Rembrandt Harmenszoon van Rijn este un pictor și gravor faimos mondial. Biografia lui Rembrandt este foarte interesantă, așa că nu este surprinzător faptul că un număr mare de studii de artă și monografii științifice sunt dedicate studiului vieții și operei sale.
primii ani
Artistul Rembrandt, a cărui biografie este luată în considerare în acest articol, s-a născut în familia morarului Harmen Gerrits în 1606. Numele mamei lui era Neltje Willemsdochter van Rijn.
Datorită faptului că lucrurile mergeau bine cu tatăl meu la acea vreme, viitorul pictor a primit o educație destul de bună. A fost repartizat la o școală latină, dar tânărului nu-i plăcea să învețe acolo, așa că succesul său a lăsat de dorit. Drept urmare, tatăl a cedat cererilor fiului său și i-a permis să meargă să studieze la atelierul de artă al lui Jacob van Svanenbürch.
Biografia lui Rembrandt este interesantă prin faptul că primul său mentor nu a avut o influență puternică asupra stilului artistic al pictorului. Cea mai mare influență asupra artistului aspirant a avut-o cel de-al doilea profesor, la care a trecut după trei ani de muncă la Svanenbürch. A fost Peter Lastman, pe care Rembrandt a decis să-l urmeze când s-a mutat la Amsterdam.
Creativitatea și biografia artistului
O scurtă biografie a lui Rembrandt van Rijn nu permite o prezentare detaliată a întregii sale cariere și vieți, dar punctele principale sunt încă destul de posibil de deslușit.
În 1623, artistul s-a întors acasă în orașul Leiden, unde până în 1628 și-a dobândit propriii studenți. Informațiile despre primele sale lucrări cunoscute datează din 1627.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn a mers constant și sârguincios către succesul său creativ - biografia pictorului talentat indică faptul că, în primele etape ale lucrării sale, a lucrat neobosit.
În acea perioadă, își picta în principal familia și prietenii, precum și scene din viața orașului natal. Galeria Kassel conține un portret al unui bărbat cu un lanț dublu de aur la gât, datând din această perioadă din viața artistului cunoscut în întreaga lume drept Rembrandt. Chiar și atunci, biografia și opera acestui pictor au început să atragă atenția.
Mutarea la Amsterdam
În 1631, tânărul s-a mutat să locuiască în capitală - orașul Amsterdam. De acum înainte, el apare extrem de rar pe meleagurile natale. Biografia lui Rembrandt în această etapă a vieții și operei sale este plină de dovezi că a câștigat rapid faimă și succes creativ în cercurile bogate din Amsterdam.
Aceasta este o etapă foarte fructuoasă în viața unui artist. Rembrandt, a cărui scurtă biografie este prezentată în articolul nostru, a muncit foarte mult, îndeplinind multe comenzi și, în același timp, fără a uita să se îmbunătățească constant. Artistul a desenat din viață și a gravat personaje interesante pe care le-a întâlnit în cartierul evreiesc al orașului.
Apoi au fost pictate picturi renumite precum „Lecția de anatomie” (1632), „Portretul lui Coppenol” (1631) și multe altele.
Succes creativ și financiar
În 1634, Rembrandt se căsătorește cu Saskia van Uhlenborch, fiica unui avocat de succes. În multe privințe, aceasta a marcat cea mai de succes perioadă din viața și opera artistului. Are suficienți bani și multe comenzi, pe care le îndeplinește de bunăvoie.
Biografia lui Rembrandt din acea perioadă indică faptul că îi plăcea foarte mult să-și picteze soția și nu numai în portrete, ci și adesea imaginea ei poate fi văzută în alte picturi ale pictorului.
Cele mai cunoscute tablouri care o înfățișează pe tânăra soție a artistului sunt:
- „Portretul miresei lui Rembrandt”;
- „Portretul lui Saskia”;
- „Rembrandt cu soția sa”.
Rembrandt: o scurtă biografie după moartea primei sale soții
Căsnicia fericită a tânărului nu a durat foarte mult. După șapte ani de căsătorie, Saskia a murit brusc în 1642. Și din acel moment, întreaga viață a artistului începe să se schimbe în rău.
În ciuda faptului că Rembrandt s-a căsătorit a doua oară, el nu mai avea aceeași fericire ca în prima căsătorie. Fosta lui servitoare, Gendrikie Jagers, a devenit partenerul său de viață.
În acea perioadă de viață, artistul a întâmpinat dificultăți materiale severe și nu din cauza lipsei de muncă și a comenzilor, ci din cauza propriei dependențe de a colecta opere de artă, pentru care și-a cheltuit majoritatea veniturilor.
Pasiunea pentru colecționare a dus la faptul că în 1656 a fost declarat debitor care nu își mai putea achita datoriile, iar în 1658 a fost nevoit să renunțe la propria casă pentru a-și plăti datoriile. Din acel moment, artista a locuit într-un hotel.
Înrăutățirea situației
Soții Hendriki și fiul lui Rembrandt, Titus, au fondat o societate comercială pentru vânzarea operelor de artă. Cu toate acestea, lucrurile încă nu mergeau prea bine, iar după moartea lui Gendrikie în 1661, situația s-a înrăutățit și mai mult. Șapte ani mai târziu, a murit și fiul care conducea afacerea companiei.
Situația financiară a marelui artist devine pur și simplu teribilă, dar sărăcia nu i-a ucis dorința de a crea. Continuă să picteze cu insistență tablouri, care, însă, nu se mai bucură de același succes în rândul contemporanilor săi ca înainte, pentru că gusturile publicului s-au schimbat de-a lungul anilor.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn a murit în octombrie 1669, complet singur și în sărăcie extremă.
Rembrandt: biografie, picturi
Spre deosebire de contemporanii marelui pictor, generațiile următoare au apreciat foarte mult nu numai lucrările timpurii ale artistului, ci și lucrările și pânzele de mai târziu ale lui Rembrandt. Astăzi, maestrul este personificarea picturii olandeze și unul dintre cei mai importanți reprezentanți ai acesteia.
Laitmotivul principal al întregii sale opere poate fi numit realism, care pătrunde în toate lucrările autorului. Chiar și înfățișând comploturi mitologice, Rembrandt demonstrează zeii și zeițele grecești antice sub masca locuitorilor Olandei de astăzi. Un exemplu izbitor în acest sens poate fi numit pictura „Danae”, care este păstrată în Muzeul Ermitaj de Stat din Sankt Petersburg.
Unele picturi mitologice au în general o imagine semi-caricatură a zeilor și zeițelor. Acest lucru poate fi urmărit în lucrarea „Răpirea lui Ganymede” (al doilea nume „Ganymede în ghearele unui vultur”), păstrată în Muzeul din Dresda. Aici proporțiile corpului lui Ganymede nu corespund realității, ceea ce nu vorbește despre nivelul scăzut de îndemânare a artistului picturii, ci despre abordarea sa caricaturală intenționată de a descrie personajul pe pânză, deoarece în multe picturi Rembrandt realizează cu ușurință chiar și elemente complexe care descriu părți ale fiziologiei și anatomiei umane.
Portretele artistului se disting în general prin realismul și credibilitatea fără precedent pentru timpul său, care vorbește despre talentul incredibil al maestrului și capacitatea de a transfera pe pânză ceea ce a văzut în viață, precum și cunoștințele sale destul de profunde despre anatomia și fiziologia umană. .
Artista tratează diverse lucruri mărunte și mici accesorii cu mare atenție și precizie pentru acest gen de lucrare. Acest lucru se vede clar în imagini:
- Caligraf (Stat Schitul);
- Lecție de anatomie (Mauritshuis);
- „Breasla țesătorilor” (Muzeul din Amsterdam).
Stilul creativ
Pentru lucrările lui Rembrandt, este caracteristic că toate elementele importante ale tabloului sunt întotdeauna aduse în prim-plan de către artist, indiferent de caracteristicile compoziționale. Artistul nu se străduiește întotdeauna să arate dacă oamenii sau obiectele descrise sunt corecte din punctul de vedere al realității. El se caracterizează prin exagerare deliberată.
Principala caracteristică care a trecut prin toate lucrările sale este lipsa culorilor strălucitoare și a strălucirii. Mai mult, acest lucru se poate vedea din cele mai vechi lucrări ale artistului. Și acest lucru îi deosebește foarte mult de picturile maeștrilor italieni sau, de exemplu, de opera pictorului flamand Rubens.
Rembrandt a pus cel mai mare accent pe jocul de culori cu lumina și umbra. În acest sens, priceperea lui este recunoscută și de neîntrecut până astăzi. Uneori, jocul de lumini și umbre de culori de pe pânzele artistului este atât de puternic încât experții în artă încă se ceartă despre ce moment al zilei este reprezentat în imagine.
Unul dintre cele mai strălucitoare exemple de picturi ale lui Rembrandt cu o paletă atât de magnifică este poate cel mai faimos tablou al său „Night Watch”, dezbaterea despre care continuă și astăzi.
„Pazul de noapte”
Această imagine poartă numele oficial „Discurs al companiei de pușcă a căpitanului Frans Banning Kock și a locotenentului Willem van Ruutenbürg”, dar peste tot în lume este de obicei numită pur și simplu „Căpitanul de noapte”.
