Băieți, ne punem suflet în site. Mulțumesc pentru
că descoperi această frumusețe. Mulțumesc pentru inspirație și pielea de găină.
Alăturați-vă nouă la Facebookși In contact cu
Artiștii europeni au început să folosească vopseaua în ulei în secolul al XV-lea, iar de atunci, cu ajutorul ei au fost create cele mai faimoase picturi din toate timpurile. Dar chiar și în zilele noastre high-tech, uleiul își păstrează în continuare farmecul și misterul, iar artiștii continuă să inventeze noi tehnici, rupând modelele în bucăți și împingând granițele artei contemporane.
site-ul a ales lucrări care ne-au încântat și ne-au făcut să ne amintim că frumusețea se poate naște în orice epocă.
Deținătoarea unei abilități incredibile, artista poloneză Justyna Kopania, în lucrările ei expresive de măturat, a reușit să păstreze transparența ceții, ușurința velei și legănarea lină a navei pe valuri.
Picturile ei sunt izbitoare prin profunzime, volum, saturație, iar textura este de așa natură încât este imposibil să-ți iei ochii de la ele.
Artist primitiv din Minsk Valentin Gubarev nu urmărește faima și face doar ceea ce iubește. Opera sa este nebun de populară în străinătate, dar aproape necunoscută compatrioților săi. La mijlocul anilor '90, francezul s-a îndrăgostit de schițele sale de zi cu zi și a semnat un contract cu artistul pentru 16 ani. Pozele, care, s-ar părea, ar trebui să fie de înțeles doar pentru noi, purtătorii „farmecului modest al socialismului nedezvoltat”, au fost pe placul publicului european, iar expozițiile au început în Elveția, Germania, Marea Britanie și alte țări.
Sergey Marshennikov are 41 de ani. Locuiește la Sankt Petersburg și creează în cele mai bune tradiții ale școlii clasice rusești de portrete realiste. Eroinele pânzelor sale sunt femei blânde și lipsite de apărare în semi-god. Multe dintre cele mai faimoase picturi o înfățișează pe muza și soția artistului, Natalya.
În epoca modernă a imaginilor de înaltă rezoluție și în perioada de glorie a hiperrealismului, opera lui Philip Barlow atrage imediat atenția. Se cere însă un anumit efort din partea privitorului pentru a se forța să privească siluetele neclare și petele luminoase de pe pânzele autorului. Probabil, așa văd oamenii cu miopie lumea fără ochelari și lentile de contact.
Tabloul lui Laurent Parcelier este o lume minunată în care nu există nici tristețe, nici deznădejde. Nu vei găsi poze sumbre și ploioase cu el. Pe pânzele sale există multă lumină, aer și culori strălucitoare, pe care artistul le aplică cu mișcări caracteristice, recunoscute. Acest lucru creează senzația că picturile sunt țesute din o mie de raze de soare.
Artistul american Jeremy Mann pictează portrete dinamice ale unei metropole moderne în ulei pe panouri de lemn. „Forme abstracte, linii, contrastul de pete luminoase și întunecate - totul creează o imagine care evocă sentimentul pe care o trăiește o persoană în mulțimea și agitația orașului, dar poate exprima și liniștea pe care o găsește atunci când contemplează frumusețea liniștită”, spune artistul.
În picturile artistului britanic Neil Simone, totul nu este ceea ce pare la prima vedere. „Pentru mine, lumea din jurul meu este o serie de forme, umbre și limite fragile și în continuă schimbare”, spune Simon. Și în picturile sale, totul este cu adevărat iluzoriu și interconectat. Granițele sunt spălate, iar parcelele se curg unele în altele.
Artistul american contemporan de origine italiană Joseph Lorasso (
Peisajul este considerat unul dintre cele mai solicitate și foarte populare genuri. Peisajele petroliere sunt de mare interes atât pentru privitorii obișnuiți, cât și pentru colecționarii profesioniști. Peisajele cu uleiuri frumoase au o proprietate pronunțată și chiar o anumită capacitate de a crea o atmosferă armonioasă și confortabilă în casă. Aparent, alături de alte circumstanțe și nuanțe, acest factor joacă un rol foarte important în dragostea pentru picturile în ulei.
