Apelul la folclorul muzical rus, precum și un studiu detaliat al partiturii lui Glinka în procesul de pregătire pentru publicare, l-au ajutat pe compozitor să depășească speculațiile asupra unora dintre compozițiile sale, care au apărut ca urmare a unor studii intensive în tehnica compoziției. Două opere scrise după Maid of Pskov (1872) - Noaptea de mai (1879) și The Snow Maiden (1881) - au întruchipat dragostea lui Rimski-Korsakov pentru ritualurile și cântecul popular și viziunea sa panteistă asupra lumii.
Creativitatea compozitorului anilor '80. reprezentate în principal de lucrări simfonice: „Povestea” (1880), Sinfonietta (1885) și Concertul pentru pian (1883), precum și celebrele „Capriccio spaniol” (1887) și „Scheherazade” (1888). În același timp, Rimski-Korsakov a lucrat în Corul Curții. Dar își dedică cea mai mare parte a timpului și a energiei pregătirii pentru spectacolul și publicarea operelor răposaților săi prieteni - Khovanshchina a lui Mussorgsky și Prințul Igor al lui Borodin. Este probabil că această muncă intensă pe partituri de operă a dus la faptul că opera lui Rimski-Korsakov s-a dezvoltat în acești ani în sfera simfonică.
Compozitorul s-a întors la operă abia în 1889, creând feerica Mlada (1889-90). De la mijlocul anilor 90. unul după altul este urmat de „Noaptea de dinainte de Crăciun” (1895), „Sadko” (1896), prologul „Femeia Pskovite” – „Boierul Vera Sheloga” în un act și „Mireasa țarului” (ambele - 1898). În anii 1900 Sunt create Povestea țarului Saltan (1900), Servilia (1901), Pan Governor (1903), Povestea orașului invizibil Kitezh (1904) și Cocoșul de aur (1907).
De-a lungul vieții sale creative, compozitorul a apelat și la versuri vocale. În 79 dintre romanele sale sunt prezentate poezia lui A. Pușkin, M. Lermontov, A. K. Tolstoi, L. May, A. Fet și din autorii străini J. Byron și G. Heine.
Conținutul operei lui Rimski-Korsakov este divers: a dezvăluit, de asemenea, tema istorică populară ("Femeia din Pskov", "Legenda orașului invizibil Kitezh"), sfera versurilor ("Mireasa țarului", " Servilia”) și drama cotidiană („Pan Governor”), reflectau imaginile Orientului („Antar”, „Sheherazade”), întruchipau trăsăturile altor culturi muzicale („Fantezia sârbă”, „Capriccio spaniol” etc.) . Dar mai caracteristice pentru Rimsky-Korsakov sunt fantezia, fabulozitatea, conexiunile diverse cu arta populară.
Compozitorul a creat o întreagă galerie de imagini feminine unice prin farmecul său, pure, blânde lirice - atât reale, cât și fantastice (Pannochka în „Noaptea de mai”, Snegurochka, Martha în „Mireasa țarului”, Fevronia în „Povestea orașului invizibil”. din Kitezh") , imagini ale cântăreților populari (Lel în „The Snow Maiden”, Nezhata în „Sadko”).
Format în anii 1860. compozitorul a rămas fidel idealurilor sociale progresiste toată viața. În ajunul primei revoluții ruse din 1905 și în perioada de reacție care a urmat acesteia, Rimski-Korsakov a scris operele Kașcei Nemuritorul (1902) și Cocoșul de aur, care au fost percepute ca o denunțare a stagnării politice care domnea în Rusia.
Calea creativă a compozitorului a durat mai bine de 40 de ani. Intrând în ea ca un succesor al tradițiilor lui Glinka, el și în secolul XX. reprezintă în mod adecvat arta rusă în cultura muzicală mondială. Activitățile creative și muzicale-publice ale lui Rimski-Korsakov sunt multiple: compozitor și dirijor, autor de lucrări teoretice și recenzii, redactor de lucrări de Dargomyzhsky, Mussorgsky și Borodin, a avut o influență puternică asupra dezvoltării muzicii ruse.
Peste 37 de ani de predare la conservator, a predat peste 200 de compozitori: A. Glazunov, A. Lyadov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. Stravinsky, N. Cherepnin, A. Grechaninov, N. Myaskovsky, S. Prokofiev și alții Dezvoltarea temelor orientale de către Rimski-Korsakov („Antar”, „Sheherazade”, „Cocoșul de aur”) a fost de o importanță inestimabilă pentru dezvoltarea culturilor muzicale naționale din Transcaucazia și Asia Centrală și diverse peisaje marine ( „Sadko”, „Sheherazade”, „Povestea țarului Saltan”, ciclul de romane „Lângă mare”, etc.) au determinat foarte mult în pictura sonoră în aer liber a francezului C. Debussy și italianului O. Respighi.
Subiect: PE. Rimski-Korsakov. Creativitate simfonică.
Suita „Sheherazade”.
Acesta este un domeniu vast și important în moștenirea sa, în principal până în anii 90. În ceea ce privește conținutul și stilul muzical, opera simfonică are multe paralele cu opera (Sadko). Aici au fost găsite tehnici dramatice și mijloace expresive, care vor fi implementate ulterior.
Creativitatea simfonică se distinge prin diversitatea genurilor. Acest lucru este determinat de versatilitatea intereselor și bogăția de tipuri și forme de muzică simfonică rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Acestea sunt cicluri de program și non-program; Sinfonietta, tablouri simfonice, uverturi, fantezie, concert instrumental, muzică pentru teatru („Pskovityanka”). Rimski-Korsakov a dezvoltat tradițiile simfonismului de gen popular al lui Glinka și Balakirev. Stilul simfonic al compozitorului s-a format și sub influența maeștrilor școlii simfonice din Europa de Vest - Berlioz și Liszt. Cu Berlioz este legat de dorința de intriga, de teatralitate; cu Liszt – principiul monotematismului.
Rimsky-Korsakov este succesorul direct al lui Glinka în principiile scrierii orchestrale: - echilibrul perfect al elementelor de textură;
Transparența și ușurința țesăturii orchestrale;
Stralucire, suculenta, plenitudine de sunet.
Compoziția orchestrei este dublă și triplă. Instrumentele de percuție se folosesc în funcție de nevoia artistică. Interpretarea posibilităților coloristice ale instrumentelor, aprobată de Rimski-Korsakov, a fost numită virtuoz-coloristă, în contrast cu cea expresivă a lui Ceaikovski.
Suita simfonică „Sheherazade” (1888) este încoronarea operei simfonice a lui Rimski-Korsakov. Aici trăsăturile simfonismului programului european au fost reflectate într-un mod deosebit; principiile monotematismului, leitmotivității și metodele de dezvoltare variațională au fuzionat. Fiecare parte a suitei este scrisă într-o formă mare, care sintetizează trăsăturile sonatei și poeziei, variații și rondalitate, conexiuni arcuite și laitmotive. Toate cele 4 părți sunt unite prin teme și transformarea imaginilor.
Partea 1 - "Marea" - scrisă sub formă de sonată fără dezvoltare. În introducere, există 2 laitmotive: tema lui Shahriyar (îngrozitor, războinic) și Scheherazade (grațios, ornamental, solo de vioară). Petrecerea principală este tema mării, intonație construită pe tema regelui Shakhriyar; o parte laterală este tema navei lui Sinbad.