Cu toate acestea, din cauza dragostei artistului pentru jocul de lumină-umbre de culori descris mai sus, disputele cu privire la ce oră din zi este reprezentată în imagine, zi sau noapte, sunt încă în desfășurare și nu există un răspuns cert.
Această pânză este un simbol și cea mai izbitoare lucrare nu numai a lui Rembrandt însuși, ci și a întregii școli olandeze de pictură. Este considerată proprietatea Regatului Țărilor de Jos și a artei mondiale în general.
Milioane de turiști din întreaga lume vin în Amsterdam în fiecare an pentru a vizita Rijksmuseum și pentru a admira faimoasa pictură. Fiecare vede în el ceva al lui, fiecare are propria impresie și părere despre această pânză. Dar rămâne întotdeauna neschimbat faptul că această lucrare magnifică a celebrului creator nu lasă pe nimeni indiferent.
Concluzie
Astăzi, pictorul și gravatorul Rembrandt, a cărui scurtă biografie și lucrare au fost descrise în acest articol, este mândria nu numai a țării sale natale. Este cunoscut în întreaga lume, iar picturile sale sunt admirate de cunoscătorii de artă și pictură de pe toată planeta. Picturile artistului sunt cumpărate cu nerăbdare pentru bani fabulosi la licitații unde se vând tablouri și opere de artă, iar numele lui Rembrandt este auzit de oricine are chiar și cea mai mică idee despre artă.
Este greu de supraestimat contribuția creativă a acestui mare artist la pictura și cultura țării sale și a lumii întregi. Nu degeaba astăzi școala olandeză de pictură este asociată în primul rând cu numele de Rembrandt Harmenszoon van Rijn.
Iar opera sa, prezentată în articol, vă va face cunoștință cu unul dintre cei mai mari artiști ai tuturor timpurilor. Rembrandt Harmenszoon van Rijn (anii din viața sa - 1606-1669) - celebru pictor, gravor și desenator olandez. Opera sa este pătrunsă de dorința de a înțelege esența vieții, precum și lumea interioară a omului. Rembrandt era interesat de bogăția experiențelor emoționale inerente oamenilor. Opera acestui artist este apogeul artei olandeze din secolul al XVII-lea. De asemenea, este considerată una dintre cele mai importante pagini ale culturii artistice a lumii întregi. Chiar și oamenii departe de pictură îi cunosc lucrările. Rembrandt este un artist uimitor a cărui viață și opera te vor interesa cu siguranță.
Moștenirea artistică a lui Rembrandt
Moștenirea artistică pe care ni l-a lăsat este extrem de diversă. Rembrandt a pictat portrete, peisaje, naturi moarte, scene de gen. A realizat picturi pe teme mitologice, biblice, istorice, precum și alte lucrări. Rembrandt este un maestru de neegalat al gravurii și al desenului.
Viața în Leiden
Viața lui Rembrandt în 1620 a fost marcată de un scurt studiu în Apoi a decis să-și dedice viața în întregime artei. În acest scop, a studiat mai întâi la Leiden sub J. van Swanenbürch (aproximativ în 1620-23), iar apoi la Amsterdam sub conducerea lui P. Lastmann (în 1623). Între 1625 și 1631, artistul a lucrat la Leiden. Aici Rembrandt și-a creat primele lucrări.
Trebuie remarcat faptul că lucrările sale legate de perioada Leiden se caracterizează prin căutarea independenței creatoare a autorului, în ciuda faptului că influența lui Lastman, precum și reprezentanții caravagismului olandez, se remarcă în ele. Un exemplu este lucrarea „Aducerea la Templu”, realizată în jurul anilor 1628-29. În „Apostolul Pavel” (aproximativ 1629-30), precum și în „Simeon în templu” (1631), artistul a recurs pentru prima dată la clarobscur ca mijloc menit să sporească expresivitatea emoțională și spiritualitatea imaginilor. În același timp, Rembrandt a lucrat din greu la portret. A studiat expresiile faciale.
1630 de ani în viața lui Rembrandt
Un eveniment important din viața maestrului a avut loc în 1632. Mutarea la Amsterdam a marcat biografia artistului Rembrandt. Biografia lui care datează din această perioadă este următoarea.
La Amsterdam, artistul de care ne interesează s-a căsătorit curând. Aleasa lui a fost Saskia van Eilenburch, o femeie patriciană bogată (portretul ei este prezentat mai sus). Această femeie era o orfană totală. Tatăl ei a fost consilier în Friesland, un primar din Leverden. Cei doi frați ai lui Saskia erau avocați. Printre rudele acestei femei se numără mulți oficiali guvernamentali și oameni de știință. Ea a adus o rază de fericire în locuința singuratică a artistului. Rembrandt și-a mobilat casa cu multe obiecte rare, drept urmare a devenit un adevărat muzeu. Maestrul a petrecut mult timp în magazinele de vechituri, la vânzări și licitații. A cumpărat imprimeuri și picturi, sculpturi indiene și chinezești, arme vechi, statui, cristal prețios și porțelan. Toate aceste lucruri au servit drept fundal pentru picturile pe care le-a creat. Ei l-au inspirat pe artist. Rembrandt îi plăcea să-și îmbrace soția în catifea, brocart și mătase. El a acoperit-o cu perle și diamante. Viața lui a fost ușoară și plină de bucurie, plină de creativitate, muncă și dragoste. În general, anii 1630 sunt o perioadă de fericire în familie și de mare succes artistic.
Portrete ale anilor 1630
Toate portretele datând din anii 1630 demonstrează subtilitatea și observația lui Rembrandt. Acest lucru îl aduce mai aproape de Keisser, van der Helst, Rubens și Van Dyck. Aceste picturi sunt de obicei realizate pe un fundal plat gri deschis. Adesea lucrările sale sunt în format oval. Rembrandt a creat portrete care uimesc prin enorma lor putere plastică. Se realizează prin simplificarea clarobscurului și a armoniei alb-negru, precum și a privirii directe a modelului. Toate lucrările sunt pline de demnitate, atrag atenția cu compoziție și ușurință dinamică. În picturile din perioada Amsterdam, în comparație cu cele din Leyden, textura este mai netedă. Ritmul mâinilor are o semnificație simbolică (artista nu arată în mod deliberat o mână). Aceasta, precum și întoarcerea capului figurii, amintește de variabilitatea și efemeritatea barocului.
Caracteristicile unor portrete din anii 1630
Descriind viața și opera lui Rembrandt din această perioadă, nu se poate decât să se facă referire la portretele pe care le-a creat. Sunt destul de numeroase. Lecția de anatomie a lui Rembrandt de Dr. Tulp (foto sus) a fost creată în 1632. În ea, autorul a abordat în mod inovator soluția problemei portretului de grup, în urma căreia compoziția s-a dovedit a fi relaxată. Rembrandt a unit toți oamenii reprezentați în imagine printr-o singură acțiune. Această muncă i-a adus o mare faimă.
În alte portrete, create la numeroase comenzi, artistul a transmis cu atenție haine, trăsături faciale și bijuterii. Un exemplu este lucrarea „Portretul unui Burgrave”, care a fost pictată în 1636 de Rembrandt Garmens van Rijn. Viața și opera oricărui artist sunt strâns legate. De exemplu, portretele oamenilor apropiați de Rembrandt, precum și autoportretele sale, sunt mai diverse și mai libere în compoziție (unul dintre ele, creat în 1634, este prezentat mai sus). În ele, artistul nu i-a fost frică să experimenteze, luptă pentru expresivitate psihologică. Aici trebuie amintite și autoportretul, realizat în 1634, și „Saskia zâmbitoare”, scris în 1633.
Celebrul tablou „Societatea veselă”, sau „Autoportret cu Saskia” (fotografie a acestei lucrări este prezentată mai sus), a completat căutarea acestei perioade. A fost scrisă în jurul anului 1635. Viața și opera artistului se dezvăluie într-un mod deosebit în această lucrare. În ea, el rupe cu îndrăzneală de canoanele care existau la acea vreme. Tabloul se remarcă prin maniera liberă de a picta, spontaneitatea vie a compoziției, precum și plină de lumină, scară majoră, colorată.
Compoziții biblice și scene mitologice 1630
În anii 1630, artistul a creat și compoziții biblice. Una dintre cele mai faimoase este „Sacrificiul lui Avraam”. Datează din 1635. Compozițiile biblice din acest timp sunt marcate de influența picturii barocului italian. Efectul său se manifestă în dinamica compoziției (oarecum forțată), contraste de tăiere și umbră, claritate a scurtării.
În opera lui Rembrandt din acest timp, un loc special aparține scenelor mitologice. În ele, artistul nu a urmat tradițiile și canoanele clasice, aruncându-le o provocare îndrăzneață. Una dintre lucrările care pot fi remarcate aici este „Răpirea lui Ganymede” (1635).
"Danae"
Compoziția monumentală intitulată „Danae” a întruchipat pe deplin vederile estetice ale lui Rembrandt. În această lucrare, el pare să intre într-o ceartă cu marii artiști ai Renașterii. Figura nudă a lui Danae înfățișată de Rembrandt nu corespunde idealurilor clasice. Artista a executat această lucrare cu o imediateză realistă, foarte îndrăzneață pentru vremea respectivă. El a pus în contrast frumusețea ideală, senzuală-corporală a imaginilor create de maeștri italieni, frumusețea spirituală, precum și căldura sentimentului uman.
