștit și doar puțin calm legănându-se, alteori acoperit cu un fel de misterioase ondulații sinistre, alteori amenințător și furioasă. Pentru a transmite toate acestea, compozitorul găsește un mijloc muzical și vizual nou și original. Așa este, în special, scara, constând dintr-o alternanță uniformă de tonuri și semitonuri, cu ajutorul căreia este transmisă imersiunea lui Sadko în adâncimea subacvatică. Această scară, numită „Scăle Rimski-Korsakov”, servește drept bază pentru unul dintre modurile caracteristice pe care Rimski-Korsakov le-a folosit în lucrarea sa ulterioară pentru a descrie lumea fanteziei magice, misterioase.

„Sadko” nu este prima lucrare a lui Rimski-Korsakov. „Sadko” a fost precedat de o simfonie și „Serbian Fantasy” pentru orchestră. Dar numai la Sadko apare Rimski-Korsakov ca un compozitor cu un stil simfonic bine conturat și extrem de original, ca un artist cu o direcție clar conștientă a gândirii creative. În „Sadko” au fost conturate clar cele mai importante tendințe, care în viitor pot fi urmărite cu ușurință în lucrarea lui Rimsky-Korsakov. Acestea sunt, în primul rând, acele trăsături care au fost deja menționate: discursul și intrigile muzicale programatice, populare, preluate în mare parte din poezie.

Muzica lui Rimski-Korsakov a inclus și imagini ale naturii. În Sadko, este elementul de apă care l-a captivat pe Rimski-Korsakov în prima tinerețe, în anii circumnavigației sale. Mai târziu, Rimski-Korsakov introduce în opera sa și alte fenomene și forțe de natură rusă.

Narațiunile lui Rimski-Korsakov despre evenimente fantastice se îmbină adesea cu peisajul sonor. În același timp, primele sunete ale piesei lui Rimski-Korsakov îl introduc pe ascultător în lumea misterioasă și magic vrăjitoare a fanteziei populare.

„Sadko” este o lucrare națională atât în ​​concept, cât și în implementare. În Sadko, Rimski-Korsakov acționează ca un artist rus progresist, gloriind trăsăturile nobile ale poporului rus în opera sa.

"Antar"

„Antar” în tendințele sale principale, în principalele sale trăsături stilistice, se învecinează cu tradițiile lui Glinka. Și în „Antar” - aceeași dramaturgie epică „Ruslan”, aceeași desfășurare calmă, narativ-picturală a acțiunii ca și în „Sadko”.

În „Antar” există o aromă orientală a muzicii (o trăsătură care este o caracteristică a artei muzicale rusești).

Suita este formată din patru părți. Partea a doua, a treia și a patra poartă numele: „Dulceața răzbunării”, „Dulceața puterii”, „Dulceața iubirii”.

În suita Antar, Rimski-Korsakov s-a arătat a fi un maestru matur și original al orchestrei. În unele episoade, Rimski-Korsakov se mulțumește cu o compoziție foarte mică, folosind din abundență solo-uri instrumentale. Orchestra este interpretată ca un ansamblu de cameră care captivează ascultătorul prin bogăția sunetelor sale delicate și transparente.

Printre operele simfonice ale lui Rimski-Korsakov, Antar ocupă un loc proeminent ca operă de merit artistic remarcabil. Acesta este unul dintre primele experimente ale autorului său în domeniul muzicii program și un predecesor direct al genialei Șeherazade.

"Sheherazade"

Programul Șeherazadei nu a ajuns niciodată la noi în toate detaliile sale, dar ideea generală a suitei și multe dintre detaliile sale sunt acum bine cunoscute.

Rimsky-Korsakov a scris că Scheherazade se bazează pe episoade și imagini „separate, fără legătură” din „O mie și una de nopți”. Într-adevăr, picturile alese de Rimski-Korsakov nu sunt unite printr-un complot comun, aceasta nu este o poveste despre niciunul dintre eroii din O mie și una de nopți.

Cele patru părți ale suitei sunt legate nu numai de program, ci și de câteva gânduri muzicale și teme comune.

Acesta este un basm în muzică. Și deși a fost „povestită” de un compozitor rus, muzica sa are un pronunțat caracter oriental.

Fiecare dintre părți are un subtitrare și prezintă o poveste coerentă despre aventurile uimitoare ale marinarilor și alte evenimente minunate pe mare și pe uscat.

Toate cele patru părți nu sunt legate printr-o poveste secvențială. Acesta este un episod complet, fiecare dintre acestea fiind o imagine frumoasă și magică a Orientului.

Două imagini principale - Shahriar și Scheherazade - apar chiar la începutul suitei (în prolog), apoi apar în alte părți ale acesteia.

Rimski-Korsakov nu descrie în „Sheherazade” toate aventurile lui Sinbad. Se limitează la imaginea mării de-a lungul căreia navighează nava lui Sinbad Marinarul. Prima parte a suitei este dedicată acestei imagini.

Particularitatea structurii primei părți este absența secțiunii din mijloc, care este obișnuită în forma sonată - dezvoltare. Repetarea este separată de expunere doar printr-o mică tranziție. Dar a doua temă laterală (împreună cu partea finală) și tema principală din repriză îndeplinesc în esență funcțiile de dezvoltare. Apare prima petrecere laterală - furtuna se potolește.

Repetarea repetă expunerea fără modificări semnificative. Apare o a doua subtemă: furtuna se ridică din nou.

Concluzia se bazează pe tema mării. Sună și mai dulce și mai tandru decât la începutul Allegro (această impresie se realizează printr-o prezentare transparentă subliniată). Prima parte se încheie cu ultima apariție a navei.

A doua parte a suitei este povestea prințului-calendar despre minunatele sale aventuri. Este scris într-o formă dezvoltată din trei părți, cu o construcție variațională a părților extreme, „încadrând”.

Imaginile muzicale din „Povestea lui Calendar” sunt abundente, colorate și contrastante. Rămâne impresia că în fața ascultătorului se desfășoară unul după altul covoare orientale înflorite, pe care sunt înfățișate numeroase scene magice și de basm.

A treia mișcare, ca și prima, a fost scrisă în formă sonată-simfonică fără dezvoltare. Ea dezvoltă două gânduri muzicale; nu sunt contrastante, ci mai degrabă apropiate în tonul general și modelul melodic. Aceasta este tema Țareviciului și tema Prințesei. Ambele au o aromă orientală.

Repetiția repetă ambele teme în culori noi. Tema Șeherazadei apare aici de două ori. Autoarea suitei amintește încă o dată că ea este cea care conduce povestea magică.

Finalul este cea mai complexă parte a suitei atât ca structură („finalul este construit pe principiul sonatei rondo”), cât și din punct de vedere al abundenței imaginilor. O scurtă introducere se deschide cu prima temă a prologului. Ea ne aduce în atmosfera distracției festive.

Această muzică este întreruptă de două ori de melodia Șeherazadei. Apoi, imaginea ei este înlocuită cu o imagine muzicală a unei sărbători la Bagdad. O trăsătură caracteristică a acestui episod mare este ritmul ascuțit (ritmurile de acest tip nu sunt neobișnuite în melodiile de dans oriental), care nu se schimbă pe aproape toată scena festivității. Acest ritm conferă caracter de irezistibilitate rapidă unui motiv laconic, incendiar (partea principală a primei părți a finalului), care deschide o imagine de desfătare festivă.

