Mulți oameni nu înțeleg de ce o orchestră are nevoie de un dirijor dacă toți muzicienii au partituri.
Când a avut orchestra un dirijor?
Comunitățile de muzicieni care cântă cutare sau cutare muzică sunt cunoscute încă din cele mai vechi timpuri și, desigur, aceste ansambluri aveau adesea propriii lor lideri formali sau informali.
Pe basoreliefurile egiptene sunt imagini ale unui bărbat cu un toiag în mână, care conduce muzicienii, iar în Grecia Antică, conducătorii de cor (luminari) bateau ritmul folosind o sandală specială cu toc de fier.
Și cu cât orchestrele deveneau mai mari (în Evul Mediu și Renaștere erau numite capele, cuvântul „orchestră” s-a răspândit mai târziu), cu atât mai complexă practica jocului orchestral, cu atât figura unui controlor de trafic s-a dovedit a fi mai necesară. - o persoană care bate ritmul și se asigură că toată lumea joacă coordonat și intrat la timp. Anterior, acest lucru se făcea folosind un baston masiv „battuta”, care a fost lovit pe podea - cele mai vechi imagini ale acestui proces datează din secolul al XV-lea.
Aceasta a fost o chestiune destul de dificilă și nu întotdeauna sigură - marele compozitor francez Jean-Baptiste Lully (1632-1687) și-a rănit piciorul cu vârful unui astfel de baston și a murit de cangrenă.
Compozitorii care au interpretat propria lor muzică cu capele au fost adesea primii dirijori. Ar putea să bată un ritm cu picioarele sau să fluture o partitură ca Bach. Adesea această funcție era îndeplinită de clavecinisti sau primii violoniști, care dădeau semnale prin balansarea arcului.
S-a întâmplat să fie mai mulți dirijori - în operă, directorul de cor putea controla cântăreții, iar acompanitorul putea controla orchestra. Este important că aproape întotdeauna dirijorul a fost și muzician - cânta sau cânta.
Acompaniatorii cântau prima parte de vioară și dădeau semnale celorlalți muzicieni cu ochi și cap, sau, întrerupând jocul, băteau în ritm cu o plecăciune.
Cum au luat ștafeta în mână?
Chestiune de întâmplare. În esență, bastonul a fost un înlocuitor pentru arcul deja familiar sau pergamentul muzical.
Dirijorii au început să folosească bagheta la începutul secolului al XIX-lea și, judecând după descrieri, aceste bastoane au fost la început destul de grele. Secolul al XIX-lea a devenit secolul nașterii dirijorilor ca profesie separată - ei s-au despărțit în cele din urmă de orchestre, s-au ocupat exclusiv de dirijor, s-au ridicat pe înălțimi speciale și, ceea ce era deosebit de neobișnuit, au întors spatele publicului.
Primul care a făcut acest lucru a fost fie Hector Berlioz, fie Richard Wagner - nu se știe sigur cine a preluat conducerea. Pentru orchestra simfonică incredibil de extinsă și complicată a secolului al XIX-lea, numărul de participanți la care se putea număra sute, era vital un regulator uman special - nu mai avea ocazia să cânte ceva în paralel cu dirijorul.
Figura dirijorului, desigur, a fost, de asemenea, un produs al tradiției romantice - doar în ea ar putea exista organic silueta neagră a unui geniu singuratic deasupra mulțimii, care cu o singură mișcare a mâinii controlează incredibila masă a sunetului și emoțiile ascultătorilor.
Adică este nevoie de un dirijor în primul rând pentru a stabili ritmul corect?
Cel puțin, stabilirea unui ritm și semnalarea cine intervine în ce moment este cu adevărat importantă.
Desigur, muzicienii înșiși pot urmări ceea ce se întâmplă din note, numără barele și își ascultă colegii, dar acest lucru nu este întotdeauna ușor, iar într-o orchestră simfonică mare, muzicienii pur și simplu nu pot auzi toate părțile. Cu toate acestea, sarcinile dirijorului, desigur, nu se limitează la asta: el este responsabil pentru toți parametrii performanței, pentru a se asigura că totul este unit de un singur tempo și dispoziție.
