Apelul la folclorul muzical rus, precum și un studiu detaliat al partiturii de operă ale lui Glinka în procesul de pregătire a acestora pentru publicare, l-au ajutat pe compozitor să depășească speculativitatea unora dintre compozițiile sale, care au apărut ca urmare a unor studii intensive în tehnica compoziției. Două opere scrise după Maid of Pskov (1872) - Noaptea de mai (1879) și The Snow Maiden (1881) - au întruchipat dragostea lui Rimski-Korsakov pentru ritualurile și cântecul popular și viziunea sa panteistă asupra lumii.
Creativitatea compozitorului anilor '80. reprezentate în principal de lucrări simfonice: „Povestea” (1880), Sinfonietta (1885) și Concertul pentru pian (1883), precum și celebrele „Capriccio spaniol” (1887) și „Scheherazade” (1888). În același timp, Rimsky-Korsakov a lucrat în Corul Curții. Dar el își dedică cea mai mare parte a timpului și energiei pregătirii pentru spectacolul și publicarea operelor răposaților săi prieteni - Khovanshchina a lui Mussorgsky și Prințul Igor al lui Borodin. Este probabil că această muncă intensă pe partituri de operă a dus la faptul că opera lui Rimski-Korsakov s-a dezvoltat în acești ani în sfera simfonică.
Compozitorul a revenit la operă abia în 1889, creând feerica Mlada (1889-90). De la mijlocul anilor 90. unul după altul este urmat de „Noaptea de dinainte de Crăciun” (1895), „Sadko” (1896), prologul „Femeia Pskovite” – „Boierul Vera Sheloga” în un act și „Mireasa țarului” (ambele - 1898). În anii 1900 Sunt create Povestea țarului Saltan (1900), Servilia (1901), Guvernatorul Pan (1903), Povestea orașului invizibil Kitezh (1904) și Cocoșul de aur (1907).
De-a lungul vieții sale creative, compozitorul a apelat și la versuri vocale. În 79 dintre romanele sale sunt prezentate poezia lui A. Pușkin, M. Lermontov, A. K. Tolstoi, L. May, A. Fet și de la autori străini J. Byron și G. Heine.
Conținutul operei lui Rimski-Korsakov este divers: a dezvăluit, de asemenea, tema istorică populară („Femeia din Pskov”, „Legenda orașului invizibil Kitezh”), sfera versurilor („Mireasa țarului”, „ Servilia”) și drama cotidiană („Pan Voyevoda”), reflectau imaginile Orientului („Antar”, „Sheherazade”), întruchipează trăsăturile altor culturi muzicale („Fantezia sârbă”, „Capriccio spaniol” etc.) . Dar mai caracteristice pentru Rimsky-Korsakov sunt fantezia, fabulozitatea, conexiunile diverse cu arta populară.
Compozitorul a creat o întreagă galerie de imagini feminine unice prin farmecul său, pure, blânde lirice - atât reale, cât și fantastice (Pannochka în „Noaptea de mai”, Snegurochka, Marfa în „Mireasa țarului”, Fevronia în „Povestea orașului invizibil”. din Kitezh") , imagini ale cântăreților populari (Lel în „The Snow Maiden”, Nezhata în „Sadko”).
Format în anii 1860. compozitorul a rămas fidel idealurilor sociale progresiste toată viața. În ajunul primei revoluții ruse din 1905 și în perioada de reacție care a urmat acesteia, Rimski-Korsakov a scris operele Kașchei Nemuritorul (1902) și Cocoșul de aur, care au fost percepute ca o denunțare a stagnării politice care domnea în Rusia.
Calea creativă a compozitorului a durat mai bine de 40 de ani. Intrând în ea ca un succesor al tradițiilor lui Glinka, el și în secolul XX. reprezintă în mod adecvat arta rusă în cultura muzicală mondială. Activitățile creative și muzicale-publice ale lui Rimski-Korsakov sunt multifațete: compozitor și dirijor, autor de lucrări teoretice și recenzii, editor de lucrări de Dargomyzhsky, Mussorgsky și Borodin, a avut o influență puternică asupra dezvoltării muzicii ruse.