Partea 2 - „Povestea Prințului Calendr” - se deschide cu tema Șeherazadei. Partea 2 este scrisă într-o formă complexă de 3 părți, secțiunile sale extreme sunt variații pe tema Calendra, mijlocul este un marș scherzo oriental fantastic. Tema negrabită și calmă a Calendrei la solo de fagot.
Partea 3 - „Țareviciul și prințesa” - a fost scrisă în formă de sonată fără detalii. Tema țareviciului este moale, calmă, lirică, pentru suflat; tema prințesei este cochetă, jucăușă, pentru coarde.
Partea 4 - „Vărbătoarea la Bagdad” - un final monumental de gen popular sub formă de rondo, care unește materialul tematic al părților anterioare. Tema lezginka trece prin întreaga parte - un refren. Temele lui Shahriyar, Sheherazade, marea, prințesa, prințul, Calendr sună aici. Suita se încheie cu tema Șeherazadei.
3 instrumentisti de curs
PE. român-Opera Korsakov.
Operele lui Rimski-Korsakov sunt foarte diferite prin conținut și aspect artistic, prin formele și dramaturgia muzicală. Are opere istorice, de basm, lirico-dramatice, lirico-comedie, satirice, lirico-psihologice. Pânze de operă monumentale și opere de cameră într-un act. Cea mai mare parte este scrisă în subiecte rusești. Compozitorul a subliniat legătura dintre operele sale cu genurile de artă populară în subtitrări caracteristice:
- „Povestea de primăvară” („Crăiasa Zăpezii”)
- „basm de toamnă” („Kashchei Nemuritorul”)
- „opera de colinde” („Noaptea dinainte de Crăciun”)
- „operă epică” („Sadko”)
Principiul principal al poeticii operistice a lui Rimski-Korsakov este împărțirea a ceea ce se întâmplă în două lumi:
Viața și fantezia;
uman și natural;
Binele și răul, lumina și întunericul;
Păgânismul și creștinismul.
Tendinţa generală spre orientarea filosofică a imaginilor. Un loc special este acordat scenelor rituale, rituale. Este adesea folosită o finală în două etape: un deznodământ pentru unul sau mai mulți eroi și o codă generalizantă.
În orchestră, Rimski-Korsakov se manifestă în primul rând ca simfonist. Multe opere au sisteme laitmotiv. Orchestra este deosebit de colorată în episoade fantastice, imagini ale naturii, în principal datorită utilizării unor moduri și armonii neobișnuite: moduri crescute, reduse, scară de ton întreg, scară de ton-semiton. În alte cazuri, muzica are un caracter național.
La caracterizarea eroilor se folosesc atât arii de portret, cât și ansambluri de dezvoltare prin dezvoltare. În voce - stil ariose, compozitorul folosește recitative rar. O atenție deosebită este acordată opoziției imaginilor feminine: Snow Maiden - Kupava, Marfa - Lyubasha, Volkhova - Lyubava. Primele au coloratură, părți complexe, iar cele din urmă au melodii de cântec cu caracter popular.
3 instrumentisti de curs
Subiect: PE. Rimski-Korsakov. Opera „Crăiasa Zăpezii”.
Compozitor rus, profesor, personalitate muzicală și publică, dirijor. În 1859-1960 a luat lecții de la pianistul F. A. Canille. Absolvent al Corpului Naval din Sankt Petersburg, a participat la călătoria cu mașina „Almaz” (1862--65) și a vizitat o serie de țări din Europa, America de Nord și de Sud. În 1861 a devenit membru al cercului Balakirev „Mâna puternică”, care a avut o influență decisivă asupra formării personalității și vederilor estetice ale compozitorului. Sub influența și îndrumarea lui M. A. Balakirev au fost create Simfonia I (1865), Fantezia sârbească (1867), o serie de romanțe etc. Individualitatea creativă a lui Rimski-Korsakov s-a manifestat în primul rând în lucrări instrumentale de program, printre care se numără: tabloul muzical simfonic „Sadko” (1867), a 2-a simfonie „Antar” (1868). În aceiași ani, s-a orientat către genul operistic, care a devenit mai târziu cel mai important în opera sa (în 1872 a fost finalizată opera The Maid of Pskov, după o dramă de L. A. Mey). Din anii 70. limitele activității muzicale a lui Rimski-Korsakov s-au extins: a fost profesor la concertele Sf. (din 1874), iar mai târziu la spectacole de operă, asistent director al Capelei de cântări a Curții (1883----94), a condus cercul Belyaevsky (din moment ce 1882). La mijlocul anilor 70. a lucrat la perfecţionarea tehnicii sale de compunere. În anii 80. a acordat mare atenție genurilor simfonice. La începutul anilor 90. s-a înregistrat un anumit declin al activității creative (în această perioadă a studiat filozofia, a scris articole, a revizuit și a editat unele dintre lucrările sale anterioare). În a doua jumătate a anilor '90. creativitatea a căpătat o intensitate excepţională: au apărut operele „Sadko” (1896), „Mireasa ţarului” (după mai, 1898). În timpul Revoluției din 1905-07, Rimski-Korsakov a susținut activ cererile studenților grevi, a condamnat deschis acțiunile administrației reacționare a Conservatorului din Sankt Petersburg (a fost concediat din conservator, revenit abia după conservatorului i s-au acordat drepturi autonome parțiale și o schimbare a conducerii).
Opera lui Rimski-Korsakov este profund originală și, în același timp, se bazează pe tradițiile clasice. Armonia viziunii asupra lumii, claritatea gândirii muzicale, arta subtilă îl fac să fie înrudit cu M. I. Glinka. Asociat cu tendințele ideologice și artistice progresiste din anii 1860, Rimski-Korsakov a manifestat un mare interes pentru arta populară (a alcătuit colecția „O sută de cântece populare rusești”, 1877: a armonizat cântecele culese de T. I. Filippov, - „40 de cântece populare”. 1882). Pasiunea pentru folclor, mitologia slavă veche, ritualurile populare s-a reflectat în operele „Noaptea de mai” (după N.V. Gogol. 1879), „Făiasa Zăpezii” (după A.N. Ostrovsky, 1881), „Mlada” (1890), „Noaptea”. Înainte de Crăciun” (după N.V. Gogol, 1895). 15 opere de Rimski-Korsakov demonstrează o varietate de gen (epopee, basm, legendă, dramă istorică, comedie lirică), soluții stilistice, dramatice, compoziționale (lucrări gravitând spre structura numărului și dezvoltarea continuă, opere cu scene de masă și camera, cu şi fără ansambluri extinse). Cel mai complet talent al lui Rimski-Korsakov a fost dezvăluit în lucrările legate de lumea fabuloasă, cu diverse forme de artă populară rusă. Aici se dezvăluie darul său pitoresc și pictural, puritatea versurilor - sincere, dar oarecum contemplative, fără tensiune emoțională crescută. Atenția la lumea interioară a unei persoane, la dezvăluirea psihologică a imaginilor s-a manifestat în opera de cameră Mozart și Salieri (pe baza textului lui A. S. Pușkin, dedicat lui A. S. Dargomyzhsky, 1897), în opera într-un act Boierul Vera Sheloga (prolog la „Pskovityanka”, 1898) și mai ales în drama pe tema istorică și cotidiană „Mireasa țarului” (1898). Noile tendințe caracteristice artei rusești la începutul secolului XX s-au reflectat în opera Povestea țarului Saltan (după Pușkin, 1900) cu convenționalitatea ei în mod evident teatrală și elementele de stilizare a unui tipar popular popular, în „basmul de toamnă”. Kashchei nemuritorul (1902), în care tema basmului este interpretată simbolic și alegoric. Probleme morale și filozofice ridicate sunt ridicate în legendara operă Legenda orașului invizibil Kitezh și Fecioara Fevronia (1904). Ultima operă a compozitorului este o „fabula pe chipuri” Cocoșul de aur (după Pușkin, 1907) este o satira nemiloasă asupra autocrației țariste.