Și pentru interpretare - la urma urmei, aceeași compoziție poate fi interpretată în moduri complet diferite. La viteze diferite, punând accente diferite, interpretând diferit stările de spirit ale unităților, acordând o atenție diferită petrecerilor.
Așa face dirijorul în timpul repetițiilor, analizând, uneori foarte meticulos, partiturile cu muzicienii până când se mulțumește cu sunetul și sensul general al compoziției.
Acest lucru este deosebit de important atunci când tradiția interpretării este întreruptă - lucrările multor mari compozitori din secolele al XVII-lea și al XVIII-lea nu au fost interpretate pentru o lungă perioadă de timp și putem doar ghici cum au sunat în timpul vieții lor.
Dacă un compozitor modern poate parcurge toată partitura împreună cu dirijorul, explicând exact cum ar trebui interpretată compoziția sa (deși și aici dirijorul are drept de vot și liber arbitru), și, să zicem, la Viena mai sunt în viață muzicieni care studiat cu oamenii care au cântat valsurile lui Johannes Strauss sub îndrumarea lui Strauss însuși, atunci nu există un răspuns clar la întrebarea „Cum să cântați corect lucrările lui Bach, Vivaldi sau Lully”.
Notele acelei vremuri sunt extrem de rare în explicațiile lor, iar multe detalii neindicate în note, dar evidente pentru muzicienii din acea vreme, pot fi pierdute pentru totdeauna. În acest caz, este imposibil să „cantezi notele” pur și simplu: problema descifrării unei partituri baroc este asemănătoare unei povești detective muzicologice complexe.
Este suficient să citești orice carte pentru a fi convins de acest lucru - de fapt, el spune că trebuie să studiezi toate sursele cunoscute din acea vreme și apoi, ținând cont și ignorând simultan ceea ce este scris în note, să încerci să înțelegi nu litera, ci spiritul lucrării.
„Numai cel care găsește intenția compozitorului în note și interpretează aceste note în conformitate cu aceasta va fi fidel operei în adevăratul sens al cuvântului. Dacă un compozitor scrie o notă întreagă, adică o notă a șaisprezecea, atunci cel care cântă nota a șaisprezecea, și nu cel care cântă întreaga notă, va rămâne fidel nu notelor, ci operei.”
Harnoncourt scrie.
Adică, sunetul aceleiași compoziții depinde de cine conduce?
Exact. Doi dirijori diferiți pot interpreta aceeași simfonie foarte similar (deși niciodată identic) sau o pot interpreta complet diferit.
Iată un videoclip foarte elocvent din proiectul Arzamas: ce se întâmplă cu faimosul „Ta-ta-ta-ta” al lui Beethoven în mâinile principalilor dirijori ai lumii.
Un alt exemplu: aceeași lucrare a lui Bach, dirijată de Karl Richter:
Și Nicolas Harnoncourt:
Dirijorii sunt întotdeauna tirani groaznici?
Nu este necesar. Dar această lucrare nu este ușoară și responsabilă și nu poate fi făcută fără o oarecare presiune și determinare, iar în relația dintre dirijor și orchestră nu este greu să vedem o metaforă a relației dintre domnitor și mulțime („Fellini „ Orchestra Rehearsal” este construit aproape în întregime pe ea).
În secolul al XX-lea, mulți dirijori nu au scăpat de tentația de a-și gestiona orchestrele bazându-se pe dictatură, presiune și o atmosferă de frică. Marii dirijori ai secolului - Herbert von Karajan, Wilhelm Furtwängler, Arturo Toscanini - au fost oameni cu care muzicienii își amintesc că au lucrat cu groază sacră.
Oamenii obișnuiți care sunt departe de muzica clasică nu înțeleg întotdeauna ce face exact acest bărbat în smoking, făcându-și mâinile în fața muzicienilor care încearcă să cânte cât mai bine. Cu toate acestea, nici un concert orchestral nu este complet fără acest participant. Ce face un dirijor, care este rolul lui și de ce ascultătorii sunt mai dispuși să cumpere bilete dacă este celebru?
Din Grecia antică până în zilele noastre
Cu mult înainte de Toscanini, Furtwängler, von Karajan și Bernstein, munca lor era deja realizată de Pherecydes din Patras, cunoscut în Grecia Antică drept „Pacemaker”. Potrivit surselor istorice, încă din anul 709 î.Hr. a controlat un grup de opt sute de muzicieni cu o baghetă de aur, ridicând-o și coborând-o și asigurându-se că muzicienii „începe în același timp” și „toți puteau rămâne împreună”.
