Un mesaj despre tradițiile muzicale ale poporului rus. Cultura muzicală rusă a secolului al XIX-lea și semnificația sa globală. Ai nevoie de ajutor pentru a studia un subiect?

Introducere

1. Cultura cântecului a Rusiei în secolul al XIX-lea

2. Şcoala rusă de compoziţie

2.1 Mihail Ivanovici Glinka

2.2 Alexandru Sergheevici Dargomijski

2.3 „Mâna puternică”

2.4 Piotr Ilici Ceaikovski

3. Cultura muzicală rusă de la începutul secolului al XX-lea.

Concluzie

Bibliografie

Introducere

Rusia în secolul al XIX-lea a făcut un salt uriaș în dezvoltarea culturii și a adus o contribuție neprețuită la cultura mondială. Acest lucru a fost predeterminat de o serie de motive. Creșterea culturală s-a datorat procesului de formare a națiunii ruse în timpul tranziției către noile relații capitaliste și creșterii conștiinței de sine națională. Un alt factor care a contribuit la dezvoltarea intensivă a culturii ruse este interacțiunea strânsă cu culturile altor țări și popoare. Gândirea socială vest-europeană a avut o mare influență asupra culturii ruse. Societatea rusă a acceptat realizările avansate ale culturilor țărilor europene, păstrând în același timp originalitatea culturii sale naționale. Inteligența începe să ia parte activ la dezvoltarea culturii naționale. La început, acest strat al societății s-a format din rândul nobililor și clerului, dar deja în secolul al XVIII-lea. apar plebei, iar la începutul secolului al XIX-lea. - inteligența iobag (actori, artiști, arhitecți, muzicieni, poeți). În secolul al XVIII-lea - prima jumătate a secolului al XIX-lea, rolul principal în dezvoltarea culturală a aparținut inteligenței nobiliare, în a doua jumătate a secolului al XIX-lea - plebeilor. Printre plebei se numărau reprezentanți educați ai burgheziei liberale și democratice, funcționari, burghezi, negustori și țărani. De aceea în secolul al XIX-lea. În Rusia există un proces de democratizare a culturii. Numărul scriitorilor, poeților, artiștilor, compozitorilor, oamenilor de știință din clasele neprivilegiate este în creștere.

În acest eseu voi încerca să fac o descriere generală a culturii muzicale a Rusiei în secolul al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, pentru a urmări originile și continuitatea artei muzicale rusești. Este necesar să subliniem importanța studierii istoriei culturii, deoarece prezentul se bazează pe trecut. Chiar și cele mai revoluționare lucrări muzicale ale timpului nostru sunt influențate fie direct, fie indirect de trecut. Scopul eseului este de a analiza starea culturii muzicale în Rusia în secolul al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, de a identifica caracteristicile acesteia, de a vorbi despre compozitorii din acest timp și de lucrările lor și, de asemenea, de a afla semnificația muzicii ruse din acea perioadă. pentru cultura mondială.

1. Cultura cântecului a Rusiei în secolul al XIX-lea

În secolul 19 Compozitorii ruși au acordat o mare atenție studiului folclorului și au considerat muzica populară o sursă de inspirație. Au adunat cântece populare și le-au folosit adesea în lucrările lor. Apar noi genuri muzicale, formele vechi (cântece cotidiene, cântece pe tema rătăcirilor, cântece satirice) se transformă sub influența noilor condiții de viață, natura imaginilor și a mijloacelor intonaționale-expresive se schimbă. Evenimentele socio-politice majore de importanță națională sunt reflectate în cântecele populare de zi cu zi. Războiul Patriotic din 1812 s-a reflectat pe scară largă în cântecele populare.Un ciclu de cântece despre 1812 legate de tradiția folclorică orală a ajuns la noi. Sunt foarte diverse în conținut și forme muzicale și poetice. Acest război a devenit motivul apariției cântecelor lirice care au surprins durerea națională profundă, tristețea, durerea cauzată de dezastrele Patriei, ruinarea pământului lor natal și moartea celor dragi.

Cântecul popular rusesc a câștigat o mare popularitate și a fost distribuit în multe aranjamente originale - pentru cor, voce cu acompaniament și instrumente individuale. În 1806 - 1815, colecția lui Pracha a fost republicată de mai multe ori. Pe baza acesteia, au fost create colecții de cântece de tip accesibil publicului.

Danila Kashin, care a venit din iobăgie, a câștigat o mare faimă și a creat multe adaptări ale cântecelor populare. În 1833-1834. Colecția sa „Cântece populare rusești” a fost publicată în trei părți. În anii patruzeci, colecția a fost reeditată, ceea ce indică popularitatea sa.

Ivan Rupin a colectat și melodii țărănești și le-a prelucrat; opera sa se caracterizează printr-o sinteză de cântece populare și intonații de romantism urban. Numele lui a fost pronunțat de contemporanii săi cu terminația italiană - Rupini, ceea ce indică faima lui. În 1831 colecția lui de cântece a fost publicată. Concomitent cu transcripțiile de zi cu zi ale cântecelor populare, se dezvoltă un romantism sentimental liric. În acest gen, simplitatea mijloacelor este combinată cu spontaneitatea și sinceritatea expresiei. Compozitorii Alyabyev, Varlamov, Gurilev și Verstovsky au fost de mare importanță în evoluția romantismului rusesc din secolul al XIX-lea.

Alexandru Alexandrovici Alyabyev (1787-1851) era din nobilime. A servit în armată și a luat parte la Războiul Patriotic din 1812. După pensionare, s-a dedicat creativității. Alyabyev este autorul unor romane populare: „Te-am iubit”, „Drumul de iarnă” (ambele bazate pe poezii de A.S. Pușkin), „Priighetoarea” și altele. „The Nightingale” este una dintre cele mai faimoase cântece ale lui Alyabyev. Totul este simplu și în același timp sincer. Cântecul este precedat de o introducere la pian. Încă de la primele intonații ale părții vocale, se desfășoară o melodie captivantă de netedă și atentă. Ea captivează imediat prin spiritualitatea ei.

Compozitorul Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) - autor de romanțe populare. A creat peste o sută de lucrări din acest gen, în mare parte bazate pe poezii ale poeților ruși („Rochie roșie”, „Un viscol mătură pe stradă”, „At Dawn Don’t Wake Her Up”, „The Lonely Sail Is”. alb”, etc.). Varlamov s-a remarcat și ca cântăreț, dirijor, chitarist și profesor. Este autorul unui manual pentru cântăreți - „The Complete School of Singing” (1840).

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858) a fost fiul unui muzician iobag. Compozitor, pianist, violonist, violonist și profesor, Gurilev este cunoscut drept autor de cântece și romanțe. Cele mai cunoscute sunt melodiile sale „Mother Dove”, „Bell”, „Sarafan”, „Swallow Floats” și romanțele „Separation” și „You Can’t Understand My Sadness”. Pe lângă versurile vocale, compozitorul a lucrat în genurile muzicii pentru pian, a colectat și aranjat cântece populare.

Lucrarea lui Alyabyev, Varlamov și Gurilev este o contribuție neprețuită la vistieria muzicii rusești. Cântecele și romanțele lor sunt încă incluse în repertoriul de concerte al cântăreților, corurilor și interpretate de oameni obișnuiți.

Istoria muzicii ruse, ca și istoria tradițiilor și moravurilor rusești, este rezultatul unei evoluții lungi, de secole, în timpul căreia s-au format și dezvoltat realizările culturale individuale. Astfel de realizări includ, desigur, bogata moștenire a culturii muzicale ruse, care include folclor, lucrări ale compozitorilor ruși de renume mondial, creativitatea liberă a barzilor, precum și stilul național special al romantismului rusesc.
Istoria muzicii ruse începe cu dezvoltarea culturii populare a vechilor comunități slave care s-au stabilit pe ținuturile Rusiei Kievene. O cantitate imensă de creativitate națională sub formă de cântece populare, care au supraviețuit până în zilele noastre, poartă o nuanță caracteristică de păgânism împreună cu tradițiile creștine. Trăsăturile caracteristice ale muzicii populare rusești au servit drept bază principală pe care s-a construit toată creativitatea muzicală rusă în viitor.
Muzica populară rusă este împărțită în mai multe genuri, dintre care cel mai vechi este genul cântecului. Cântecele erau foarte diverse, de exemplu, cântece rituale, cântece de nuntă și de dans, cântece epice și narative, cântece lirice și dramatice. Și aproape toată muzica populară antică era predominant cântec, pe care experții îl asociază cu interzicerea existentă a instrumentelor muzicale în biserică (pentru popoarele catolice, dimpotrivă, biserica a fost centrul dezvoltării istorice a culturii muzicale). Prin urmare, instrumentele muzicale erau de natură gospodărească sau populară. Meșteri renumiți în arta muzicii au fost ciobanii din Bali, care cântau la harpă, la pipă și la corn.
Pe lângă aceste instrumente, poveștile străvechi menționează și tamburine și coarne naturale de vânătoare.
În Evul Mediu, interpreții și muzicienii publici, numiți bufoni, erau persecutați și persecutați; instrumentele lor muzicale și altele au fost distruse peste tot. Prin urmare, literalmente câteva instrumente medievale au supraviețuit până în zilele noastre. Cu toate acestea, instrumente precum chitara cu șapte corzi, mandolina și acordeonul (care se numește acordeon rusesc sau acordeon cu butoane) sunt asociate cu creativitatea muzicală rusă. Dar trebuie să știți că o sută de instrumente similare au intrat în cultura rusă abia în secolele al XVIII-lea și al XIX-lea. Și deja în secolul al XIX-lea a fost creată prima orchestră din istoria muzicii rusești, constând doar din instrumente populare rusești. Muzica, care mai târziu a devenit cunoscută drept muzică clasică rusă, a fost caracterizată de lucrările unor compozitori de renume mondial precum M. I. Glinko, M. P. Mussorgsky, Rimski-Korsokov, Borodin, Chaliapin, Ceaikovski, Rahmaninov etc., iar compozitorii sovietici includ numele nu mai puțin celebre ale lui Khachaturian, Prokofiev, Shostakovich, Schnittke. Spre deosebire de muzica rusă, clasicele occidentale tind să fie interpretate în același stil. Nu același lucru se poate spune despre autorii ruși: fiecare dintre ei se distinge prin carisma muzicală unică și autoritatea profund exprimată.
Dintre uimitorii interpreți de operă, se poate evidenția în special Chaliapin, un cântăreț care avea un timbru atât de incredibil al vocii, încât, potrivit zvonurilor, a plecat odată în vacanță în Crimeea și a reușit să spargă într-un singur pahar de șampanie oferită lui. a grotelor locale de munte de prințul Lev Golițin.
Din păcate, mulți clasici ai muzicii ruse au fost nevoiți să emigreze după lovitura de stat organizată de autoritățile sovietice în 1917. Cu toate acestea, au continuat să creeze din străinătate.
Deja în perioada sovietică târzie, spectacolele pop populare se răspândeau în Rusia, cei mai străluciți reprezentanți ai cărora erau cei vii A. Pugacheva, V. Leontyev, I. Kobzon, Leshchenko, Rotaru și mulți, mulți alții. Până la sfârșitul secolului al XX-lea, muzica populară rusă s-a dezvoltat pe liniile occidentale și este populară în principal în rândul populației vorbitoare de limbă rusă. În domeniul muzical occidental, cântăreții ruși rareori reușesc să atingă culmi de talie mondială, iar în limba rusă a apărut o abreviere specială pentru mișcarea muzicală populară ușor de gândit, care sună ca pop.
Istoria muzicii ruse, care conține lucrări extraordinare, este o parte integrantă a patrimoniului național. De la tinere talente, mentorii experimentați se așteaptă mereu cu speranță că va deveni cu siguranță mare, intrând în istoria muzicii rusești, așa cum au făcut cândva marii compozitori.