Rimski-Korsakov considera că cântarea este baza expresivității operistice. Un rol dramatic important în operele sale este jucat de orchestra, căreia i se încredințează adesea picturi simfonice independente, pauze, de exemplu, „Trei miracole” („Povestea țarului Saltan”), „Bătălia de la Kerzhents” („The Legenda orașului invizibil Kitezh...") . Considerând opera în primul rând ca o piesă muzicală, Rimski-Korsakov a acordat o mare importanță bazei sale literare - libretul. Colaborarea dintre compozitor și libretistul V. I. Belsky a fost fructuoasă.
Opera simfonică a lui Rimski-Korsakov nu este atât de multifațetă în comparație cu opera. Concretitatea figurativă a gândirii muzicale a compozitorului i-a determinat înclinația către simfonismul programatic și de gen. De aici și predominanța unor astfel de tipuri și forme precum uvertură (fantezie), tablou simfonic, suită. Cele mai importante lucrări pentru orchestră ale lui Rimski-Korsakov sunt Capriccio spaniol (1887) și Scheherazade (1888). Un loc semnificativ în moștenirea creativă a lui Rimsky-Korsakov este ocupat de versurile vocale de cameră. A scris 79 de romane, inclusiv ciclurile vocale „Primăvara”, „Către poet”, „By the Sea”.
Opera lui Rimski-Korsakov este strălucitor națională. Compozitorul folosește exemple autentice de folclor muzical și transpune organic intonațiile cântecelor în propriile sale melodii. Contribuția sa la domeniul armoniei și instrumentației este semnificativă: a extins și a îmbogățit posibilitățile lor coloristice, a creat propriul său sistem de mijloace modal-armonice, care se bazează pe moduri complexe (inclusiv scara caracteristică - scara Rimsky-Korsakov, orchestrația combină strălucire, strălucire cu claritate, transparență.
Activitatea de dirijor a lui Rimski-Korsakov, care a promovat lucrările compozitorilor ruși, a fost de mare valoare educațională. Un rol important l-a jucat munca sa editorială, datorită căreia au fost publicate și interpretate multe lucrări de muzică rusă („Oaspetele de piatră” de Dargomyzhsky, „Prințul Igor”, „Boris Godunov”, „Khovanshchina”; Rimski-Korsakov a pregătit și a publicat, împreună cu Balakirev şi A. K. Lyadov, partituri de operă de Glinka). Activitatea sa pedagogică a avut o importanță excepțională. Fondatorul școlii de compozitori, Rimski-Korsakov a educat 200 de compozitori, dirijori, muzicologi, printre aceștia - A. K. Glazunov, A. K. Lyadov, A. S. Arensky, M. M. Ippolitov-Ivanov, I. F. Stravinsky , N. Ya. Myaskovsky, S. S. S. M. Prodkofie, M. M. Ya. Vitol, N. V. Lysenko, A. A. Spendiarov. Manualele sale despre armonie și orchestrație au fost o generalizare parțială a experienței sale pedagogice, iar cartea sa autobiografică Cronica vieții mele muzicale (1906) a fost un document istoric valoros. În 1944, Casa-Muzeu a fost deschisă în orașul Tikhvin, iar în 1971, în Leningrad, Muzeul-Apartament Rimsky-Korsakov.
Conţinut:
Biografia lui Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov……………... 3
Caracteristicile operelor lui Rimski-Korsakov………………………………………. opt
Lista literaturii utilizate……………………………………………………….17
Biografia lui Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov
Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov s-a născut la 6 martie 1844 în Tikhvin, un oraș de provincie din provincia Novgorod.
Familia Rimsky-Korsakov era muzicală: tatăl compozitorului cânta la pian după ureche, mama și unchiul său cântau adesea cântece populare, precum și fragmente din opere la modă. Abilitățile muzicale ale băiatului - înălțime absolută, ritm, memorie - au apărut la vârsta de doi ani. De la vârsta de șase ani, părinții au început să-și învețe fiul muzică, dar aceste cursuri erau de natură amatoare și nu puteau să-l captiveze serios. Cu toate acestea, până la vârsta de 11-12 ani, a făcut progrese semnificative și a participat la cântarea la pian la 4 și 8 mâini. Nevoia de a compune s-a manifestat la el inițial sub forma unui joc de copil: „exact în același mod în care am pliat și dezasamblat ceasurile, am încercat uneori să compun muzică și să scriu note”, își amintește Rimski-Korsakov. „În curând, prin autodidactă, am ajuns în punctul în care am putut să notez tolerabil pe hârtie ceea ce cântasem la pian, observând împărțirea corectă. După ceva timp, am început să-mi imaginez mental puțin, fără să cânt la pian, ce scrie în note. Prima compoziție a compozitorului începător a fost un duet scris în imitație a cântecului Vaniei de la Ivan Susanin, care băiatului i-a plăcut mai mult decât toate lucrările cunoscute de el atunci.
Între timp, educația muzicală a lui Rimski-Korsakov a lăsat mult de dorit. Timp de câțiva ani a luat lecții de pian de la violoncelistul Ulich. Acesta din urmă nu i-a oferit elevului său vreo abilitate pianistică reală, nici pregătirea teoretică necesară. În toamna anului 1859, Rimski-Korsakov a început să studieze cu Kanille, un muzician educat, un bun pianist și un cunoscător al muzicii naționale rusești. Canille a susținut efortul lui Rimski-Korsakov pentru artă serioasă și a aprobat dragostea sa pasională pentru Glinka. „Canille mi-a deschis ochii la multe lucruri”, și-a amintit compozitorul. - Cu câtă admirație am auzit de la el că „Ruslan” este cu adevărat cea mai bună operă din lume, că Glinka este cel mai mare geniu. Mai aveam o presimțire a ei - acum am auzit-o de la un muzician adevărat. Canille l-a îndrumat pe Rimski-Korsakov către calea compozitorului, arătându-i drept exemple compozițiile lui Beethoven, Schumann și Glinka. Sub îndrumarea sa, Rimski-Korsakov a scris mai multe piese pentru pian de-a lungul a doi ani (variații, sonată allegro, scherzo, nocturnă, marș funerar) și a început să lucreze la o simfonie.
Convins de talentul extraordinar al elevului său, Canille l-a prezentat lui Balakirev în noiembrie 1861. Această cunoștință a fost un eveniment semnificativ în viața lui Rimsky-Korsakov și i-a predeterminat viitorul ca muzician. Un an petrecut în comunicare cu Balakirev și alți membri ai cercului său l-a condus pe Rimski-Korsakov la convingerea că adevărata sa vocație este compusul. Sub conducerea lui Balakirev, Rimski-Korsakov a scris cea mai mare parte a Simfoniei I. Pe parcurs, Balakirev și-a introdus studentul în formele muzicale și instrumentația. Această pregătire a fost pur practică. Nefiind strict sistematic, a dat rezultate pozitive grație talentului excepțional al compozitorului începător.