Peste 37 de ani de predare la conservator, a predat peste 200 de compozitori: A. Glazunov, A. Lyadov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. Stravinsky, N. Cherepnin, A. Grechaninov, N. Myaskovsky, S. Prokofiev și alții Dezvoltarea temelor orientale de către Rimski-Korsakov („Antar”, „Sheherazade”, „Cocoșul de aur”) a fost de o importanță inestimabilă pentru dezvoltarea culturilor muzicale naționale din Transcaucazia și Asia Centrală și diverse peisaje marine ( „Sadko”, „Sheherazade”, „Povestea țarului Saltan”, ciclul de romane „Lângă mare”, etc.) au determinat foarte mult în pictura sonoră în aer liber a francezului C. Debussy și italianului O. Respighi.
Subiect: PE. Rimski-Korsakov. Creativitate simfonică.
Suita „Sheherazade”.
Acesta este un domeniu vast și important în moștenirea sa, în principal până în anii 90. În ceea ce privește conținutul și stilul muzical, opera simfonică are multe paralele cu opera (Sadko). Aici au fost găsite tehnici dramatice și mijloace expresive, care vor fi implementate ulterior.
Creativitatea simfonică se distinge prin diversitatea genurilor. Acest lucru este determinat de versatilitatea intereselor și bogăția de tipuri și forme de muzică simfonică rusă din a doua jumătate a secolului al XIX-lea. Acestea sunt cicluri de program și non-program; Sinfonietta, tablouri simfonice, uverturi, fantezie, concert instrumental, muzică pentru teatru („Pskovityanka”). Rimski-Korsakov a dezvoltat tradițiile simfonismului de gen popular al lui Glinka și Balakirev. Stilul simfonic al compozitorului s-a format și sub influența maeștrilor școlii simfonice din Europa de Vest - Berlioz și Liszt. Cu Berlioz, este legat de dorința de intriga, de teatralitate; cu Liszt – principiul monotematismului.
Rimski-Korsakov este succesorul direct al lui Glinka în principiile scrisului orchestral: - echilibrul perfect al elementelor de textură;
Transparența și ușurința țesăturii orchestrale;
Stralucire, suculenta, plenitudine de sunet.
Compoziția orchestrei este dublă și triplă. Instrumentele de percuție se folosesc în funcție de nevoia artistică. Interpretarea posibilităților coloristice ale instrumentelor, aprobată de Rimski-Korsakov, a fost numită virtuoz-coloristică, în contrast cu cea expresivă a lui Ceaikovski.
Suita simfonică „Scheherazade” (1888) este încoronarea operei simfonice a lui Rimski-Korsakov. Aici trăsăturile simfonismului programului european au fost reflectate într-un mod deosebit; principiile monotematismului, leitmotivității și metodele de dezvoltare variațională au fuzionat. Fiecare parte a suitei este scrisă într-o formă mare, care sintetizează trăsăturile sonatei și poeziei, variații și rondalitate, conexiuni arcuite și laitmotive. Toate cele 4 părți sunt unite prin teme și transformarea imaginilor.
Partea 1 - "Marea" - scrisă sub formă de sonată fără dezvoltare. În introducere, sunt 2 laitmotive: tema lui Shahriyar (îngrozitor, războinic) și Scheherazade (grațios, ornamental, solo de vioară). Petrecerea principală este tema mării, intonație construită pe tema regelui Shakhriyar; o parte laterală este tema navei lui Sinbad.
Partea 2 - „Povestea Prințului Calendr” - se deschide cu tema Șeherazadei. Partea 2 este scrisă într-o formă complexă de 3 părți, secțiunile sale extreme sunt variații pe tema Calendra, mijlocul este un marș scherzo oriental fantastic. Tema negrabită și calmă a Calendrei la solo de fagot.
Partea 3 - „Țareviciul și prințesa” - a fost scrisă sub formă de sonată fără detalii. Tema țareviciului este moale, calmă, lirică, pentru suflat; tema prințesei este cochetă, jucăușă, pentru coarde.
Partea 4 - „Vărbătoarea la Bagdad” - o finală monumentală de gen popular sub formă de rondo, care unește materialul tematic al părților anterioare. Tema lezginka trece prin întreaga parte - un refren. Temele lui Shahriyar, Sheherazade, marea, prințesa, prințul, Calendr sună aici. Suita se încheie cu tema Șeherazadei.
3 instrumentisti de curs
PE. român-Opera Korsakov.