Cântarea, interpretată ca una dintre cele mai vechi forme de artă muzicală, nu a devenit imediat așa. A fost și rămâne întotdeauna asociată cu nevoia primară și organică inerentă de exprimare emoțională la oameni. Iar această nevoie umană primordială, nu mai puțin decât necesitatea socială imediată, determină locul excepțional pe care îl ocupă cântarea în cultura omenirii.

Cercetând motivele care dau naștere cântului, N. Chernyshevsky a scris: „Cântarea este originală și esențială, ca și conversația, o operă a naturii umane și nu o operă de artă.” Această remarcă este adevărată în sensul că primul și principalul instrument muzical primit de om de la natură a fost vocea sa. Și a devenit cântăreț sub influența sentimentului, ca urmare a autoexprimării spontane, involuntare, care este determinată și modelată de atmosfera intonațională generală a unei anumite epoci. Și în acest sens, orice cântat este un comportament care se învață.Ca parte a tradiției folclorice, cântarea poate fi atât artă, cât și nu artă. În folclor, totul ia naștere, se dezvoltă și funcționează într-o relație organică cu toate elementele vieții poporului: cu experiența sa istorică, socială și de muncă, cu modul său de viață, moravurile, obiceiurile, cu viziunea asupra lumii, ideile sale etice și estetice.

Întrucât folclorul este atât artă, cât și non-artă, comunicarea între vorbitorii săi se realizează atât sub formă de conexiuni estetice, cât și non-estetice, deși echilibrul lor în diferite etape ale istoriei folclorului și în diferite tipuri și genuri de folclor nu este aceeași. Această creativitate colectivă în sine este strâns legată de muncă și de viața de zi cu zi, de întreaga activitate de viață a oamenilor și face parte dintr-un complex integral de norme socializate de relații. Cunoașterea lor face posibilă ascultarea tradiției din interior și evaluarea ei conform propriilor legi.

Se propune următoarea tipologie a formelor de comunicare în folclor, bazată pe determinarea naturii și funcțiilor legăturilor formate în procesul de compunere a cântecelor:

1. Comunicarea în procesul de creativitate artistică, direct legată de activitatea de muncă. Oamenii care cântă și lucrează în același timp sunt uniți de emoții pozitive comune și de o atitudine colectivă estetizată față de muncă.
2. Comunicarea în procesul creativității artistice, asociată indirect cu activitatea de muncă în formele gândirii mitologice și reproducerea rituală corespunzătoare a procesului de muncă sau altă influență magică asupra forțelor naturii. Acest tip de comunicare, care reunește într-una singură un complex de concepte: om - muncă - natură, se realizează în folclorul calendaristic-ritual, sub trei forme principale: a) ca comunicare rituală directă cu forțele naturii; b) ca comunicare cu figuri rituale simbolice precum Kolyada, Maslenitsa; c) ca comunicare cu ajutorul unui mediator viu, un preot.

Folclorul cântecului rămâne un fenomen viu, procedural, atâta timp cât se păstrează formele sale caracteristice de comunicare în cadrul grupului care îl creează și încetează să mai fie de îndată ce aceste forme lasă loc altora. Încetează să mai fie un proces de producție și devine un excelent monument al artei populare, material pentru profesioniști.

În lumina celor de mai sus, dobândesc cunoașterea legilor interpretării populare și înțelegerea naturii folclorului, care sunt necesare pentru o selecție și interpretare plină de tact și în cunoștință de cauză a repertoriului, precum și determinarea măsurii optime a adaptării sale artistice pe scenă. importanță deosebită.

Pentru interpreți, este important să înțeleagă folclorul nu doar ca text artistic, ci și ca proces viu de interpretare, cu toate specificul său de comunicare fără text, textura artistică și genuri de performanță.

Cântecul și cântecul în viața populară sunt întotdeauna deschise tuturor. Această „spațiuitate”, „neaccentuat pe statutul cântărețului” este asigurată de uimitoarea flexibilitate a tradiției. Într-o singură congregație de cântăreț, diferiți oameni cu diferite grade de talent și pricepere se simt confortabil. Toți cântă în primul rând pentru ei înșiși, realizându-și „eu”. În același timp, co-creația artistică devine scopul comunicării, al cântului colectiv - un act nu numai muzical, ci și comportamental, un cântec polifonic - care dezvăluie nu doar intonația muzicală, ci și relațiile umane.

Semnificația realizării de muzică în comun pentru purtătorii tradițiilor cântecelor constă nu numai în coordonarea părților vocale, ci și în ceva mai mult, în relațiile profunde ale oamenilor cântători, pentru care nu există o linie clară între „muzical” și „non- muzical”, estetic și non-estetic, natural și aleatoriu.

Prin urmare, folclorul este mereu creat din nou. Spontaneitatea este prezentă chiar și atunci când oamenii cântă o melodie pe care o cunosc bine. „Surprizele” care apar inevitabil nu sunt defecte ale cântului, ci proprietățile sale naturale, viața interioară, sensul său.

L.V. Shamina

„Fundamentele pedagogiei cântecului popular”

Agenția Federală pentru Educație

Academia de Stat de Economie și Servicii Ufa

Departamentul de Turism și Ospitalitate

LUCRARE DE CURS

la disciplina „Cultura și arta lumii”

pe tema: Cultura muzicală rusă a secolului al XIX-lea și semnificația sa globală

completat de: student gr. SD-21

Mihailova I.V.

verificat de: dr., conf. univ

Kotova T.P.

Introducere

Fundal istoric

Dezvoltarea culturii cântecelor rusești în secolul al XIX-lea

scoala ruseasca de compozitie

Mihail Ivanovici Glinka

Alexandru Sergheevici Dargomijski

„Mâna cea puternică”

·Geniul Piotr Ilici Ceaikovski

Concluzie

Bibliografie

Aplicații

Introducere

Fără muzicăviata ar fi o greseala. (Friedrich Nietzsche)

Muzică- aceasta este inteligența întruchipată în sunete frumoase. (Ivan Sergheevici Turgheniev)

Muzică- un mediator între viața minții și viața sentimentelor. (Ludwig van Beethoven)

Cuvântul rusesc „muzică” este de origine greacă. Dintre toate artele, muzica are cel mai direct impact asupra percepției umane și „infectează cu emoții”. Limbajul sufletului, așa se obișnuiește să vorbim despre muzică tocmai pentru că are un impact puternic la nivel subconștient în zona sentimentelor unei persoane, dar nu se poate exclude că influențează și zona mintii. Este imposibil să oferim o definiție complet precisă a fenomenului (sau substanței) numită „muzică”.

Bogăția muzicii rusești este incomensurabilă. De peste zece secole, tradițiile sale s-au format și dezvoltat în strâns contact cu cultura muzicală a altor țări și în interacțiune constantă cu alte tipuri de creativitate artistică.

Muzica rusă este cea mai importantă parte a culturii ruse. La fel ca literatura rusă, poezia, pictura, teatrul, reflectă în mod viu toate etapele vieții sociale, formarea gândirii filosofice și estetice rusești. În diversele sale genuri și forme, istoria poporului, lupta lor de eliberare, caracterul persoanei ruse, originalitatea naturii și vieții rusești au fost întruchipate.

În munca mea de curs, am decis să arăt dezvoltarea muzicală a Rusiei în secolul al XIX-lea, care a avut loc pe fundalul celor mai importante evenimente istorice - Războiul Patriotic, răscoala decembristă, abolirea iobăgiei etc.

Obiectivul lucrării este de a analiza starea culturii muzicale din Rusia în secolul al XIX-lea, de a identifica caracteristicile acesteia, de a vorbi despre compozitorii acestui secol și de lucrările lor și, de asemenea, de a identifica semnificația muzicii ruse a secolului al XIX-lea pentru cultura mondială. .

Cursul dumneavoastră va implica metode de cercetare precum studiul și analiza literaturii și documentelor, generalizarea, analiza produselor activității, descrierea.

Când studiez această temă, voi folosi literatura: Enciclopedia „În jurul lumii”, literatura muzicală rusă de E. Smirnova, Nikitina L.D. Istoria muzicii ruse etc.

Fundal istoric

compozitor de cultură a cântecului muzical

Secolul al XIX-lea în Rusia este asociat cu schimbări politice și sociale majore, iar Războiul din 1812 și abolirea iobăgiei au jucat un rol important în acest sens. În literatură, poezie, muzică și pictură, tema inegalității sociale a devenit mai acută.

Deja în prima jumătate a secolului al XIX-lea, cultura rusă a atins o înflorire strălucitoare, orbitor de strălucitoare. Eliberându-se de elementele de imitație, găsește forme originale și originale de exprimare pentru conținutul cel mai divers și mai larg și creează mari valori durabile de semnificație universală. Opera unor reprezentanți atât de străluciți precum Pușkin, Lermontov, Gogol în literatură, Glinka în muzică constituie unul dintre cele mai înalte vârfuri nu numai ale artei rusești, ci și ale lumii.

Războiul Patriotic din 1812 a dat un impuls puternic ascensiunii inițiativei publice.Patriotismul poporului rus se manifestă într-o preocupare crescândă pentru binele comun, într-o conștientizare largă a intereselor comune ale națiunii, în dorința de a ridica nivelul culturii naţionale şi al bunăstării.

Revolta decembristă a avut o influență semnificativă asupra dezvoltării culturii ruse în secolul al XIX-lea. Toate emoțiile, gândurile, experiențele s-au reflectat în multe lucrări muzicale ale acelei vremuri. Epoca decembriștilor a marcat începutul dezvoltării cântecului revoluționar în Rusia. Un mare merit în acest sens aparține figurilor mișcării Decembriste - Ryleev și Bestuzhev. Tradițiile cântecului revoluționar, învățate de poeții decembriști, au fost preluate și dezvoltate de contemporanii lor. Temele dragostei de libertate și protest, lupta împotriva opresiunii sociale, au pătruns adânc în cântecele de zi cu zi.