Alte locuri de muncă
Tot în anii 1630, Rembrandt a dedicat mult timp lucrului în tehnica gravurii și gravurii. Se pot observa lucrări ale sale precum „Cuplul rătăcitor” și „Vânzătorul de otravă pentru șobolani”. Artistul a creat și desene în creion care au fost generalizate ca stil și destul de îndrăznețe.
Lucrarea lui Rembrandt în anii 1640
Acești ani au fost marcați de un conflict între lucrările de pionierat ale lui Rembrandt și cerințele foarte limitate ale contemporanilor săi. Acest conflict s-a manifestat în mod clar în 1642. Apoi munca lui Rembrandt „Night Watch” a provocat proteste violente din partea clienților. Nu au acceptat ideea principală a artistului. În loc de portretul obișnuit de grup, Rembrandt a descris o compoziție eroică înălțată, în care, la un semnal de alarmă, breasla pușcașilor face un pas înainte. Adică a fost, s-ar putea spune, Ea a trezit amintirile contemporanilor despre războiul de eliberare purtat de poporul olandez.
După această lucrare, afluxul de comenzi de la Rembrandt a scăzut. Viața lui a fost, de asemenea, întunecată de moartea lui Saskia. În anii 1640, opera artistului și-a pierdut efectul exterior. Notele majoritare, caracteristice lui mai devreme, au dispărut și ele. Rembrandt începe să scrie gen calm și scene biblice, pline de intimitate și căldură. În ele, el dezvăluie cele mai subtile nuanțe de experiențe, sentimente de rudenie, apropiere spirituală. Printre aceste lucrări este de remarcat „Sfânta Familie” din 1645, precum și tabloul „David și Ionatan” (1642).
Atât în grafică, cât și în pictura lui Rembrandt, un joc foarte subtil de clarobscur devine din ce în ce mai important. Ea creează o atmosferă specială - tensionată emoțional, dramatică. De remarcat este monumentala foaie grafică a lui Rembrandt „Hristos vindecând bolnavii”, precum și „Foaie de o sută de florin”, creată în jurul anilor 1642-46. De asemenea, este necesar să denumim peisajul din 1643 „Trei Copaci”, plin de dinamică a luminii și a aerului.
1650 de ani în opera lui Rembrandt
Acest timp a fost marcat de încercări grele de viață care s-au întâmplat pe artist. În 1650 a început perioada maturității sale creatoare. Rembrandt a început să se refere tot mai mult la portret. Îi înfățișează pe cei mai apropiați. Dintre aceste lucrări, merită remarcate numeroasele portrete ale lui Hendrickje Stoffels, a doua soție a artistului. Foarte demn de remarcat este și „Portretul unei bătrâne” creat în 1654. În 1657, artistul a scris o altă lucrare celebră de-a sa - „Fiul lui Titus Reading”.
Imagini cu oameni obișnuiți și bătrâni
Imaginile oamenilor obișnuiți, în special bătrânilor, îl atrag din ce în ce mai mult pe artist. În lucrările sale, ele sunt întruchiparea bogăției spirituale și a înțelepciunii vieții. În 1654, Rembrandt a creat „Portretul soției fratelui artistului”, iar în 1652-1654 – „Portretul unui bătrân în roșu” (foto sus). Pictorul devine interesat de mâini și față, care sunt iluminate de lumină moale. Ei par să fie smulși din întuneric. Fețele figurilor sunt caracterizate de expresii faciale abia vizibile. Aceasta arată mișcarea complicată a sentimentelor și gândurilor lor. Rembrandt alternează între trăsături ușoare și păstoase, ceea ce face ca suprafața tabloului să irizeze cu lumină și umbră și nuanțe colorate.
Situație financiară dificilă
În 1656, artistul a fost declarat debitor insolvent, drept urmare toată proprietatea sa a trecut sub ciocan. Rembrandt a fost nevoit să se mute în cartierul evreiesc al orașului Amsterdam. Aici și-a petrecut restul vieții în condiții extrem de înghesuite.
Opera lui Rembrandt Harmenszoon van Rijn 1660
Compozițiile biblice create în anii 1660 rezumă reflecțiile lui Rembrandt asupra sensului vieții. În opera sa din acest timp, există picturi dedicate ciocnirii principiilor luminii și întunericului din sufletul uman. O serie de lucrări pe această temă au fost create de Rembrandt Harmenszoon van Rijn, a cărui biografie și listă de picturi ne interesează. Printre astfel de lucrări este de remarcat lucrarea „Assur, Haman și Esther”, creată în 1660; și, de asemenea, David și Urie, sau Căderea lui Haman (1665). Se caracterizează printr-un mod flexibil de scriere, culori calde bogate, textura complexă a suprafeței, joc intens de lumini și umbre. Toate acestea sunt necesare pentru ca artistul să dezvăluie experiențe emoționale complexe și ciocniri, să afirme victoria binelui asupra răului.
Pictura istorică de Rembrandt numită „Conspirația lui Julius Civilis”, cunoscută și sub numele de „Conspirația Batavian”, a fost creată în 1661. Ea este impregnată de eroism și dramă dură.
„Întoarcerea fiului risipitor”
În ultimul an de viață, artistul a creat lucrarea „Întoarcerea fiului risipitor”. Datează din 1668-69. Această pictură monumentală este principala capodopera a lui Rembrandt. Ea întruchipează toate problemele morale, estetice și artistice caracteristice perioadei ulterioare a operei sale. Artistul cu cea mai înaltă pricepere recreează în această imagine o întreagă gamă de sentimente umane profunde și complexe. El subordonează mijloacele artistice dezvăluirii frumuseții iertării, compasiunii, înțelegerii. Punctul culminant al trecerii de la tensiunea sentimentelor la rezolvarea cu succes a pasiunilor este întruchipat în gesturi zgârcite și ipostaze expresive. În fotografia de mai sus, puteți vedea această ultimă piesă a lui Rembrandt.
Moartea lui Rembrandt, sensul operei sale
Faimosul pictor, gravor și desenator olandez a murit la Amsterdam la 4 octombrie 1669. Harmenszoon van Rijn Rembrandt, ale cărui lucrări sunt cunoscute și iubite de mulți, a avut o influență extraordinară asupra dezvoltării ulterioare a picturii. Acest lucru se observă nu numai în munca studenților săi, dintre care Karel Fabricius a ajuns la înțelegerea lui Rembrandt cel mai aproape, ci și în lucrările fiecărui artist olandez, mai mult sau mai puțin semnificativ. Picturile multor maeștri reflectă influența unui artist precum Rembrandt van Rijn. Lucrarea „Mlaștină” de Jacob van Ruisdael este probabil una dintre astfel de lucrări. Înfățișează o parte deșertică a pădurii acoperită cu apă. Această imagine poartă o semnificație simbolică.
Mai târziu, marele Rembrandt a avut o influență puternică asupra dezvoltării artei realiste în ansamblu. Picturile și biografia lui sunt de interes pentru mulți oameni până în prezent. Acest lucru sugerează că munca lui este într-adevăr foarte valoroasă. Capodoperele lui Rembrandt, dintre care multe au fost descrise în acest articol, inspiră și astăzi artiștii.
Rembrandt harmenszoon van rijn
Cel mai mare reprezentant al epocii de aur, artist, gravor, mare maestru al clarobscurului - și toate acestea într-un singur nume Rembrandt.
Rembrandt s-a născut la 15 iulie 1606 la Leiden. Acest mare artist olandez a putut întruchipa în lucrările sale întregul spectru al experiențelor umane cu o intensitate atât de emoțională pe care artele vizuale nu au cunoscut-o înaintea lui.
O viata
A crescut în familia numeroasă a unui proprietar bogat de moară, Harmen Gerritzon van Rijn. Printre altele, în moșia băilor Rinului mai existau două case și a primit și o zestre însemnată de la soția sa Cornelia Neltier. Mama viitorului artist era fiica unui brutar și era versată în gătit.Familia mamei, chiar și după revoluția olandeză, a rămas fidelă credinței catolice.
La Leiden, Rembrandt a urmat o școală de latină la universitate, dar nu i-au plăcut științele exacte, a arătat cel mai mare interes pentru pictură. Dându-și seama de acest fapt, la vârsta de 13 ani, părinții lui l-au trimis pe Rembrandt să studieze arte plastice cu pictorul istoric din Leiden Jacob van Swanenbürch, care era catolic. Lucrările lui Rembrandt, diverse ca gen și subiect, sunt impregnate cu ideile de moralitate, frumusețea spirituală și demnitatea unei persoane obișnuite, o înțelegere a complexității de neînțeles a lumii sale interioare, versatilitatea bogăției sale intelectuale, profunzimea emoțională. experiențe. Foarte puține informații au ajuns la noi despre Jacob, așa că istoricii și criticii de artă nu pot spune cu siguranță despre influența lui Svanenberch asupra modului creator al lui Rembrandt.
Apoi în 1623 a studiat la Amsterdam cu pictorul la modă de atunci Peter Lastman, după care, întorcându-se la Leiden, în 1625, împreună cu compatriotul Jan Lievens, și-a deschis propriul atelier.