Funcțiile unui dirijor s-au schimbat în ultimii peste o mie de ani, dar profesia este încă învăluită într-o anumită aură mistică. Într-adevăr, este uimitoare capacitatea unei persoane, ținând în mână doar un băț de lemn, de a oferi sunetul armonios al câteodată sute de instrumente.
Cum se face că sunetele care se revarsă ca urmare a acestui dans misterios la panoul de control provoacă uneori o încântare sublimă, captivând ascultătorii care nu pot uita apoi sentimentele care i-au cuprins pentru tot restul vieții?
Acesta este marele mister al artei și, slavă Domnului, este imposibil să-l dezvălui complet.
În analogii mai practic, un dirijor este echivalentul muzical al unui manager de echipă sportivă. Nu este niciodată posibil să evaluezi exact ceea ce face, dar este întotdeauna clar ce rezultat obține. O orchestră, în principiu, se poate descurca fără dirijor, dar în majoritatea cazurilor ei preferă totuși să cânte sub conducerea lui. Deci ce face el mai exact? Acestea sunt câteva dintre multele lucruri pe care le face un dirijor, conștient sau inconștient, pe podium.
Metronom Man
„Toată datoria unui dirijor constă în capacitatea sa de a indica întotdeauna tempo-ul corect”, a spus Richard Wagner, care însuși a stăpânit perfect această profesie și a fost, de asemenea, un mare compozitor. De obicei, mâna dreaptă (cu sau fără baghetă) este folosită pentru a controla orchestra, dar și alte componente influențează performanța impecabilă. Dirijorul nu poate fi înlocuit cu un metronom (cum este ilustrat frumos în filmul alegoric al lui Fellini Orchestra Rehearsal), acțiunile sale înseamnă mult mai mult.
Interpretare
Sarcina dirijorului este să dea viață partiturii. Pentru a face acest lucru, el folosește propria înțelegere a lucrării ca un instrument și o exprimă printr-un limbaj individual al semnelor. El, așa cum spune, „sculptează” linia muzicală, subliniază nuanțele și elementele muzicale individuale, controlând muzicienii și, de fapt, creează multe din nou. Aceste procese sunt de obicei exprimate cu mâna stângă. În timp ce toți dirijorii au câteva gesturi comune, majoritatea celor mai mari au propriul lor stil unic. De exemplu, Furtwängler a făcut spontan în unele momente mișcări destul de ciudate. Valery Gergiev și-a mișcat degetele, exprimând caracterul muzicii; el însuși a explicat acest mod prin faptul că era pianist.
Abilități de ascultare
„Cei mai buni dirijori fac cei mai buni ascultători”, spune Tom Service, jurnalist și autor al cărții fascinante „Music as Alchemy: Travels with Great Conductors and Their Orchestra”. Ei, ca un paratrăsnet, preiau încărcătura emoțională a lucrării și concentrează atenția asupra aspectelor sale cele mai puternice. Este important ca un dirijor să înțeleagă muzica mai profund decât oamenii obișnuiți și apoi să-și exprime propria hiperconștientizare, făcând-o disponibilă publicului.
Dictatură
„Trebuie să-ți impuni voința - nu prin forță, dar trebuie să poți convinge oamenii de corectitudinea punctului tău de vedere!” - a spus Pierre Boulez, legendarul compozitor și dirijor. Deși majoritatea dirijorilor din zilele noastre se consideră democrați, acest lucru pur și simplu nu poate fi adevărat. Asta nu înseamnă că dictatura nu poate fi evitată, dar nu este ușor. Boulez dă exemplul Orchestrei Filarmonicii din Berlin, numind-o un grup de indivizi: „Dacă dirijorul nu le dă o direcție colectivă, atunci vor fi lipsiți de cârmă și pânze”.
Conductor-conductor
În multe limbi, cuvântul „dirijor” sună ca „dirijor”. Ei bine, există ceva în comun, pentru că fiecare ascultător percepe muzica cu urechea, și se uită la ceea ce face dirijorul, iar prin această imagine vizuală există o legătură vizuală, un fel de punte între ochii noștri și senzațiile melodice. Uneori este pur și simplu imposibil să-ți iei ochii de la telecomandă; priveliștea este fascinantă.