Peisajul exprimă atitudinea artistului, străduindu-se din toată puterea să surprindă natura doar într-unul dintre momentele ei. Artiști demni și talentați o pot face. Luați, de exemplu, artistul din Sankt Petersburg Dmitri Kustanovich și al lui, executat în cele mai bune tradiții ale impresionismului modern, sau peisaje ale naturii ulei Artistul chinez Hong Leung, a cărui lucrare o vom analiza puțin mai târziu în acest articol.
Se spune că simplitatea este perfecțiunea. Acest postulat este bine aplicabil celei mai complexe forme de artă - pictura în ulei. La urma urmei, un artist nu trebuie doar să picteze pânza cu talent și libertate, ci, mai presus de toate, să vadă în obișnuit și simplu întreaga esență, al cărei nume este frumusețea. Tehnica picturii în ulei cu o utilizare pricepută, transmite minunat bogăția de culoare și varietatea formelor. Peisajele în ulei oferă privitorului toată frumusețea civilizației noastre. Costul unor astfel de lucrări este neprețuit, dar dacă este realist, ele sunt adesea achiziționate de colecționari pentru sume substanțiale.
Dacă te uiți la artă și creativitate în general, atunci logic, ce este? Ce ?! Sunt doar anumite bulgări de lichid vâscos împrăștiate pe o pânză plată, da. Dar, trebuie să recunoașteți, această definiție este complet nepotrivită, este primitivă și stupidă, pentru că contemplând creații artistice simțim mișcare în suflet, trăim emoții și dacă avem în față o capodopera, atunci plângem și ne bucurăm de în același timp, fiind într-o stare de emoție interioară sănătoasă, ridicare spirituală. Fără îndoială, toate acestea sunt o filozofie aplicabilă vieții în general, dar totuși am vrut să o trec prin prisma creativității, a peisajelor, pictate în ulei...
Hong Leung este un artist autodidact care realizează peisaje în uleiuri cu o lipsă totală de rame, din cele mai pure culori, cedând libertății în mișcarea pensulei. Se poate spune chiar că peisajele autoarei nu sunt scrise, ci cântate din suflet. Privind la opera unui artist chinez, începi încet să te îneci în abstracție, în profunzimea ei. Încrederea și forța interioară pot fi văzute în picturile sale. Cu siguranță se observă că știe ce face... Fiecare dintre noi are dreptul să-și evalueze gradul de nevinovăție.
La vârsta de 19 ani, Hong Leung s-a angajat într-un vis devenit realitate. În fața ochilor lui a văzut vârful și nimic altceva. Visul i s-a împlinit, a devenit artist profesionist, unul dintre cei mai de seamă neoimpresionişti.
Deja în primele etape ale carierei sale artistice, talentul tânărului a fost recunoscut de mulți colecționari și critici din Hong Kong. Deși era un artist autodidact, Hong Leung a fost ales pentru a fi membru al societăților și școlilor de artă. Încetul cu încetul, peisajele în ulei ale artistului chinez au căpătat recunoaștere universală. Picturile artistului au participat la expoziții importante, au fost în Canada, Japonia, Australia, California și alte țări ale lumii.
Hong Leung nu a fost retras de el însuși, ceea ce a servit ca un bun câmp creativ pentru cei doi fii ai săi. Au devenit și artiști demni de continuarea lucrării tatălui lor.
În lumea artei, există un număr imens de lucrări care au șocat întreaga lume și, rupând stereotipurile obișnuite, au lăsat cea mai importantă amprentă din istorie. Creatorii de capodopere ale picturii de renume mondial au lansat un fel de provocare societății, care și-a schimbat ideea despre frumusețe și a împins cadrul stabilit. Întrucât există multe astfel de lucrări revoluționare în istoria artei și este imposibil să le acoperim pe toate, am decis să acordăm atenție celor mai faimoase 10 pânze ale artiștilor din diferite secole.