Comunicarea cu Balakirev și V. Stasov a lărgit orizonturile lui Rimski-Korsakov. „Întâlnindu-l pe Balakirev”, a scris el, „pentru prima dată am auzit de la el că ar trebui să citești, să ai grijă de autoeducație, să te familiarizezi cu istoria, literatura bună și critica. Îi mulțumesc pentru asta.” Cercul Balakirev a jucat un rol important în modelarea viziunii asupra lumii a compozitorului, în introducerea lui în ideile sociale și artistice democratice ale anilor '60. În atmosfera activității muzicale militante și intenționate a membrilor cercului, Rimski-Korsakov a fost impregnat de sarcinile și interesele direcției realiste a lui Glinka și și-a dat seama în mod clar de numirea sa ca compozitor rus. Acest lucru poate fi judecat dintr-una dintre scrisorile sale de la începutul anilor 60: „În Rusia, muzica tocmai a început să se dezvolte cu Glinka și toți muzicienii ruși nu merg, ci zboară înainte... Ar trebui să susțin această dezvoltare a muzicii în Rusia. , ar ieși multe din mine...”
anii 60. Rimski-Korsakov sa impus imediat ca un simfonist talentat și promițător. Debutul său ca compozitor a fost interpretarea Simfoniei I în concertul Școlii de Muzică Liberă, dirijat de Balakirev la sfârșitul anului 1865. Simfonia a avut un mare succes și a câștigat aprecierile criticii. C. Cui a numit-o „prima simfonie rusă”, arătând la baza cântecului temelor sale, talentul de orchestrare și subliniind caracterul original rusesc al întregii compoziții.
În urma simfoniei, Rimski-Korsakov a creat o serie de alte lucrări simfonice. Cele mai semnificative dintre ele sunt dedicate imaginilor epicei rusești și poveștilor orientale. Acestea sunt tabloul simfonic „Un episod din epopeea din Novgorod despre Sadko” (1867), scrisă la sugestia lui Mussorgsky, și programul „Este” simfonic-suite „Antar”, a cărui sursă literară primară a fost zâna romantică arabă. poveste cu același nume de O. Senkovsky (baronul Brambeus)-jurnalist, scriitor de ficțiune și, în același timp, istoric oriental, expert în literatura arabă. Pe baza programului literar, compozitorul a dat acestor lucrări o formă picturală și narativă originală. În compoziția lor muzicală bine proporționată, se alternează liber diverse episoade de scriere sonoră și de gen, a căror succesiune este determinată de intriga literară și nu de formele stabilite în opera clasicilor vienezi. Acest lucru i-a permis compozitorului să transmită în muzica sa toate detaliile unor programe poetice selectate.
Concomitent cu lucrările orchestrale, Rimsky-Korsakov creează romante cu un caracter liric-peisagistic și oriental. Dar cea mai importantă lucrare a compozitorului, care a încheiat prima perioadă a operei sale, a fost opera Maid of Pskov, începută în vara anului 1868.
Anii 70 constituie o nouă etapă importantă în biografia și activitatea muzicală a lui Rimski-Korsakov.
Rimsky-Korsakov lucrează la dezvoltarea și îmbunătățirea tehnicii sale de compunere, a cărei insuficiență a devenit foarte tangibilă pentru el. Anii 1874 și 1875 au trecut pentru Rimski-Korsakov în studii intensive de armonie, contrapunct și instrumentare. Învățându-i pe alții, a învățat el însuși, fără rușine să ceară sfaturi și ajutor de la camarazii săi, profesorii conservatorului și de la Ceaikovski. Acesta din urmă a reacționat cu profundă simpatie și simpatie față de aceste studii ale lui Rimski-Korsakov. El a scris: „Știi că pur și simplu mă închin și cinstesc modestia ta artistică nobilă și caracterul uimitor de puternic! Toate aceste nenumărate contrapuncte pe care le-ați făcut, aceste 60 de fugi și multe alte trucuri muzicale - toate acestea sunt atât de o ispravă pentru un om care a scris Sadko de opt ani, încât aș vrea să strig despre asta lumii întregi. Sunt uimit și nu știu cum să-mi exprim infinitul respect față de personalitatea ta artistică... Sunt cu adevărat convins că cu talentul tău enorm, combinat cu acea conștiinciozitate ideală cu care tratezi problema, din stilou ar trebui să iasă lucrările tale. care va lăsa mult în urmă tot ce a fost scris în Rusia până acum ... "
Tehnica dobândită a fost folosită pe scară largă de Rimski-Korsakov în compozițiile sale din acea vreme (simfonie în do major, ansambluri instrumentale de cameră, coruri polifonice neacompaniate, piese pentru pian), dar acestea au constituit încă doar o etapă de tranziție în calea creativă a compozitorului.
A doua jumătate a anilor 70 a fost marcată de munca lui Rimski-Korsakov la două colecții de cântece și, în legătură cu aceasta, studiul poeziei și ritualurilor populare. După ce s-a ocupat inițial de prelucrarea melodiilor raportate lui de iubitor de cântece populare T. Filippov, compozitorul s-a orientat curând spre alcătuirea propriei colecții. În ea, el a căutat să prezinte cele mai bune exemple de cântece populare țărănești, acordând o atenție deosebită celor mai vechi - genuri rituale și epice. Devenind interesat de riturile populare ale venerării soarelui, Rimski-Korsakov a început să se familiarizeze cu cercetările pe această temă, a fost și mai purtat de partea poetică a cultului închinării soarelui și a fost încă captivat de minunatele melodii vechi care păstrau spiritul antichității păgâne îndepărtate. Un studiu atât de larg și aprofundat al creativității muzicale și poetice populare a avut, așa cum a scris însuși Rimski-Korsakov, o influență imensă asupra direcției activității sale de compoziție.
Concomitent cu alcătuirea colecțiilor, a participat la editarea partiturii de operă a lui Glinka (împreună cu Balakirev și Lyadov.
„Noaptea de mai” este una dintre cele mai romantice lucrări ale lui Rimski-Korsakov. Deși elementul comic joacă un rol semnificativ în ea, este doar una (și nu cea mai importantă) latură a operei. Personajele sale principale - Levko și Ganna - sunt imagini pur lirice, iar versurile de dragoste conferă operei o aromă unică de tineret.
După „Noaptea de mai”, compozitorul a scris „The Snow Maiden”, pe care o considera aproape cea mai bună lucrare a sa.
Anii 80 - perioada de creativitate predominant simfonică a lui Rimski-Korsakov, momentul creării „Poveștilor” (bazat pe prologul lui Pușkin la „Ruslan și Lyudmila”), Sinfonietta (pe teme populare), Concertul pentru pian și Fantasia pe teme populare pentru vioară și orchestră. La sfârșitul anilor 80, compozitorul și-a scris cele mai remarcabile lucrări simfonice - Capriccio și Scheherazade spaniole. La sfârșitul acestui deceniu, a fost creată opera „Mlada”, a cărei intriga a fost materialele libreto ale operei colective nerealizate din anii '70. În plus, în anii '80, Rimski-Korsakov a supus unei editări amănunțite aproape toate lucrările sale majore scrise înainte de noaptea de mai și, în același timp, a dedicat multe luni de muncă grea finalizării prințului Igor al lui Borodin (împreună cu Glazunov) ". Khovanshchina" de Mussorgsky și editarea tuturor lucrărilor acestui compozitor, inclusiv reinstrumentarea lui "Boris Godunov". În munca sa dezinteresată, Rimski-Korsakov a fost ghidat de un sentiment de dragoste pentru prietenii săi morți, de conștiința datoriei sale artistice și de valoarea enormă a lucrărilor lor. „A fost nevoie de multă dragoste înflăcărată pentru tovarășii și prietenii decedați, multă dragoste pentru artă, de atâtea ori și atât de mult pentru a-ți lăsa deoparte propria creativitate în momentul apogeului și a-ți oferi tot talentul, toată energia și suflet la finalizarea magnifică a lucrărilor altora” , - Stasov a scris cu admirație despre Rimski-Korsakov.