„A dirija este mult mai dificil decât a cânta la un singur instrument. Trebuie să cunoști cultura, să calculezi totul și să proiectezi ceea ce vrei să auzi”, spune Boulez.
Ce în afară de muzică?
Dirijorii au nevoie de instinct muzical, intuiție și muzicalitate înnăscută, dar dincolo de asta trebuie să știe multe. De obicei, ei petrec multe ore pregătindu-se înainte de a lua loc la consolă. Este adesea de natură academică, acoperind studiul documentelor istorice, cum ar fi scrisori, specificații ale instrumentelor dintr-o anumită perioadă sau detalii biografice ale autorilor. Ca toate marile mistere, muzica grozavă vine doar dintr-o cantitate imensă de muncă grea.
Basoreliefurile conțin imagini ale unui bărbat cu o baghetă în mână, conducând un grup de muzicieni. În teatrul antic grecesc, luminarul conducea corul, bătând ritmul cu piciorul, încălțat într-o sandală cu talpă de fier. În același timp, deja în Grecia Antică, controlul corurilor era larg răspândit folosind așa-numita cheironomie (din greaca veche. xeir- mână etc. - greacă. nomos- legea, pravila), care a trecut apoi în practica spectacolului bisericesc în Europa medievală; Acest tip de dirijat presupunea un sistem de mișcări condiționate ale mâinilor și degetelor, cu ajutorul cărora dirijorul indica cântăreților tempo, metrul, ritmul, reproducea contururile melodiei - mișcarea ei în sus sau în jos etc.
Battuta a fost inițial un baston destul de masiv; directorul orchestrei a bătut ritmul, lovindu-l pe podea - o astfel de conducere era și zgomotoasă și nesigură: J. B. Lully, în timp ce dirija cu vârful bastonului, și-a provocat o rană, care s-a dovedit a fi fatală. Cu toate acestea, deja în secolul al XVII-lea existau metode mai puțin zgomotoase de conducere; Astfel, într-un ansamblu, spectacolul putea fi condus de unul dintre membrii săi, cel mai adesea un violonist, care număra timpul lovind arcul sau dând din cap.
Odată cu apariția sistemului general de bas în secolul al XVII-lea, îndatoririle dirijorului au trecut la muzicianul care a interpretat partea generală de bas la clavecin sau orgă; determina tempo-ul printr-o serie de acorduri, dar putea să dea instrucțiuni și cu ochii, încuviințarea din cap, gesturi sau chiar, ca de exemplu J. S. Bach, fredonând o melodie sau batând ritmul cu piciorul. În secolul al XVIII-lea, basul general era din ce în ce mai asistat de primul violonist - acompanitorul, care dădea tonul cu cântatul său la vioară și putea, după ce a încetat să cânte, să folosească arcul ca trambulină. În secolul al XVIII-lea s-a răspândit practica dublei și triplelor dirijat atunci când interpretau lucrări vocale și instrumentale complexe: de exemplu, în operă, clavecinul controla cântăreții, iar acompanitorul controla orchestra; al treilea lider ar putea fi primul violoncelist, care cânta vocea de bas în recitative de operă, sau directorul de cor; în unele cazuri numărul de conductori ar putea ajunge până la cinci.
Pe măsură ce sistemul general de bas s-a stins (în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea), importanța violonistului-acompaniament a crescut; iar în secolul al XIX-lea, această metodă de dirijat a fost păstrată la executarea unor lucrări simple, în special în orchestrele de bal și de grădină; Este adesea folosit astăzi în interpretarea muzicii antice.
al XIX-lea în istoria dirijatului
Dezvoltarea și complexitatea muzicii simfonice, extinderea treptată a compoziției orchestrei deja la sfârșitul secolului al XVIII-lea au necesitat eliberarea dirijorului de la participarea la ansamblu; dirijorul acompaniator a cedat din nou locul său celui care stătea în fața orchestrei. În acest caz, un tub de piele umplut cu lână sau un sul de partituri ar putea fi folosit ca trambulină. La începutul secolului al XIX-lea, în mâna dirijorului a apărut un mic băț de lemn. La Viena, bagheta a fost folosită pentru prima dată de Ignaz von Mosel în 1812; în 1817, orchestra lui K. M. Weber din Dresda și L. Spohr din Frankfurt pe Main a fost controlată cu o baghetă.