Pe măsură ce ideile de eliberare au crescut și s-au răspândit, opoziția guvernului față de ele s-a intensificat. Deja în a doua jumătate a domniei lui Alexandru I, acest curs reacționar a fost determinat, exprimat în distrugerea universităților și întărirea cenzurii. O lungă perioadă de reacție fără precedent de crudă, surdă și nemiloasă a domnit în viața Rusiei după înăbușirea revoltei decembriste, împreună cu urcarea pe tron ​​a lui Nicolae I. Existența jurnalismului democratic și cu atât mai mult a organizațiilor politice care desfășoară activități revoluționare practice. activități, era imposibil în Rusia.

În aceste condiții, literatura devine deosebit de importantă; lucrările lui Pușkin, Gogol și Lermontov devin principalul purtător de cuvânt al gândirii de eliberare.

Toate cele de mai sus creează premisele pentru formarea școlilor clasice de literatură și artă națională rusă.

În dezvoltarea muzicii ruse, Glinka a jucat un rol în multe privințe similar cu cel care îi aparține lui Pușkin în dezvoltarea literaturii ruse. La fel ca Pușkin, Glinka a acceptat și a implementat pe scară largă diverse elemente ale culturii artistice contemporane. Asimilând tot ce este valoros și viabil din moștenirea predecesorilor săi, Glinka depășește limitele acestora și atinge bogăție enormă, completitudine a conținutului și perfecțiunea expresiei artistice. În ceea ce privește echilibrul său intern, integritatea armonioasă și completitudinea ideală, opera lui Glinka s-a dovedit a fi pentru generațiile următoare același model incontestabil și normă clasică ca și poezia lui Pușkin. Glinka a pus bazele influenței sale la nivel mondial prin munca sa. Dargomyzhsky urmează calea lui Glinka în munca sa. El introduce elemente de mai mare acuitate socială, caracterizare cotidiană și psihologică, satira și umor în muzica rusă, pregătind o mare parte din ceea ce va primi o expresie clară în opera tinerei școli naționale din anii 60. Glinka a pus bazele influenței sale la nivel mondial prin munca sa.

Din acest moment, relatările despre muzica rusă au început să apară tot mai des în presa străină. Cu câteva luni înainte de apariția articolelor lui Berlioz despre Glinka, celebrul muzicolog francez Fetis a scris despre încă tânărul Dargomyzhsky ca un talent muzical original și promițător în Rusia.

Perioada istorică 60-80. Secolul al XIX-lea este de obicei numit post-reformă - în 1861, prin decret regal, a fost desființată iobăgia, ceea ce a presupus liberalizarea vieții sociale rusești. Această etapă a fost marcată de înflorirea înaltă a culturii artistice ca fenomen integral și original. Atunci s-a format în artă un anumit sistem de valori spirituale și estetice, care au fost întruchipate în literatură și teatru, pictură și muzică.

Dezvoltarea culturii cântecelor rusești în secolul al XIX-lea

„A fost o epocă a cântecelor” - așa a spus poetul G.R. despre Epoca Iluminismului. Derzhavin. Aspectul culturii cântecelor din acea vreme a fost neobișnuit de divers și chiar multilingv. În viața de zi cu zi, melodiile rusești și franceze, țigane și germane, țărănești și urbane, de amatori și profesioniști sunt împletite în mod complex. Cântecul a sunat din paginile operelor literare și a fost publicat în colecții speciale „spre plăcerea multor îndrăgostiți” și a fost interpretat în casele aristocraților.

În secolul 19 a continuat să acorde o mare atenţie studiului folclorului. Compozitorii ruși au considerat muzica populară o sursă de inspirație. Au adunat cântece populare și le-au folosit adesea în lucrările lor, fără a pierde originalitatea propriului limbaj muzical.

Apar unele genuri noi, formele vechi (cântece de zi cu zi, cântece pe tema rătăcirilor, cântece satirice) evoluează sub influența noului conținut de viață, natura imaginilor și mijloacele expresive intonaționale se schimbă. Cântecul popular de zi cu zi răspunde la evenimente politice și sociale majore de însemnătate națională.

În el se reflectă pe scară largă Războiul Patriotic din 1812. La noi a ajuns un întreg ciclu de cântece despre anul al doisprezecelea, asociate cu tradiția folclorică orală. Sunt foarte diverse în conținut și forme muzicale și poetice. Uneori folosesc tehnici din vechile tipuri tradiționale de cântece populare.

Războiul Patriotic a provocat și apariția liricului expresiv

cântece care surprind durerea profundă, tristețea și durerea oamenilor cauzate de dezastrele grave ale patriei lor, devastările țării lor natale și pierderea celor dragi.

Cântecul popular rusesc a început să se bucure de o popularitate excepțional de largă, răspândindu-se în multe aranjamente diferite - pentru cor, voce cu acompaniament și instrumente individuale. Din 1806 până în 1815, colecția lui Pracha a fost publicată în ediția a doua și a treia. Pe baza acesteia, au fost create colecții de cântece de tip accesibil publicului.

Talentatul muzician rus, care provenea din iobăgie, Danila Kashin, era cunoscut pe scară largă pentru adaptările sale ale cântecelor populare. În 1833-1834. Colecția sa „Cântece populare rusești” a fost publicată în trei părți. Este la fel de caracteristică timpului său precum a fost „Colecția” lui Prač la începutul secolelor al XVIII-lea și al XIX-lea. La începutul anilor 40 a apărut cea de-a doua ediție a colecției Kashin, care a mărturisit popularitatea și cererea mare pentru aceasta. În tehnicile de procesare ale lui Kashin, se observă clar o dorință de sensibilitate accentuată, uneori de natură oarecum isterică.

Pe același drum ca și Kashin, întrepătrunderea cântecelor populare și a intonațiilor urban romance a fost urmată de un alt celebru colecționar de cântece, iobag de origine, Ivan Rupin, care a fost și un talentat cântăreț-interpret (numele său de familie era pronunțat de contemporanii săi cu finalul italian - Rupini) și compilatorul unei colecții de cântece populare, publicată în 1831

Odată cu diverse refracții cotidiene ale cântecului popular rus, s-a dezvoltat o romantism sentimental liric, care s-a bucurat și de o popularitate extrem de largă în cele mai diverse pături ale societății. La fel ca „cântecul rusesc” din secolul al XVIII-lea, partea predominantă a romantismului rusesc a fost asociată cu sfera muzicii acasă. În limbajul muzical al romantismului de zi cu zi, simplitatea mijloacelor este combinată cu spontaneitatea sinceră și sinceritatea expresiei. . Compozitorii Alyabyev, Varlamov, Gurilev, Verstovsky au jucat un rol important în dezvoltarea romantismului rusesc din secolul al XIX-lea (vezi Anexa 1).

Alexandru Alexandrovici Alyabyev(1787-1851) s-a născut într-o veche familie nobiliară. În tinerețe a servit în armată și a luat parte la Războiul Patriotic din 1812. Ulterior, a părăsit serviciul militar și s-a dedicat activităților creative. Alyabyev este autorul unor romane celebre: „Te-am iubit”, „Drumul de iarnă” (ambele bazate pe poezii ale lui Alexandru Sergheevici Pușkin), „Priighetoarea” și altele. " Privighetoare„Este una dintre melodiile preferate și cele mai răspândite ale lui Alyabyev. Totul este modest și simplu. Cântecul este precedat de o introducere plină de viață la pian, în spiritul cântării la chitară. Încă de la primele intonații ale părții vocale, se desfășoară o melodie captivantă de blândă și atentă. Lat și ușor rotunjit, captează și captivează imediat prin frumusețea sa austera.

Compozitor Alexandru Egorovici Varlamov(1801-1848) - autor de romanțe populare. În total, a creat aproximativ două sute de lucrări din acest gen, bazate în principal pe poezii ale poeților ruși („Rochie roșie”, „Un viscol mătură pe stradă”, „At Dawn You Don't Wake Her”, „Singuratica”. Sail Is White”, etc.). Varlamov era cunoscut și ca cântăreț, chitarist, dirijor și profesor. A scris unul dintre primele manuale rusești pentru vocaliști - „Școala completă de cântat” (1840).

Alexandru Lvovici Gurilev(1803-1858) a fost fiul unui muzician iobag (în 1831, el și tatăl său au fost eliberați). Compozitor, pianist, violonist, violonist și profesor, Gurilev a devenit celebru ca scriitor de cântece și romanțe. Cele mai cunoscute sunt melodiile sale „Mother Dove”, „Bell”, „Sarafan”, „Swallow Floats” și romanțele „Separation” și „You Can’t Understand My Sadness”. Pe lângă versurile vocale, compozitorul a lucrat în genurile muzicii pentru pian, a colectat și aranjat cântece populare.

Lucrarea lui Alyabyev, Varlamov și Gurilev este o contribuție valoroasă la vistieria muzicii rusești. Cele mai bune cântece și romante ale lor sunt incluse în repertoriul de concerte al cântăreților și corurilor; sunt cântate cu dragoste printre oamenii din vremea noastră.

Școala rusă de compoziție a secolului al XIX-lea

Mihail Ivanovici Glinka

Fără îndoială, cel mai proeminent reprezentant al școlii de compozitori din prima jumătate a secolului al XIX-lea este Mihail Ivanovici Glinka(1804-1857). Opera lui Mihail Ivanovici Glinka se află la originile școlii ruse de compoziție, iar lucrările sale, metodele de lucru, atitudinea față de genurile și tradițiile muzicale au fost percepute ca exemplare în secolul al XIX-lea. După ce a primit o educație muzicală serioasă în Europa, Glinka a fost primul care a înțeles profund particularitățile muzicii naționale rusești și, în mare parte, datorită acestui maestru, genurile europene au primit o interpretare originală în Rusia. Impresiile din copilărie ale lui Glinka s-au reflectat în munca sa. Primii ani ai vieții sale au fost petrecuți pe moșia tatălui său, printre natura rurală a regiunii Smolensk. Acolo a învățat și s-a îndrăgostit de cântece populare și le-a ascultat. Poveștile bonei iobag Avdotia Ivanovna, care l-a iubit cu tandrețe și devotament, s-au adâncit în sufletul impresionabil de copil al micuței Glinka.

Evenimentele din 1812 au făcut o impresie uriașă asupra lui Glinka. Fugând de invazia armatei napoleoniene, familia lui Glinka a părăsit moșia. Băiatul a auzit multe povești despre eroismul partizanilor și a fost pentru totdeauna impregnat de dragoste și respect pentru poporul rus, puterea lor puternică și frumusețea spirituală.