Peter Lastman a efectuat un stagiu în Italia și s-a specializat în subiecte istorice, mitologice și biblice. Când Rembrandt a deschis un atelier și a început să recruteze ucenici, în scurt timp a devenit semnificativ celebru. Dacă te uiți la primele lucrări ale artistului, poți înțelege imediat că stilul lui Lastman - o pasiune pentru variație și meschinică de execuție, a avut un impact uriaș asupra tânărului artist. De exemplu, lucrarea sa „Lapidarea Sf. Stephen „(1629),” O scenă din istoria antică „(1626) și „Botezul eunucului” (1626), foarte strălucitor, neobișnuit de colorat, Rembrandt caută să scrie cu atenție fiecare detaliu al lumii materiale. Aproape toți eroii apar în fața privitorului îmbrăcați în ținute orientale fanteziste, strălucesc de bijuterii, care creează o atmosferă de măreție, splendoare, festivitate
În 1628, artistul în vârstă de douăzeci și doi de ani a fost recunoscut ca un maestru „eminamente celebru”, un renumit pictor portretist.
Tabloul „Iuda returnează argintarii” (1629) – a stârnit un răspuns entuziast din partea celebrului cunoscător de artă Konstantin Huygens, secretarul lui Stadtholder Frederick Hendrik de Orange: „... acest trup tremurând de tremur jalnic este ceea ce prefer bunului gust al tuturor. ori.”
Datorită legăturilor lui Constantin, Rembrandt a dobândit în scurt timp bogați admiratori ai artei: datorită medierii lui Hagens, Prințul de Orange a comandat artistului mai multe lucrări religioase, precum Hristos înaintea lui Pilat (1636).
Succesul real al artistului vine la Amsterdam. 8 iunie 1633 Rembrandt o întâlnește pe fiica unui burghez bogat Saskia van Eilenbürch și câștigă o poziție puternică în societate. Artistul a pictat majoritatea pânzelor în timp ce se afla în capitala Olandei.
Amsterdam - un port plin de viață și un oraș industrial, unde s-au adunat mărfuri și minuni din întreaga lume, unde oamenii s-au îmbogățit cu tranzacții comerciale și bancare, unde haiducii Europei feudale s-au repezit în căutarea refugiului și unde a coexistat bunăstarea burgherilor bogați. cu sărăcie deprimantă, leagă legături puternice cu artistul...
Perioada de la Amsterdam a operei lui Rembrandt a început cu un succes copleșitor, care i-a adus „Lecția de anatomie a doctorului Tulpa” (1632, Haga, Mauritshuis), care a schimbat tradiția portretului de grup olandez. Rembrandt a pus în contrast demonstrația obișnuită a oamenilor de profesie generală care pozează pentru artist cu drama unei scene liber hotărâte, ai cărei participanți - membri ai breslei chirurgilor, ascultându-și colegul, sunt uniți intelectual și spiritual prin implicarea activă în procesul de cercetare științifică.
Rembrandt este inspirat de frumusețea iubitei sale, așa că adesea îi pictează portretele. La trei zile după nuntă, van Rijn a pictat o femeie cu un creion argintiu purtând o pălărie cu boruri largi. Saskia a apărut în picturile olandezului într-un mediu de acasă confortabil. Imaginea acestei femei plinuțe apare pe multe pânze, de exemplu, fata misterioasă din tabloul „Night Watch” seamănă foarte mult cu iubita artistului.
Anii treizeci din viața lui Rembrandt au fost o perioadă de faimă, bogăție și fericire în familie. A primit multe comenzi, a fost înconjurat de studenți, a fost pasionat de colecția de lucrări ale pictorilor italieni, flamand și olandezi, sculptură antică, minerale, plante marine, arme antice, obiecte de artă orientală; atunci când lucra la picturi, exponatele colecției au servit adesea artistului drept recuzită.
Lucrările lui Rembrandt din această perioadă sunt extrem de variate; ele mărturisesc căutarea neobosită, uneori dureroasă, a înțelegerii artistice a esenței spirituale și sociale a omului și a naturii și demonstrează tendințe care necruțător, pas cu pas, îl pun pe artist în conflict cu societatea.
În portrete „pentru sine” și autoportrete, artistul experimentează liber compoziții și efecte de clarobscur, schimbă tonul culorilor, își îmbracă modelele în haine fantastice sau exotice, variază ipostaze, gesturi, accesorii („Flora”, 1634, Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat).
În 1635 a fost pictat faimosul tablou bazat pe tema biblică „Jertfa lui Avraam”, care a fost apreciat în societatea laică.
În 1642, van Rijn a primit o comandă de la Shooting Society pentru un portret de grup pentru a decora o nouă clădire cu pânză. Pictura a fost numită greșit „Night Watch”. Era pătată cu funingine și abia în secolul al XVII-lea cercetătorii au ajuns la concluzia că acțiunea care se desfășoară pe pânză are loc în timpul zilei.
Rembrandt a descris cu atenție fiecare detaliu al mușchetarilor în mișcare: de parcă timpul s-ar fi oprit la un moment dat când milițienii au părăsit curtea întunecată pentru ca van Rijn să-i surprindă pe pânză.
Clienților nu le-a plăcut că pictorul olandez s-a îndepărtat de canoanele care s-au dezvoltat în secolul al XVII-lea. Apoi portretele de grup au fost ceremoniale, iar participanții au fost portretizați din față fără nicio statică.
Potrivit oamenilor de știință, acest tablou a fost motivul falimentului artistului în 1653, deoarece a speriat potențialii clienți.
Schimbările tragice în soarta personală a lui Rembrandt (moartea copiilor nou-născuți, mamă, în 1642 - boala și moartea lui Saskia, care l-a lăsat cu un fiu de nouă luni, Titus), deteriorarea situației sale financiare din cauza sa. refuzul încăpățânat de a sacrifica libertatea spiritului și creativitatea pentru a mulțumi gusturile schimbătoare ale burgherilor, a exacerbat și a expus conflictul care se dezvolta treptat între artist și societate.
Informații despre viața privată a lui Rembrandt în anii 1640. puţini au supravieţuit în documente. Dintre studenții acestei perioade, doar Nicholas Mas din Dordrecht este cunoscut. Aparent, artistul a continuat să trăiască la scară mare, ca înainte. Familia regretatului Saskia și-a exprimat îngrijorarea cu privire la modul în care acesta a dispărut de zestrea ei. Dădaca lui Titus, Gertier Diercks, l-a dat în judecată pentru încălcarea promisiunii de a se căsători; pentru a soluționa acest incident, artistul a trebuit să iasă.
La sfârșitul anilor 1640, Rembrandt s-a împrietenit cu tânărul său servitor, Hendrickje Stoffels, a cărui imagine apare în multe lucrări de portrete ale acestei perioade: (Flora (1654), Femeia care face baie (1654), Hendrickje la fereastră (1655)). Consiliul parohial l-a condamnat pe Hendrickje pentru „coabitare păcătoasă” când, în 1654, s-a născut împreună cu artistul fiica ei Cornelia. În acești ani, Rembrandt s-a îndepărtat de temele care aveau un sunet național sau universal grandios.
Artistul a lucrat multă vreme la portrete gravate ale burgmasterului Jan Six (1647) și ale altor burghezi influenți. Toate tehnicile și tehnicile de gravură pe care le cunoștea au fost folosite la fabricarea gravurii elaborate Christ Healing the Sick, mai cunoscută sub numele de Frunza de o sută de gulden, pentru un preț atât de mare pentru secolul al XVII-lea încât a fost vândut cândva. A lucrat la această gravură, lovind prin subtilitatea jocului de tăiere și lipire, timp de șapte ani, din 1643 până în 1649.
În 1653, întâmpinând dificultăți financiare, artistul și-a transferat aproape toată proprietatea fiului său Titus, după care a declarat faliment în 1656. După vânzarea în 1657-58. case și proprietăți (s-a păstrat un catalog interesant al colecției de artă a lui Rembrandt), artistul s-a mutat la periferia Amsterdamului, în cartierul evreiesc, unde și-a petrecut restul vieții.
Moartea lui Titus în 1668 a fost una dintre ultimele lovituri ale destinului pentru artist; el însuși a murit un an mai târziu.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn a murit în octombrie 1669. Avea 63 de ani. Era bătrân, bolnav și sărac. Notarul nu a fost nevoit să petreacă mult timp întocmind un inventar al proprietății artistului. Inventarul a fost scurt: „trei hanorace ponosite, opt batiste, zece berete, rechizite pentru pictură, o Biblie”.
Picturi
Întoarcerea fiului risipitor
Celebrul tablou „Întoarcerea fiului risipitor”, una dintre ultimele lucrări ale lui Rembrandt. A fost scrisă în anul morții sale și a devenit punctul culminant al manifestării talentului său.
Acesta este cel mai mare tablou de Rembrandt pe o temă religioasă. Pictură de Rembrandt despre intriga pildei din Noul Testament a fiului risipitor.
Pilda fiului risipitor o găsim în Evanghelia după Luca. Ea povestește despre un tânăr care a părăsit casa tatălui său și și-a risipit moștenirea. În lenevire, desfrânare și beție, și-a petrecut zilele până s-a trezit în curtea hambarului, unde a mâncat din același jgheab cu porcii. Într-o situație disperată și sărăcie deplină, tânărul se întoarce la tatăl său, gata să devină ultimul său sclav. Dar, în loc de dispreț, el găsește o primire regală, în loc de mânie - o iubire paternică atot-iertător, profundă și duioasă.