În același ritm, într-un ritm vârtej, sunt purtate de temele din partea a doua și a treia a suitei. În primul rând, fanfara tulburătoare care a răsunat în scena bătăliei. Apoi - ecouri ale temei calendarului, schimbând în mod capricios dimensiunea. Și, în sfârșit, apare melodia captivantă de grațioasă a Prințesei din a treia mișcare a suitei (ca parte laterală principală).

Pe lângă materialul tematic al expoziției, în dezvoltare au fost introduse încă două teme: o „temă Shahriar” puternic modificată și o exclamație războinică din scena bătăliei din povestea calendaristică.

În repriză, mai ales în încheiere, se aprinde distracția, se instalează zgomotul festivalului, se aude zgomotul neîncetat al mulțimii, exclamații puternice, zgomotul dansatorilor... Deodată, în momentul punctului culminant, un schimbarea scenelor. Și din nou, imaginea sonoră a unei furtuni maritime, deja familiară din prima parte. Dar aici este și mai rău. O coardă puternică a orchestrei cu un tam-tama puternic - nava s-a izbit de stâncă.

Furtuna se potolește, doar valuri ușoare excită vastele întinderi de apă. Tema navei apare pentru ultima dată. Aceasta este o amintire a călătorilor curajoși îngropați în adâncurile mării.

Povestea s-a terminat. A rămas doar un scurt epilog, făcând ecou prologului. Subiectele prologului sunt inversate aici. Suita lui Rimski-Korsakov, o poveste muzicală a miracolelor de basm creată de fantezia poetică a popoarelor din Orient, se încheie cu ecouri ale melodiei Șeherazadei.

În ciuda faptului că nu există o singură melodie cu adevărat orientală în muzica Șeherazadei, ea este percepută tocmai ca o narațiune orientală.

Turnuri melodice, ritmuri, culori orchestrale, folosirea caracteristică a instrumentelor de percuție - totul vorbește despre pătrunderea profundă a compozitorului în esența limbajului muzical al popoarelor din Orient.

Mai multe părți independente, complete ca formă și conținut, puternic contrastante sunt unite aici printr-un program comun și un concept muzical comun.

O astfel de vergetă unificatoare este imaginea muzicală a Șeherazadei. Această imagine întruchipează legenda despre originea basmelor arabe „O mie și una de nopți”, născute din fantezia populară.

Lucrări simfonice care nu au program publicat de autor

Acestea includ: Prima simfonie, Fantezie pe teme sârbești, Uvertură pe temele a trei cântece rusești, Simfonia a treia, Sinfonietta pe teme rusești, Capriccio pe teme spaniole, Dubinushka - lucrări simfonice de gen. Se caracterizează printr-un program generalizat, fără intrigi dezvăluite în detaliu în muzică.

Prima Simfonie

Prima simfonie, prima operă majoră a lui Rimski-Korsakov, a fost creată sub supravegherea directă a lui Balakirev. Compoziția simfoniei a durat mult timp, deoarece munca la ea a fost întreruptă de o călătorie lungă (doi ani și jumătate) a lui Rimski-Korsakov pe una dintre navele marinei ruse.

În tema principală dinamică, se aud ecouri ale cântecului rusesc „Jos mama, de-a lungul Volgăi”. Există, fără îndoială, o mulțime de „Korsakov” în jocul secundar. Aceasta este o melodie caldă, lirică, asemănătoare melodiilor lirice rusești.

Andante se bazează pe una dintre variantele piesei „Despre tătarul plin”. La începutul lui Andante, melodia populară sună cu o simplitate severă. Dezvoltând această melodie, Rimski-Korsakov dezvăluie întreaga profunzime a imaginii poetice creată de oameni, iar Andante este perceput ca o narațiune concisă, epic reținută a durerii oamenilor.

Scherzo este elegant și dinamic. Spectaculoase la începutul temei principale sunt exclamațiile energice care se sparg într-o mișcare ușoară și rapidă.

Tema principală a finalului este atractivă pentru determinarea sa, modelul clar de melodie amplă. Există momente interesante în dezvoltarea acestei teme (dominante în final). Cu toate acestea, alte imagini nu contrastează suficient cu ea și, prin urmare, finalul lasă impresia unei anumite monotonii.

Simfonia a treia

Simfonia a III-a este, fără îndoială, o lucrare mai matură decât Simfonia I, dar în același timp mai puțin emoțională. Niciuna dintre părțile simfoniei a treia nu se ridică la plinătatea sentimentului care cucerește a doua parte a primei simfonii - Andante pe tema cântecului „Despre tătarul este plin”.

Tema principală a lui Allegro (care a apărut din tema introducerii) - o melodie mobilă de natură festivă - nu este foarte tipică pentru Rimsky-Korsakov. Dar nu se poate nega originalitatea celei de-a doua teme. Aceasta este o melodie lejeră, tandră, feminină, foarte fin armonizată. Astfel de imagini muzicale pot fi găsite atât în ​​operele, cât și în romance ale lui Rimski-Korsakov. Ambele teme sunt bogat dezvoltate în Allegro, care se încheie cu o codă pastorală neobișnuită, visătoare. Versurile idilice ale acestui scurt episod contrastează cu succes atât cu energia Allegro-ului, cât și cu rapiditatea grațioasă a următoarei părți a simfoniei - un scherzo colorat.

Ca o pipă de cioban, sună tema Andante. Colorarea pastorală a acestei teme determină caracterul întregului Andante, care este perceput ca un tablou al naturii de vară cu o scenă de furtună în episodul central.

Andante avansează în finală fără pauză. La finalul Andantei apar fanfare, la început abia audibile, apoi din ce în ce mai sonore. Din ele crește motivul principal al părții principale a finalului (Allegro con spirito).

Al doilea motiv al părții principale este un depozit rusesc plin de viață, o melodie de dans. Această melodie, anticipând temele de dans din The Snow Maiden, este cea mai strălucitoare și singura caracteristică a lui Rimsky-Korsakov, dintre imaginile muzicale ale finalului. Parte laterală nesemnificativă.

Finalul este partea cea mai puțin reușită a simfoniei. În final, fascinația unilaterală pentru tehnologie a „secat imaginația imediată” a autorului. Numeroase episoade contrapunctice, în cea mai mare parte, departe de a-și îndeplini în mod adecvat sarcina de a îmbogăți imaginile muzicale. Și numai în coda magnifică, care este plină de putere epică, combinația dintre intonațiile inițiale ale părții principale a primei mișcări cu motivele părții principale a finalului este foarte reușită.

La fel ca prima simfonie, a treia simfonie este o lucrare neuniformă. Dar prima simfonie atrage cu prospețime, inmediatețe a gândirii creatoare și doar imaturitatea autorului l-a lipsit de posibilitatea de a dezvolta pe deplin principalele imagini muzicale. În a treia simfonie, cu o maturitate creativă mult mai mare, există mai puțină imediatitate, mai puțină integritate stilistică. Cu toate acestea, ambele simfonii, cu toate deficiențele lor importante, au „dreptul la viață”. Și, desigur, este nedrept că de zeci de ani doar câțiva muzicieni le-au cunoscut. În ultimii ani, cercurile largi de iubitori de muzică au putut să se familiarizeze cu simfoniile lui Rimski-Korsakov.

Capriccio pe teme spaniole

„Spanish Capriccio” este o piesă orchestrală virtuoasă, în care proprietățile expresive și posibilitățile virtuoase ale instrumentelor orchestrale sunt dezvăluite cu cea mai mare perfecțiune. Este, de asemenea, o poveste muzicală poetică despre culorile strălucitoare ale naturii sudice, despre viața populară spaniolă.