Operele lui Rimski-Korsakov sunt foarte diferite prin conținut și aspect artistic, prin formele și dramaturgia muzicală. Are opere istorice, de basm, lirico-dramatice, lirico-comedie, satirice, lirico-psihologice. Pânze monumentale de operă și opere de cameră într-un act. Cea mai mare parte este scrisă în subiecte rusești. Compozitorul a subliniat legătura dintre operele sale cu genurile de artă populară în subtitrări caracteristice:
- „Povestea de primăvară” („Crăiasa zăpezii”)
- „basm de toamnă” („Kashchei Nemuritorul”)
- „opera de colinde” („Noaptea dinainte de Crăciun”)
- „operă epică” („Sadko”)
Principiul principal al poeticii operistice a lui Rimski-Korsakov este împărțirea a ceea ce se întâmplă în două lumi:
Viața și fantezia;
uman și natural;
Binele și răul, lumina și întunericul;
Păgânismul și creștinismul.
Tendinţa generală spre orientarea filosofică a imaginilor. Un loc special este acordat scenelor rituale, rituale. O finală în două etape este adesea folosită: un deznodământ pentru unul sau mai mulți eroi și o codă generalizantă.
În orchestră, Rimski-Korsakov se manifestă în primul rând ca simfonist. Multe opere au sisteme laitmotiv. Orchestra este deosebit de colorată în episoade fantastice, imagini ale naturii, în principal datorită utilizării unor moduri și armonii neobișnuite: moduri crescute, reduse, scară de ton întreg, scară de ton-semiton. În alte cazuri, muzica are un caracter național.
La caracterizarea eroilor se folosesc atât arii de portret, cât și ansambluri de dezvoltare prin dezvoltare. În voce - stil ariose, compozitorul folosește recitative rar. O atenție deosebită este acordată opoziției imaginilor feminine: Snow Maiden - Kupava, Marfa - Lyubasha, Volkhova - Lyubava. Primele au coloratură, părți complexe, iar cele din urmă au melodii de cântec cu caracter popular.
3 instrumentisti de curs
Subiect: PE. Rimski-Korsakov. Opera „Crăiasa Zăpezii”.
Opera lui Rimski-Korsakov a suferit modificări de-a lungul a mulți ani de activitate (peste 40 de ani), reflectând nevoile vremii, atât viziunile estetice ale compozitorului, cât și stilul său au evoluat. Rimsky-Korsakov s-a format ca muzician în atmosfera ascensiunii publice din anii 1960. sub influența principiilor estetice ale „Noii Școli muzicale rusești”. Cea mai importantă dintre ele - dorința de naționalitate, conținut ridicat, semnificația socială a artei - compozitorul a dus-o de-a lungul întregii sale vieți. În același timp, era mai interesat de problemele interne specifice ale artei decât alți membri ai cercului Balakirev. Rimsky-Korsakov se caracterizează prin identificarea principiului estetic în fiecare compoziție, dorința de frumos, perfecțiunea execuției. De aici o atenție deosebită acordată problemelor profesionalismului și esteticii deosebite a măiestriei, care a adus principiile lui Rimsky-Korsakov mai aproape de tendințele generale în dezvoltarea artei rusești de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. În apariția creativă a lui Rimski -Korsakov, sunt multe asemănări cu M. I. Glinka. În primul rând - armonia viziunii asupra lumii, echilibrul interior, arta subtilă, gust impecabil, simțul proporției artistice, claritatea clasică a gândirii muzicale.
Gama de teme și intrigi întruchipate de Rimsky-Korsakov este largă și variată. La fel ca toți „kuciștii”, compozitorul s-a orientat către istoria rusă, imagini ale vieții populare, imagini ale Orientului, a atins și zona dramei cotidiene și sfera lirică și psihologică. Dar cu cea mai mare completitudine, talentul lui Rimski-Korsakov a fost dezvăluit în lucrări legate de lumea fanteziei și diverse forme de artă populară rusă. Un basm, o legendă, o epopee, un mit, un ritual determină nu numai subiectul, ci și sensul ideologic al majorității operelor sale. Dezvăluind tonurile filozofice ale genurilor folclorice, Rimsky-Korsakov dezvăluie viziunea asupra lumii a oamenilor: visul lor etern de o viață mai bună, de fericire, întruchipat în imaginile țărilor și orașelor luminoase de basm Kitezh); idealurile sale morale și estetice, care sunt întruchipate, pe de o parte, de eroinele captivant de pure și blânde ale operelor (Prițesa din Kashchei Nemuritorul, Fevronia), pe de altă parte, de cântăreții legendari (Lel, Sadko), aceste simboluri ale artei populare care nu se estompează; admirația lui pentru puterea dătătoare de viață și frumusețea veșnică a naturii; în cele din urmă, credința indestructibilă a oamenilor în triumful forțelor luminii, dreptății și bunătății - sursa optimismului inerentă lucrării lui Rimski-Korsakov.