Muzica se cânta adesea în viața de acasă a familiei lui Glinka. Un unchi care locuia în apropiere avea o orchestră bună formată din muzicieni iobag. Muzica a făcut o impresie uimitoare asupra băiatului; după concerte el a umblat distrat. „Muzica este sufletul meu”, a spus el odată. Orchestra de iobagi a unchiului meu a interpretat diverse lucrări, inclusiv cântece populare. Reamintindu-și impresiile din copilărie, Glinka a scris: „...Poate că aceste cântece, pe care le-am auzit în copilărie, au fost primul motiv pentru care ulterior am început să dezvolt muzica populară predominant rusă.”

Abilitățile compoziționale ale lui Glinka au fost demonstrate cel mai clar în două opere - „ Viața pentru țar„(„Ivan Susanin”) și „ Ruslan şi Ludmila" A creat exemple de operă națională rusă - opera eroic-epică și opera de basm. Dezvoltarea ulterioară a acestor genuri este legată de principiile stabilite de Glinka.

Opera „Viața pentru țar” (în URSS în anii 30-80 a fost adoptat numele „Ivan Susanin”; 1836) a fost scrisă pe un complot istoric și patriotic. Compozitorul s-a orientat către evenimentele de la începutul secolului al XVII-lea. - lupta poporului rus împotriva cuceritorilor polonezi. Intriga lucrării - isprava lui Ivan Susanin - i-a fost sugerată lui Glinka de poetul Vasily Andreevich Jukovsky.

„O viață pentru țar” este prima operă rusă fără dialog vorbit; se bazează pe dezvoltarea muzicală continuă. Țesătura muzicală a operei este pătrunsă de scene corale. În special, ei deschid (corul „Patria mea”) și completează lucrarea (corul final jubilat și victorios „Glory”).

În centrul operei se află imaginea țăranului rus Ivan Susanin. Compozitorul subliniază forța morală a eroului. Pentru caracteristicile sale muzicale se folosesc intonațiile melodiilor populare. Antonida, fiica lui Susanin, este o imagine strălucitoare și poetică („dură grațioasă”, potrivit lui Glinka însuși) a unei fete rusoaice. Sobinin, logodnicul Antonidei, este un soldat de miliție, un bărbat îndrăzneț și neînfricat, Vanya este fiul adoptiv al lui Susanin, „un inimă simplă”, potrivit lui Glinka, un băiat de treisprezece ani. Imaginile tinerilor membri ai familiei Susanin - Vanya, Antonida, Sobinin - sunt desenate în tradițiile și intonațiile unui cântec de dragoste de zi cu zi.

Imaginilor rusești li se opune o tabără ostilă de polonezi. Imaginea coregrafică detaliată reprezintă „actul polonez” al operei - un bal magnific într-un castel antic. Această compoziție simfonică transmite strălucirea, grația și mândria nobilimii - nobilimea poloneză. Melodiile și ritmurile de poloneză, mazurcă și krakowiak sună. Frumusețea muzicii este fascinantă, dar, în general, simplitatea și sinceritatea scenelor „rusești” sunt în contrast cu fastul ostentativ al „Legei poloneze”.

În cele din urmă, cele două tabere se ciocnesc direct - un detașament polonez vine în satul Domnino la Susanin și îi cere să le conducă până la locul unde se află țarul Mihail Romanov. Scena lui Susanin cu polonezii în desișul pădurii, unde i-a condus la moarte, este punctul culminant al operei. Sfârșitul este tragic - personajul principal își dă viața pentru Rusia. Noaptea, în pădure, Susanin își interpretează monologul pe moarte, recitativul „Ei simt adevărul”, care se transformă în rugăciunea arie „Tu ridică-te, zorii mei”, în care eroul îi cere lui Dumnezeu puterea de a întâlni ceasul din urmă. Transmite atât tristețe profundă, cât și speranță. Muzica este lentă în tempo, strictă și concentrată în dispoziție - amintește de imnurile bisericești.

Opera „O viață pentru țar” a fost interpretată cu mare succes la 27 noiembrie 1836 pe scena Teatrului Bolșoi din Sankt Petersburg. Oameni de frunte ai societății ruse au apreciat-o foarte mult.

Conștiința victoriei creative l-a inspirat pe compozitor la idei noi, iar câțiva ani mai târziu a apărut opera „Basme”. Ruslan şi Ludmila„(1842). Este scris pe intriga poeziei cu același nume de A. S. Pușkin. Dezvoltarea lentă a acțiunii muzicale amintește de epopee și legende antice. Opera conține scene rituale populare, imagini colorate ale naturii și imagini fantastice. Lumea eroilor ruși (Ruslan, Ratmir), cântărețul Boyan, prințul Vladimir i se opune lumea de basm a vrăjitorilor - Chernomor și Naina. Eroii sunt arătați cu seriozitate epică și maiestate epică. Chernomor și Naina (precum și Farlaf, rivalul ghinionist al lui Ruslan) sunt desenați cu un umor incontestabil; autorul pare să-i spună ascultătorului: acestea sunt doar personaje de basm, mai mult comice decât rele. Principala caracteristică a lui Chernomor, stăpânul castelului magic, este un marș pe jumătate glumeți. Orchestra joacă un rol important în crearea imaginilor. Reprezentând regatul Cernomor, compozitorul folosește intonațiile muzicii orientale. În fața ascultătorului sunt interpretate dansuri turcești și arabe și Lezginka. Opera „Ruslan și Lyudmila” se încheie, ca orice basm, cu victoria binelui asupra răului și triumful iubirii.

Romance și cântece Glinka- mândria clasicilor ruși. Compozitorul le-a scris de-a lungul vieții. Romancele lirice ale lui Glinka sunt un fel de mărturisire a sufletului său. Unele dintre ele descriu imagini ale naturii și vieții rusești. În romanțele sale, Glinka a rezumat și a dezvoltat tot ce a fost mai bun creat de predecesorii și contemporanii săi - autorii romantismului de zi cu zi. Multe romane celebre, de exemplu „Sunt aici, Inesilya”, „Îmi amintesc un moment minunat”, au fost scrise în poezii de A. S. Pușkin. Glinka a apelat și la lucrările lui V. A. Jukovsky, A. A. Delvig și alți poeți ruși. Pe baza cuvintelor popularului poet de atunci Nestor Vasilyevich Kukolnik, compozitorul a creat un ciclu de douăsprezece romane „Adio Petersburg” (1838), precum și faimoasa poveste de dragoste „Doubt”, pe care remarcabilul cântăreț rus Fiodor Ivanovici Chaliapin i-a plăcut. a executa.

Pentru orchestră, Glinka a scris o uvertură privată de fantezie simfonică. Cele mai bune lucrări ale sale în acest gen sunt „Camarina” (1848), „Aragonese Jota” (1845) și „Noaptea la Madrid” (1851). „Kamarinskaya”, conform opiniei generale a compozitorilor ruși, a pus bazele muzicii simfonice rusești. Uverturile „spaniole” „Aragonese Jota” și „Noaptea la Madrid” sunt un exemplu strălucit al măiestriei lui Glinka asupra intonațiilor și stilului muzicii spaniole. Piesa pentru orchestră „Waltz Fantasy” (1856) pregătită pentru apariția valsurilor simfonice de P. I. Ceaikovski.

Datorită muncii lui Mihail Ivanovici Glinka, școala de muzică rusă a obținut recunoașterea în Europa. Generațiile ulterioare de compozitori și pur și simplu iubitorii de muzică au apreciat întotdeauna contribuția maestrului la cultura rusă.

Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813-1869)

Dargomyzhsky este un contemporan mai tânăr și adeptul lui Glinka. A intrat în istoria muzicii ruse ca „mare profesor de adevăr muzical”, un curajos inovator.

Opiniile lui Dargomyzhsky s-au format în perioada anilor 30-40. Secolul al XIX-lea, o perioadă de dezvoltare rapidă a culturii ruse. El a răspuns cu sensibilitate la tot ceea ce a avansat și progresist în arta rusă. În munca sa, a fost aproape de scriitorii și artiștii democrați din Rusia. Legăturile dintre muzica vocală a lui Dargomyzhsky și Pușkin, Gogol și Lermontov sunt deosebit de strânse. Nu este o coincidență că cele mai bune lucrări ale lui Dargomyzhsky se bazează pe poezii ale lui Pușkin și Lermontov.

În lucrările lui Dargomyzhsky romanțele și operele ocupă un loc central. Compozitorul a compus muzică vocală de cameră de-a lungul vieții: a scris peste o sută de romane, cântece și ansambluri vocale. Aceste genuri au fost un fel de laborator creativ pentru Dargomyzhsky - limbajul său muzical s-a format în ele. Cele mai faimoase romane sunt „Te-am iubit” (bazat pe versurile lui A. S. Pușkin), „Amândoi plictisit și trist”, „Sunt trist” (bazat pe versurile lui Mihail Yuryevich Lermontov). Sunt impregnate de lirism subtil. și o stare de singurătate.

Un nou gen de versuri vocale a apărut în opera lui A. S. Dargomyzhsky - cântec satiric. Exemple vii de astfel de lucrări sunt cântecele „Worm” și „Titular Advisor” (ambele anii 50). Folosind recitativul care se apropie de vorbirea naturală, compozitorul a pictat portrete sociale expresive.

Cele mai bune lucrări ale lui Dargomyzhsky includ opera "Rusalka"(1855). Pe baza textului piesei neterminate cu același nume a lui A. S. Pușkin, compozitorul însuși a scris libretul. „Rusalka” este prima operă rusă în natura unei drame muzicale psihologice, de zi cu zi. Sarcina principală stabilită de compozitor este să reflecte lumea spirituală a personajelor, experiențele și personajele lor.

În anii 60 Dargomyzhsky a primit o largă recunoaștere publică. Premierele operelor sale au avut un mare succes, compozitorul a fost ales membru al comitetului filialei din Sankt Petersburg a Societății Muzicale Ruse.

„Mâna cea puternică”

A doua jumătate a secolului al XIX-lea - vremuri post-reformă, abolirea iobăgiei, liberalizarea vieții publice, înflorirea sentimentelor revoluționare în societatea rusă. Această etapă a fost marcată de înflorirea înaltă a culturii artistice ca fenomen integral și original. Atunci s-a format în artă un anumit sistem de valori spirituale și estetice, care au fost întruchipate în literatură și teatru, pictură și muzică.

Arta muzicală nu a rămas departe de problemele arzătoare ale timpului nostru. Pozițiile populiste sunt caracteristice viziunii asupra lumii a multor compozitori care au crezut în rolul mesianic al poporului rus, în triumful istoriei lor spirituale istorice. Muzica a reflectat întregul spectru de căutări morale intense ale intelectualității ruse din acei ani și a întruchipat idealuri inspirate de timp în imagini muzicale. Unii maeștri au idealizat istoria rusă și puritatea vieții populare, alții au crezut în auto-îmbunătățirea individului bazată pe legile eticii populare, în timp ce alții au căutat să întruchipeze în munca lor un anumit prototip al culturii populare, născut dintr-un sursa vie - natura curata.