1669 an. Rembrandt joacă o dramă umană în fața privitorului. Vopselele se află pe pânză în mișcări groase. Sunt întunecate. Artistului nu îi pasă de personajele secundare, chiar dacă sunt foarte multe. Atenția este din nou concentrată asupra tatălui și fiului. Bătrânul tată, cocoșat de durere, se înfruntă cu privitorul. În această față există durere și ochi obosiți să strige lacrimi și fericirea unei întâlniri mult așteptate. Fiul este cu spatele la noi. S-a îngropat de copil în haina regală a tatălui său. Nu știm ce exprimă chipul lui. Dar tocuri crăpate, craniul gol al unui vagabond, ținuta săracă spun destule. La fel și mâinile tatălui, strângând umerii tânărului. Prin liniștea acestor mâini, iertătoare și susținătoare, Rembrandt spune pentru ultima oară lumii o pildă universală despre bogăție, patimi și vicii, pocăință și iertare. „… Mă voi ridica, mă voi duce la tatăl meu și îi voi spune: Tată! Am păcătuit împotriva cerului și înaintea ta și nu mai sunt vrednic să fiu numit fiul tău; acceptă-mă ca mercenar al tău. S-a ridicat și s-a dus la tatăl său. Și pe când era încă departe, tatăl său l-a văzut și i s-a făcut milă; și alergând, a căzut pe gâtul lui și l-a sărutat.”
Pe lângă tată și fiu, în imagine sunt reprezentate încă 4 personaje. Acestea sunt siluete întunecate care se disting cu greu pe un fundal întunecat, dar cine sunt ele rămâne un mister. Unii i-au numit „frații și surorile” protagonistului. Este caracteristic faptul că Rembrandt evită conflictul: pilda vorbește despre gelozia unui fiu ascultător, iar armonia imaginii nu este tulburată de nimic.
Van Gogh spunea foarte exact despre Rembrandt: „Trebuie să mori de mai multe ori pentru a picta așa... Rembrandt pătrunde atât de adânc în secret, încât vorbește despre obiecte pentru care nu există cuvinte în nicio limbă. De aceea Rembrandt este numit: un magician. Și aceasta nu este o meserie ușoară.”
Veghea de noapte
Titlul cu care portretul de grup al lui Rembrandt este cunoscut în mod tradițional „Discurs al companiei de puști a căpitanului Frans Banning Kok și a locotenentului Willem van Ruutenbürg”, scris în 1642.
Pânza maestrului olandez este plină de multe „surprize”. Să începem cu faptul că numele obișnuit al imaginii nu corespunde realității: patrula înfățișată pe ea nu este de fapt deloc noaptea, ci chiar ziua. Doar că opera lui Rembrandt a fost lăcuită de mai multe ori, motiv pentru care s-a întunecat foarte mult. În plus, timp de aproape 100 de ani (de la începutul secolului al XVIII-lea până la începutul secolului al XIX-lea), pânza a împodobit una dintre holurile Primăriei din Amsterdam, unde a atârnat chiar în fața șemineului, acoperită cu funingine an. după an. Nu este surprinzător faptul că, la începutul secolului al XIX-lea, numele „Night Watch” a fost ferm stabilit în spatele picturii: până atunci istoria creării sale fusese complet uitată și toată lumea era sigură că maestrul a descris exact întunericul. timpul zilei. Abia în 1947, în timpul restaurării de la Rijksmuseum din Amsterdam, unde se află pictura până în prezent, s-a dovedit că culoarea sa este incomparabil mai deschisă decât se credea în mod obișnuit. Mai mult, umbrele scurte aruncate de personaje indică faptul că aventura are loc între prânz și ora 14. Cu toate acestea, restauratorii nu au îndepărtat toate straturile de lac întunecat, temându-se să deterioreze vopseaua, așa că și acum „Night Watch” este destul de slab.
Numele real al picturii este „Discurs al companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Kok și a locotenentului Wilhem van Reitenburg”. Acesta este un portret de grup al unei miliții de muschetari într-unul dintre cartierele din Amsterdam. Din 1618 până în 1648, în Europa a avut loc Războiul de 30 de ani, iar locuitorii orașelor olandeze au luat armele pentru a-și apăra casele. Creația lui Rembrandt, împreună cu portretele altor companii de pușcași, trebuia să decoreze sala principală din Kloveniersdolen - sediul pușcarilor orașului. Clienții au fost însă dezamăgiți: Rembrandt nu a primit un portret ceremonial monumental, ci o pictură de gen în care cu greu își puteau găsi propriile fețe, adesea pe jumătate ascunse de alte personaje. Încă ar fi! La urma urmei, artistul, pe lângă cei 18 clienți (fiecare dintre care a așezat aproximativ 100 de guldeni de aur pentru portretul său - o sumă foarte impresionantă la acea vreme) a stors încă 16 persoane pe pânză! Cine sunt ei nu se știe.
Muzeu - Muzeul de istorie din Amsterdam?
Trei cruci
Una dintre cele mai faimoase gravuri de Rembrandt, are cinci stări. Doar al treilea a fost semnat și datat; prin urmare, Rembrandt a considerat restul intermediar. A cincea condiție este foarte rară, fiind cunoscute doar cinci.
Gravura descrie momentul dramatic al morții lui Hristos pe crucea Calvarului, descris în evanghelii. În această gravură, Rembrandt a folosit tehnica unei dalte și a unui ac uscat la o scară fără precedent, ceea ce a sporit contrastul imaginii.
Pe 2 decembrie 2008, la licitația Christie's, această gravură (starea IV) a fost vândută pentru 421.250 de lire sterline.
Coborâre de pe cruce
În 1814, Alexandru I al împărătesei Josephine a achiziționat Galeria Malmaison, care îi aparținea. Unele dintre picturi au provenit de la celebra galerie Kassel, inclusiv Coborârea de pe cruce. Anterior, aceste pânze erau proprietatea doamnei de Roover din Delft și, împreună cu alte picturi din colecția ei, au fost cumpărate de landgravul de Hesse-Kassel Ludwig VII. În 1806, galeria sa a fost confiscată de Napoleon și donată lui Josephine.
Succesorul landgravului de Hesse-Kassel Ludwig al VII-lea, fost aliat al lui Alexandru I, a prezentat împăratului o cerere în 1815 pentru returnarea picturilor capturate de Napoleon. Această cerere a fost respinsă cu hotărâre de Alexandru I, care a plătit bani pentru picturi și a arătat în orice mod posibil atenția lui Josephine fiicei sale Hortense. În 1829, Hortense, care la acea vreme purta titlul de ducesă de Saint-Leu, a cumpărat treizeci de tablouri de la Galeria Malmaison.
Tema „Coborârea de pe Cruce” a avut o mare tradiție iconografică în arta europeană. Cea mai mare realizare a ei a fost considerată o pictură de altar de Rubens în Catedrala din Anvers, cunoscută pe scară largă din gravura lui Worsterman.
Gândul creator al lui Rembrandt rătăcește undeva lângă această tradiție, folosind-o și în același timp alegând constant alte căi. Neobișnuite pentru dezvoltarea anterioară a artei europene, ele sunt foarte caracteristice pentru maniera creativă personală a lui Rembrandt și nu degeaba „Coborârea de pe cruce” seamănă în exterior atât de puternic cu „Necredința apostolului Toma”.
Rubens a înfățișat întristarea sublimă a unui grup de oameni maiestuoși și frumoși pentru un erou maiestuos și frumos; Rembrandt are o scenă de noapte agitată de masă. Numeroase figuri se retrag alternativ în întuneric, apoi cad într-o rază de lumină și se pare că mulțimea se mișcă, trăiește, întristată pentru cel răstignit și milă de mama lui. Nu există nimic perfect în înfățișarea oamenilor, mulți dintre ei sunt nepoliticoși, urâți. Sentimentele lor sunt foarte puternice, dar acestea sunt sentimentele oamenilor obișnuiți, neluminați de catarsisul sublim care se află în pictura lui Rubens.
Hristos mort este un om ca ei; datorită puterii durerii lor, suferința și moartea lui capătă o semnificație deosebită. Cheia conținutului imaginii este, poate, nu atât Hristos, cât persoana care îl sprijină și îi strânge obrazul de el.
Din punct de vedere artistic, compoziția fracționată, neliniștită, este inferioară celebrului tablou al lui Rubens și unora dintre lucrările lui Rembrandt însuși, executate în aceiași ani. De exemplu, conținutul mai puțin semnificativ „Necredința apostolului Toma” pare să fie în exterior mai armonios și holist. Cu toate acestea, în Coborârea de pe cruce, înțelegerea lui Rembrandt a temelor biblice și evanghelice este mai clară.
Opera tânărului Rembrandt diferă de prototipul său prin cele mai de bază caracteristici. În primul rând, nu a fost creat nici formal, nici în mod esențial ca imagine de altar de rugăciune. Dimensiunea cabinetului său nu se adresează percepției mulțimii, ci experienței individuale. Acest apel la sentimentele și conștiința unei persoane, stabilirea unui contact emoțional strâns cu privitorul a forțat artistul să creeze un sistem complet nou de mijloace și tehnici artistice. Rembrandt a văzut scena legendei Evangheliei ca pe un eveniment real tragic, privând-o în mod fundamental de patos mistic și eroic.