Timp de secole, compozitorii, de regulă, și-au interpretat singuri lucrările: compunerea muzicii era responsabilitatea directorului de formație, a cantorului și, în alte cazuri, a organistului; Transformarea treptată a dirijorului într-o profesie a început în ultimele decenii ale secolului al XVIII-lea, când au apărut compozitori care interpretau în mod regulat lucrările altora. Astfel, la Viena, din 1771, în concertele publice de caritate ale Societății Muzicale, care au fost conduse mai întâi de Florian Leopold Gassmann, iar apoi mulți ani de Antonio Salieri, au fost interpretate adesea lucrări ale compozitorilor plecați sau ale contemporanilor, care dintr-un singur motiv sau altul nu a putut participa personal la concerte. Practica interpretării operelor altora s-a răspândit în teatrele de operă la sfârșitul secolului al XVIII-lea; operele altor oameni au fost adesea conduse de Josef Mysliveček, care a promovat, în special, opera lui K. V. Gluck și Giovanni Paisiello.
Dacă în secolul al XVIII-lea compozitorii-dirigenți cântau în principal cu orchestrele lor (corurile), cu excepția compozitorilor de operă care și-au pus în scenă și și-au interpretat lucrările în diferite orașe și țări, atunci în secolul al XIX-lea au apărut pe scena concertelor interpreți invitați, interpretând ambele cu propriile lor, deci cu lucrările altora, dirijând orchestre ale altora, precum Hector Berlioz și Felix Mendelssohn, mai târziu R. Wagner.
Nu s-a stabilit cu certitudine cine a fost primul, nesocotind decența, care a întors spatele publicului, cu fața cu orchestra, G. Berlioz sau R. Wagner, dar în arta managementului orchestrei aceasta a fost o întorsătură istorică care a asigurat deplin contact creativ între dirijor și artiștii orchestrei. Treptat, dirijorul s-a transformat într-o profesie independentă, fără legătură cu compunerea: conducerea unei orchestre în creștere necesita abilități speciale și talent deosebit. „Dirijorul”, va scrie mai târziu Felix Weingartner, „necesită nu numai abilitatea de a înțelege și de a simți pe deplin o creație artistică muzicală, ci și o dedată tehnică deosebită, este greu de descris și cu greu poate fi învățat... Acest specific abilitatea este adesea în nici un fel legată de talentul muzical general. Se întâmplă ca vreun geniu să fie lipsit de această abilitate și un muzician mediocru să fie înzestrat cu ea.” Printre primii dirijori profesioniști care au obținut recunoaștere internațională se numără Hans von Bülow și Hermann Levy; Bülow a devenit primul dirijor din istorie care a făcut turnee cu orchestre, inclusiv cu Filarmonica din Berlin.
„Big Five”: Bruno Walter, Arturo Toscanini, Erich Kleiber, Otto Klemperer, Wilhelm Furtwängler
Dirijarea în secolul XX
Din a doua jumătate a secolului al XIX-lea, în Europa a dominat școala germano-austriacă de dirijat, ceea ce s-a datorat nu în ultimul rând predominării muzicii simfonice germano-austriace în repertoriul concertelor; la începutul secolului a fost reprezentat în primul rând de așa-numiții „cinci post-Wagner”: Hans Richter, Felix Mötl, Gustav Mahler, Arthur Nikisch, Felix Weingartner, iar mai târziu de către dirijorii generației următoare: Bruno Walter, Otto Klemperer, Wilhelm Furtwängler, Erich Kleiber și dirijorul olandez al școlii germane Willem Mengelberg. Formată în epoca romantismului, această școală până la mijlocul secolului al XX-lea a păstrat anumite trăsături inerente mișcării romantice în interpretarea muzicală.