Atitudinea lui Rimski-Korsakov față de cel reprezentat este, de asemenea, asemănătoare cu arta populară. Potrivit lui B.V. Asafiev, „...între empatia personală a compozitorului și obiectul operei sale există un mediastin minunat: cum gândesc oamenii despre asta și cum și-ar întruchipa oamenii gândul despre asta?” Această detașare a poziției autorului a determinat obiectivitatea tonului caracteristică lui Rimski-Korsakov și predominarea principiilor epice ale dramaturgiei în majoritatea operelor sale. De aceasta se leagă și trăsăturile specifice ale versurilor sale, mereu sincere și în același timp lipsite de tensiune emoțională - calm, întreg și oarecum contemplativ.
În opera lui Rimski-Korsakov, încrederea în folclorul muzical rus (în principal straturile sale cele mai vechi și în tradițiile clasicilor naționali (Glinka) este combinată organic cu dezvoltarea largă a tendințelor picturale și coloristice ale artei romantice, ordinea și echilibrul. a tuturor elementelor limbajului muzical. Compozitorul introduce cântece populare autentice și creează propriile melodii în spiritul cântecelor populare, teme diatonice arhaizate în metri impare complexe sunt deosebit de tipice pentru el, cum ar fi refrenul final din „The Snow Maiden”. pe 11/4.) Intonațiile cântecelor colorează și lirica (în principal operică) -Korsakov a lui Rimski. Dar, spre deosebire de temele populare, se caracterizează mai mult prin completitudine structurală, disecție internă și repetarea periodică a legăturilor motive. Tipic pentru Rimski-Korsakov sunt melodiile mobile, bogat ornamentate, de natură instrumentală, adesea introduse în părțile vocale ale personajelor de operă fantastică (Volhova, Prințesa Lebedelor).
Dezvoltarea materialului tematic de către Rimsky-Korsakov nu duce de obicei la transformări intonaționale radicale. La fel ca toți „kuchkisții”, compozitorul folosește pe scară largă și variat tehnici variaționale, completându-le cu polifonie - mai adesea subvocală, dar adesea imitativă.
Gândirea armonioasă a lui Rimski-Korsakov se distinge prin logică strictă, claritate și un principiu de organizare rațional se simte în ea. Astfel, utilizarea modurilor diatonice naturale, provenite din stilul cântecului țărănesc rus și principiile Balakirev ale prelucrării acestuia, este de obicei combinată în Rimsky-Korsakov cu o simplă armonizare a triadei, folosind acorduri de pași laterali. Contribuția compozitorului la dezvoltarea posibilităților coloristice de armonie este semnificativă. Bazat pe tradițiile lui „Ruslan și Lyudmila”, el a creat până la mijlocul anilor '90. propriul sistem de mijloace armonice (asociat în primul rând cu sfera imaginilor fantastice), care se bazează pe moduri complexe: mărit, în lanț și mai ales redus, cu o scară caracteristică ton-semiton, așa-numita. „Gamma Rimski-Korsakov”.
Tendințele coloristice se manifestă și în orchestrație, pe care Rimski-Korsakov a considerat-o parte integrantă a ideii („una dintre părțile sufletului” ale compoziției). Introduce numeroase solo-uri instrumentale în partituri și, urmând preceptele lui Glinka, preferă sunetul timbrelor pure culorilor groase amestecate. Strălucirea și strălucirea virtuozală a orchestrei sale sunt combinate cu transparența și ușurința texturii, care se distinge prin claritatea impecabilă a vocii.
(Vă avertizez - biletul a fost făcut pentru a-i face pe dragii mei colegi să zâmbească în strălucirea pregătirii pentru examene J și, de asemenea, cu scopul de a-și înțelege clar „ce rost are asta.”
Caracteristici generale.