Unicitatea genului muzicii ruse este strâns legată de „centrismul literar” caracteristic culturii artistice a epocii post-reforme. Generată de estetica realismului, s-a exprimat în rolul prioritar al cuvântului, artistic și jurnalistic. Genul principal de muzică la acest moment era opera - istorică, epică, lirică, dramatică. Alte genuri muzicale sintetice continuă să se dezvolte - romantism, cântec. Muzica vocală completează „enciclopedia muzicală” a poeziei ruse, îmbogățindu-l cu imagini sociale, acuzatoare și lirico-psihologice.

A doua jumătate a secolului al XIX-lea este momentul apariției parteneriatului, care a primit o mână ușoară de la criticul V.V. Stasova, nume „Mâna cea puternică”. Acesta a inclus M.A. Balakirev, Ts.A. Cui, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimski-Korsakov, A.P. Borodin.

„Mighty Handful” este un fenomen remarcabil al artei ruse. Ea a lăsat o amprentă profundă în multe sfere ale vieții culturale din Rusia - și nu numai în Rusia. În generațiile următoare de muzicieni - până în vremea noastră - există mulți moștenitori direcți ai lui Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Balakirev. Ideile care i-au unit, punctele lor de vedere progresiste, au devenit timp de mulți ani un model pentru artiștii de frunte.

Capul și liderul „Mighty Handful” a fost Mili Alekseevici Balakirev(1836/37-1910). Este unul dintre fondatorii (1862) și directorul (1868-73 și 1881-1908) al Școlii de Muzică Liberă. Din 1867 până în 1869 - dirijor al Societății Muzicale Ruse, iar din 1883 până în 1894 director al Capelei de cântări a Curții. Cele mai cunoscute lucrări ale sale sunt „Uvertura pe temele celor trei cântece rusești” (1858), poeziile simfonice „Tamara” (1882), „Rus” (1887), „În Republica Cehă” (1905) și versiunile orientale. fantezie pentru pian „Islamey” (1869), romanțe, aranjamente de cântece populare rusești etc.

Printre compozitorii „Mighty Handful” Modest Petrovici Musorgski(1839-1881) a fost cel mai proeminent exponent al muzicii idei democratice revoluţionareanii 60 gg. al XIX-lea. Mussorgski, mai mult decât oricând înainte, a fost capabil să dezvăluie cuprinzător, cu o mare putere acuzatoare, în muzică adevărul dur al vieții poporului rus, să recreeze, așa cum a spus V.V. Stasov, „întregul ocean al poporului rus, viata, personaje, relatii, nenorocire, povara insuportabila, umilinta.” . Orice a scris Mussorgski: opere, cântece, coruri, peste tot el acționează ca un denunțător furios și pasionat al nedreptății sociale.

În 1863, compozitorul a început să compună opera „Salammbô” (pe baza romanului cu același nume al scriitorului francez Gustave Flaubert), iar în 1868 - opera „Căsătoria” (bazată pe textul neschimbat al comediei lui N. V. Gogol). Ambele lucrări au rămas neterminate, dar l-au pregătit pe Musorgski pentru crearea operei Boris Godunov (1869), care a devenit un fenomen semnificativ în muzica rusă.

Întreaga putere a talentului lui Mussorgski a fost dezvăluită în opera „Boris Godunov”bazat pe tragedia lui Pușkin. În această tragedie, Mussorgski a fost atras de oportunitatea de a arăta în operă trezirea puterii poporului, care are ca rezultat o nemulțumire deschisă și, în cele din urmă, - o revoltă spontană. Ideea principală a operei este conflictul dintre criminalul țar Boris și popor, care a dus la o revoltă. Atenția compozitorului s-a concentrat pe dezvăluirea ideii principale: ciocnirea dintre rege și popor. Oamenii din opera lui Mussorgski sunt personajele principale. În ciuda importanței mari a scenelor de mulțime, atenția principală în operă este acordată caracterizării lumii interioare a personajelor. În prim plan, desigur, se află imaginea lui Boris, care este dezvăluită prin scene ample de monolog. Stăpânind cu brio tehnica recitativului, Mussorgsky transmite în muzică starea de spirit a eroului - anxietate vagă, durere și depresie, chin dureros al conștiinței, frică și chiar halucinații. Rolul de orchestră din operă este foarte complex. El urmărește în mod flexibil vocea, adăugând nuanțe psihologice importante părții vocale. Această operă este apropiată ca spirit de sentimentele revoluționar-democratice care existau în societatea rusă în anii 60-70. al XIX-lea.

În 1872, compozitorul a început să lucreze la opera „Khovanshchina”, pe care el însuși a numit-o „dramă muzicală populară”. În același timp, a scris o lucrare de un tip complet diferit - opera lirică-comedie „Târgul Sorochinskaya”, bazată pe povestea lui N.V. Gogol (a rămas neterminată).

Potrivit contemporanilor, Mussorgski a fost un pianist excelent. Ca un omagiu adus instrumentului său preferat, a creat o suită mare de pian de zece piese „Imagini la o expoziție”(1874). Ideea pentru suită a fost inspirată de expoziția postumă a lucrărilor prietenului său, artistul și arhitectul Viktor Aleksandrovich Hartmann. Ciclul începe cu o introducere, care devine laitmotivul lucrării. Autorul a numit-o „Walk” dintr-un motiv: transmite mișcarea vizitatorului prin sălile de expoziție. Urmează „imagini” individuale: „Gnome”, „Castelul vechi”, „Grădina Tuileries”, „Vite”, „Baletul puilor necălțați”, etc. Muzica introductivă se repetă periodic și, datorită acesteia, ciclul dobândește unitate și este percepută ca o compoziție integrală.

Mussorgsky este autorul unor cântece și romante celebre. Prima melodie publicată „Unde ești, stea mică...” (cuvinte ale poetului și traducătorului Nikolai Porfiryevich Grekov) a dat naștere unei teme lirice în opera vocală a compozitorului, care a atins apogeul în romantismul fantastic „Noapte” ( cuvinte de A. S. Puşkin). Schițe amuzante ale vieții de familie rusești sunt prezentate în romanțele „Dar dacă aș putea să te întâlnesc” (cuvinte ale poetului Vasily Stepanovici Kurochkin) și „Svetik Savishna” și „Seminarist” (cuvinte ale compozitorului).

Mussorgsky este un compozitor cu adevărat popular, care și-a dedicat toată opera poveștii vieții, durerilor și speranțelor poporului rus. Creativitatea lui a fost așa original și inovator, care încă are un impact puternic asupra compozitorilor din diferite țări.

Alexander Porfirievich Borodin (1833-1887) -un compozitor unic. În muzică, el a continuat în multe feluri tradițiile lui Glinka. În muzica sa, Borodin a întruchipat măreția și puterea poporului rus, trăsăturile eroice ale poporului rus, imaginile maiestuoase ale epopeei naționale. Și alături de aceasta, în opera lui Borodin există imagini lirice, sincere, pline de pasiune și tandrețe.

Borodin este unul dintre creatorii limbii ruse simfonie clasică(a doua, " Bogatyrskaya„, 1876, care a deschis direcția eroic-epică în simfonismul rus; tablou simfonic „În Asia Centrală”, 1980), cvartet de coarde clasic rus. Maestru al lirismului vocal („Pentru țărmurile patriei îndepărtate”); a introdus imagini ale epicului eroic în romantism, a întruchipat ideile de eliberare din anii 60. secolul al 19-lea („Prițesa adormită”, „Cântecul pădurii întunecate”).

O lucrare remarcabilă a literaturii ruse antice din secolul al XII-lea - „Povestea campaniei lui Igor” - l-a fascinat pe Borodin, l-a fascinat și l-a inspirat să creeze o operă. Laicul a povestit despre campania nereușită a curajosului prinț Igor împotriva polovtsienilor. Autorul a chemat prinți să se unească, iar această orientare patriotică a operei a cuprins rolul ei progresist. Borodin și-a creat marea operă pe baza acestui complot „Prințul Igor”(terminat de Rimski-Korsakov în 1890).

„Prințul Igor” este o operă liric-epică în 4 acte cu prolog. Muzica operei se bazează în mare măsură pe intonațiile cântecelor populare - rusești și orientale. Scenele populare, atât rusești, cât și orientale, sunt pictate în culori strălucitoare. În aceasta, Borodin a fost un adept al lui Glinka, care a găsit și caracteristici convingătoare din punct de vedere artistic pentru a descrie tabăra dușmanilor.

Nikolai Andreevici Rimski-Korsakov (1844-1908).Printre compozitorii The Mighty Handful, Rimski-Korsakov ocupă un loc aparte. Odată cu munca sa, muzica rusă a înflorit în plină floare. basm. Întreaga lui viață este un serviciu altruist și dezinteresat pentru artă, loialitate față de idealurile sale.

Gama de teme și intrigi întruchipate de Rimsky-Korsakov este largă și variată. La fel ca toți „kuciștii”, compozitorul s-a îndreptat către istoria rusă, imagini ale vieții populare, imagini ale Orientului; a atins, de asemenea, domeniul dramei de zi cu zi și sfera lirico-psihologică. Dar talentul lui Rimski-Korsakov a fost dezvăluit cel mai pe deplin în lucrări legate de lumea fanteziei și diferite forme de artă populară rusă. Un basm, o legendă, o epopee, un mit, un ritual determină nu numai tema, ci și semnificația ideologică a majorității operelor sale. Dezvăluind subtextul filozofic al genurilor folclorice, Rimski-Korsakov dezvăluie viziunea asupra lumii a oamenilor: visul lor etern de o viață mai bună, de fericire, întruchipat în imaginile țărilor și orașelor strălucitoare de basm (regatul lui Berendee în „Zăpada Maiden”, orașul Lollipop din „Povestea țarului Saltan”); idealurile sale morale și estetice, personificate, pe de o parte, de eroinele captivant de pure și blânde ale operelor (Prițesa din „Kashchei Nemuritorul”), pe de altă parte, de cântăreți legendari (Lel, Sadko), aceste simboluri ale nestingerii. arta Folk; admirația lui pentru puterea dătătoare de viață și frumusețea veșnică a naturii; în cele din urmă, credința ineradicabilă a oamenilor în triumful forțelor luminii, dreptății și bunătății este sursa optimismului inerentă lucrării lui Rimski-Korsakov.