Luptând pentru cea mai mare sinceritate și veridicitate a imaginii, Rembrandt a arătat o mulțime apropiată de oameni lângă cruce, șocați de durere, căutând o unitate înrudite unul cu celălalt în fața unei morți cumplite. Colorarea tonală maro-măsliniu a unit întreaga compoziție, iar fluxul luminos și-a evidențiat dramatic centrul semantic principal. Cea mai mare profunzime a suferinței este întruchipată în chipul Maicii Domnului, care a căzut inconștientă cu chipul ei subțire și slăbit de muncitor. Al doilea grup de îndoliați este situat la capătul din stânga diagonalei spațiale - femeile așează cu evlavie giulgiul, îndeplinindu-și datoria directă față de defunct. Sprijinit de bătrân, trupul căzut al lui Hristos - întruchiparea cărnii umane chinuite - evocă, mai presus de toate, un sentiment de profundă compasiune.
mireasă evreiască
Unul dintre ultimele și cele mai misterioase picturi ale lui Rembrandt. Numele i-a fost dat în 1825 de colecționarul din Amsterdam Van der Hope. El a crezut în mod eronat că înfățișa un tată dând fiicei sale evreiești un colier pentru nunta ei. Poate că acesta este un portret la comandă, dar hainele personajelor sunt în mod clar similare cu cele vechi, biblice, așa că numele au fost sugerate ca „Artaxerxe și Estera”, „Iacov și Rahela”, „Avram și Sara”, „ Boaz și Rut”.
Saskia ca Flora
Un tablou de Rembrandt, scris în 1634, care o înfățișează probabil pe soția artistului Saskia van Eilenbuch în imaginea vechei zeițe italiene a florilor, florilor, primăverii și fructelor câmpului Flora.
În 1633, Saskia van Eilenbürch a devenit mireasa lui Rembrandt van Rijn. Un portret fermecător al tinerei Saskia îmbrăcată ca Flora este un martor mut, dar elocvent, al acestui „timp al primăverii și al iubirii” al genialului pictor.
Chipul gânditor, dar fără îndoială fericit al fetei este destul de în concordanță cu sentimentele miresei. Ea nu mai este un copil jucăuș, care privește nepăsător la lumea lui Dumnezeu. Are o sarcină serioasă în față: a ales o nouă cale și trebuie să se răzgândească și să se simtă mult, cu mult înainte de a intra la maturitate. Coiful și bagheta, împletite cu flori, indică, fără îndoială, Flora, vechea zeiță romană a primăverii. Ținuta zeiței este pictată cu o măiestrie uimitoare, dar adevărata măreție a talentului lui Rembrandt se manifestă în expresia tandreței pe care artista i-a dat-o chipului.
Iubita soție a adus lumina fericirii și a mulțumirii sincere în locuința singuratică a unui artist modest. Rembrandt îi plăcea să o îmbrace pe Saskia în catifea, mătase și brocart, conform obiceiului din acea vreme, el s-a plimbat cu diamante și perle, urmărindu-i cu dragoste chipul tânăr și minunat câștigând dintr-o ținută strălucitoare.
Muzeul - Schitul de Stat
Stil
Profund umanistă în esența sa și perfectă în forma sa artistică unică, opera lui Rembrandt a devenit unul dintre vârfurile dezvoltării civilizației umane. Lucrările lui Rembrandt, diverse ca gen și subiect, sunt impregnate cu ideile de moralitate, frumusețea spirituală și demnitatea unei persoane obișnuite, o înțelegere a complexității de neînțeles a lumii sale interioare, versatilitatea bogăției sale intelectuale, profunzimea emoțională. experiențe. Conținând multe mistere nerezolvate, picturile, desenele și gravurile acestui artist remarcabil captivează prin caracteristicile psihologice perspicace ale personajelor, prin acceptarea filozofică a realității și prin justificarea convingătoare a deciziilor artistice neașteptate. Interpretarea sa a poveștilor din Biblie, mituri antice, legende antice și trecutul țării sale natale ca evenimente cu adevărat semnificative în istoria omului și a societății, ciocnirile profund resimțite ale vieții unor oameni anume au deschis calea către o viață liberă și multi-valorică. interpretarea imaginilor și temelor tradiționale.
L jubov Rembrandt
Celebra muză a lui Rembrandt Saskia a fost fiica cea mai mică a primarului din Leeuwarden. Această frumusețe cu pielea albă și cu părul roșu a crescut într-o familie mare și foarte bogată. Când fata avea 12 ani, mama familiei a murit. Dar fata tot nu știa nimic despre refuz, iar când a venit momentul, a devenit o mireasă foarte de invidiat.
O întâlnire semnificativă între artistă și domnișoară a avut loc în casa verișoarei fetei, artista Hendrike van Eilenburg, care era și negustor de antichități. Rembrandt este literalmente lovit de fată: piele delicată strălucitoare, păr auriu ... Adăugați la aceasta capacitatea de a conduce o conversație obișnuită. În glumă, ea a invitat un pictor celebru să-și picteze portretul. Și asta este tot ce este nevoie: Saskia este un model ideal pentru poveștile lui Rembrandt în culori închise și dezactivate.
Rembrandt începe să picteze un portret. Se întâlnește cu Saskia nu numai în ședințe. Schimbându-și principiul, încearcă să facă plimbări și petreceri de plăcere. Când s-au terminat lucrările la portret și s-au oprit întâlnirile dese, Rembrandt își dă seama: acesta este cel cu care vrea să se căsătorească. În 1633, Saskia van Eulenburg a devenit mireasa artistului, iar pe 22 iulie 1634 a avut loc nunta mult așteptată.
Căsătoria cu Saskia deschide artistului calea către înalta societate. Tatăl primăriei i-a lăsat iubitei sale o moștenire colosală: 40.000 de florini. Chiar și pentru o mică parte din această sumă, a fost posibil să trăiești confortabil mulți, mulți ani.
Soții fericiți și iubitori au început să doteze casa comună. Curând a început să semene cu un muzeu. Pereții au fost decorați cu gravuri de Michelangelo și picturi de Rafael. Saskia a fost de acord cu totul, și-a iubit foarte mult soțul. Și el, la rândul său, a dus-o cu bijuterii, a plătit pentru cele mai rafinate toalete. Și, desigur, a încercat să surprindă imaginea lui preferată. Rembrandt, s-ar putea spune, a devenit cronicarul vieții sale de familie. În primele zile ale lunii de miere a cuplului a fost scris celebrul „Autoportret cu Saskia în genunchi”.
În 1635, în familie s-a născut primul fiu, dar a trăit foarte puțin, iar aceasta a fost o lovitură teribilă pentru tânăra mamă.
Multă vreme nu a vrut să se despartă de trupul fiului ei, i-a alungat pe toți de ea însăși, fără a lăsa copilul mort. Mama nefericită s-a plimbat cu el prin casă, leagănându-i și strigându-i toate numele tandre pe care ea și soțul ei le-au numit Rembrantus în primele zile fericite.
Rembrandt era conștient că, cu excepția orelor petrecute la șevalet, nu putea locui decât lângă Saskia. Numai cu ea se simte bărbat: iubirea este sursa vieții și o iubește doar pe Saskia și pe nimeni altcineva.
După moartea lui Rembrantus, Saskia și-a mai pierdut copiii de două ori la naștere. Doar al patrulea copil, Titus, născut în 1641, a putut să supraviețuiască anilor grei ai prunciei. Băiatul a fost numit după regretata Titia, sora Saskiei.
Cu toate acestea, nașterea constantă a avut un efect negativ asupra sănătății lui Saskia. Apariția imaginilor pur peisagistice la sfârșitul anilor 1630 se explică uneori prin faptul că la acea vreme, din cauza bolii soției sale, Rembrandt fusese cu ea mult în afara orașului. Artistul a pictat relativ puține portrete în anii 1640.
Saskia van Eulenburg a murit în 1642. Avea doar treizeci de ani. În sicriu, ea părea să trăiască...
În acest moment, Rembrandt lucra la faimosul tablou „Night Watch”.
Casa-Muzeu Rembrandt
Muzeul de Artă de pe strada Jodenbreestraat din Cartierul Evreiesc din Amsterdam. Muzeul a fost deschis în 1911 în casa pe care Rembrandt a achiziționat-o la apogeul faimei sale în 1639 și unde a locuit până la faliment, în 1656.
Timp de aproape 20 de ani din viața sa (din 1639 până în 1658) pe strada Jodenbrestrat, Rembrandt a reușit să creeze multe lucrări minunate, să devină celebru, să adune o colecție unică de picturi și rarități din întreaga lume, să dobândească studenți, să irosească averea lui. prima soție, pierd principalii clienți, fac datorii uriașe și pun casa sub ciocan.
De asemenea, Rembrandt a trebuit să vândă o mare parte din colecția sa fastuoasă de picturi și antichități, inclusiv lucrări ale unor mari artiști europeni, busturi romane ale împăraților și chiar armuri de luptă japoneze, și să se mute într-o casă mai modestă. După ce a supraviețuit ambelor soții și chiar și propriului său fiu, Rembrandt a murit în sărăcie și singurătate.
Două secole și jumătate mai târziu, în 1911, la ordinul lui Korlev Wilhelmina, casa a fost transformată într-un muzeu, care, spre deosebire, de exemplu, de Muzeul Van Gogh, este, în primul rând, nu o galerie de artă, ci cea restaurată. apartamentele marelui artist: o bucătărie imensă la primul etaj, camera de recepție, dormitorul maestrului și dormitorul pentru oaspeți sunt pe a doua, cea mai mare cameră a conacului - garsoniera - este la a treia, iar la mansardă. sunt atelierele elevilor săi.