Elementul de dans popular vesel, plin de viață și foc domnește în „Capriccio spaniol”, care este o suită de cinci părți, interpretată fără întrerupere. Pentru toate cele cinci mișcări, Rimski-Korsakov a ales melodii de dans simple. Ele nu primesc, în cea mai mare parte, o dezvoltare simfonică largă, dar sunt îmbogățite cu culori orchestrale inepuizabil de diverse. Dragostea lui Rimsky-Korsakov pentru un ritm clar și instrumente de percuție a fost extrem de potrivită aici - în muzica populară spaniolă, rolul percuției nu este mai puțin semnificativ decât în ​​muzica popoarelor orientale.

Prima parte din „Capriccio” - Alborada (dans popular spaniol). Melodia de dans rapidă sună pe fundalul unui acompaniament repetitiv extrem de simplu, aproape fără schimbare. Apare o mulțime de tineri - exclamații vesele, zgomot de dans...

În incendiara Alborade, Rimski-Korsakov folosește de bunăvoie puterea și strălucirea întregii „matrice” orchestrale. Abia la sfârșitul piesei sună motivul de dans principal în apelul de instrumente din lemn și cu coarde; se pare că zgomotul mulțimii care dansează vine de undeva departe.

În partea a doua - Variații - există mai multe opoziții colorate, contraste dinamice. Caracterul general al Variațiunilor este determinat de tema principală - o simplă melodie atentă.

Încă de la primele sunete, se simte înrudirea cu melodiile orientale preferate ale lui Rimski-Korsakov. Liber variabilă, colorată în diverse timbre, această temă nu-și pierde caracterul calm, oarecum idilic. Savoarea pastorală este resimțită mai ales clar în „dialogul” cornului englez și cornului francez; parcă răsună două țevi de cioban.

A patra parte a Capriccio-ului este extrem de ciudată. Conținutul său programatic este subliniat de autor în titlul: „Scena și cântecul gitanei”. Această parte se bazează pe două teme de dans. Unul este elegant, grațios și în același timp pasionat. Ascultătorul își imaginează un dansator popular dansând pe sunetele unei tamburine, chitarei și mandolinei.

O altă temă – tot dansul, dar de cu totul altă natură – impulsiv, impetuos (nota autorului: feroce – cu furie). Ne putem imagina că dansul grațios măsurat a fost înlocuit cu un dans sălbatic spontan.

Particularitatea celei de-a patra mișcări sunt cadențele care o deschid (mici episoade virtuozice cu caracter improvizațional). Ele pot fi percepute ca un fel de preludiu înaintea spectacolului dansatorului-cântăreț. În același timp, aceasta este o demonstrație strălucitoare a posibilităților expresive și virtuoase ale instrumentelor orchestrale și a priceperii interpreților. Aproape toate cadențele sunt construite pe intonațiile temei principale a gitanei. Prima cadență - grupuri de instrumente de alamă; este urmată de cadența viorii solo. A doua cadență este separată de a treia prin apariția temei principale a gitanei în sunetul transparent al flautului, clarinetului și viorilor (cu acompaniament de percuție). A treia cadență este pentru flaut solo, a patra este pentru clarinet (cu participarea oboiului), a cincea și ultima este pentru harpă. Instrumentele de percuție participă la toate cadențele, creând un fundal sonor de „foșnet”.

Partea finală, a cincea parte a „Capriccioului spaniol” - Fandango (dans popular) - se deschide cu o exclamație solemnă, urmată de melodii de dans grațioase. A treia dintre principalele imagini muzicale ale lui Fandango este o melodie ușoară și netedă, un fel de vals.

Rimski-Korsakov introduce în Fandango imaginile muzicale ale mișcărilor precedente. Apar ambele teme gitan. Codul se bazează pe o temă Alborada ușor modificată. Fandango este perceput ca o imagine a unui festival popular pictat cu culori bogate si linii late, plin de jubilatie.

Uverturi, suite simfonice din opere și transcrieri ale scenelor de operă pentru orchestră simfonică

Uvertură la opera „Noaptea de mai”

Uvertura la „Noaptea de mai” nu dă o scurtă descriere a evenimentelor care se desfășoară în operă - Rimski-Korsakov alternează, compară și dezvoltă foarte liber imaginile muzicale ale operei. Dar cu „Noaptea de mai” uvertura este unită de teme comune și de un ton vesel și luminos al muzicii.

Uvertura începe cu o melodie gânditoare, melancolică, preluată de la începutul actului al treilea al operei: Levko s-a trezit noaptea la un iaz și s-a oprit, izbit de frumusețea ei.

Muzica visătoare-gânditoare este înlocuită cu tulburătoare. Această imagine muzicală sumbră-misterioasă transformată într-o uvertură a scenei de lângă lac: pannochka înecată va apărea în fața lui Levko în orice moment. Apoi intră o melodie lină și melodioasă, în care se aud clar intonațiile muzicii populare ucrainene. Acesta este cântecul pe care îl cântă Levko, amintindu-și de iubitul său: „Doarme, frumusețea mea, dormi dulce”.

Ecourile refrenului cântecului lui Levko (imitarea melodiei pe bandura) duc la o melodie nouă, plină de bucurie, aceasta este tema Hannei. Acompaniamentul (mișcare rapidă uniformă în șaisprezecele) crește în uvertura la valoarea unei imagini artistice independente, creând o stare de bucurie emoționată.

Mișcarea rapidă dispare, iar după acorduri calme și netede intră o nouă temă - o melodie ușoară și melodioasă a duetului final al lui Ganna și Levko.

Imagini noi au izbucnit: un motiv ascuțit, unghiular și un „patter” de note a șaisprezecelea pe fundalul unei scări cromatice „furios” la vocea inferioară. Aceasta este cumnata, care și-a atacat cu înverșunare colega de cameră - Capul, care este gata să tragă după toate fetele drăguțe din sat.

Cântarea melancolică care deschide uvertura reapare, înlocuită de melodia familiară a Hannei; apoi revine tema duetului, de data aceasta cu un sunet puternic din toată orchestra. Încă o dată, imaginea muzicală comică supărată a cumnatei își amintește de ea însăși, un motiv vesel de Kalenik pâlpâit și intră tema veselă a corului final al operei „Gloria Soarelui Roșu”.

Uvertura se încheie cu o concluzie scurtă, rapidă și solemnă.

Abundența imaginilor muzicale incluse în uvertură nu dă impresia de variație datorită armoniei obișnuite a structurii pentru Rimsky-Korsakov, în care nu este dificil să se detecteze elemente de formă clasică de sonată. Primele trei teme pot fi considerate ca o introducere, tema Hanna ca parte principală a sonatei Allegro, tema duet ca parte secundară, episodul central (după tema duet) ca dezvoltare, revenirea temei duet. ca o scurtă reluare (cu partea principală omisă); apariția temei refrenului „Slavă soarelui roșu” începe coda.

Suită simfonică din opera „The Snow Maiden”

Intriga destul de complexă a Fecioarei Zăpezii nu este dezvăluită în suita compilată de Rimski-Korsakov; nici măcar un episod legat de imaginea Fecioarei Zăpezii nu a fost inclus în suită.

Dintre cele patru părți ale suitei, primele două sunt fantastice, următoarele două sunt din viața lui Berendey.

Prima parte a suitei - Introducere în Prologul operei. Aceasta este o imagine a trezirii treptate a naturii. Motive calde și strălucitoare ale primăverii sună pe fundalul ciripitului păsărilor. Motivul ciripitului păsărilor a apărut din motivul primăverii.