Caracteristicile stilului și metodei artistice ale compozitorului au fost dezvăluite cel mai pe deplin în creativitatea operistică. Cele 15 opere ale lui Rimski-Korsakov reprezintă o varietate extraordinară de soluții de gen, dramatice, compoziționale și stilistice. Printre ele se numără lucrări care gravitează spre o structură numerică („Noaptea de mai”, „Făioța zăpezii”, „Mireasa țarului”) și dezvoltare continuă („Mozart și Salieri”, „Kashchei Nemuritorul”, „Legenda invizibilului”. Orașul Kitezh”, „Cocoș de aur”); opere cu scene de aglomerație mare („Pskovite”, „Noapte de mai”, „Ciasta zăpezii”, „Mlada”, „Sadko”, „Kitezh” și fără ele („Mozart și Salieri”, „Vera Sheloga”, „Kashchei Nemuritorul” ”) , cu ansambluri complete extinse („Mireasa țarului”) și fără ansambluri („Mozart și Salieri”, „Cocoșul de aur”). În fiecare caz concret se determină alegerea genului, principiile soluțiilor dramatice și stilistice. de incinta parcelei. „Nu am crezut niciodată și nu cred”, a subliniat Rimski-Korsakov, „într-o singură formă de operă adevărată, crezând că atâtea intrigi câte sunt în lume, ar trebui să existe tot atâtea (aproape tot atâtea) forme operistice independente corespunzătoare.. În timp ce afirmă viziunea operei ca o operă în primul rând muzicală, Rimski-Korsakov a cerut în același timp bazele sale poetice, unitatea și consistența stilului literar. A condus activ munca libretiștilor. Compozitorul a scris el însuși o serie de librete de operă.

Opera simfonică a lui Rimski-Korsakov nu este atât de mare și diversă în comparație cu opera. Cu toate acestea, el a adus o contribuție strălucitoare și originală în acest domeniu. Concretitatea imaginativă a gândirii muzicale a compozitorului i-a determinat înclinația către simfonismul programatic (în principal pictural, vizual) și de gen (asociat cu teme populare de cântec și dans). De aici alegerea caracteristică a genurilor și formelor - uvertură (fantezie), tablou simfonic, suită și o anumită direcție a stilului - o tendință spre variație, ornamentație în dezvoltarea materialului, o atenție deosebită la posibilitățile coloristice ale armoniei și orchestrației.

Rimsky-Korsakov a lăsat o uriașă moștenire creativă în aproape toate genurile muzicale. Lucrările sale sunt variate în conținutul lor, dar principala lor caracteristică este o pătrundere profundă în viața și modul de viață al oamenilor, gândurile și aspirațiile lor.

Geniul Piotr Ilici Ceaikovski (1840-1893)

Printre compozitorii clasici ruși iese în evidență numele lui Ceaikovski. Este drag iubitorilor de muzică din întreaga lume. Lucrările sale captivează și entuziasmează în egală măsură toți oamenii - muzicieni profesioniști și publicul larg. Ceaikovski și-a dedicat munca omului, dragostea pentru Patria și natura rusă, aspirațiile sale de fericire și lupta curajoasă împotriva forțelor întunecate ale răului. Muzica compozitorului conține întreaga viață a unei persoane cu bucuria, tristețea, speranțele, lupta, disperarea ei. Și indiferent despre ce vorbește Ceaikovski, el este întotdeauna sincer și sincer.

Stilul muzical al lui Ceaikovski s-a dezvoltat în contextul ideilor neconvenționale ale compozitorului despre natura identității naționale. În interpretarea sa despre „național” și „popular”, el a urmat o altă cale decât adepții „kuchismului”. Folclorul rus nu a fost o sursă universală pentru el, baza fundamentală a limbajului muzical. Cu ajutorul intonațiilor de cântece populare generalizate, mediate, Ceaikovski a întruchipat imaginea națională a „rusității”, a Rusiei, a realității ruse în versatilitatea sa modernă. Prin urmare, compozitorul nu și-a propus să folosească în muzică genuri specifice ale folclorului țărănesc autentic, ci a apelat la „vocabul intonațional” al vieții muzicale urbane din jurul lui. Intonațiile urbane familiare, combinate cu deschiderea emoțională, sinceritatea și melodia, au făcut ca muzica lui Ceaikovski să fie înțeleasă și accesibilă celui mai larg public atât din Rusia, cât și din străinătate. De aceea, lucrările lui Ceaikovski au câștigat rapid simpatia europenilor și au contribuit la recunoașterea internațională a muzicii ruse în întreaga lume.

Ceaikovski a scris în aproape toate genurile și în fiecare dintre ele și-a spus noul cuvânt de artist strălucit. Dar poate că genul lui preferat era operă.În ea, Ceaikovski a apărut ca un adevărat reformator. Compozitorul și-a imaginat opera ca fiind cel mai democratic gen. „Opera”, a scris el, „și numai opera te apropie de oameni, îți face muzica mai aproape de publicul real...” Acțiunea de operă se bazează pe sentimente și experiențe umane puternice. Ceaikovski a acordat o mare atenție conținutului operelor sale, dând întotdeauna preferință unei intrigi din viața rusă, deoarece poporul rus îl cunoștea și îl înțelegea cu adevărat bine.

Una dintre cele mai bune lucrări ale lui Ceaikovski opera „Eugene Onegin”.Cu mult înainte de a se decide să scrie o operă bazată pe intriga lui „Eugene Onegin”, Ceaikovski a devenit pasional interesat de poeziile lui Pușkin. Una dintre părțile sale preferate din romanul poetic a fost scrisoarea Tatianei către Onegin, iar compozitorul visa să compună muzică pentru aceste cuvinte. Prima reprezentație a operei, la cererea compozitorului, a avut loc de studenții Conservatorului din Moscova sub conducerea lui N. Rubinstein la 17 martie 1879.

Ceaikovski și-a numit opera „scene lirice”. Compozitorul și-a concentrat toată atenția pe dezvăluirea lumii interioare, spirituale, a personajelor sale.

Opera „Eugene Onegin” este una dintre cele mai înalte realizări ale artei operistice rusești. Imaginile veridice ale romanului lui Pușkin au ajutat la rezolvarea problemei creării unei „drame intime, dar puternice”, ale cărei personaje erau „oameni vii adevărați”. Drama personală a personajelor se desfășoară pe fundalul imaginilor de zi cu zi. Diverse scene cotidiene dau operei un farmec aparte.

Inovația „Lacul lebedelor” - neobișnuirea și diferența sa față de tot ce a apărut înainte - chiar dacă nu a fost pe deplin înțeleasă imediat, a fost imediat remarcată atât de public, cât și de critici, deși uneori a provocat nedumerire în rândul iubitorilor de muzică luminați. Unii i-au reproșat compozitorului sărăcia imaginației sale creatoare, monotonia temelor și melodiilor și o anumită monotonie. Alții credeau că muzica era frumoasă, de fapt, chiar prea bună pentru balet. Cu toate acestea, premiera baletului la Teatrul Bolșoi din Moscova (20 februarie 1877) a fost un succes, iar spectacolul a rămas în repertoriu până în 1883, când decorul acestei producții a intrat în complet paragină.

Prima recenzie în presă, unde s-a apreciat crearea unui nou balet, i-a aparținut lui G.A. Laroche: „În ceea ce privește muzica, „Lacul lebedelor” este cel mai bun balet pe care l-am auzit vreodată... Melodiile, una mai plastică, mai melodioasă și mai captivantă decât cealaltă, curg parcă dintr-o corn abundență; Ritmul de vals care predomină între numerele de dans este întruchipat într-o varietate de modele grațioase și captivante, încât imaginea melodică a unui compozitor talentat și versatil nu a rezistat niciodată la un test mai strălucit...”

În același timp, muzica simfonică ocupă, de asemenea, un loc important în opera lui Ceaikovski. A scris 6 simfonii și programul simfonii „Manfred”, trei concerte pentru pian și orchestră, unul pentru vioară și o serie de suite orchestrale. Dintre piesele simfonice într-o singură mișcare, se remarcă în special piesele fantastice „Francesca da Rimini” și piesele de program bazate pe intrigile lui Shakespeare (uvertură-fantezie „Romeo și Julieta”, fantezia „Furtuna”).

Gama intereselor creative ale compozitorului este neobișnuit de largă. Moștenirea sa include zece opere (Eugene Onegin, Ondine, Fierarul Vakula, Regina de pică etc.), trei balete (Lacul lebedelor, Frumoasa adormită, Spărgătorul de nuci), șapte simfonii, peste zece lucrări orchestrale, concerte instrumentale, corale și muzică pentru pian, lucrări de cameră și vocale. În fiecare domeniu, Ceaikovski a fost un inovator, deși nu a căutat niciodată să fie un reformist. Folosind genurile tradiționale, compozitorul a găsit oportunități de a le actualiza.

„Mi-aș dori din toată puterea sufletului”, a scris Ceaikovski, „să se răspândească muzica mea, astfel încât să crească numărul celor care o iubesc, care găsesc consolare și sprijin în ea”.. Dorința compozitorului s-a împlinit.

Opera lui Ceaikovski este culmea culturii muzicale mondiale a secolului al XIX-lea - un izvor mereu viu și prețios din care compozitorii secolului al XX-lea și contemporanii noștri nu încetează să se inspire.

Concluzie

Secolul al XIX-lea a oferit lucrări minunate pentru muzica rusă și universală. „Ruslan și Lyudmila” și „Ivan Susanin”, „Eugene Onegin” și „Lacul lebedelor” sunt mândria culturii ruse. Fondul de aur al muzicii rusești include lucrări de Borodin, romanțe de Balakirev, Rimski-Korsakov, Borodin, Cui.

Compozitorii ruși au început să călătorească în străinătate. Acolo au comunicat cu maeștri proeminenti ai artei muzicale și, cel mai important, au primit o educație muzicală europeană. Rusia a stârnit interes reciproc în Europa și, de-a lungul secolului, mulți muzicieni remarcabili au făcut turnee la Moscova și Sankt Petersburg. Introducerea în cultura europeană nu numai că a crescut nivelul intelectual și profesional al compozitorilor și interpreților ruși, dar i-a și ajutat să înțeleagă mai bine tradițiile muzicii naționale și să se cunoască mai bine pe ei înșiși.

Cine este compozitorul rus preferat al Americii în zilele noastre? Desigur, Ceaikovski. Mulți americani îl consideră chiar și pe Piotr Ilici un compozitor american. Își conducea lucrările în America când a fost invitat la deschiderea celebrei Carnegie Hall din New York. Muzica lui se aude aproape zilnic la radio din America, în special simfoniile a 4-a și a 6-a și concertul I pentru pian. Baletul preferat al Americii este Spărgătorul de nuci.

Opera compozitorilor clasici Glinka, Dargomyzhsky, Borodin, Rimski-Korsakov, Ceaikovski este o adevărată comoară a culturii ruse a secolului al XIX-lea. Tradițiile lor și-au găsit implementarea și dezvoltarea în lucrările compozitorilor de la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea - Taneyev și Glazunov, Lyadov și Arensky, Kalinikov, Scriabin și Rachmaninov. Toți sunt succesori demni ai marilor lor predecesori.