Simțindu-se un co-creator al operei interpretate, dirijorul romantic nu s-a oprit uneori înainte de a face anumite modificări ale partiturii, în primul rând în ceea ce privește instrumentația (sunt acceptate în continuare unele corecții făcute de romantici la lucrările târzii ale lui L. van Beethoven). de către dirijori), mai ales că nu vedea prea mult păcat în abaterea, la discreția cuiva, de la tempourile indicate în partitură etc. Acest lucru părea justificat, întrucât nu toți marii compozitori din trecut cunoșteau fluent orchestrația, iar Beethoven, așa cum era de așteptat, era surd, împiedicându-l să-și imagineze clar combinația de sunet - în același timp, importanța crescută a dirijorilor profesioniști i-a determinat adesea pe compozitorii în viață să se consulte cu aceștia sau să facă corecturi la partitura după o interpretare incorectă, dar impresionantă.
Libertățile pe care le-au luat Wagner și apoi Hans von Bülow cu partitura lor au fost adesea condamnate de contemporanii lor. Astfel, Felix Weingartner a dedicat o parte semnificativă a cărții sale „Despre dirijat” unei polemici cu Bülow. Intruziunile dirijorilor în partituri au devenit treptat un lucru al trecutului (în prima jumătate a secolului al XX-lea, Willem Mengelberg și Leopold Stokowski au fost criticați pentru astfel de intruziuni), dar multă vreme a rămas dorința de a adapta lucrările. a compozitorilor demult dispăruți la percepția publicului modern: să „romantizeze” lucrările epocii preromantice, să interpreteze muzica secolului al XVIII-lea cu completarea unei orchestre simfonice a secolului al XX-lea... Toate acestea la începutul secolului al XX-lea a provocat o reacție „antiromantică” în cercurile muzicale și aproape muzicale. Un fenomen semnificativ în interpretarea muzicală din a doua jumătate a secolului al XX-lea a fost mișcarea „autentică”. Meritul incontestabil al acestei mișcări, reprezentat de Gustav Leonhardt, Nikolaus Harnoncourt și o serie de alți muzicieni, este stăpânirea trăsăturilor stilistice ale muzicii din secolele XVI-XVIII - acele trăsături pe care dirijorii romantici, într-o măsură mai mare sau mai mică, tindea să neglijeze.
Modernitatea
Întrucât nu toate realizările „autentiștilor” sunt incontestabile, majoritatea dirijorilor moderni, atunci când se îndreaptă către muzica secolului al XVIII-lea (muzica din vremuri mai îndepărtate este rar interpretată de ne-autentiști), caută „mijlocul de aur” al acestora între romantism. și „autenticismul”, imitând adesea metodele de dirijat din acea vreme - controlați orchestra, stând la pian sau cu o vioară în mână.
În zilele noastre, mulți dirijori refuză să folosească bagheta - în general sau în mișcările lente ale lucrărilor (Leopold Stokowski a dirijat fără baghetă în prima jumătate a secolului al XX-lea). Cei care nu refuză, de obicei o țin în mâna dreaptă. Cea mai puternică (prima) bătaie a măsurii este indicată de mișcarea mâinii drepte în jos, cea mai slabă (ultima) - prin mișcarea mâinii drepte în sus, restul (dacă există) sunt împărțite între ele, formând așa- numit grilă metrică. Pe lângă această determinare a tempo-ului și a ritmului, cu mișcări suplimentare ale mâinilor, capului, întregului corp, precum și expresii faciale, dirijorul indică natura interpretării muzicale atât pentru ansamblu în ansamblu, cât și pentru grupurile sale individuale și participanții.
Profesia de dirijor rămâne preponderent masculină, dar în secolul al XX-lea au început să apară și femei dirijori: la începutul secolului, Elfriede Andree a dirijat concerte deschise la Göteborg, Nadia Boulanger și-a făcut debutul ca dirijor în 1912, Jeanne Evrard a condus-o. proprii orchestrei feminine din Paris din oraș..., Sarah Caldwell (prima femeie care a dirijat la Metropolitan Opera) și Veronika Dudarova, care a lucrat cu cele mai mari orchestre din URSS timp de mai bine de 50 de ani, s-au bucurat de faimă.