De la începutul primăverii anului 1908, Rimski-Korsakov a început să sufere de o boală gravă a inimii. După ce s-a mutat la moșia Lyubensk pentru vară, a continuat să lucreze la manualul „Fundamentals of Orchestration”. Ultimele sale intrări au fost făcute pe 7 iunie; În noaptea de 8 iunie, compozitorul a murit.
Caracteristicile lucrărilor lui Rimski-Korsakov
Opera lui Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov este o personificare vie a poeziei și a frumuseții originale a artei naționale ruse.
Cea mai bogată cultură artistică creată de poporul rus, istoria rusă, viața populară i-au provocat pe Rimski-Korsakov, un adept fidel al lui Glinka, dragostea autentică și, odată cu ea, valurile de inspirație creativă.
Pentru el, acele monumente ale artei populare și ale vieții de zi cu zi, în care viața poporului apărea din latura sa colorată, poetică, aveau o forță deosebită atrăgătoare: credințe populare străvechi, ritualuri și cântece asociate cu ideile populare despre natură, legende, epopee. și basme. În această predilecție s-a manifestat înțelegerea individuală a artei poporului de către Rimski-Korsakov; aici și-a găsit drumul ca artist-muzician rus. „În esență, familia mea este un basm, o epopee și cu siguranță ruși”, a spus compozitorul. În lucrările sale, imaginile vieții populare antice, de zi cu zi și rituale, prind viață, Rusia Antică prinde viață în toată originalitatea și culoarea sa - așa cum i se părea imaginației poetice a compozitorului. În operele lui Rimski-Korsakov ies în prim plan imaginile care întruchipează mintea și talentul artistic al oamenilor, dorința lor de frumos, bunătatea și sublimitatea sentimentelor. Compozitorul a întruchipat visele oamenilor de libertate, fericire, frumusețe, ideile lor de dreptate și bunătate într-o serie de imagini ideale, fabulos de iluzorii (regatul Berendey în Fecioara zăpezii, Prințesa lebădă în Povestea țarului Saltan). Revenind la subiecte istorice, Rimski-Korsakov s-a străduit pentru o descriere sublimă, romantizată a eroilor populari. Așadar, după ce a conceput o operă despre Stepan Razin, compozitorul i-a cerut libretistului să elimine din scenariul de operă planificat acele scene și episoade în care evenimentele sângeroase au fost accentuate: „Personalitatea lui Stenka”, a scris Rimski-Korsakov, „ar trebui, cu siguranță, oarecum idealizată. și respinge. Este necesar ca vreo figură gigantică să se ridice și să măture printre oamenii asupriți...”
Astfel, Rimski-Korsakov sa concentrat în primul rând pe idealurile morale și estetice ale oamenilor, așa cum au apărut în monumentele de artă populară.
În artă însăși, el a văzut una dintre manifestările puterii spirituale a oamenilor, o forță vitală puternică care înnobilează o persoană, trezește în ea aspirații înalte și dezvăluie cele mai bune calități ale naturii sale. Într-un număr de lucrări ale compozitorului, acţionează eroi populari, glorioşi nu pentru faptele de arme, ci pentru talentul lor artistic; sunt în același timp purtători de sentimente înalte, patriotice și de idealuri morale. Acesta este, de exemplu, epicul gusler Sadko.
Reactivitatea caracteristică a lui Rimski-Korsakov la frumos în fenomenele realității s-a reflectat în minunatele peisaje muzicale, în imaginile naturii, care joacă un rol important în compozițiile sale. Imagini cu mare, pădure, răsăritul zorilor, cerul înstelat al nopții, peisaje din nord și sud, schițe din lumea păsărilor și animalelor, transmiterea a tot felul de „voci ale naturii” - toate acestea sunt supuse fantezia muzicală a compozitorului, un maestru al picturii sonore peisagistice. Rimski-Korsakov a fost înzestrat cu un talent deosebit pentru pictura prin muzică. Cu toate acestea, peisajele muzicale ale compozitorului posedă nu numai o strălucire și o acuratețe rară a imaginii muzicale, ci și spiritualitate poetică, expresivitate lirică profundă. Sunt încărcați emoțional.
În strânsă unitate cu natura, în muzica lui Rimski-Korsakov apar imagini fabuloase, fantastice. Cel mai adesea ele personifică, ca și în operele de artă populară, anumite forțe elementare și fenomene naturale (Frost, Goblin, Sea Princess etc.). Imaginile fantastice includ, alături de elemente muzicale-picturale, de basm-fantastice, și caracteristici ale aspectului exterior și caracterului oamenilor reali. O astfel de versatilitate (va fi discutată mai detaliat la analiza lucrărilor) conferă fanteziei muzicale a lui Korsakov o originalitate deosebită și o profunzime poetică.
În funcție de particularitățile talentului și atitudinii sale, Rimsky-Korsakov aparține numărului de artiști optimiști. Lucrările sale, parcă, radiază lumină solară și căldură, subliniază începutul înțelept și armonios al vieții. Muzică, plină de aer și culori de animale sălbatice, bogată în proaspăt
etc.................
1844 - 21 iunie 1908) - Compozitor rus, membru al Mighty Handful. A fost un adevărat maestru al orchestrației. Cele mai faimoase lucrări simfonice ale lui Rimski-Korsakov, Capriccio Espagnol, o uvertură pe temele a trei cântece rusești, și suita simfonică Șeherazada, sunt exemple ale repertoriului muzical clasic, alături de suite și fragmente din unele dintre cele 15 opere ale sale. În Șeherazada, compozitorul apelează la tema basmelor și a credințelor populare. Rimski-Korsakov a folosit adesea aceste tehnici în munca sa. El a crezut, ca și predecesorul său Balakirev, în dezvoltarea unui stil național de muzică clasică. Muzica lui Rimski-Korsakov a combinat folclorul rusesc cu elemente de tipare exotice armonice, melodice și ritmice (cunoscute sub numele de orientalism), cu o abatere de la tehnicile tradiționale de compoziție occidentale. Pentru cea mai mare parte a vieții sale, Nikolai Andreevich a combinat compunerea muzicii și predarea cu o carieră în armata rusă - mai întâi ca ofițer, apoi ca inspector civil în marina. Rimski-Korsakov (a cărui biografie este bine acoperită în Cronica vieții mele muzicale) a scris că, în copilărie, citind cărți și ascultând poveștile fratelui său mai mare despre isprăvile din marina, a dezvoltat o dragoste pentru mare. Trebuie să fi fost ea cea care l-a determinat pe compozitor să creeze două lucrări simfonice celebre. Acestea sunt „Sadko” (Rimsky-Korsakov a scris și opera cu același nume, nu trebuie confundate) și „Sheherazade”. Datorită serviciului naval, cunoștințele sale despre interpretarea pe instrumente de alamă și lemn s-au extins - acest lucru i-a deschis noi posibilități în orchestrație. Ulterior, el a transmis aceste cunoștințe studenților săi. Tot după moartea sa a fost publicat un manual de orchestrare, care a fost completat de fiul adoptiv al compozitorului, Maximilian Steinbreg.