Mona Lisa (La Gioconda) - Leonardo da Vinci
Mona lisa
Tabloul „Mona Lisa” („La Gioconda”) de Leonardo da Vinci este probabil cea mai faimoasă operă a unui geniu. Această pânză este cu adevărat frumoasă și neprețuită. Se află în Muzeul Luvru. Capodopera a fost creată în 1514-1515. Până de curând, se presupunea că pictura a fost pictată mai devreme - în 1503.
Tabloul o înfățișează pe soția unui negustor de mătase din Florența, Francesco del Gioconda - Lisa Gerardini, așa că la început italienii și apoi francezii au început să numească tabloul „La Gioconda”. Celebrul istoric al secolului al XVI-lea Giorgio Vasari a fost încântat de portret și în cartea sa „Viețile arhitecților, sculptorilor și pictorilor italieni remarcabili” a numit-o o versiune prescurtată a cuvântului madonna („doamna mea”) – Mona Lisa.
În procesul de lucru asupra tabloului, artistul, prin compoziție atentă, gama moale de tonuri și tehnici picturale, a obținut acea armonie, datorită căreia vedem imaginea ca printr-o ceață invizibilă. Această atingere ușoară acoperă detaliile mici, înmoaie liniile și creează o tranziție invizibilă între formă și culoare. Leonardo da Vinci ne-a dat foarte mult imaginației, așa că Gioconda nu încetează să-i uimească pe cunoscătorii de artă de secole, privindu-ne dintr-un portret, parcă în viață.
Poza este foarte greu de descris în cuvinte: cu cât privitorul se uită mai mult la ea, cu atât îl afectează mai mult. El este impregnat de magnetismul ei și începe să simtă acel farmec atrăgător care nu încetează să cucerească oameni din întreaga lume timp de secole.
Piața Neagră - Kazimir Malevici
Tabloul lui Kazimir Malevich „Piața Suprematistului Negru”, pictat în 1915, rămâne una dintre cele mai scandaloase, celebre și discutate lucrări din arta rusă. Această capodopera face parte dintr-o serie de lucrări suprematiste ale artistului, care include și picturile „Cercul Negru” și „Crucea Neagră”. În acest ciclu, Malevich a încercat să exploreze culorile de bază și posibilitățile compoziționale.
Pânza este prezentată sub forma unei pânze mici de 79,5 centimetri lățime și 79,5 centimetri lungime. Fundalul principal al lucrării este alb, în centru există o imagine a unui pătrat mare negru. Potrivit artistului, a lucrat la pânză câteva luni.
Este de remarcat faptul că Malevich nu a venit imediat la pictura picturii. Lucrarea pe decor pentru opera „Victoria asupra Soarelui” a fost un prevestitor al apariției sale. În special, maestrul a decis să înlocuiască una dintre decorațiuni (soarele) cu un pătrat negru. Conform ideii artistului, această tehnică l-ar ajuta să transmită ideea triumfului creativității umane asupra naturii.
Criticii au reacționat ambiguu la această lucrare a lui Malevici. Unii dintre ei chiar au susținut că pictura este o alternativă modernă la icoane, că pânza mărturisește căutarea unei anumite noi religii, a haosului lumii. Potrivit artistului însuși, „Pătratul Negru” este un fel de simbol al vârfului artei și, în același timp, sfârșitul acesteia.
Rămâne incontestabil faptul că pictura înfățișează un abis misterios, care atrage și dă un zbor nesfârșit de fantezie.
Autoportret cu o coroană de spini și o pasăre colibri de Frida Kahlo
Faimosul tablou al artistei mexicane Frida Kahlo „Autoportret cu o coroană de spini și o pasăre colibri” a fost pictat în 1940. Acest autoportret al unei femei geniale exprimă durerea psihică severă pe care a trăit-o după divorțul ei de soțul ei, artistul Diego Rivera. Aceasta durere se transmite sub forma unor spini care ii prinde gatul. Ulterior, după despărțirea de soțul ei, Frida Kahlo a spus: „Au fost două accidente în viața mea”, a spus Frida. - Primul este un tramvai, al doilea este Diego. Al doilea este mai rău.”