Note
Legături
Profesia de dirijor este una dintre cele mai rare profesii. Astăzi, sectorul artistic nu atrage atât de mulți tineri, iar specialități precum dirijor și compozitor sunt relativ nerevendicate. Un dirijor este un muzician care conduce un grup de alți muzicieni folosind mișcările mâinilor, degetelor și capului. Dirijorul este implicat și în selecția repertoriului, este primul care se familiarizează cu partitura și învață noi lucrări muzicale cu membrii ansamblului muzical, oferindu-le propria interpretare a operei în ansamblu.
Profesia de dirijor este considerată exclusivă, fragmentată, deoarece experții spun că este aproape imposibil să o predați. Trebuie să te naști pentru a fi dirijor; mulți oameni merg la această meserie de mulți ani. Sarcina principală a dirijorului este de a captiva muzicienii cu o piesă muzicală și de a-i conduce. O orchestră este o echipă, al cărei lider este dirijorul, care poartă toată responsabilitatea pentru activitățile orchestrei, greșeli și eșecuri și realizări.
Printre calitățile personale pe care trebuie să le aibă un dirijor se numără: excelenta memorie muzicala, prezența simțului ritmului și a urechii pentru muzică, bună coordonare, perseverență, fluență motrică (bună mobilitate a degetelor), determinare, răbdare, abilități creative (flexibilitatea gândirii, tendința de a improviza), imaginație dezvoltată, abilități pedagogice, voință puternică .
De regulă, dirijorii „gata pregătiți” nu provin din instituțiile de învățământ muzical superior. Fără îndoială, educația este foarte importantă, dar numai dacă o persoană are inițial anumite abilități muzicale. Experiența este, de asemenea, importantă - destul de des oamenii devin dirijori după câțiva ani de muncă ca acompaniști, muzicieni în orchestre etc.
Pentru a deveni dirijor, un muzician trebuie să cunoască bazele teoretice ale înregistrării și lecturii lucrărilor corale, să studieze nu numai studii corale, ci și pedagogie, psihologie și sociologie. Dirijorul trebuie să aibă un repertoriu muzical extins și anumite cunoștințe în domeniul compoziției.
Un dirijor poate lucra în orice cor sau orchestră profesională, cu orice număr de muzicieni. De regulă, creșterea carierei unui muzician constă în trecerea la orchestre mai serioase (atât ca compoziție, cât și ca nivel de profesionalism al participanților), la diferite teatre, săli de muzică, societăți filarmonice etc. Un dirijor bun poate călători cu o orchestră în toată lumea, cântând în diverse orașe în diferite săli ale Filarmonicii. Dirijorul poate lucra atât cu repertoriul clasic, cât și cu cel modern.
În plus, orice dirijor are dreptul și are toate cunoștințele și abilitățile necesare pentru a preda. Poate preda la o școală de muzică publică sau privată sau la alte instituții de învățământ în care arta muzicală face parte din disciplinele studiate. O selecție atât de mare de domenii de activitate face posibilă afirmarea că dirijorul este o profesie care va oferi o oportunitate de a construi o carieră de succes și de a oferi un nivel ridicat de venit.
„Un dirijor poate fi comparat cu doi oameni deodată: în primul rând, cu un regizor într-un teatru de teatru și, în al doilea rând, cu un controlor de trafic. Funcția tehnică a dirijorului este de a coordona diferitele grupuri din orchestră. O orchestră simfonică poate avea între 60 și 120 de persoane, ceea ce o face o adunare aglomerată. Pe scenă, toți acești oameni stau în așa fel încât adesea să nu se vadă sau să se audă. Să zicem că printr-un perete sonor care desparte primele viori, așezate la marginea din față, și trombonele din spate, în colțul din dreapta, pur și simplu nu își dau seama că alții cântă. Dacă membrii orchestrei se împrăștie, va fi o catastrofă, va începe o cacofonie.