Rimsky-Korsakov - biografia compozitorului
Nikolai Andreevici s-a născut în orașul Tikhvin (200 km est de Sankt Petersburg) într-o familie inteligentă. Fratele său Voin, care era cu 22 de ani mai în vârstă decât compozitorul, a devenit un cunoscut ofițer de marină și contraamiral. Rimsky-Korsakov Nikolai Andreevici și-a amintit că mama sa cânta puțin la pian, iar tatăl său putea interpreta mai multe piese după ureche. La vârsta de 6 ani, viitorul compozitor a început să ia lecții de pian. Potrivit profesorilor, a dat dovadă de o ureche bună pentru muzică, dar îi lipsea interesul. După cum însuși Nikolai Andreevici va scrie mai târziu, a cântat „nepăsător, nepăsător... ținând prost ritmul”. Deși Rimski-Korsakov a început să compună primele sale lucrări la vârsta de 10 ani, a preferat literatura decât muzica. Mai târziu, compozitorul a scris că datorită cărților și poveștilor fratelui său a apărut în el o mare dragoste pentru mare, în ciuda faptului că compozitorul „nici măcar nu o văzuse”. Nikolai Andreevici a absolvit Corpul Naval din Sankt Petersburg la vârsta de 18 ani. În paralel cu studiile sale, Rimski-Korsakov a luat lecții de pian. Compozitorul și-a amintit că, fiind indiferent față de studii, a dezvoltat o dragoste pentru muzică, care a fost facilitată de participarea la opere și concerte simfonice. În toamna anului 1859, Nikolai Andreevich a început să ia lecții de la Fyodor Andreevich Kanille, care, potrivit acestuia, l-a inspirat să studieze muzica și l-a încurajat să-și dedice întreaga viață. Pe lângă Canille, viitorul compozitor a fost foarte influențat de Mikhail Glinka, Robert Schumann și mulți alții. În noiembrie 1861, Rimski-Korsakov, în vârstă de 18 ani, a fost prezentat lui Balakirev. Balakirev, la rândul său, îi prezintă lui Caesar Cui și Modest Mussorgsky - toți trei erau deja compozitori cunoscuți, în ciuda vârstei fragede.
Mentoring Balakirev. „Grupul puternic”
La sosirea la Sankt Petersburg, în mai 1865, Rimski-Korsakov a preluat sarcinile serviciului zilnic timp de câteva ore pe zi. Prima sa reprezentație a avut loc în decembrie același an, la sugestia lui Balakirev. A doua apariție pe scenă a avut loc în martie 1866 sub conducerea lui Konstantin Lyadov (tatăl compozitorului Anatoly Lyadov). Rimski-Korsakov și-a amintit că i-a fost ușor să coopereze cu Balakirev. La sfatul său, compozitorul a rescris și corectat unele pasaje și le-a adus la perfecțiune. Sub patronajul său, compozitorul a completat Uvertura pe temele a trei cântece rusești, care s-au bazat pe uverturile populare ale lui Balakirev. Nikolai Andreevich a creat și versiunile inițiale ale lucrărilor simfonice „Sadko” și „Antar”, care au adus faima compozitorului ca maestru al creativității simfonice. Rimsky-Korsakov a avut și discuții cu alți membri ai „Mighty Handful”, s-au criticat reciproc lucrările și au colaborat la crearea de noi lucrări. Nikolai Andreevich s-a împrietenit cu Alexander Borodin, a cărui muzică l-a „uimit”, a petrecut mult timp cu Mussorgsky. Balakirev și Mussorgsky au cântat la pian la patru mâini, au cântat, au discutat despre munca altor compozitori, împărtășind un interes pentru opera compozițiilor târzii ale lui Glinka, Schumann și Beethoven.
Profesorat
În 1871, la vârsta de 27 de ani, Rimski-Korsakov a devenit profesor la Conservatorul din Sankt Petersburg, unde a predat cursuri practice de compoziție, instrumentație și orchestră. Nikolai Andreevici scrie în memoriile sale că predarea la conservator l-a făcut „poate cel mai bun elev al ei, judecând după calitatea și cantitatea informațiilor pe care mi le-a oferit”. Pentru a-și îmbunătăți cunoștințele și a rămâne mereu cu un pas înaintea studenților săi, a luat o pauză de trei ani de la compunerea muzicii și a studiat din greu acasă, dând prelegeri la conservator. Profesorul a oferit compozitorului stabilitate financiară și a determinat formarea unei familii.
Căsătorie
În decembrie 1871, Rimski-Korsakov i-a cerut-o în căsătorie pe Nadejda Nikolaevna Purgold, pe care a întâlnit-o în timpul întâlnirilor săptămânale ale Mânii Puternice la casa miresei. În iulie 1872, a avut loc o nuntă, la care Mussorgsky a fost prezent ca cel mai bun om. Unul dintre fiii lui Nikolai Andreevich, Andrei, a devenit muzicolog, s-a căsătorit cu compozitoarea Iulia Lazarevna Veisberg și a scris o lucrare în mai multe volume despre viața și opera tatălui său.
Revoluția din 1905
În 1905, au avut loc demonstrații la Conservatorul din Sankt Petersburg - studenții cu minte revoluționară au cerut schimbări politice și crearea unei ordini constituționale în Rusia. Rimski-Korsakov a simțit nevoia să protejeze dreptul studenților de a demonstra, mai ales când autoritățile au început să fie crude cu participanții săi. Într-o scrisoare deschisă, compozitorul ia partea studenților cerând demisia directorului conservatorului. Parțial din cauza acestei scrisori, 100 de studenți au fost expulzați din instituția de învățământ, iar Rimski-Korsakov și-a pierdut funcția de profesor. Cu toate acestea, Nikolai Andreevich a continuat să dea lecții acasă.
Excursie la Paris
În aprilie 1907, compozitorul susține mai multe concerte la Paris, organizate de impresarul Serghei Diaghilev. Nikolai Andreevici a prezentat muzica școlii naționale ruse. Aceste spectacole au fost un mare succes. În anul următor a avut loc o proiecție de opere compuse de Rimski-Korsakov: Fecioara zăpezii și Sadko. Călătoria i-a oferit compozitorului ocazia de a se familiariza cu muzica modernă europeană.
Lucrări de Rimski-Korsakov
Rimski-Korsakov a dezvoltat idealurile și tradițiile „Mighty Handful”. În opera sa, a folosit teme liturgice ortodoxe, cântece populare (de exemplu, în „Capriccioul spaniol”) și orientalismul (în „Sheherazade”). Nikolai Andreevici s-a dovedit a fi un compozitor foarte productiv și autocritic. A revizuit și a editat aproape toate compozițiile sale, iar unele dintre ele, cum ar fi Simfonia a III-a, „Antar” și „Sadko”, Rimski-Korsakov a corectat de mai multe ori. Compozitorul a rămas nemulțumit de multe dintre compozițiile sale.
Rimski-Korsakov - opere
În ciuda faptului că Nikolai Andreevici este mai bine cunoscut ca un maestru al creativității simfonice, operele sale sunt și mai complexe și mai bogate în tehnici orchestrale speciale decât lucrările instrumentale și vocale. Fragmente din ele sunt uneori la fel de populare ca întreaga lucrare. De exemplu, „Zborul bondarului” din „Povestea țarului Saltan” de Rimski-Korsakov. Operele compozitorului pot fi împărțite în 3 categorii:
- drama istorica. Printre acestea se numără: „Slujitoarea din Pskov”, „Mozart și Salieri”, „Guvernatorul Pan”, „Mireasa țarului”.