Strigătul - Edvard Munch
Pictura Scream a pictorului expresionist norvegian Edvard Munch a fost creată între 1893 și 1910. În primul rând, este izbitoare figura unui bărbat care țipă înfățișată în centrul pânzei. Pe chip, răsucit de groază, privitorul vede o disperare fără margini în pragul nebuniei. Artistul a transmis emoții umane puternice folosind mijloace destul de simple.
Strigătul este un simbol al expresionismului, un fel de preludiu al artei secolului XX. Lucrarea lui Munch este încă una dintre cele mai extraordinare și mai misterioase din pictura mondială. Unii experți chiar sugerează că intriga lucrării este produsul imaginației nesănătoase a unei persoane bolnave mintal.
Publicul o vede și în moduri diferite: cineva o personifică cu un presentiment de catastrofă, cineva crede că autorul a pictat un tablou, inspirat de imaginea unei mumii. Fiecare vede în ea ceva al lui.
Fata cu un cercel de perle - Jan Vermeer
Celebra lucrare a artistului olandez Jan Vermeer „Fata cu cercel de perlă” („Fata într-un turban”) este adesea numită Mona Lisa olandeză. Pictura a fost pictata in jurul anului 1665. Se stie putine despre acest tablou. Există mai multe versiuni despre cine este reprezentat în imagine, dacă autorul a scris-o la comandă și cine a fost clientul. Potrivit unuia dintre ei, Vermeer și-a capturat fiica Maria pe pânză.
Cu siguranță, aceasta este o meserie neobișnuită, cu o dinamică unică. Artista a transmis în lucrare momentul în care modelul întoarce capul și se uită la cel pe care tocmai l-a observat. Autorul a atras atenția privitorului asupra cercelului de perle din urechea fetei. Maestrul a reușit să transmită legătura dintre tânără și artistă. Silueta ei duce o viață separată, iar capul ei privește în altă parte.
Autoportret cu ureche și țeavă tăiate - Vincent Van Gogh
Artistul olandez și francez Vincent van Gogh și-a pictat faimosul Autoportret cu ureche și pipă tăiate în 1889, în timp ce se afla în Arles. Artistul a suferit de boli mintale din cauza percepției sale sporite asupra realității și a dezechilibrului mental.
Portretul a fost pictat după ce, într-un acces de frenezie, Van Gogh și-a tăiat lobul urechii după o ceartă cu Gauguin pe baza diferențelor creative. Mai întâi, Van Gogh a aruncat un pahar în capul artistului, apoi s-a repezit asupra lui cu un brici. Chiar în acea seară s-a mutilat.
După ce am examinat imaginea, vom observa că fundalul este împărțit în două părți egale: zona inferioară este roșie, cea superioară este portocalie cu stropi galbeni. Autorul s-a portretizat cu trăsături distorsionate și cu o privire pierdută.
Cina cea de Taină - Salvador Dali
Celebrul maestru al suprarealismului Salvador Dali și-a creat „Cina cea de Taină” în 1955. Pictura se află la Galeria Națională din Washington. Artistul a pictat această lucrare folosind o tehnică complexă folosind materiale fotografice. Tabloul înfățișează un complot tradițional, transmis din punct de vedere al futurismului.
Dali l-a înfățișat pe Isus Hristos și pe urmașii săi adunați la o masă. Lucrarea ecou și contrastează puternic cu faimoasa pictură a lui Leonardo da Vinci. Cu toate acestea, pe pânza lui Dali, decorul și personajele sunt diferite, descrise cu minimalism și autenticitate.
Imaginea transmite un fel de mesaj moral privitorului. Piesa este plină de lumină și lejeritate. De la ferestrele înfățișate pe el, vedem un peisaj incredibil de frumos, cu cer albastru senin și lanțuri muntoase argintii.
Olympia - Edouard Manet
Olympia - Edouard Manet
Tabloul „Olympia” a fost pictat de impresionistul francez Edouard Manet în 1863. Ocupă pe bună dreptate locul de mândrie alături de alte capodopere ale picturii mondiale.