Aproape întreaga moștenire simfonică a lui R.-K. a fost creat de el înainte de anii 90, o parte din lucrare a fost revizuită ulterior, dar aceasta nu a avut caracter de ediții cardinale. Simfonia I a suferit cea mai semnificativă modificare, în timpul căreia Rimski-Korsakov a lucrat la formă, textura și instrumentație. (Desigur, timpul a trecut și, pe măsură ce bagajul de cunoștințe și abilități s-a îmbogățit, Rimsky a considerat că este necesar să corecteze „erorile” profesionale timpurii chiar acolo, pentru care a fost pichenka!J)
În ceea ce privește imaginile și trăsăturile stilistice, simfonic opera sa este paralelă cu cea a operei. ( Ei bine, este oarecum de înțeles, un compozitor normal probabil că întotdeauna unele cântece le influențează pe altele, orice s-ar spune cineva și, ca rezultat, un fel de mâncare generală)
Genurile operelor simfonice ale lui Rimski sunt mai mult decât evidente: program (pictură muzicală „Sadko”, cunoscutul Antar, Șeherazada) și non-program (simfonii, suite, chiar și o simfonietă (1884), concerte, uverturi, are mai multe „Capriccio spaniol”) Simfonie. (așa e, în viață trebuie să încerci să faci pipi totul: ambele)
Și acum mai detaliat.
Simp. non-program. staniu.
„Uvertură pe teme rusești” (1886) în re major
„Fantezie pe teme sârbeşti” (1867).
Din punct de vedere stilistic, ele sunt foarte apropiate de lucrările lui Balakirev din anii 60. ( Este posibil ca B. să fi fost cel care l-a înhămat pe Rimski să le scrie, mai ales dacă vă amintiți că are și el lucrări de acest gen (uverturi în rusă - 2 piese, și în cehă - 1 bucată), ei bine, Rimski a luat temele pentru aceste uverturi, ghici de unde? - din colecția de folclor a lui Balakirev, prin urmare știm cu toții că primul colecționar de folclor cu publicarea colecțiilor în Rusia este Balakirev.)
Simfonii.
Simfonia I (terminată în 1865) este un exemplu care marchează într-o oarecare măsură nașterea simfoniei ruse (cum a remarcat Cui), dar, desigur, este inferioară simfoniilor timpurii ale lui Teanik și simfoniilor lui Borodin. În general, se simte influența simfonismului lui Glinka. (nu există unde să meargă și asta e mai mult bine decât rău)
Simfonia nr. 3 (1873) Ceaikovski părea să-i placă, dar se pare că kuciștilor nu le-a plăcut prea mult. Și tot de ce - pentru că, spun ei, vezi, li s-a părut o lucrare „academică” și „conservatorie”. Acest lucru este ciudat, pentru că există o mulțime de epopee pe care le iubesc, mai ales în părțile extreme ale ciclului, începând de la introducere până la 1 oră și terminând cu coda finală.
Sinfonietta (1884), de altfel, a fost compusă, oarecum, pe teme populare. („Este ceață pe câmp” - GP din prima parte, „Pera verde se leagănă în grădină” - o temă de 2 ore, iar finalul conține „Soțul meu are un băutor de apă”, „Și frunzele sunt groase pe mesteacăn”). Pe scurt, simfonietta este un gen până la măduvă.
„Capriccio spaniol” (1887) - palidă continuă șirul din „Jota de Aragon” și „Nopți la Madrid” lui Glinkin! Imagini ale vieții populare în cinci părți: Alborada - Variațiuni - Alborada - Scenă și cântec țigănesc - Fandango). Dar Rimski nu a mers în Spania, ca Glinka, ci a rostogolit teme din Colecția de cântece și dansuri a lui José Inseng. Aici. Principiul dezvoltării tematismului, desigur, este variațional. Una peste alta, pare să fie la fel peste tot.
Concert pentru pian (1882) într-o singură mișcare. Este construită pe o temă populară, din nou preluată din colecția lui Balakirev, „Adunați-vă, frați și băieți”.
Formă cu trăsături de sonată și tripartită, variații libere.
Pianistic, aici sunt multe, ca la Balakirev, există și niște maniere pentru trucurile lui Liszt, precum echipamente mari etc.
caracteristici ale simfonismului program R.-K.
Imaginile sunt fabuloase, imagini frumoase cu „Rusianness” sau „Russian East” sau pur și simplu „Est”, dacă se dorește, introducerea acolo a tot felul de începuturi fantastice, ca, de exemplu, cel puțin în „The Tale” (1880) pentru orchestră.
Apare prezentare pitorească, din care metoda de potrivire a imaginilor este de înțeles și, prin urmare suită. Suite și picturi - nu cicluri sonate-simfonice! - aici, sper, nu poți explica mai departe.