Coloratul idilic deschis este susținut în partea a doua a suitei - „Dansul păsărilor”. Și aici - strigătele și ciripitul păsărilor, împotriva cărora sună două melodii vii și grațioase. Primul dintre ele este un cântec popular autentic „Vulturul este guvernatorul, prepelița este funcționarul”. A doua temă este o melodie modificată a cântecului popular „Ringing the Bell” (în operă – cu textul „Birds Gathered”).

În ambele fragmente – mai ales în „Dans” – „vocile naturii” și intonațiile cântecelor populare rusești se îmbină cu adevărat.

A treia parte a suitei este un tablou simfonic în miniatură „Procesiunea țarului Berendey”. Tema „Procesiunii”, potrivit lui Rimski-Korsakov, „în prima sa parte este capricioasă, formidabilă în mod jucăuș, iar în a doua - tremurătoare, senilă”. Această temă, ca și întregul tablou muzical care a crescut din ea, atrage, potrivit compozitorului, „aspectul general al regelui”.

A patra și ultima parte a suitei este „Dansul Bufonilor”. Sărbătoarea lui Berendey, adunată în pădurea protejată. Cântece, dansuri rotunde. Din ordinul regelui, bufonii încep să danseze, fugind în sunetele unui motiv energetic, „la distanță”. Din acest motiv crește prima temă din „Dansul bufoanelor” - o melodie veselă ritmată ascuțită.

Caracterul de dans al celei de-a doua melodii, mai lină, este subliniat de acompaniamentul „călcat” al contrabașilor, violoncelului și fagotului.

Ambele teme, strălucitoare naționale prin originile intonaționale, se dezvoltă într-o variație tipică muzicii populare rusești, cu contraste dinamice ascuțite, cu schimbări bruște ale culorilor orchestrale.

Suită din opera „Noaptea de dinainte de Crăciun”

Scenele fantastice ale operei Noaptea de dinainte de Crăciun i-au permis într-adevăr lui Rimski-Korsakov să creeze o mulțime de muzică „interesantă” - poetică. Scene fantastice stau la baza suitei din Noaptea de dinainte de Crăciun.

Deja prima parte a suitei - Introducerea în operă - spune destul de clar ascultătorului că evenimente fantastice se vor desfășura în fața lui. Acesta este un peisaj sonor magic care, potrivit lui Rimsky-Korsakov, descrie „o seară geroasă târzie în Dikanka în ajunul Crăciunului”.

Într-adevăr, muzica intro-ului atrage atât frigul iernii, cât și peisajul iernii („rece”, cu o nuanță fantastică, sunetele celestei, clopoței și harpei, sunetul cornelor, viorilor și clarinetului) și lumini intermitente ale stelelor („înțepături” scurte ale flautului).

Introducerea, fără întrerupere în fluxul muzicii, este înlocuită de scenele magice ale actului al treilea, mergând tot fără întrerupere. Această unitate a tuturor părților suitei a dat autorului motiv să o numească „imagini muzicale în mișcare”.

Poza cerului înstelat, care deschide un lanț de scene fantastice, este apropiată de Introducere în ceea ce privește starea generală de spirit și mijloacele vizuale. Sună și motivul „rece magic” al celestei, clopotelor și harpei, familiar din Introducere. Stelele se adună în grupuri pe nori. Încep jocurile și dansurile. O mazurcă ușoară, „fâlfâitoare” în sunetul transparent de cameră al unui flaut, coarde pizzicato și acorduri de fagot și clarinet susținute, pașii solemni ai unei comete, un dans rotund de stele, un chardash - acestea sunt imaginile magice care trec înaintea ascultătorului...

Norii se rostogolesc, stelele se ascund în spatele norilor. Se aude un motiv ascuțit, scurt și rapid al spiritelor rele. Vrăjitoarele zboară pe mături, vrăjitorii în oale, cazane și mortare. Spiritele rele s-au adunat în ultima noapte înainte de Crăciun pentru a lupta împotriva spiritelor luminii. Rimski-Korsakov păstrează și în această scenă gustul bun și plin de umor al poveștii lui Gogol. Vrăjitoarele și vrăjitorii s-au înarmat cu tigăi, clește și pistil pentru a „sperii, înspăimânta” pe Kolyada și Ovsen - spirite strălucitoare care ar trebui să apară în zorii dimineții de Crăciun.

În depărtare, Vakula este arătat călărind un diavol. Spiritul rău decide să-și ajute prietenul și să-l împiedice pe Vakula să ajungă la Sankt Petersburg. Vrăjitoarele și vrăjitorii pornesc în urmărirea fierarului.

Există, de asemenea, puțin „demonic” în imaginea expresivă și colorată a urmăririi. Aici poți simți același umor de basm bun, care colorează atât povestea lui Gogol, cât și opera lui Rimski-Korsakov.

Spiritul rău nu reușește să blocheze calea lui Vakula, iar acesta ajunge în siguranță în Sankt Petersburg.

O poloneză solemnă și spectaculoasă a intrat în suită de pe scena din palatul regal.

Scena finală a suitei. Din nou spațiu aerian. Duhul rău a dispărut, sunt purtate doar cazane, oale, clești și mături, pe care zburau vrăjitorii și vrăjitoarele. Se aude un cor lăudându-l pe Kolyada și Ovsen. Se face lumina. Kolyada și Ovsen dispar. În adâncuri se vede Dikanka, luminată de soare. Clopotele și cântatul bisericii se aud de departe.

Concluzie

Caracteristicile creativității simfonice a lui Rimski-Korsakov.

Trăsăturile caracteristice ale operei simfonice a lui Rimsky Korsakov pot fi luate în considerare: simfonismul programului, simfonismul genului, apelul la muzica Orientului, imaginea mării în toate manifestările sale, naționalitatea vorbirii muzicale și intrigii preluate în mare parte din poezie, glorificarea a trăsăturilor nobile ale persoanei ruse, un ritm clar, dezvoltarea temelor cântecelor populare rusești, programare colorată și picturală de o natură fabuloasă, armonie a viziunii asupra lumii, arta subtilă, gust impecabil, simțul proporției artistice, claritatea clasică a gândire muzicală.

Rimski-Korsakov este „unul dintre cei mai mari maeștri ai clasicilor muzicali ruși ai secolului trecut”.

Lista surselor

1.Keldysh Yu., Istoria muzicii ruse, Moscova-Leningrad, Editura Muzicală de Stat, 1947 (partea a 2-a)

.Komissarskaya M.A., Muzica rusă a secolului XIX, Moscova, „Cunoașterea”, 1974

.Rapatskaya L.A., Istoria muzicii ruse din Rusia antică până în „Epoca de argint”, Moscova, Vlados, 2001

.Ratskaya Ts., N.A. Rimski-Korsakov, Moscova, Muzică, 1958

.Rimsky-Korsakov N. A., „Cronica vieții mele muzicale”, Moscova, „Muzica”, 1980

.Solovtsov A., Lucrări simfonice de Rimski-Korsakov, Moscova, Editura Muzicală de Stat, 1953

.Tretyakova L.S., Pagini de muzică rusă, Moscova, „Cunoașterea”, 1979

.#"justify">9. http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_music/6482/Roman