Pentru a preveni acest lucru, un dirijor este exact ceea ce este necesar - astfel încât muzicienii să fie coordonați între ei, astfel încât să cânte armonios, în același tempo și dispoziție, așa cum se spune, „respiră împreună”. În plus, la toate acestea, dirijorul trebuie să arate în prealabil introducerea anumitor instrumente. Desigur, muzicienii înșiși știu să numere pauzele, pot număra 25 de batai și pot începe din nou, dar uneori numărul de batai dintr-o pauză este măsurat în sute, iar uneori unele instrumente au doar câteva note într-o piesă și între ei sunt minute de liniște deplină. Dirijorul trebuie să cunoască exact partitura și să indice muzicienilor momentul intrării. Funcția dirijorului în această formă nu a existat întotdeauna, doar de la începutul secolului al XIX-lea. Înainte de aceasta, desigur, a existat o primă persoană în orchestră, dar era fie primul violonist, fie persoana din spatele clavecinului - adesea compozitorul însuși își conducea propria lucrare. Dar orchestrele din vremea barocului erau mai mici, mult mai ușor de gestionat și erau mai puține instrumente - și nu doar în număr. În secolul al XVIII-lea, orchestra avea mult mai puține varietăți de instrumente de suflat și percuție decât în orchestra romantică din vremurile lui Ceaikovski și Wagner.
Claudio Abbado dirigând Prima Simfonie a lui Gustav Mahler
Dar nu trebuie să uităm de a doua funcție creativă a dirijorului. În general, dacă numești orice dirijor controlor de trafic în față, va fi ca o palmă în față, iar membrii orchestrei numesc dirijori răi exact așa, adică știu doar să arate tempo-ul și grila ritmică - și nimic. Mai mult. Un dirijor bun se aseamănă cu un regizor bun într-un teatru: este o persoană care construiește forma spectacolului, stabilește ritmul, ritmul, starea de spirit și conturează personajele personajelor - în acest caz, diferitele instrumente ale spectacolului. Orchestra simfonica. Și cel mai important, el creează o interpretare a lucrării care îi este încredințată.
Dirijorii, ca și muzicienii de alte specialități, învață la conservator - dar se consideră că aceasta este o profesie legată de vârstă. Se spune că 40-50 de ani este tinerețe pentru un dirijor; maturitatea vine mai târziu. La conservator se lucrează la tehnica dirijorală, pentru a se asigura că mișcările mâinilor și ale corpului sunt cât mai clare, precise și clare posibil. Acesta este un fel de chiromanție, sau, mai primitiv, traducere în limbajul semnelor: trebuie, fără să rostiți un cuvânt, să vă explicați muzicienilor intențiile - tempo, nuanțe, dinamică, natura frazei muzicale, trăsături ale echilibrului textura orchestrală, care grupuri de instrumente sunt mai importante în acest moment, care - mai puțin. Aceasta este o metodă non-verbală de comunicare prin gesturi, care se realizează nu numai cu mâinile, ci și cu întregul corp. Unii dirijori deosebit de colorați chiar dansează la consolă, dar asta nu înseamnă nimic – uneori astfel de mișcări active ale corpului sunt absolut inutile, dirijorii buni se limitează adesea la gesturi foarte economice – iar sunetul orchestrei poate să semene cu o erupție vulcanică.
Leonard Bernstein conduce Simfonia a șasea a lui Beethoven
O orchestră simfonică nu este o mașină, iar o partitură nu este o instrucțiune exactă de utilizare; nu toate instrucțiunile care există sunt exact aplicabile muzicii. Da, desigur, există indicii de tempo, lovituri, detalii de articulare și frazare, dar acesta este mai degrabă un ghid de acțiune, nu un scop, ci un mijloc de a-l atinge. Să spunem, tempo-ul unui adagio, încet - acesta singur are propriile sale gradații și modificări, iar pentru fiecare dirijor timpul din adagio pulsează diferit - acesta este spațiul de interpretare. Textul autorului nu este perceput ca un dat imuabil. Acesta este punctul de plecare al dirijorului pentru a-și crea propria lectură și viziune: la fel cum o piesă de Cehov, Goethe sau Ibsen este punctul de plecare pentru regizor. Numai în muzica clasică, academică, există o regulă de neclintit: textul autorului este dat fără modificări constructive. Nu puteți schimba instrumentația, schimba părți ale simfoniei, schimba radical tempo-ul, schimba personajul la opus. Creați o interpretare în limitele date de compozitor. Regizorii dintr-un teatru de teatru sunt mai liberi: fac ce vor cu piesa - pentru ei, textul autorului este ipsos din care pot modela ceea ce vor. Dirijorii se ocupă de o operă de artă finalizată; sarcina lor este să îi ofere o nouă perspectivă, un nou sunet și propria lor intonație individuală. Este mai dificil, dar este și mai interesant.”