- Opere populare: „Noapte de mai”, „Noapte înainte de Crăciun”.
- Povesti si legende. Printre acestea se numără astfel de lucrări scrise de Rimski-Korsakov: Fecioara Zăpezii, Mlada, Sadko, Koschei Nemuritorul, Povestea țarului Saltan, Povestea orașului invizibil Kitezh și Fecioara Fevronia, Cocoșul de aur ".
Creativitate simfonică
Lucrările simfonice ale lui Rimski-Korsakov pot fi împărțite în 2 tipuri. Cel mai faimos din Occident și poate cel mai bun al său este software-ul. Acest tip de creativitate simfonică a lui Nikolai Andreevich presupune prezența unei intrigi, personaje, acțiuni împrumutate din alte surse, non-muzicale. A doua categorie sunt lucrări academice, cum ar fi Simfonia I și a III-a (de Rimski-Korsakov). Baletele pe muzica sa pot fi văzute nu numai în țara noastră, ci și în străinătate, la fel ca multe opere și alte compoziții muzicale ale compozitorului.
Potrivit tradițiilor antice, Roma s-a format la mijlocul secolului al VIII-lea î.Hr. e. Cultura, care era considerată una dintre cele mai influente în perioada antichității, a avut un impact uriaș asupra civilizației europene. Și asta în ciuda faptului că pictura și sculptura Romei antice se bazează pe motive grecești, iar teatrul și muzica sunt indisolubil legate de tradițiile antice etrusce.
Caracteristicile artei romane antice
Spre deosebire de alte țări antice, romanii nu atribuiau artei sarcini educaționale sau morale. Dimpotrivă, artele plastice ale Romei Antice erau de natură mai utilitară, deoarece era considerată doar o modalitate de organizare rațională a spațiului de locuit. De aceea arhitectura a ocupat un loc important în viața populației acestei țări străvechi. Civilizația Romei Antice își amintește încă de ea însăși cu clădiri monumentale: temple, arene și palate.
Pe lângă monumentele de arhitectură magnifice, cultura Romei din antichitate poate fi judecată și prin numeroasele sculpturi care erau portrete ale celor care au trăit în acea perioadă. Viața în Roma antică a fost întotdeauna supusă unor reguli stricte, iar în unele perioade, portretele sculpturale au fost create doar pentru a perpetua chipurile conducătorilor sau ale oamenilor celebri. Abia după ceva timp, sculptorii romani au început să-și înzestreze statuile cu personaje sau trăsături deosebite. Creatorii romani au preferat să înfățișeze evenimente istorice importante sub formă de basoreliefuri.
Este demn de remarcat faptul că trăsăturile constă în absența aproape completă a unor fenomene precum teatrul - în sensul obișnuit pentru noi, precum și propria noastră mitologie. Folosind imaginile create de greci pentru mulți romani magnifici, fie au distorsionat evenimentele pentru a le face pe plac autorităților lor, fie nu le-au acordat prea multă importanță. Acest lucru s-a întâmplat în primul rând pentru că artele plastice ale Romei Antice s-au dezvoltat sub influența ideologiei dominante, care era străină de principiile filosofice abstracte și de ficțiunea artistică.
Trăsături distinctive ale artei Romei antice
În ciuda existenței dovedite a Romei ca civilizație separată, istoricii pentru o lungă perioadă de timp nu au putut separa arta greacă antică de arta romană. Cu toate acestea, datorită faptului că multe lucrări din moștenirea artistică și arhitecturală a Romei Antice au fost păstrate până în prezent, a fost posibil să se determine principalele caracteristici inerente exclusiv lucrărilor romane antice. Deci, ce realizări și invenții ale Romei Antice în domeniul artei plastice o caracterizează ca fiind un fenomen independent?
- Realizarea arhitecturală a romanilor a fost combinația dintre percepția spațială și formele artistice în clădiri. Arhitecții romani au preferat să ridice clădiri și ansambluri separate în zonele joase naturale, iar dacă nu existau, au înconjurat structurile cu ziduri mici.
- Spre deosebire de imaginile plastice grecești, arta romană a pus alegorie, simbolism și natura iluzorie a spațiului. Aceste invenții ale Romei antice în raport cu imaginea sculpturală și artistică au făcut posibilă înzestrarea cu caracter nu numai portretelor sculpturale, ci și imaginilor în mozaic sau frescă.
- Artiștii romani antici au dezvoltat pictura de șevalet care își are originea în Grecia, care practic nu era larg răspândită în patria sa istorică.
În ciuda abundenței de trăsături subtile și abia vizibile pentru ochiul profanului, există un factor care permite chiar și unui nespecialist să determine dacă un obiect sculptural sau arhitectural aparține culturii romane antice. Aceasta este dimensiunea lui. Civilizația Romei Antice este cunoscută în întreaga lume pentru clădirile și sculpturile sale grandioase. Valoarea lor este de câteva ori mai mare decât analogii din Grecia antică și din alte țări.
periodizare
Artele plastice ale Romei Antice s-au dezvoltat în mai multe etape, care corespundeau perioadelor de formare istorică a statului însuși. Dacă istoricii împart evoluția artei antice grecești în formare (arhaică), înflorire (clasică) și perioadă de criză (elenism), atunci dezvoltarea artei antice romane capătă noi trăsături în timpul schimbării dinastiei imperiale. Acest fenomen se datorează faptului că factorii socio-economici și ideologici au jucat un rol fundamental în schimbarea formelor stilistice și artistice.
Etapele evoluției artei la Roma sunt considerate a fi perioada regatului roman (sec. 7-5 î.Hr.), cea republicană (sec. 5-1 î.Hr.) și perioada Imperiului Roman (sec. 1-2 î.Hr.). ANUNȚ). Adevărata înflorire a tuturor tipurilor de arte, inclusiv sculptura, teatrul, muzica și artele artistice și aplicate, a venit la sfârșitul secolului I î.Hr. e. și a continuat până când
Arta perioadei țariste
Formarea artei romane antice datează din secolul al VIII-lea î.Hr. e., când motivele principale în arhitectură sunt metodele etrusce de planificare a clădirilor, zidăria și utilizarea materialelor de construcție. Acest lucru poate fi judecat după templul lui Jupiter Capitolinus. Pictura și realizarea de obiecte decorative sunt, de asemenea, strâns legate de rădăcinile etrusce. Abia pe la mijlocul secolului al VII-lea î.Hr. e., când romanii au colonizat Grecia, s-au familiarizat cu tehnicile artistice ale grecilor. Este demn de remarcat faptul că artiștii romani antici au încercat deja să-și creeze lucrările cât mai aproape de originale. Istoricii atribuie acest lucru tradiției de a face măști de ceară de moarte care repeta exact trăsăturile feței unei persoane. Zeii Romei antice, ale căror statui au fost realizate în perioada regatului roman, erau reprezentați în același mod ca oamenii obișnuiți.
Arta perioadei republicane
Perioada republicană a statului roman a fost marcată de formarea definitivă a arhitecturii: fără excepție, toate complexele (locuințe și templu) au dobândit o structură și simetrie axială. Fațada clădirii era decorată mai magnific, iar o urcare (de obicei o scară de piatră) ducea la intrare. Dezvoltarea rezidențială din clădiri cu mai multe etaje se răspândește în orașe, în timp ce segmente bogate ale populației construiesc case la țară cu terase, decorate cu fresce și compoziții sculpturale. În această perioadă, s-au format în sfârșit tipuri de clădiri precum teatrul Romei Antice (amfiteatru), apeducte și poduri.