Compozitor rus, profesor, personalitate muzicală și publică, dirijor. În 1859-1960 a luat lecții de la pianistul F. A. Canille. Absolvent al Corpului Naval din Sankt Petersburg, a participat la călătoria cu mașina „Almaz” (1862--65) și a vizitat o serie de țări din Europa, America de Nord și de Sud. În 1861 a devenit membru al cercului Balakirev „Mâna puternică”, care a avut o influență decisivă asupra formării personalității și vederilor estetice ale compozitorului. Sub influența și îndrumarea lui M. A. Balakirev au fost create Simfonia I (1865), Fantezia sârbească (1867), o serie de romanțe etc. Individualitatea creativă a lui Rimski-Korsakov s-a manifestat în primul rând în lucrări instrumentale de program, printre care se numără: tabloul muzical simfonic „Sadko” (1867), a 2-a simfonie „Antar” (1868). În aceiași ani, s-a orientat către genul operistic, care a devenit mai târziu cel mai important în opera sa (în 1872 a fost finalizată opera The Maid of Pskov, după o dramă de L. A. Mey). Din anii 70. limitele activității muzicale a lui Rimski-Korsakov s-au extins: a fost profesor la concertele Sf. (din 1874), iar mai târziu la spectacole de operă, asistent director al Capelei de cântări a Curții (1883----94), a condus cercul Belyaevsky (din moment ce 1882). La mijlocul anilor '70. a lucrat la perfecţionarea tehnicii sale de compunere. În anii 80. a acordat mare atenție genurilor simfonice. La începutul anilor 90. s-a înregistrat un anumit declin al activității creative (în această perioadă a studiat filosofia, a scris articole, a revizuit și a editat unele dintre lucrările sale anterioare). În a doua jumătate a anilor '90. creativitatea a căpătat o intensitate excepţională: au apărut operele „Sadko” (1896), „Mireasa ţarului” (după mai, 1898). În timpul Revoluției din 1905-07, Rimski-Korsakov a susținut activ cererile studenților grevi, a condamnat deschis acțiunile administrației reacționare a Conservatorului din Sankt Petersburg (a fost concediat din conservator, revenit abia după conservatorului i s-au acordat drepturi autonome parțiale și o schimbare a conducerii).

Opera lui Rimski-Korsakov este profund originală și, în același timp, se bazează pe tradițiile clasice. Armonia viziunii asupra lumii, claritatea gândirii muzicale, arta subtilă îl fac să fie înrudit cu M. I. Glinka. Asociat cu tendințele ideologice și artistice progresiste din anii 1860, Rimski-Korsakov a manifestat un mare interes pentru arta populară (a alcătuit colecția „O sută de cântece populare rusești”, 1877: a armonizat cântecele culese de T. I. Filippov, - „40 de cântece populare”. 1882). Pasiunea pentru folclor, mitologia slavă veche, riturile populare s-a reflectat în operele „Noaptea de mai” (după N.V. Gogol. 1879), „Crăiasa zăpezii” (după A.N. Ostrovsky, 1881), „Mlada” (1890), „Noaptea”. Înainte de Crăciun” (după N.V. Gogol, 1895). 15 opere de Rimski-Korsakov demonstrează o varietate de gen (epopee, basm, legendă, dramă istorică, comedie lirică), soluții stilistice, dramatice, compoziționale (lucrări gravitând spre structura numărului și dezvoltarea continuă, opere cu scene de masă și camera, cu şi fără ansambluri extinse). Cel mai complet talent al lui Rimski-Korsakov a fost dezvăluit în lucrările legate de lumea fabuloasă, cu diverse forme de artă populară rusă. Aici se dezvăluie darul său pitoresc și pictural, puritatea versurilor - sincere, dar oarecum contemplative, fără tensiune emoțională crescută. Atenția la lumea interioară a unei persoane, la dezvăluirea psihologică a imaginilor s-a manifestat în opera de cameră Mozart și Salieri (pe baza textului lui A. S. Pușkin, dedicat lui A. S. Dargomyzhsky, 1897), în opera într-un act Boierul Vera Sheloga (prolog la „Pskovityanka”, 1898) și mai ales în drama pe tema istorică și cotidiană „Mireasa țarului” (1898). Noile tendințe caracteristice artei rusești la începutul secolului al XX-lea s-au reflectat în opera Povestea țarului Saltan (după Pușkin, 1900) cu convenționalitatea sa accentuat teatrală și elementele de stilizare a unui tipar popular popular, în „basmul de toamnă”. Kashchei nemuritorul (1902), în care tema basmului este interpretată simbolic și alegoric. Probleme morale și filozofice ridicate sunt ridicate în legendara operă Legenda orașului invizibil Kitezh și Fecioara Fevronia (1904). Ultima operă a compozitorului este o „fabula pe chipuri” Cocoșul de aur (după Pușkin, 1907) este o satira nemiloasă asupra autocrației țariste.

Rimski-Korsakov considera că cântarea este baza expresivității operistice. Un rol dramatic important în operele sale este jucat de orchestra, căreia i se încredințează adesea picturi simfonice independente, pauze, de exemplu, „Trei miracole” („Povestea țarului Saltan”), „Bătălia de la Kerzhents” („The Legenda orașului invizibil Kitezh...") . Considerând opera în primul rând ca o piesă muzicală, Rimski-Korsakov a acordat o mare importanță bazei sale literare - libretul. Colaborarea dintre compozitor și libretistul V. I. Belsky a fost fructuoasă.

Opera simfonică a lui Rimski-Korsakov nu este atât de multifațetă în comparație cu opera. Concretitatea figurativă a gândirii muzicale a compozitorului i-a determinat înclinația către simfonismul programatic și de gen. De aici și predominanța unor astfel de tipuri și forme precum uvertură (fantezie), tablou simfonic, suită. Cele mai importante lucrări pentru orchestră ale lui Rimski-Korsakov sunt Capriccio spaniol (1887) și Scheherazade (1888). Un loc semnificativ în moștenirea creativă a lui Rimsky-Korsakov este ocupat de versurile vocale de cameră. A scris 79 de romane, inclusiv ciclurile vocale „Primăvara”, „Către poet”, „By the Sea”.

Opera lui Rimski-Korsakov este strălucitor națională. Compozitorul folosește exemple autentice de folclor muzical și transpune organic intonațiile cântecelor în propriile sale melodii. Contribuția sa la domeniul armoniei și instrumentației este semnificativă: a extins și a îmbogățit posibilitățile lor coloristice, a creat propriul său sistem de mijloace modal-armonice, care se bazează pe moduri complexe (inclusiv scara caracteristică - scara Rimsky-Korsakov, orchestrația combină strălucire, strălucire cu claritate, transparență.

Activitatea de dirijor a lui Rimski-Korsakov, care a promovat lucrările compozitorilor ruși, a fost de mare valoare educațională. Un rol important l-a jucat munca sa editorială, datorită căreia au fost publicate și interpretate multe lucrări de muzică rusă („Oaspetele de piatră” de Dargomyzhsky, „Prințul Igor”, „Boris Godunov”, „Khovanshchina”; Rimski-Korsakov a pregătit și a publicat, împreună cu Balakirev şi A. K. Lyadov, partituri de operă de Glinka). Activitatea sa pedagogică a avut o importanță excepțională. Fondatorul școlii de compozitori, Rimski-Korsakov a educat 200 de compozitori, dirijori, muzicologi, printre aceștia - A. K. Glazunov, A. K. Lyadov, A. S. Arensky, M. M. Ippolitov-Ivanov, I. F. Stravinsky , N. Ya. Myaskovsky, S. S. S. M. Prodkofie, M. M. Ya. Vitol, N. V. Lysenko, A. A. Spendiarov. Manualele sale despre armonie și orchestrație au fost o generalizare parțială a experienței sale pedagogice, iar cartea sa autobiografică Cronica vieții mele muzicale (1906) a fost un document istoric valoros. În 1944, Casa-Muzeu a fost deschisă în orașul Tikhvin, iar în 1971, în Leningrad, Muzeul-Apartament Rimsky-Korsakov.