Dramaturgia poartă narativ personaj, este clar că în „Sheherazade” – acesta este în general un program: Sh. spune basme. Decizie formativă în acest sens în „Sh.” spiritual: sonate fără r-ki (părțile 1 și 3), variații rondo (partea 4) - unde se pune conflictul? totul aici este obiectiv, frumos și sigur.J
Bine întuneric târziu – Dumnezeu însuși a poruncit, e roman! Cum poți afișa imagini? Iar temele târzii formează aici doar un factor al integrității dezvoltării.
P.S. A ajutat în orice fel a putut. J Nu lovi tare.
Romanii au vrut să fie artăși arhitectură avantaje oamenilor. Ei au planificat cu mult înainte construcția de orașe, poduri, apeducte, băi publice, piețe, clădiri rezidențiale și porturi. La ordinul unui oficial roman, în centrul pieței orașului a fost construită o sculptură, care trebuia să spună viitoarei generații despre măreția Romei Antice. Chiar dacă art Roma anticăîmprumutat de la vechii greci și etrusci și a avut un început artistic în rândul acestor popoare, utilizarea sa practică a fost pur romană.
La sfârşitul anului 600 î.Hr. e. Cei mai influenți oameni din Italia au fost etruscii, care au venit din Asia Mică și s-au stabilit în Toscana, în nordul Romei. Deși etruscii au împrumutat stilul grecesc în artă, au realizat multe și singuri. Ei au dezvoltat un tip foarte realist de sculptură portret și au fost primii care au introdus utilizarea arcadelor de piatră în arhitectura antică.
Arhitectură
Romanii au pus în practică lecțiile etruscilor. Băile și arenele sunt un tribut adus priceperii marilor constructori ai Romei. Folosind arcade, romanii își puteau construi orașele pe suprafețe mari, spre deosebire de greci, care foloseau o bară și o traversă (grinzi susținute de două coloane) în loc de arcade. Arcul ar putea suporta mult mai multă greutate decât bara și bara transversală. Apeductele romane erau adesea construite cu trei niveluri de arcade îngrămădite una peste alta. Iar clădirile lor, numite băile Caracallei, ocupau teritorii vaste.
În secolul I î.Hr e. Romanii au fost primii care au folosit betonul în construcții. Au turnat beton în matrițe, în funcție de ceea ce doreau să construiască: arcade, bolți sau cupole. Utilizarea betonului a permis arhitecților să construiască structuri de proporții enorme. Una dintre aceste structuri gigantice a fost Templul Norocului de la Praeneste, construit de domnitorul Sulla în jurul anului 80 î.Hr. e. În timpul construcției, arhitecții au folosit beton pentru a susține terasa și au construit o clădire care în vremea noastră ar semăna cu un zgârie-nori. Pentru construcția teatrelor în aer liber, grecii foloseau zonele dintre dealuri, folosindu-și versanții ca suport pentru nivelurile de spectatori. Însă inginerii romani au folosit beton pentru a susține cele trei niveluri gigantice ale Colosseumului, stadionul lor principal pentru recreere în masă și spectacol public. La toate cele trei niveluri existau locuri vizuale pentru mai mult de 45 de mii de oameni.
Sculptură
Romanii foloseau sculpturi pentru a-și decora structurile arhitecturale. Pereții clădirilor pentru decorare erau adesea decorați cu coloane și de fapt nu erau un mijloc de susținere a structurii. Multe dintre aceste coloane au fost copiate din coloane ridicate în Grecia. De fapt, multe forme arhitecturale grecești au fost plasate pe fațadele clădirilor Romei Antice doar pentru decorare și nu au avut nicio utilizare practică.
În imaginile zeilor, grecii foloseau ideile de a le da formă și frumusețe. Sculptorii romani au folosit în mare măsură ideile grecilor. Cu toate acestea, romanii și-au arătat priceperea și originalitatea în realizarea portretelor. Ei și-au portretizat împărații, generalii și senatorii cu un grad de realism necunoscut grecilor. Rărirea părului, bărbia dublă, nasul strâmb și alte defecte ale trăsăturilor fizice care disting o persoană de alta pot fi găsite în portretele și picturile romane.
Pictura
În anul 79 d.Hr. e. Erupția muntelui Vezuvius a distrus orașele Pompei, acoperindu-l cu straturi de lavă, care în cele din urmă s-au transformat în roci. Frescele păstrate în aceste roci ne pot spune multe despre pictura romană.
Pictura este de obicei creată ca decor. La Pompei, de exemplu, pe pereții caselor se pictau picturi în frescă (pictură pe tencuială udă). Adesea, astfel de fresce erau folosite pentru a face o cameră să pară mai mare, creând iluzia de adâncime sau peisaje pastorale, în încăperile în care nu existau ferestre.