Artele vizuale s-au bazat pe sculptura portret: oficială și privată. Primul a servit scopului imortalizarii oamenilor de stat, iar al doilea a existat grație comenzilor pentru fabricarea de statui și busturi pentru case și morminte. Clădirile publice erau decorate cu basoreliefuri înfățișând scene istorice sau imagini din viața de zi cu zi a statului. În temple, se puteau vedea cel mai adesea picturi (inclusiv mozaicuri și fresce) reprezentând zeii Romei Antice.
Imperiul Roman: ultima perioadă a dezvoltării artei
Perioada este considerată vremea adevăratei înfloriri a artei romane antice. Arhitectura este dominata de arcade, bolti si cupole. Pereții de piatră sunt peste tot acoperiți cu cărămidă sau marmură. Spațiile mari din camere sunt ocupate de picturi și sculpturi decorative. Artele plastice ale Romei antice în această perioadă suferă schimbări semnificative. Când se realizează portrete sculpturale, se acordă mai puțină atenție caracteristicilor individuale, care uneori arată oarecum schematic. În același timp, sculptorii au încercat să înfățișeze rapiditatea mișcărilor, starea emoțională a persoanei înfățișate (poziția corpului, a brațelor și a picioarelor, coafura etc.). Imaginile în basorelief iau forma unor panorame cu un complot care se dezvoltă treptat.
Spre deosebire de perioada anterioară, ea devine mai complexă datorită introducerii peisajului și fundalurilor arhitecturale. Vopselele folosite pentru fresce sunt mai strălucitoare, iar combinațiile de culori sunt mai contrastante. Pe lângă mozaicurile colorate, alb-negru este distribuit pe scară largă.
Cele mai cunoscute portrete sculpturale
Portretele romane ale oamenilor de stat, zeilor și eroilor sunt reprezentate prin busturi sau statui la dimensiunea normală. Cel mai vechi portret roman antic este considerat a fi un bust de bronz al lui Junius Brutus. Se simte o mare influență a artei grecești, totuși, trăsăturile faciale tipice romane și o ușoară asimetrie fac posibil să fim din nou convinși că sculptorii romani antici deja atunci, în secolul al III-lea î.Hr. e., au dat lucrărilor lor un maxim de realism. În ciuda lipsei tehnologiilor moderne de prelucrare a metalelor, micile detalii ale bustului sunt frumos executate. În primul rând, acest lucru se observă în gravura fină a bărbii și a părului.
Cel mai realist este încă considerat a fi portretul sculptural al lui Vespasian, împăratul roman. Maestrul nu numai că și-a transmis imaginea în cel mai mic detaliu, ci și-a înzestrat bustul cu trăsături caracteristice. Ochii atrag o atenție deosebită: adânciți și mici, ei radiază viclenia și inteligența naturală a împăratului. Dar cel mai remarcabil este faptul că sculptorul a înfățișat și cele mai mici detalii (vene și vene încordate pe gât, riduri care traversează frunte), care vorbesc despre forța și inflexibilitatea conducătorului statului. Nu mai puțin expresiv a fost bustul cămătarului Lucius Caecilius Jucundus, ai cărui ochi lacomi și părul gras sunt înfățișați cu o acuratețe uimitoare.
Mari monumente de arhitectură ale epocii romane antice
Până în prezent, nici măcar una dintre clădirile construite în epoca Romei Antice nu a fost păstrată pe deplin. Cel mai faimos și faimos dintre ele este Colosseum - o arenă în care aveau loc lupte de gladiatori și spectacole ale oamenilor de stat de diferite niveluri, inclusiv împărați. Templul lui Saturn, care a fost distrus în mod repetat și reconstruit din nou, are o istorie nu mai puțin vie. Spre deosebire de Colosseum, acesta nu poate fi văzut, deoarece din structura magnifică au rămas doar câteva coloane. Dar ei au reușit să salveze celebrul Panteon, sau templul tuturor zeilor, care este o clădire destul de mare, culminată cu o cupolă.
Poeții Romei Antice și operele lor
În ciuda mitologiei împrumutate de la greci, vechii romani aveau și propriile lor talente în domeniul adăugării de poezie, cântece și fabule. Cei mai cunoscuți poeți ai Romei sunt Vergiliu și Horațiu. Primul a devenit celebru pentru scrierea poeziei „Eneida”, care amintea foarte mult de „Iliada” de Homer. În ciuda componentei poetice și artistice mai puțin expresive, acest poem este încă considerat standardul limbii latine originale. Horațiu, dimpotrivă, avea o stăpânire excelentă a cuvântului artistic, datorită căruia a devenit poet de curte, iar replici din poeziile și cântecele sale încă apar în operele multor scriitori.
Artă teatrală
Teatrul Romei antice semăna inițial puțin cu ceea ce considerăm noi astăzi. Aproape toate spectacolele au fost organizate în genul concursurilor de poeți și muzicieni. Numai ocazional, cunoscătorii romani antici de artă se puteau bucura de interpretarea actorilor, însoțiți de un cor mare. Adesea publicului i s-au arătat numere de circ, pantomimă teatrală și dansuri solo sau de grup. O trăsătură distinctivă a spectacolului de teatru roman antic a fost numărul mare al trupei. În acest sens, publicul a spus că au fost mai puțini decât actori.
Este de remarcat faptul că la acea vreme nu acordau prea multă atenție costumelor și machiajului. Numai că uneori, jucând rolul unui împărat sau al unei persoane semnificative în stat, actorii s-au îmbrăcat în haine mai magnifice de culoare roșie. Repertoriul a constat în principal din lucrări ale poeților romani: Horațiu, Vergiliu și Ovidiu. Destul de des, narațiunile și cântările fără grabă din teatre erau înlocuite cu lupte sângeroase de gladiatori, la care publicul mergea cu nu mai puțină plăcere.
Muzica si instrumente muzicale
Muzica Romei antice s-a format independent de greaca veche. În timpul evenimentelor și spectacolelor publice, cele mai populare erau instrumentele muzicale capabile să producă un sunet foarte puternic: țevi, claxone și altele asemenea. Cu toate acestea, cel mai adesea în timpul spectacolului, au fost preferate timpanii, harpele și citarele. Este demn de remarcat faptul că toată lumea era pasionată de muzică, inclusiv împărații romani. Printre muzicieni și cântăreți s-au numărat cei care au fost imortalizați în sculptură. Cântăreții și kyfaredii Apelles, Terpnius, Diodorus, Anaxenor, Tigelius și Mesomedes s-au bucurat de o popularitate și dragoste deosebită în rândul poporului roman în acea epocă. Muzica Romei Antice este încă vie, deoarece s-au păstrat nu numai motivele principale, ci și instrumentele muzicale.
Influența artei romane antice asupra modernității
Se vorbește multe despre influența civilizației romane asupra modernității și peste tot. Desigur, caracteristicile Romei Antice, sau mai bine zis, ale zonei sale care se referă la artă, nu au fost încă prezentate integral. Cu toate acestea, se poate deja susține că arhitectura, sculptura și artele plastice ale epocii romane antice au influențat direct componenta culturală a aproape tuturor statelor europene. Acest lucru este vizibil mai ales în arhitectură, când armonia și măreția clădirilor este închisă într-o formă clară simetrică.