Arta Romei antice, ca și cea a Greciei antice, s-a dezvoltat în cadrul unei societăți de sclavi, prin urmare, aceste două componente principale sunt cele care se referă atunci când vorbesc despre „artă antică”. Arta Romei este considerată finalizarea creativității artistice a societății antice. Este legitim să afirmăm că, deși vechii maeștri romani au continuat tradițiile celor eleni, totuși arta Romei antice este un fenomen independent, determinat de cursul și cursul evenimentelor istorice, și de condițiile de viață, precum și de originalitatea religiei. credințe, proprietățile caracterului romanilor și alți factori.
Arta romană ca fenomen artistic deosebit a început să fie studiată abia în secolul al XX-lea, în esență, abia atunci realizându-și toată originalitatea și unicitatea. Și totuși, până acum, multe antichități proeminente cred că istoria artei romane nu a fost încă scrisă, întreaga complexitate a problemelor sale nu a fost încă dezvăluită.
În lucrările vechilor romani, spre deosebire de greci, simbolismul și alegoria au prevalat. În consecință, imaginile plastice ale Ellions au făcut loc printre romani unora pitorești, în care natura iluzorie a spațiului și a formei a prevalat - nu numai în fresce și mozaicuri, ci și în reliefuri. Statui precum Menada lui Scopas sau Nike din Samotracia nu au mai fost create, dar romanii dețineau portrete sculpturale de neegalat, cu transmitere excepțional de precisă a trăsăturilor individuale ale feței și caracterului, precum și reliefuri care înregistrau în mod fiabil evenimentele istorice. Maeștrii romani, spre deosebire de greci, care vedeau realitatea în unitatea sa plastică, erau mai înclinați să analizeze, să împartă întregul în părți și să descrie fenomenul în detaliu. Grecul a văzut lumea ca prin ceata poetică a mitului care unește și leagă totul. Pentru un roman, a început să se risipească, iar fenomenele au fost percepute în forme mai distincte, care au devenit mai ușor de recunoscut, deși acest lucru a dus și la pierderea simțului integrității universului.
În Roma antică, sculptura se limita în principal la relieful istoric și la portrete, dar artele plastice s-au dezvoltat cu o interpretare iluzorie a volumelor și formelor - frescă, mozaic, pictură de șevalet, care erau puțin obișnuite în rândul grecilor. Arhitectura a obținut un succes fără precedent atât în ​​construcția și inginerie, cât și în expresia ansamblului său. Romanii au avut și o nouă înțelegere a relației dintre forma artistică și spațiu. Formele extrem de compacte, concentrice în esență ale Partenonului clasic nu excludeau, ci, dimpotrivă, exprimau deschiderea clădirii către întinderile din jurul Acropolei. În arhitectura romană, care de obicei lovește prin ansamblul său ansamblu, s-a dat preferință formelor închise. Arhitecții au iubit pseudoperipetrele cu o colonadă pe jumătate îngropată în perete. Dacă piețele grecești antice erau mereu deschise spre spațiu, precum Agora din Atena sau alte orașe elenistice, atunci cele romane fie erau înconjurate, ca forurile lui Augustus sau Nerva, cu ziduri înalte, fie așezate în zonele joase.
Același principiu s-a manifestat în sculptură. Formele plastice ale sportivilor greci sunt întotdeauna prezentate deschis. Imaginile ca un roman care se roagă, care aruncă peste cap un tiv de halat, sunt în cea mai mare parte închise în sine, concentrate. Maeștrii romani în portretele sculpturale s-au concentrat pe caracteristicile personale, individuale ale unei persoane.
Sistemul imaginilor arhitecturale și plastice romane este profund contradictoriu. Compactitatea formelor în ele este doar aparentă, artificială, cauzată, aparent, de imitarea modelelor clasice ale elenilor. Atitudinea romanilor față de formă, volum, spațiu este complet diferită de cea a grecilor, bazată pe principiul străpungerii granițelor și cadrelor, pe dinamica excentrică, și nu concentrică, a gândirii artistice. În acest sens, arta romană este o etapă calitativ nouă în asimilarea estetică a realității de către om. Atracția artiștilor romani către formele elene clasice, care evocă un sentiment al dualității monumentelor romane, este acum percepută ca o manifestare a unui fel de reacție la inovațiile care s-au declarat. Pierderea integrității formelor artistice, realizată de romani, i-a obligat adesea să creeze clădiri de dimensiuni enorme, uneori grandioase, pentru a compensa măcar imaginile contradictorii sau limitate. Poate că în legătură cu aceasta templele romane, forurile și, adesea, lucrările sculpturale au depășit semnificativ dimensiunea celor din Grecia antică.
Un factor important care a influențat caracterul artei romane antice a fost întinderea vastă a câmpului său de acțiune. Dinamismul și extinderea constantă a granițelor teritoriale ale artei romane antice cu includere în sfera sa deja în secolul al V-lea î.Hr. Formele etrusce, italice, galice, egiptene și alte forme, cu o semnificație greacă deosebită, nu pot fi explicate doar prin proprietățile potențialului artistic roman. Acesta este un proces asociat cu dezvoltarea artei europene comune, în care romanul a început să joace un rol special - interpret și custode al moștenirii artistice a epocii antice, dezvăluind în același timp propriile principii romane. Diverse valori artistice au fost topite în cuptorul roman, astfel încât în ​​cele din urmă a apărut o practică estetică medievală complet nouă, dar fără a exclude tradițiile din antichitate. De la țărmurile pirineene ale Oceanului Atlantic până la granițele de est ale Siriei, de la Insulele Britanice până la continentul african, triburile și popoarele au trăit în sfera de influență a sistemelor artistice care erau dictate de capitala imperiului. Contactul strâns al artei romane cu arta locală a dus la apariția unor monumente originale. Portretele sculpturale ale Africii de Nord sunt izbitoare în comparație cu formele expresive metropolitane, unele britanice sunt deosebit de reci, aproape rigide, cele din Palmyra sunt caracteristice artei orientale, cu ornamentații complicate de ornamente decorative de haine, coafuri, bijuterii. Și totuși, trebuie remarcat că la mijlocul mileniului I d.Hr., la sfârșitul antichității, tendințele de convergență a diferitelor principii estetice s-au făcut simțite în Marea Mediterană, ceea ce a determinat în mare măsură dezvoltarea culturală a Evului Mediu timpuriu.
Sfârșitul artei romane poate fi determinat formal și convențional de căderea Imperiului. Problema timpului apariției artei romane este foarte controversată. Răspândirea pe teritoriul Peninsulei Apenine în mileniul I î.Hr. Lucrările extrem de artistice ale etruscilor și grecilor au contribuit la faptul că arta romană, care abia începea să prindă contur, s-a dovedit a fi invizibilă. La urma urmei, pentru o lungă perioadă de timp, din secolele al VIII-lea până în secolele al VI-lea. î.Hr., Roma a fost o mică așezare printre multe alte orașe și așezări italice, etrusce și grecești. Totuși, chiar și din acest trecut îndepărtat, de unde provine originile artei romane, rămân broșe cu nume latine, chisturi și sculpturi monumentale din bronz precum lupoaica capitolină. Prin urmare, nu este legitim să începem istoria artei Romei antice, așa cum se face uneori, din secolul I î.Hr. BC, neținând cont, deși mic ca cantitate, dar foarte important material, care în timp, trebuie să ne gândim, va crește.
Periodizarea artei romane este una dintre cele mai dificile probleme din istoria ei. Spre deosebire de periodizarea acceptată și larg răspândită a artei grecești antice, care desemnează anii de formare drept arhaici, perioada de glorie - clasicii și epocile de criză - elenismul, istoricii artei romane antice, de regulă, au asociat dezvoltarea acesteia doar cu schimbările dinastiilor imperiale.
Cu toate acestea, schimbarea dinastiilor sau a împăratului nu a implicat întotdeauna o schimbare a stilului artistic. Prin urmare, este important să se determine limitele formării, înfloririi și crizei sale în dezvoltarea artei romane, ținând cont de schimbarea formelor artistice și stilistice în legătură cu factorii socio-economici, istorici, religioși, religioși și cotidieni. .
Dacă schițăm principalele etape din istoria artei romane antice, atunci în termeni generali ele pot fi reprezentate după cum urmează. Cea mai veche (sec. VII - V î.Hr.) și epoca republicană (sec. V î.Hr.-sec. I î.Hr.) - perioada de formare a artei romane. În cadrul acestor limite temporale largi, principiile creativității romane propriu-zise s-au format lent, adesea în confruntare cu influențele etrusce, italiene, grecești. Din cauza lipsei materialelor materiale, a acoperirii foarte slabe a acestei perioade lungi în sursele antice, este imposibil să diferențiem mai detaliat această etapă. În secolele VIII - V. î.Hr. Arta romană nu putea încă concura nu numai cu creativitatea artistică dezvoltată a etruscilor și grecilor, ci, evident, cu activitatea artistică a italicilor, care se declara destul de clar.
Perioada de glorie a artei romane cade în secolele I-II. ANUNȚ În cadrul acestei etape, trăsăturile stilistice ale monumentelor fac posibilă distingerea: perioada timpurie - timpul lui Augustus, prima perioadă - anii domniei lui Iulius - Claudius și Flavius, a doua - timpul lui Traian, perioada târzie – vremea răposatului Hadrian și a ultimilor Antonioni. Vremurile lui Septimius Severus, ca și mai devreme ale lui Pompei și Cezarului, în același timp, evident, ar trebui considerate tranzitorii. De la sfârșitul domniei lui Septimius Severus începe criza artei romane.
Toată creativitatea artistică a Europei din Evul Mediu până în zilele noastre poartă urme ale puternicei influențe a artei romane. Atenția acordată lui a fost întotdeauna foarte aproape. În ideile și monumentele Romei, multe generații au găsit ceva în consonanță cu sentimentele și sarcinile lor, deși specificul artei romane, originalitatea ei a rămas nedezvăluită și părea doar o expresie greacă târzie a antichității. Istoricii din Renaștere până în secolul al XX-lea au remarcat în ea diverse, dar întotdeauna aproape de trăsăturile lor moderne. În apelul umaniștilor italieni din secolele XV - XVI. la Roma antică, se pot vedea tendințe socio-politice (Cola di Rienzo), educaționale și moraliste (Petrarh), istorice și artistice (Kiriyak din Ancona). Cu toate acestea, arta romană antică a avut cea mai puternică influență asupra arhitecților, pictorilor și sculptorilor Italiei, care au perceput și interpretat cea mai bogată moștenire artistică a Romei în felul lor. În secolul al XVII-lea oamenii de știință din alte țări europene au devenit interesați de arta romană antică. A fost o perioadă de colectare intensivă de material artistic, perioada „antica”, care a înlocuit cea umanistă, renascentist.
revoluția secolului al XVIII-lea în Franța a trezit atenția oamenilor de știință și artiștilor francezi asupra artei romane. În același timp, a apărut o atitudine științifică și estetică față de moștenirea antică. I. Winkelman, spre deosebire de figurile perioadei „anticar”, a acționat ca un reprezentant al filozofiei iluministe a timpului său, creatorul istoriei artei antice. Adevărat, încă a tratat arta romană ca pe o continuare a artei grecești. La sfârșitul secolului al XVIII-lea - începutul secolului al XIX-lea. Arta romană a început să fie tratată nu de persoane private, ci de instituțiile de stat din Europa. Au fost finanțate săpături arheologice, au fost înființate mari muzee și societăți științifice și au fost create primele lucrări științifice despre operele de artă romane antice.
Încercările de înțelegere filozofică a esenței și specificului artei romane antice au fost făcute la sfârșitul secolului al XIX-lea. F. Wikgoff şi A. Riegl.
Un valoros studiu teoretic a fost și cartea lui O. Brendel „Introducere în studiul artei Romei antice”, care examinează diverse puncte de vedere asupra artei romane antice de la Renaștere până în zilele noastre.