A fost posibilă restaurarea interiorului cu ajutorul unui inventar al proprietății întocmit de un notar în timpul vânzării tuturor bunurilor artistului la licitație și cu desene ale artistului însuși, în care acesta își înfățișa locuința.
Aici puteți vedea obiectele sale personale, mobilierul din secolul al XVII-lea și alte exponate interesante, cum ar fi o frumoasă mașină de gravat sau rarități de peste mări.
Muzeul expune aproape toate gravurile marelui Rembrandt - 250 din 280, autoportrete magnifice ale artistului, desene care îi înfățișează pe părinții, soția și fiul său Titus, priveliști minunate ale Amsterdamului și împrejurimilor sale.
Chiar și toaleta muzeului necesită o atenție deosebită: acolo puteți vedea desenele lui Rembrandt pe tema relevantă: o femeie ghemuită în tufișuri și un bărbat în picioare într-o ipostază tipică acestei instituții.
Rembrandt - tot ce trebuie să știi despre celebrul pictor olandez actualizat: 13 noiembrie 2017 de autor: site-ul
Întotdeauna este greu să vorbești despre ceea ce iubești cu adevărat. Alegi cu grijă cuvintele potrivite, turele de vorbire, nu știi de unde să începi... Prin urmare, voi începe cu o mică revelație: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- artistul meu preferat și l-am cunoscut de foarte mult timp.
În copilărie - în Schit, cu poveștile profesorului-tată. În tinerețe - la lecțiile MHC de la institut, cu tobogane vechi într-o sală întunecată în serile lungi de decembrie. În tinerețe - în uimitor Amsterdam, râzând cu bucurie în razele apusului soarelui de august. Am citit deja sute de prelegeri despre Rembrandt, am făcut mai mult de o duzină de excursii, dar totuși există sentimentul că acum trebuie să te plonjezi în ceva necunoscut, imens, de neînțeles.
E ca și cum ai sări de pe un dig în apele mării, pe care te afli pentru prima dată. Nu știi dacă acolo este apa rece, câte pietre sunt în fund. Anticiparea și îndoiala sunt cele care vă fac mâinile să tremure nervos. Există o singură modalitate de a învinge acest lucru - să faci un salt de alergare, simțind cum îți bate inima și cum, la un moment dat, întreaga lume din jurul tău este dusă undeva în depărtare, iar acum ești singur cu ceva complet nou... Ei bine, ce atunci! Sărim, deschidem ochii și privim!
La 27 de ani, avea tot ce putea visa un artist. Glorie, faimă, bani, femeie iubită, sute de comenzi. A fost considerat cel mai bun maestru al picturii portretistice într-unul dintre cele mai bogate orașe ale vremii sale, în perla nordului Europei - Amsterdam.
Da, nu a existat niciodată un artist în lume capabil să creeze așa ceva! Portretul trebuia să fie perfect, trebuia să lumineze toate neajunsurile unei persoane, dar Rembrandt gândea altfel. Portretele lui erau vii. Transmiteau caracter, era un conflict în ei. Iată un fragment din portretul principalului perceptor de taxe din provincia Olanda, Jan Vtenbogart.
Aproape întregul stat al republicii a trecut prin mâinile acestui om. Iar hainele lui - un guler aerat din dantelă, o haină lungă din blană de samur rusesc - mărturisesc clar starea lui. Acum doar uită-te la acei ochi. În ele vezi tristețe... Și imediat îmi amintesc de pânza marelui predecesor al lui Rembrandt -. Nu se uită oare apostolul la Hristos cu aceeași expresie când îl cheamă la el? Acest portret este povestea unui om foarte bogat, dar foarte nefericit, iar pictorul olandez l-a putut arăta într-un moment înghețat.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn și-a petrecut tot timpul liber studiind expresiile faciale. A stat ore în șir la oglindă și a făcut fețe, pe care apoi le-a transferat cu cărbune pe hârtie. Era important pentru el să prindă cele mai mici nuanțe de emoție.
Fața persoanei, potrivit artistului, era o oglindă a sufletului, el și-a dat seama de asta cu mult înaintea lui Oscar Wilde cu „Portretul lui Dorian Gray”. Dar portretele nu sunt singurul lucru la care a excelat Rembrandt. Pânzele sale mari ne impresionează nu mai puțin. Jocul clarobscurului, pe care Caravaggio l-a dezvoltat în pictura sa, capătă o scară cu adevărat gigantică cu maestrul nostru.
Avea doar 28 de ani când și-a creat prima sa capodopera absolută. Acesta este tabloul „Coborârea de pe Cruce”. Pur și simplu nu poți trece pe lângă acest tablou din Schit. Într-o clipă, artistul a reușit să înfățișeze întreaga esență a creștinismului, să spună una dintre cele mai mari povești omenești cât mai sincer și emoționant, într-un mod pe care nimeni nu a făcut-o nici înainte, nici după el.
Ierusalimul din fundal se îneacă în întuneric. Mântuitorul este mort. Îi vedem trupul fără viață în centrul imaginii. Acesta este momentul de cea mai mare disperare; nimeni nu crede încă în înviere. Oamenii văd doar cadavrul unui bărbat pe care l-au iubit și l-au închinat ca zeu, iar Fecioara Maria leșină, pielea ei este palidă de moarte - tocmai și-a pierdut singurul fiu.
Există un detaliu pe această pânză care nu atrage imediat privirea. Aceasta este iluminarea. Sursa de lumină este un felinar în mâinile băiatului, dar trupul lui Hristos și hainele apostolului care îl ține în brațe reflectă lumina ca o oglindă. Și tocmai prin lumină este spusă povestea adevărată aici, se dezvăluie sensul filozofic al tabloului.
Lumina felinarului este lumina credinței, iar ceea ce vedem în imagine este o introducere în misterul său. Se creează sentimentul că însuși trupul Mântuitorului devine aici sursa de lumină. Din întuneric ies în evidență chipul Maicii Domnului și giulgiul luminat de lumina slabă a unei lumânări, în care ar trebui să fie învelit trupul lui Hristos. Pe această pânză, Rembrandt a aplicat mai întâi o tehnică care în ultimii ani ai vieții a devenit principala în opera sa.
Și acum vedem cum o persoană, care a stăpânit perfect tehnica scrisului, a pictat toate figurile centrale de pe pânză în cel mai mic detaliu, dar, pe măsură ce s-au îndepărtat de lumină, fețele oamenilor au devenit din ce în ce mai neclare, aproape de nedistins. Totul este foarte simplu - misterul a ceea ce se întâmplă a trecut pe lângă ei.
Cu toate acestea, mai există un personaj pe această pânză care nu este vizibil la prima vedere. În ciuda faptului că se află în umbră, Rembrandt îl portretizează foarte clar. În colțul din dreapta jos al pânzei, din cel mai întunecat loc, ascunzându-se în spatele tulpinilor unui ciulin, Diavolul te privește sub forma unui câine și parcă ți-ar pune o întrebare:
— Te-ai alăturat la ceea ce se întâmplă?
Da, maestrul olandez nu a avut niciodată suficiente rame pentru tablou; a visat că pânzele sale vor deveni parte din această lume, iar privitorul va deveni un participant direct la ceea ce se întâmplă. Dar tocmai această dorință l-a aruncat de pe culmile gloriei în abisul uitării seculare.
Nefericirea și uitarea vin la fel de repede ca norocul și gloria. Rembrandt Harmenszoon van Rijn a experimentat acest lucru direct în 1642. Desigur, a existat jale înainte de asta: copiii lui au murit în copilărie. Un singur fiu a supraviețuit, Titus, născut în 1641. Dar un an mai târziu, iubita lui soție Saskia, cu care a trăit mulți ani, a părăsit această lume. Și odată cu această pierdere, norocul s-a întors de la artist, s-a întors în momentul în care a creat unul dintre cele mai mari tablouri ale sale.
Putem vorbi la nesfârșit despre „Night Watch” al lui Rembrandt. Această pânză este atât de mare în conținut, atât de unică în compoziția sa structurată, încât istoria creării sale este destul de demnă de o carte separată, nu de un articol. Dar, așa cum se întâmplă adesea în viață, această creație, care ulterior a schimbat radical întreaga dezvoltare a picturii mondiale, a fost respinsă de contemporani.
Clienților nu le-a plăcut felul în care au fost portretizați, iar mulți dintre ei au refuzat să plătească pentru opera artistului. Cel mai faimos pictor al Țărilor de Jos nu a experimentat niciodată o asemenea umilință. Într-un an, Rembrandt și-a pierdut iubita soție și a eșuat cu cea mai bună lucrare. S-ar părea că este suficient, dar nu, acesta a fost doar începutul tragediei. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține (clasicismul și stilul portretelor ceremoniale au devenit la modă), iar în curând proprietatea artistului a fost vândută pentru datorii. Dintr-un conac imens din chiar centrul Amsterdamului, a fost nevoit să se mute la marginea orașului, în Cartierul Evreiesc, unde a închiriat mai multe camere împreună cu fiul său iubit Titus.
Cel mai interesant lucru este că Rembrandt s-ar putea adapta cu ușurință la cele mai recente tendințe de modă în artă și s-ar putea, din nou, să primească mulți bani pentru pânzele sale. Însă pictorul era convins că trebuie să creeze un stil complet nou. Portretele lui nu mai erau oameni bogați, ci cei mai simpli cetățeni ai orașului Amsterdam. Acesta este, de exemplu, „Portretul unui evreu bătrân”.