Coloanele și alte forme de arhitectură au fost adesea pictate în diferite compoziții pentru a adăuga un sentiment de profunzime. Sistemul de imagini cu puncte era cunoscut și folosit în Roma antică. Roșu, negru și alb crem au fost unele dintre cele mai populare și iubite.
pictura romana a atins un grad înalt de naturalism prin înțelegerea de către artiști a perspectivei utilizării luminii și umbrei. Romanii au pictat multe imagini fermecătoare ale naturii, portrete de copii, tineri și femei frumoase. Religia a oferit și inspirație pentru arta Romei antice.
Compozitor rus, profesor, personalitate muzicală și publică, dirijor. În 1859-1960 a luat lecții de la pianistul F. A. Canille. Absolvent al Corpului Naval din Sankt Petersburg, a participat la călătoria cu mașina „Almaz” (1862--65) și a vizitat o serie de țări din Europa, America de Nord și de Sud. În 1861 a devenit membru al cercului Balakirev „Mâna puternică”, care a avut o influență decisivă asupra formării personalității și vederilor estetice ale compozitorului. Sub influența și îndrumarea lui M. A. Balakirev au fost create Simfonia I (1865), Fantezia Sârbă (1867), o serie de romanțe etc. Individualitatea creativă a lui Rimski-Korsakov s-a manifestat în primul rând în lucrări instrumentale de program, printre care se numără: tabloul muzical simfonic „Sadko” (1867), a 2-a simfonie „Antar” (1868). În aceiași ani, s-a orientat către genul operistic, care a devenit mai târziu cel mai important în opera sa (în 1872 s-a finalizat opera The Maid of Pskov, bazată pe o dramă de L. A. Mey). Din anii 70. granițele activității muzicale a lui Rimski-Korsakov s-au extins: a fost profesor la concertele Sf. (din 1874), iar mai târziu spectacole de operă, asistent director al Capelei de cântări a Curții (1883----94), a condus cercul Belyaevsky (din moment ce 1882). La mijlocul anilor 70. a lucrat la perfecţionarea tehnicii sale de compunere. În anii 80. a acordat mare atenție genurilor simfonice. La începutul anilor 90. s-a înregistrat un anumit declin al activității creative (în această perioadă a studiat filosofia, a scris articole, a revizuit și a editat unele dintre lucrările sale anterioare). În a doua jumătate a anilor '90. creativitatea a căpătat o intensitate excepțională: au apărut operele „Sadko” (1896), „Mireasa țarului” (după mai, 1898). În timpul Revoluției din 1905–07, Rimski-Korsakov a susținut activ cererile studenților grevi, a condamnat deschis acțiunile administrației reacționare a Conservatorului din Sankt Petersburg (a fost concediat din conservator, revenit abia după conservatorului i s-au acordat drepturi autonome parțiale și o schimbare a conducerii).
Opera lui Rimski-Korsakov este profund originală și, în același timp, se bazează pe tradițiile clasice. Armonia viziunii asupra lumii, claritatea gândirii muzicale, arta subtilă îl fac să fie înrudit cu M. I. Glinka. Asociat cu tendințele ideologice și artistice progresiste din anii 1860, Rimski-Korsakov a manifestat un mare interes pentru arta populară (a alcătuit colecția „O sută de cântece populare rusești”, 1877: a armonizat cântecele culese de T. I. Filippov, - „40 de cântece populare”. 1882). Pasiunea pentru folclor, mitologia slavă veche, ritualurile populare s-a reflectat în operele „Noaptea de mai” (după N.V. Gogol. 1879), „Crăiasa zăpezii” (după A.N. Ostrovsky, 1881), „Mlada” (1890), „Noaptea”. Înainte de Crăciun” (după N.V. Gogol, 1895). 15 opere de Rimski-Korsakov demonstrează o varietate de gen (epopee, basm, legendă, dramă istorică, comedie lirică), soluții stilistice, dramatice, compoziționale (lucrări gravitând spre o structură numerotată și dezvoltare continuă, opere cu scene de masă și camera, cu şi fără ansambluri extinse). Cel mai complet talent al lui Rimski-Korsakov a fost dezvăluit în lucrările legate de lumea fabuloasă, cu diverse forme de artă populară rusă. Aici se dezvăluie darul său pitoresc și pictural, puritatea versurilor - sincere, dar oarecum contemplative, fără tensiune emoțională crescută. Atenția la lumea interioară a unei persoane, la dezvăluirea psihologică a imaginilor s-a manifestat în opera de cameră Mozart și Salieri (pe baza textului lui A. S. Pușkin, dedicat lui A. S. Dargomyzhsky, 1897), în opera într-un act Boier Vera Sheloga (prolog la „Pskovityanka”, 1898) și mai ales în drama pe tema istorică și cotidiană „Mireasa țarului” (1898). Noile tendințe caracteristice artei rusești la începutul secolului XX s-au reflectat în opera Povestea țarului Saltan (după Pușkin, 1900) cu convenționalitatea sa accentuat teatrală și elementele de stilizare a unui tipar popular popular, în „basmul de toamnă”. Kashchei Nemuritorul (1902), în care tema basmului este interpretată simbolic și alegoric. Probleme morale și filozofice ridicate sunt ridicate în legendara operă Legenda orașului invizibil Kitezh și Fecioara Fevronia (1904). Ultima operă a compozitorului este o „fabula pe chipuri” Cocoșul de aur (după Pușkin, 1907) este o satira nemiloasă asupra autocrației țariste.