1844 - 21 iunie 1908) - Compozitor rus, membru al Mighty Handful. A fost un adevărat maestru al orchestrației. Cele mai cunoscute lucrări simfonice ale lui Rimski-Korsakov, Capriccio Espagnol, o uvertură pe temele a trei cântece rusești, și suita simfonică Șeherazada, sunt exemple ale repertoriului muzical clasic, alături de suite și fragmente din unele dintre cele 15 opere ale sale. În Șeherazada, compozitorul apelează la tema basmelor și a credințelor populare. Rimski-Korsakov a folosit adesea aceste tehnici în munca sa. El a crezut, ca și predecesorul său Balakirev, în dezvoltarea unui stil național de muzică clasică. Muzica lui Rimski-Korsakov a combinat folclorul rusesc cu elemente de tipare exotice armonice, melodice și ritmice (cunoscute sub numele de orientalism), cu o abatere de la tehnicile tradiționale de compoziție occidentale. Pentru cea mai mare parte a vieții sale, Nikolai Andreevich a combinat compunerea muzicii și predarea cu o carieră în armata rusă - mai întâi ca ofițer, apoi ca inspector civil în marina. Rimsky-Korsakov (a cărui biografie este bine acoperită în Cronica vieții mele muzicale) a scris că, în copilărie, citind cărți și ascultând poveștile fratelui său mai mare despre isprăvile din marina, a dezvoltat o dragoste pentru mare. Trebuie să fi fost ea cea care l-a determinat pe compozitor să creeze două lucrări simfonice celebre. Acestea sunt „Sadko” (Rimsky-Korsakov a scris și opera cu același nume, nu trebuie confundate) și „Sheherazade”. Datorită serviciului naval, cunoștințele sale despre interpretarea pe instrumente de alamă și lemn s-au extins - acest lucru i-a deschis noi posibilități în orchestrație. Ulterior, el a transmis aceste cunoștințe studenților săi. Tot după moartea sa a fost publicat un manual de orchestrare, care a fost completat de fiul adoptiv al compozitorului, Maximilian Steinbreg.