Rembrandt nu a fost interesat de descrierea detaliată a tuturor articolelor de îmbrăcăminte, s-a străduit pentru o mai mare abstractizare, a căutat să arate sentimentele personajelor sale cu o acuratețe perfectă. Pentru încăpățânarea lui, a primit doar suferință și palme în față. Acest lucru s-a întâmplat cu pictura sa „Conspirația lui Julius Civilis”.
În loc de o imagine clasică, pompoasă, patriotică, bătrânul maestru a prezentat asta publicului.
În fața noastră este o imagine a unui festin barbar, nepoliticos, inestetic. Această pânză a fost cu aproape 300 de ani înaintea timpului său, anticipând pictura expresionismului. Deloc surprinzător, capodopera maestrului a fost respinsă, iar numele lui a fost acoperit de o rușine de neșters. Dar tocmai acești ultimi opt ani din viața lui, petrecuți într-o sărăcie absolută, de nepătruns, sunt una dintre cele mai fructuoase perioade din opera lui Rembrandt.
Cred că voi scrie despre picturile din acea perioadă, inclusiv „Întoarcerea fiului risipitor”, într-un articol separat. Acum vreau să vă spun despre altceva. M-a uimit mereu cum Rembrandt a putut să lucreze și să-și dezvolte talentul atunci când loviturile destinului au plouat peste el de pretutindeni. Acest lucru nu a putut dura mult timp, iar artistul a avut un presentiment.
Lovitura finală se aplică întotdeauna în locul cel mai dureros. Ei au avut unicul lor fiu, Titus, un băiat foarte bolnav care semăna cu mama lui moartă. Pe el l-a portretizat atunci cel mai des Rembrandt: atât sub forma unui înger în tabloul „Matei și îngerul”, cât și lectură, precum și în diverse costume. Poate că pictorul s-a gândit că, cu ajutorul talentului său, va reuși cumva să amâne inevitabilul... Eșuat...
După părerea mea, „Portretul lui Titus în sutană de călugăr” este unul dintre cele mai sincere tablouri ale lui Rembrandt. Ea a arătat toată dragostea tatălui ei, tot talentul unui pictor. În toate aceste mișcări grosolane, în acest întuneric care înainta pe tânărul din stânga, în plantele care îi înconjoară deja trupul, se remarcă una - chipul palid al fiului artistului cu ochii coborâti și plini de resemnare.
Titus a murit în 1668, Rembrandt i-a supraviețuit doar un an.
Murea la periferia Amsterdamului, absolut singur, primind totul în această viață și pierdut totul. Pânzele sale au fost uitate multă vreme... Dar au trecut 150 de ani, iar alți artiști au auzit deja ce încerca maestrul să le spună contemporanilor săi, care și-au ales propria cale unică în loc de faimă și bani.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606 - 1669) - pictor, desenator și gravor olandez. Creativitatea este impregnată de dorința unei înțelegeri profunde, filozofice, a realității și a lumii interioare a unei persoane cu toată bogăția experiențelor sale emoționale.
Realist și umanist în esența sa, a marcat punctul culminant al dezvoltării artei olandeze în secolul al XVII-lea, întruchipând idealuri morale înalte, credință în frumusețea și demnitatea oamenilor obișnuiți într-o formă artistică strălucitoare individuală și perfectă.
Rembrandt. Desen „Colibele sub cer prevestind o furtună” (1635) Moștenirea artistică a lui Rembrandt se remarcă printr-o varietate excepțională: portrete, naturi moarte, peisaje, scene de gen, picturi pe subiecte biblice, mitologice și istorice. Rembrandt a fost un maestru de neîntrecut al desenului și.
Rembrandt. Gravura „Moara” (1641) Viitorul mare artist s-a născut într-o familie de morar. După un scurt studiu la Universitatea din Leiden în 1620, s-a dedicat artei. A studiat pictura cu J. van Swanenbürch la Leiden (între 1620 - 1623) și P. Lastman la Amsterdam în 1623. În perioada 1625-1631 a lucrat la Leiden. Un exemplu de influență a lui Elastman asupra operei artistului este un tablou " Alegoria muzicii", scrisă de Rembrandt în 1626.
Rembrandt „Alegoria muzicii” In poze" Apostol Pavel„(1629 - 1630) și” Simeon în templu„(1631) Rembrandt a folosit pentru prima dată clarobscurul ca mijloc de a spori spiritualitatea și expresivitatea emoțională a imaginilor.
Rembrandt „Apostolul Pavel” În acești ani, Rembrandt a lucrat din greu la portret, studiind expresiile faciale ale feței umane. Căutarea creativă a artistului în această perioadă este exprimată într-o serie de autoportrete și portrete ale membrilor familiei artistului. Așa s-a portretizat Rembrandt la vârsta de 23 de ani.
Rembrandt „Autoportret” În 1632, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam, unde s-a căsătorit curând cu o femeie patriciană bogată, Saskia van Eilenbruch. Anii 30 ai secolului al XVII-lea pentru artist sunt ani de fericire în familie și succes artistic extraordinar. Cuplul de familie este prezentat în imagine" Fiul risipitor în cârciumă„(1635).
Rembrandt „Fiul risipitor într-o tavernă” (1635) În același timp, artistul pictează o pânză " Hristos în timpul unei furtuni pe marea Galileii„(1633). Pictura este unică prin faptul că este singurul peisaj marin al artistului.
Rembrandt „Hristos în timpul unei furtuni pe Marea Galileii” Pictura " Lecție de anatomie de la Dr. Tulpa”(1632), în care artistul a rezolvat problema portretului de grup într-un mod nou, dând compoziției o ușurință reală și unind oamenii din portret într-o singură acțiune, i-a adus lui Rembrandt faima largă. A primit multe comenzi, în atelierul său au lucrat numeroși studenți.
Rembrandt „Lecția de anatomie Dr. Tulpa” În portretele personalizate ale burgherilor bogați, artistul a transmis cu atenție trăsăturile feței, cele mai mici detalii ale îmbrăcămintei, strălucirea bijuteriilor de lux. Îl poți vedea pe pânză" Portretul unui burgrave", scrisă în 1633. În același timp, modelele au primit adesea o caracteristică socială adecvată.
Rembrandt „Portretul unui burgrav” Mai libere și mai diverse în compoziția lor sunt autoportretele și portretele celor dragi:
- » Auto portret", scrisă în 1634. În acest moment, pânza este expusă la Luvru.
Rembrandt „Autoportret” (1634) - » Saskia zâmbitoare". Portretul a fost pictat în 1633. Astăzi se află în Galeria de Artă Dresda.
Rembrandt „Saskia zâmbitoare” Aceste lucrări se remarcă prin spontaneitatea vie și înălțătoarea compoziției, stilul liber de pictură, major, plin de culori deschise, aurii.
O provocare îndrăzneață a canoanelor și tradițiilor clasice din opera artistului poate fi urmărită în exemplul pânzei " Răpirea lui Ganimede", scrisă în 1635. În prezent, lucrarea se află la Galeria de Artă din Dresda.
Rembrandt „Violul lui Ganymede” Pictura „Danae”
Compoziția monumentală este o întruchipare vie a noilor vederi estetice ale artistului.” Danae„(Scris în 1636), în care se ceartă cu marii maeștri ai Renașterii italiene. Artistul a fost împotriva canoanelor general acceptate ale imaginii și a creat o pictură frumoasă care a depășit ideile de atunci despre adevărata frumusețe.
Figura nudă a lui Danae, departe de idealurile clasice ale frumuseții feminine, Rembrandt s-a desfășurat despre instantaneu realism îndrăzneț, iar artista a pus în contrast frumusețea ideală a imaginilor maeștrilor italieni cu frumusețea sublimă a spiritualității și căldura sentimentului intim al unei persoane.
Rembrandt „Danae” (1636) Nuanțe subtile de experiențe emoționale au fost exprimate de pictor în picturi " David și Ionatan„(1642) și” Sfânta Familie„(1645). Reproduceri de înaltă calitate ale picturilor Rembrandt pot fi folosite pentru decorare în multe stiluri.
În 1656, Rembrandt a fost declarat insolvent și toate proprietățile sale au fost vândute la o licitație publică. A fost forțat să se mute în cartierul evreiesc din Amsterdam, unde și-a petrecut restul vieții.
Rembrandt „Sfânta familie” (1645) Tabloul „Întoarcerea fiului risipitor”.
O neînțelegere rece a burgherilor olandezi l-a înconjurat pe Rembrandt în ultimii ani ai vieții sale. Cu toate acestea, artistul a continuat să creeze. Cu un an înainte de moartea sa, a început să-și creeze pânza genială " Întoarcerea fiului risipitor„(1668 - 1669), care a întruchipat toate problemele artistice și moral-etice.
În această pictură, artistul creează o întreagă gamă de sentimente umane complexe și profunde. Ideea principală a picturii este frumusețea înțelegerii umane, a compasiunii și a iertării. Punctul culminant, tensiunea sentimentelor și momentul rezolvării pasiunilor care îl urmează sunt întruchipate în ipostaze expresive și gesturi meschine, laconice, ale tatălui și fiului.
Rembrandt „Întoarcerea fiului risipitor”