În lucrarea mea de curs, am arătat dezvoltarea muzicală a Rusiei în secolul al XIX-lea, am analizat starea culturii muzicale, am identificat trăsăturile acesteia, am vorbit despre compozitorii acestui secol și despre operele lor și, de asemenea, am dezvăluit semnificația muzicii ruse din secolul al XIX-lea. secol pentru cultura mondială.

Cultura muzicală rusă a secolului al XIX-lea, prin contopirea cu cultura europeană, prin transformarea acesteia, a căpătat trăsături speciale originale și a început, la rândul său, să aibă o influență semnificativă asupra acesteia, dezvoltându-se până în zilele noastre.

Bibliografie

1. Marea Enciclopedie Sovietică

2. Levashova O., Keldysh Y. Istoria muzicii ruse - M., 1980

Enciclopedie în jurul lumii

Smirnova E. Literatura muzicală rusă - M., 2001

Nikitina L.D. Istoria muzicii ruse-M., 1999

Rapatskaya L.A. Istoria muzicii ruse: de la Rusia antică la „Epoca de argint” - M., 2001

7.www.rimskykorsakov.ru

Anexa 1

Gurilev, Varlamov, Alyabyev, Verstovsky

Fedor Ivanovici Glinka

Schiță a costumului lui Svetozar. Opera „Ruslan și Lyudmila”

Anexa 2

Petru Ilici Ceaikovski

Balet „Spărgătorul de nuci” cu participarea actorilor Teatrului Bolșoi

Îndrumare

Ai nevoie de ajutor pentru a studia un subiect?

Specialiștii noștri vă vor consilia sau vă vor oferi servicii de îndrumare pe teme care vă interesează.
Trimiteți cererea dvs indicând subiectul chiar acum pentru a afla despre posibilitatea de a obține o consultație.

Caracteristicile dezvoltării istorice

Secolul al XVII-lea se remarcă drept una dintre cele mai importante etape în dezvoltarea istoriei statului rus. În secolul al XVII-lea în viața socială și cultura rusă au loc schimbări și transformări majore. Aceste transformări au fost cauzate de sfârșitul dezvoltării Rusiei medievale și de începutul unei noi ere asociate cu cultura vest-europeană, care a dus la o ciocnire a două sisteme diferite de gândire și la conflicte ulterioare. Schimbările au afectat toate aspectele vieții în Rusia în secolul al XVII-lea, inclusiv cultura și arta. Calea dezvoltării culturii ruse în secolul al XVII-lea. s-a intersectat cu Europa de Vest. În arta rusă, care s-a dezvoltat izolat de-a lungul Evului Mediu până în a doua jumătate a secolului al XVII-lea, au apărut noi forme de artă vest-europeană. Modul de viață rusesc se schimbă treptat.

Procesele de dezvoltare istorică în secolul al XVII-lea. caracterizate prin conflicte sociale. La mijlocul secolului al XVII-lea. Statul rus se întărește și se extinde, dar în același timp are loc treptat înrobirea țăranilor, în urma căreia se instaurează iobăgie, care de mulți ani a pus o povară grea asupra țărănimii ruse. Acest lucru a provocat nemulțumiri, revolte și războaie țărănești.

Secolul XVII a devenit una dintre cele mai dramatice pagini ale istoriei Rusiei. Începutul său a fost însoțit de evenimente nefavorabile de politică externă 1 - „timpul necazurilor” - ani de vremuri grele, care au fost însoțite de războaie continue care au dus țara la ruină. Foamea și eșecurile recoltelor, contradicțiile interne, revoltele claselor inferioare urbane, războiul țărănesc condus de Ivan Bolotnikov (1606) și lupta împotriva intervenției poloneze caracterizează situația de la începutul secolului.

Evenimentele nu mai puțin dramatice sunt asociate cu a doua jumătate a secolului al XVII-lea, marcată de scindarea Bisericii Ruse și de mișcarea Vechilor Credincioși, războiul țărănesc condus de Stepan Razin și revoltele Streltsy.

Reformele lui Petru I au introdus schimbări majore în modul obișnuit al vieții rusești. Războaiele de succes au întărit statul rus, au contribuit la creșterea conștiinței naționale de sine a poporului rus și au condus la mijlocul secolului al XVII-lea. pentru a întări puterea Rusiei. În acest moment, Rusia includea Ucraina, regiunea Volga, o parte semnificativă a Siberiei și Orientul Îndepărtat. Multe evenimente din secolul al XVII-lea. s-au reflectat în arta populară, în cântece istorice - cântece ale oamenilor liberi, compuse în memoria liderului țăran Stepan Razin, multe cântece au fost despre Ermak, Grișka Otrepyev și țareviciul ucis Dimitri, despre Petru I.

Rusia secolul al XVII-lea a experimentat războaie lungi, devastări și transformări serioase ale guvernului. O situație similară se dezvoltă peste tot în acest moment. În secolul al XVII-lea Lupta împotriva contrareformei este în desfășurare, iar în multe țări europene crește o mișcare populară în lupta pentru eliberare națională. A căpătat o amploare specială în Ucraina, terminând cu reunificarea Ucrainei cu Rusia în 1654.

Viața muzicală în secolul al XVII-lea

Viața muzicală a acestui timp este multifațetă și contradictorie. În ea se împletesc și se luptă fenomene noi și vechi, idei dogmatice medievale cu cele noi europene. Deci, în 1648, țarul Alexei Mihailovici a emis un decret privind expulzarea bufonilor și chiar distrugerea instrumentelor muzicale: „Arde vasele norocului!” (Asemenea instrucțiuni nu au fost date de prinți nici măcar în Evul Mediu profund.) Dar curând, din ordinul aceluiași Alexei Mihailovici, s-a deschis primul teatru de curte la Moscova, care a existat timp de patru ani (1672-1676).

Instrumentele muzicale sunt aduse în Rusia din Occident. Nu numai la curte, ci și boierii au început să cânte muzică în „stil german”; occidentalii luminați au început să aibă orgă, clavicorde, flaut și violoncel. În secolul al XVII-lea În Rusia moscovită au început să se dezvolte forme non-culte de muzică acasă - psalmi și cântări.

De la începutul secolului al XVII-lea. Creativitatea cântăreților ruși este intensificată, apar multe cântece originale și cântece ale tradiției locale, se răspândesc melodii nordice: Solovetsky, Tikhvin, Novgorod, Usolsky și cele sudice - Kiev, bulgară, greacă. Dezvoltare ulterioară în secolul al XVII-lea. găsește teoria notației znamenny, care a dus la reforme întreprinse mai întâi de Ivan Shaidur și apoi de Alexander Mezents. Ambii au lucrat pentru a clarifica nivelul de înclinare al semnelor: Shaidur a introdus semne de cinabru, Mezenets a introdus semne care au făcut posibilă descifrarea notației Znamenny în timpul nostru.

Istoria muzicii secolului al XVII-lea. împărțit în două jumătăți; primul este încă asociat cu tradițiile din Evul Mediu, dar în acest moment sunt deja introduse elemente corespunzătoare noului spirit al vremurilor. Din a doua jumătate a secolului al XVII-lea. (odată cu sosirea cântăreților ucraineni la Moscova în 1652), a început o nouă etapă în dezvoltarea muzicii rusești, marcată de apariția notației cinci-liniare (Kiev) și a polifoniei de tip armonic european.

În a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Muzicienii ruși se familiarizează cu cultura muzicală vest-europeană, cu teoria și practica ei, cu tehnicile de compoziție și cu noile genuri muzicale. O nouă estetică a artei se formează în dezbateri aprinse. Se nasc tratate polemice ale adepților artei vechi și noi.

Formarea unui nou stil a avut loc în cadrul muzicii bisericești. Declarația sa s-a dovedit a fi direct legată de reformele Patriarhului Nikon. Pentru susținătorii vechilor ritualuri, noua artă în stil occidental era o cultură străină, străină; contrazicea canonul original rusesc antic.

Secolul al XVII-lea este un punct de cotitură; ca toate punctele de cotitură, este plină de conflicte. Noua estetică a artei în secolul al XVII-lea. contrastează cu cea veche. Acest conflict este exprimat în artă și chiar în limbaj. Problemele teologice, lingvistice, lingvistice - dispute cu privire la noile traduceri ale cărților sacre făcute sub patriarhul Nikon - au stat în centrul conflictului dintre susținătorii vechiului (Vechi credincioși, Vechi credincioși) și noului rit. Ele au fost însoțite de un conflict cauzat de ciocnirea artei vechi și noii. Campionii vechiului rit, care au afirmat vechile idealuri, au văzut în muzica Partes extinderea inamicului ideologic - catolicism - influență catolică 2. Susținătorii noii arte afirmă un nou standard estetic. Arta occidentală a devenit, de asemenea, un punct de referință pentru muzicienii ruși de la sfârșitul secolului al XVII-lea. Occidentul începe să fie perceput în moduri diferite: pentru campionii artei noi (N. Diletsky, I. Korenev, S. Polotsky, I. Vladimirov) cultura occidentală devine standardul. Ei se străduiesc să folosească, să repete, să copieze cele mai bune exemple occidentale. Pentru susținătorii vechii culturi, „zeloți ai evlaviei antice”, tot ce este occidental este străin, devine obiect de negare și respingere (protopopul Avvakum, Alexander Mezenets etc.).

Principiile stilului baroc sunt dezvoltate în estetica și sistemul de credințe al muzicienilor și teoreticienilor occidentali. Condamnându-și oponenții de ignoranță, respingând cântarea Znamenny, teoria și notația acestuia, Diletsky și Korenev afirmă o nouă linie de ghidare a valorii. Fundamental nou în comparație cu cel medieval a fost conceptul de muzică (musicia), care a fost folosit în egală măsură în raport cu muzica instrumentală și vocală. Diletsky și Korenev recunosc nevoia de a folosi orga în pregătirea muzicienilor, în special a compozitorilor.

Opoziția acestor culturi și ciocnirea lor deschisă a provocat un conflict ireconciliabil, care a urmat curând. Acest conflict al epocii, reflectat în Vechii Credincioși, a zguduit întreaga cultură rusă din a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Ruptura care s-a produs în ea s-a manifestat atât în ​​muzică, cât și în literatură, arte plastice, liturgică și în modul de viață.

Muzica nouă a fost un simbol al unei noi conștiințe religioase, dar lupta s-a desfășurat nu numai în sfera ideologiei și a disputelor teologice, s-a exprimat în mod substanțial în creativitatea artistică, în polemicile muzicale. Muzica Partes a fost asociată cu cultura occidentală, catolică. „La Moscova cântă cântece, și nu cântare divină, în latină, iar legile și regulamentele lor sunt latine: își flutură mâinile și dau din cap și călcă cu picioarele, așa cum este de obicei în rândul studenților latini pe organe” 3 - aceasta așa denunță protopopul Avvakum noul cânt în stil latin, occidental, care s-a răspândit în bisericile din Moscova în secolul al XVII-lea. „Nu e nimic de ascultat – dansatorii bufoni cântă în latină”, se plânge el 4 .