Cu toate acestea, în 1865, la Salonul de la Paris, a avut loc un scandal asupra acestei lucrări. Cert este că înainte de Manet, femeile goale erau înfățișate în picturi ca un standard al frumuseții spirituale. Și această lucrare a lui Manet a fost recunoscută ca fiind urâtă și depravată din punct de vedere fizic. Din motive de moralitate, artiștilor li se permitea să înfățișeze goale doar eroinele miturilor antice, figuri istorice sau biblice. În timp ce impresionistul a încălcat această regulă.
Olympia lui era considerată un reprezentant al „meseriei antice” care tocmai primise un buchet de la iubitul ei. Societatea în sine nu a acceptat numele picturii, deoarece acest nume a fost dat femeilor corupte, iar artistul a căzut ridicol ofensator.
Dora Maar cu o pisică - Pablo Picasso
Dora Maar cu o pisică
Unul dintre cele mai scumpe tablouri din lume – „Dora Maar with a Cat” de Pablo Picasso – a fost pictat de artist în 1941. O înfățișează pe iubita artistului Dora Maar, stând pe un scaun cu o pisică mică pe umăr.
În aproape toate picturile lui Picasso, Dora arată înfiorător, asta datorită faptului că au fost scrise într-o perioadă dificilă a relației lor. În plus, războiul mondial și-a pus amprenta asupra vieții și operei maestrului spaniol. Relația dintre Dora Maar și Pablo Picasso nu a fost deloc romantică, ci mai degrabă, a fost o unire a două personalități creative.
În Dora Maar with a Cat, artista a subliniat claritatea unghiilor prin imaginea unei pisici negre.
Unu: Numărul 31 - Jackson Pollock
La sfârșitul anilor 1940, artistul american Jackson Pollock a inventat o nouă tehnică în pictură - a pictat pe pânze mari pe podea. Picturile sale au fost create prin stropire cu vopsea din pensule, nu a atins pânza cu ele.
În picturile sale, a folosit bețișoare, linguri, cuțite și vopsea turnată, sau a amestecat vopsea cu nisip, sticlă spartă.
În lume sau cine este cel mai remarcabil artist din univers, poți la infinit. În astfel de chestiuni, este dificil să se realizeze o evaluare obiectivă. La urma urmei, fiecare persoană înțelege pictura și îi percepe frumusețea în felul său. Capodoperele unor artiști celebri rămân adânc în memorie și încântă omenirea de secole. Unele dintre ele trec sub ciocan în mâini private, iar altele sunt în muzee de renume mondial. Peisaje frumoase de toamnă, portrete uluitoare și naturi moarte, precum și lucrări în stilul picturii istorice și de gen se scufundă în sufletele a mii de iubitori de artă.
capodopere din secolul al XV-lea
Treimea, pictată de Andrei Rublev în 1425-1427, poate fi numită cel mai frumos tablou din lume, nu numai printre lucrările de pictură, ci și printre celebrele icoane rusești. Astăzi, locația sa este Galeria de Stat Tretiakov din Moscova. creat de maestru, arată ca o placă verticală. În timpul domniei țarilor Ivan cel Groaznic, Boris Godunov și Mihail Fedorovich, pictura a fost căptușită cu pietre prețioase, aur și argint.
Tabloul într-o formă artistică perfectă, fără a încălca conceptele teologice, înfățișează trei îngeri, simbolizând armonia și unitatea. Splendoarea lor, așezarea compozițională și farmecul veșmintelor creează frumusețea generală a icoanei.
Tabloul „Nașterea lui Venus”, pictat de Sandro Botticelli în 1486, poate fi considerat pe bună dreptate o capodopera a Renașterii. Înfățișează mitul nașterii Afroditei în toată splendoarea sa, plutind într-o carapace deschisă, condus de o lumină. briză. Vântul de vest Zephyr, împreună cu soția sa Chlorida, suflă pe chiuvetă, formând curenți de aer plini de flori. Una dintre grații o așteaptă pe zeița goală a iubirii pe mal.
Picturi celebre din secolul al XVI-lea
Fresca lui Michelangelo „Crearea lui Adam”, creată în 1511, poate corespunde, de asemenea, conceptului de „cea mai frumoasă pictură din lume”.