Rimsky-Korsakov - biografia compozitorului

Nikolai Andreevici s-a născut în orașul Tikhvin (200 km est de Sankt Petersburg) într-o familie inteligentă. Fratele său Voin, care era cu 22 de ani mai în vârstă decât compozitorul, a devenit un cunoscut ofițer de marină și contraamiral. Rimsky-Korsakov Nikolai Andreevici și-a amintit că mama sa cânta puțin la pian, iar tatăl său putea interpreta mai multe piese după ureche. La vârsta de 6 ani, viitorul compozitor a început să ia lecții de pian. Potrivit profesorilor, a dat dovadă de o ureche bună pentru muzică, dar îi lipsea interesul. După cum însuși Nikolai Andreevici va scrie mai târziu, a cântat „nepăsător, nepăsător... ținând prost ritmul”. Deși Rimski-Korsakov a început să compună primele sale lucrări la vârsta de 10 ani, a preferat literatura decât muzica. Mai târziu, compozitorul a scris că datorită cărților și poveștilor fratelui său a apărut în el o mare dragoste pentru mare, în ciuda faptului că compozitorul „nici măcar nu o văzuse”. Nikolai Andreevici a absolvit Corpul Naval din Sankt Petersburg la vârsta de 18 ani. În paralel cu studiile sale, Rimski-Korsakov a luat lecții de pian. Compozitorul și-a amintit că, fiind indiferent față de studii, a dezvoltat o dragoste pentru muzică, care a fost facilitată de participarea la opere și concerte simfonice. În toamna anului 1859, Nikolai Andreevich a început să ia lecții de la Fyodor Andreevich Kanille, care, potrivit acestuia, l-a inspirat să studieze muzica și l-a încurajat să-și dedice întreaga viață. Pe lângă Canille, viitorul compozitor a fost foarte influențat de Mikhail Glinka, Robert Schumann și mulți alții. În noiembrie 1861, Rimski-Korsakov, în vârstă de 18 ani, a fost prezentat lui Balakirev. Balakirev, la rândul său, îi prezintă lui Caesar Cui și Modest Mussorgsky - toți trei erau deja compozitori cunoscuți, în ciuda vârstei fragede.

Mentoring Balakirev. „Grupul puternic”

La sosirea la Sankt Petersburg, în mai 1865, Rimski-Korsakov a preluat sarcinile serviciului zilnic timp de câteva ore pe zi. Prima sa reprezentație a avut loc în decembrie același an, la sugestia lui Balakirev. A doua apariție pe scenă a avut loc în martie 1866 sub conducerea lui Konstantin Lyadov (tatăl compozitorului Anatoly Lyadov). Rimski-Korsakov și-a amintit că i-a fost ușor să coopereze cu Balakirev. La sfatul său, compozitorul a rescris și corectat unele pasaje și le-a adus la perfecțiune. Sub patronajul său, compozitorul a completat Uvertura pe temele a trei cântece rusești, care s-au bazat pe uverturile populare ale lui Balakirev. Nikolai Andreevich a creat și versiunile inițiale ale lucrărilor simfonice „Sadko” și „Antar”, care au adus faima compozitorului ca maestru al creativității simfonice. Rimsky-Korsakov a purtat discuții și cu alți membri ai Mighty Handful, s-au criticat reciproc lucrările și au colaborat la crearea de noi lucrări. Nikolai Andreevich s-a împrietenit cu Alexander Borodin, a cărui muzică l-a „uimit”, a petrecut mult timp cu Mussorgsky. Balakirev și Mussorgsky au cântat la pian la patru mâini, au cântat, au discutat despre munca altor compozitori, împărtășind un interes pentru opera compozițiilor târzii ale lui Glinka, Schumann și Beethoven.

Profesorat

În 1871, la vârsta de 27 de ani, Rimski-Korsakov a devenit profesor la Conservatorul din Sankt Petersburg, unde a predat cursuri practice de compoziție, instrumentație și orchestră. Nikolai Andreevici scrie în memoriile sale că predarea la conservator l-a făcut „poate cel mai bun elev al ei, judecând după calitatea și cantitatea informațiilor pe care mi le-a oferit”. Pentru a-și îmbunătăți cunoștințele și a rămâne mereu cu un pas înaintea studenților săi, a luat o pauză de trei ani de la compunerea muzicii și a studiat din greu acasă, dând prelegeri la conservator. Profesorul a oferit compozitorului stabilitate financiară și a determinat formarea unei familii.

Căsătorie

În decembrie 1871, Rimski-Korsakov i-a cerut-o în căsătorie pe Nadejda Nikolaevna Purgold, pe care a întâlnit-o în timpul întâlnirilor săptămânale ale Mânii Puternice la casa miresei. În iulie 1872, a avut loc o nuntă, la care Mussorgsky a fost prezent ca cel mai bun om. Unul dintre fiii lui Nikolai Andreevich, Andrei, a devenit muzicolog, s-a căsătorit cu compozitoarea Iulia Lazarevna Veisberg și a scris o lucrare în mai multe volume despre viața și opera tatălui său.

Revoluția din 1905

În 1905, au avut loc demonstrații la Conservatorul din Sankt Petersburg - studenții cu minte revoluționară au cerut schimbări politice și crearea unei ordini constituționale în Rusia. Rimski-Korsakov a simțit nevoia să protejeze dreptul studenților de a demonstra, mai ales când autoritățile au început să fie crude cu participanții săi. Într-o scrisoare deschisă, compozitorul ia partea studenților cerând demisia directorului conservatorului. Parțial din cauza acestei scrisori, 100 de studenți au fost expulzați din instituția de învățământ, iar Rimski-Korsakov și-a pierdut funcția de profesor. Cu toate acestea, Nikolai Andreevich a continuat să dea lecții acasă.

Excursie la Paris

În aprilie 1907, compozitorul susține mai multe concerte la Paris, organizate de impresarul Serghei Diaghilev. Nikolai Andreevici a prezentat muzica școlii naționale ruse. Aceste spectacole au fost un mare succes. În anul următor a avut loc o proiecție de opere compuse de Rimski-Korsakov: Fecioara zăpezii și Sadko. Călătoria i-a oferit compozitorului ocazia de a se familiariza cu muzica modernă europeană.

Lucrări de Rimski-Korsakov

Rimski-Korsakov a dezvoltat idealurile și tradițiile „Mighty Handful”. În opera sa, a folosit teme liturgice ortodoxe, cântece populare (de exemplu, în „Capriccioul spaniol”) și orientalismul (în „Sheherazade”). Nikolai Andreevici s-a dovedit a fi un compozitor foarte productiv și autocritic. A revizuit și a editat aproape toate compozițiile sale, iar unele dintre ele, cum ar fi Simfonia a III-a, „Antar” și „Sadko”, Rimski-Korsakov a corectat de mai multe ori. Compozitorul a rămas nemulțumit de multe dintre compozițiile sale.

Rimski-Korsakov - opere

În ciuda faptului că Nikolai Andreevici este mai bine cunoscut ca un maestru al creativității simfonice, operele sale sunt și mai complexe și mai bogate în tehnici orchestrale speciale decât lucrările instrumentale și vocale. Fragmente din ele sunt uneori la fel de populare ca întreaga lucrare. De exemplu, „Zborul bondarului” din „Povestea țarului Saltan” de Rimski-Korsakov. Operele compozitorului pot fi împărțite în 3 categorii:

1. drama istorica. Printre acestea se numără: „Slujitoarea din Pskov”, „Mozart și Salieri”, „Guvernatorul Pan”, „Mireasa țarului”.
2. Opere populare: „Noapte de mai”, „Noapte înainte de Crăciun”.
3. Povesti si legende. Printre acestea se numără astfel de lucrări scrise de Rimski-Korsakov: Fecioara Zăpezii, Mlada, Sadko, Koschei Nemuritorul, Povestea țarului Saltan, Povestea orașului invizibil Kitezh și Fecioara Fevronia, Cocoșul de aur ".

Creativitate simfonică

Lucrările simfonice ale lui Rimski-Korsakov pot fi împărțite în 2 tipuri. Cel mai faimos din Occident și poate cel mai bun al său este software-ul. Acest tip de creativitate simfonică a lui Nikolai Andreevich presupune prezența unei intrigi, personaje, acțiuni, împrumutate din alte surse, non-muzicale. A doua categorie sunt lucrări academice, cum ar fi Simfonia I și a III-a (de Rimski-Korsakov). Baletele pe muzica lui pot fi văzute nu numai în țara noastră, ci și în străinătate, la fel ca multe opere și alte compoziții muzicale ale compozitorului.