Rimski-Korsakov considera că cântarea este baza expresivității operistice. Un rol dramatic important în operele sale este jucat și de orchestra, care este adesea încredințată cu imagini simfonice independente, pauze, de exemplu, „Trei miracole” („Povestea țarului Saltan”), „Bătălia de la Kerzhents” („ Legenda orașului invizibil Kitezh...") . Considerând opera în primul rând ca o piesă muzicală, Rimski-Korsakov a acordat o mare importanță bazei sale literare - libretul. Colaborarea dintre compozitor și libretistul V. I. Belsky a fost fructuoasă.
Opera simfonică a lui Rimski-Korsakov nu este atât de multifațetă în comparație cu opera. Concretitatea figurativă a gândirii muzicale a compozitorului i-a determinat înclinația către simfonismul programatic și de gen. De aici și predominanța unor astfel de tipuri și forme precum uvertură (fantezie), tablou simfonic, suită. Cele mai importante lucrări pentru orchestră ale lui Rimski-Korsakov sunt Capriccio spaniol (1887) și Șeherazada (1888). Un loc semnificativ în moștenirea creativă a lui Rimsky-Korsakov este ocupat de versurile vocale de cameră. A scris 79 de romane, inclusiv ciclurile vocale „Primăvara”, „Către poet”, „By the Sea”.
Opera lui Rimski-Korsakov este strălucitor națională. Compozitorul folosește exemple autentice de folclor muzical și traduce organic intonațiile cântecelor în propriile sale melodii. Contribuția sa la domeniul armoniei și instrumentației este semnificativă: a extins și a îmbogățit posibilitățile lor coloristice, a creat propriul său sistem de mijloace modal-armonice, care se bazează pe moduri complexe (inclusiv scara caracteristică - scara Rimsky-Korsakov, orchestrația combină strălucire, strălucire cu claritate, transparență.
Activitatea de dirijor a lui Rimski-Korsakov, care a promovat operele compozitorilor ruși, a fost de mare valoare educațională. Un rol important l-a jucat munca sa editorială, datorită căreia au fost publicate și interpretate multe lucrări de muzică rusă („Oaspetele de piatră” de Dargomyzhsky, „Prințul Igor”, „Boris Godunov”, „Khovanshchina”; Rimski-Korsakov a pregătit și a publicat, împreună cu Balakirev şi A. K. Lyadov, partituri de operă de Glinka). Activitatea sa pedagogică a avut o importanță excepțională. Fondatorul școlii de compozitori, Rimski-Korsakov a educat 200 de compozitori, dirijori, muzicologi, printre aceștia - A. K. Glazunov, A. K. Lyadov, A. S. Arensky, M. M. Ippolitov-Ivanov, I. F. Stravinsky , N. Ya. Myaskovsky, S. S. S. Chi Prodkofie, M. M. Ya. Vitol, N. V. Lysenko, A. A. Spendiarov. Manualele sale despre armonie și orchestrație au fost o generalizare parțială a experienței sale pedagogice, iar cartea sa autobiografică Cronica vieții mele muzicale (1906) a fost un document istoric valoros. În 1944, Casa-Muzeu a fost deschisă în orașul Tikhvin, iar în 1971, în Leningrad, Muzeul-Apartament Rimsky-Korsakov.