Creația este dedicată scenelor din Cartea Genezei și a devenit un simbol al artei vest-europene. Tabloul înfățișează excelentul fizic al lui Adam, care este nemișcat în momentul apropierii lui Dumnezeu, urcând în ceruri și înconjurat de îngeri. Cel Atotputernic se apropie de creația sa pentru a-i insufla viață. Astăzi această lucrare este păstrată la Vatican în Capela Sixtină.
La Dresda în Galeria Vechilor Maeștri se află un tablou „Madona Sixtină”, pictat în 1512 de Raphael Santi. Inițial, se pare că în fundal sunt nori, dar, privind atent, se văd capetele îngerilor. Privitorul are impresia că Madonna coboară din rai la el, privindu-i drept în ochi. Cei doi îngerișori din partea de jos a imaginii sunt în prezent foarte des înfățișați pe diverse postere și cărți poștale.
Lucrări de Leonardo da Vinci
Picturile celebrilor artiști Vincent Van Gogh, Salvador Dali, Pablo Picasso, Paul Cézanne, Peter Paul Rubens și Leonardo da Vinci pot fi considerate extraordinare prin frumusețea lor, precum și unele dintre cele mai scumpe. Lucrările acestuia din urmă obligă să găsească farmece în orice nu numai cunoscătorii de artă, ci și simpli contemplatori.
Una dintre picturile extraordinare ale lui Da Vinci este considerată „Cina cea de Taină”, pe care a creat-o timp de aproximativ trei ani. În această frescă, figurile lui Hristos și Iuda sunt de o importanță deosebită. Un fapt interesant este că modelul pentru aceste imagini s-a dovedit a fi aceeași persoană. La început, de la un tânăr cântăreț, maestrul a scris Hristos, iar câțiva ani mai târziu, un bărbat îmbătrânit de beție a servit drept model pentru imaginea lui Iuda.
Milioane de oameni admiră zilnic capodopera „Mona Lisa”, aceasta fiind depozitată la Paris, în Luvru. Zâmbetul misterios al doamnei Gioconda, cu care a fost pictat portretul în 1503, nu încetează să fascineze privitorul astăzi.
Pânze de Caravaggio
Nu se poate ignora lucrările artistului italian Michelangelo Merisi da Caravaggio. Tablourile maestrului arată bucuriile vieții și bucuria fructelor date omului de natură. Acestea sunt „Tânărul cu coș cu fructe” și „Tânărul cu șopârlă” și „Lăutător” și „Maria Magdalena”.
Artista a pictat și scene de violență și cruzime. În anii 1595-1956, a realizat tablouri înfățișând o adevărată barbarie. Acestea sunt lucrări precum „Judith și Holofernes”.
Titlul „Cel mai frumos tablou din lume” merită și un tablou numit „Schimbarea la Față a Sfântului Pavel”, scris în grabă. Artistul nu a folosit schițe și și-a transferat imediat toată inspirația pe pânză. Creatorul capodoperelor mondiale a reușit să creeze în picturi o iluminare specială, nenaturală, care a ajutat să confere picturii un efect dramatic.
Frumos peisaj de toamnă
Fenomenele naturale, reflectate de artiști în lucrările lor, oferă privitorului un sentiment aparte de admirație. Pajiști înflorite, câmpuri de iarnă albe ca zăpada, munți maiestuoși, curcubee colorate, apusuri de soare vă permit să vă bucurați de frumusețea naturală. Pânzele artistului japonez cunoscut sub numele de Pan Mossi sunt fascinante cu o revoltă de culori de toamnă.
Peisaje cu frunze care cad și copaci galbeni au fost, de asemenea, pictate de creatorul australian Graham Gerken. „Rusia este starea peisajelor” - aceasta a fost opinia multor artiști ruși. Tipuri de natură de toamnă au fost descrise pe pânze de pictori precum Ivan Shishkin și Ivan Aivazovsky, Isaac Levitan și multe dintre lucrările lor ar putea revendica titlul de „Cea mai frumoasă pictură din lume”.