Dorința de a păstra și păstra cultura vremurilor vechi a fost în general caracteristică multor figuri ale secolului al XVII-lea care au aderat la tendințele conservatoare și protectoare. D. S. Likhachev vede în acest tip de activitate de „restaurare” un semn al unui nou timp. Acest tip de fenomene de „restaurare” include și noua sistematizare a semnelor de notație znamenny în ABC. De exemplu, în „Avizul mărcilor concordante” a bătrânului Mezenets, au fost introduse nu numai mărci, ci și semne care simplificau citirea cârligelor. Același tip de fenomene aparțin și corectarea cărților și a textelor cântare „pentru vorbire” și combaterea polifoniei.

Caracteristici ale dezvoltării artei ruse din secolul al XVII-lea. şi constă tocmai în dezvoltarea dialogică a culturii. Vechiul, fără să moară, coexistă cu noul. Odată cu stabilizarea proceselor artistice și istorice, ea continuă să se dezvolte pe două căi: una este calea contactelor largi cu cultura vest-europeană, mergând sincron cu dezvoltarea stilurilor de artă europene, cealaltă este calea conservării vechiului. tradiţie în comunităţile Vechilor Credincioşi, care şi-au protejat arta şi vechile tradiţii de cele externe.impacte de-a lungul a trei secole 5 . În acest moment, ei se aflau într-o poziție excepțională, fiind purtători ai vechii credințe și ai culturii vechi, înconjurați de noua artă în dezvoltare rapidă, au fost paznicii antichității.

Situația din a doua jumătate a secolului al XVII-lea. apropiat de situaţia din secolul al XI-lea. La fel ca în Rusia din Kiev în secolele X-XI. două culturi diferite s-au ciocnit - păgână și bizantină, în secolul al XVII-lea. cultura medievală veche rusă intră în conflict cu cultura vest-europeană. În secolul al XVII-lea contradicțiile acestor două culturi sunt expuse, apare o opoziție - „vechi” și „nou”. Asociată cu „vechiul” este tradiția muzicală canonică medievală veche, binecuvântată de secole; cu „noul” este stilul baroc, polifonia partes de tip occidental. Vechiul cânt monodic, znamenny, ca pictura antică de icoane - aparent plat, unidimensional, era în contrast cu arta volumetrică, polifonică a barocului. Creează un nou sentiment de spațiu. Textura sa, luxuriantă, multistratificată, aerisită, transmite un sentiment de mișcare tipic tuturor tipurilor de artă din epoca barocului.

Sub influența tuturor șocurilor și schimbărilor din secolul al XVII-lea. Bazele viziunii medievale asupra lumii încep să se cutremure. În polemicile dintre susținătorii artei vechi și noii, se formează treptat o nouă estetică. Înlocuirea unei direcții de stil cu alta a avut loc într-o luptă intensă cauzată de o restructurare serioasă a viziunii asupra lumii. Trecerea de la arta Evului Mediu la arta barocului a fost asociată cu întărirea principiului secular, dezvoltarea activă a noilor genuri și forme muzicale și un nou tip de gândire muzicală.

Calea de dezvoltare a muzicii polifonice rusești în epoca barocului (de la mijlocul secolului al XVII-lea până la mijlocul secolului al XVIII-lea) este izbitoare în viteza sa. Ceea ce arta occidentală a stăpânit în 700 de ani, Rusia a stăpânit în o sută. În Rusia, tradițiile barocului vest-european sunt imediat insuflate, dar în versiunea rusă. Arta baroc tânără, energică și proaspătă captivează prin frumusețea, bogăția și culorile pline de sânge. Concertele policorale, care s-au răspândit mai întâi în Ucraina și apoi în Rusia moscovită, au uimit ascultătorii cu o splendoare fără precedent.

Arta barocă de la sfârșitul secolului al XVII-lea - prima jumătate a secolului al XVIII-lea. este asociat cu apariția concertelor partes (din latinescul partis - petrecere), numite așa pentru că, spre deosebire de cântarea rusă la unison, acestea erau cântate în părți. Epoca baroc din Rusia a fost asociată cu înflorirea rapidă a polifoniei. După o domnie atât de lungă a monodiei, care a durat aproape 700 de ani, începe o perioadă de dominație a polifoniei. Se creează compoziții polifonice Partes cu 4, 8, 12 - până la 48 de voci, iar lucrările cu 12 voci devin norma. Se dezvoltă tehnici de scriere armonică și polifonică. De la mijlocul secolului al XVII-lea. se stabilește un nou stil de cântare partes, corespunzând epocii barocului, care se întruchipează în armonizări partes ale cântărilor antice, compoziții originale, cântări, psalmi și concerte.

Cântarea de concert, adusă Rusiei moscovite din Ucraina, a fost un produs al culturii europene. Din Germania și Italia, prin Polonia, pătrunde până în Ucraina, iar apoi până la Moscova. Această cale a fost firească pentru acea perioadă din secolul al XVII-lea, când multe influențe occidentale în artă au venit în Rusia în principal din Polonia prin Ucraina.

Influența de sud-vest în Rusia moscovită

La mijlocul secolului al XVII-lea. Legăturile directe ale Rusiei cu Europa de Vest sunt întărite semnificativ 6, dar influența iluminismului ucrainean-belarus, care s-a intensificat de la anexarea Ucrainei la Rusia (în 1654), s-a dovedit a fi deosebit de importantă în acest moment. Unificarea Ucrainei cu Rusia a contribuit la transformarea culturii ruse. Fiind parte a Commonwealth-ului polono-lituanian, Ucraina a stăpânit multe caracteristici ale culturii poloneze catolice. La începutul secolului al XVII-lea. În Ucraina, sub influența culturii poloneze, se formează noi forme de gândire artistică, care sunt direct legate de influența vest-europeană, în special cea italiană. Cultura poloneză prin muzicieni ucraineni de la mijlocul secolului al XVII-lea. începe să influențeze activ cultura Rusiei Moscovei.

La mijlocul secolului al XVII-lea. Oamenii de știință, cântăreții și scriitorii ucraineni și belarusi se mută la Moscova. Printre aceștia s-au numărat filologul, traducătorul, profesorul și autorul de dicționar ucrainean Epifaniy Slavinetsky și poetul și dramaturgul belarus Simeon din Polotsk, care a ocupat o poziție proeminentă la curtea Moscovei ca profesor al copiilor regali.

Datorită activităților acestor educatoare, se deschid noi instituții de învățământ - școli, colegii 7. Una dintre aceste instituții a fost Academia slavo-greco-latină (1687), care a servit ca instituție de învățământ superior în care s-a acordat multă atenție filologiei, limbilor și poeziei. Cel mai mare centru cultural a fost Mănăstirea Învierea Noului Ierusalim, fondată de Patriarhul Nikon. După cum notează Yu. V. Keldysh, rolul acestei mănăstiri a fost foarte semnificativ; aici „au apărut noi tendințe în domeniul poeziei și cântului bisericesc, noi genuri muzicale și poetice și au găsit sprijin” 8.

Cântarea în Ucraina a primit întotdeauna locul principal. Oamenii ucraineni erau foarte muzicieni prin natura lor în secolele XVI-XVII. și-a îmbunătățit rapid abilitățile de cântat, ceea ce a fost facilitat de lupta dintre ortodoxie și catolicism. Muzica ucraineană a fost foarte influențată de cultura muzicală poloneză. Unirea 9 din 1596 a facilitat intrarea cântului latin în cor. Acest lucru a avut un efect deosebit de puternic în partea de sud-vest a Ucrainei, unde dominația politică a Poloniei, dependența religioasă a unitaților de Roma și legăturile culturale cu Polonia au oferit calea răspândirii muzicii vest-europene.

Pătrunderea influenței poloneze a fost mult facilitată de numeroase frății din sudul Rusiei, care au concurat cu influența catolică și între ele. Lupta împotriva influenței catolice poloneze i-a forțat pe cântăreții ucraineni să învețe cântec nou și să folosească armele adversarilor lor. Se știe, de exemplu, că frăția din Lviv la mijlocul secolului al XVI-lea. au trimis grefieri în Moldova pentru a studia cântările grecești și sârbe, iar orașele din Galiția au trimis grefieri să studieze cântecul bisericesc în România.

Cântarea polifonica „orgă-vocală”, adică imitând sunetul unei orgă, cântarea era percepută în Rus' ca o „erezie latină”, o ispită 10. În locul poemelor spirituale anterioare, s-au cântat psalmi și cântări, adesea în poloneză. Estetica spectacolului s-a schimbat. Melodiile aspre și reținute ale cântecului Znamenny au fost înlocuite cu melodii expresive „meliflue”. Diferența dintre stilurile cântării ucrainene și moscovite a fost cel mai bine demonstrată de scriitorul arab Pavel Aleppo, care a vizitat Ucraina și Moscova în 1654-1656: „Cântarea cazacilor mulțumește sufletul și vindecă de dureri, pentru că melodia lor este plăcută, vine din inimă și este interpretat ca doar din buze; ei iubesc cu pasiune cântatul muzical, melodiile dulci și tandre.” În „irmoloinul” de la Moscova - cântând la unison, P. Alepsky a fost surprins de predilecția rușilor pentru vocile masculine joase: „Cea mai bună voce a lor este aspră, groasă, bassy, ​​​​care nu face plăcere ascultătorului. Așa cum noi consideră că este un dezavantaj, așa că au înaltul nostru melodia este considerată indecentă. Ei batjocoresc cazacii pentru melodiile lor, spunând că acestea sunt melodiile francilor și polonezilor" 11.

În Ucraina în secolul al XVII-lea. Apare un nou stil de cânt expresiv, se creează noi tipuri de cântări monodice. Manuscrise cântătoare ucrainene din secolul al XVII-lea. - Irmologionurile sunt pline de cântece de cântece locale. Numele lor sunt cel mai adesea asociate cu locul de origine și distribuție în Ucraina - Volyn, Lviv, Ostrog, Slutsk, Kremenets, Podgorsky. Uneori, cântările lor sunt asociate cu tradiția monahală locală a cântării, cel mai adesea cu mănăstiri mari - Suprasl, Kiev-Pechersk, Mezhigorsky, Kuteinsky. Dar cele mai comune, care au devenit cunoscute pe scară largă la Moscova, au fost trei - Kiev, bulgar și grec. Se pare că au fost aduși cu ei de cântăreți ucraineni care au venit la Moscova în anii 50. Secolul al XVII-lea, și în special de la școala de canto a Mănăstirii Frăției din Kiev, al cărei fondator a fost faimosul educator și personalitate politică ucraineană Lazăr Baranovici.

Cântările din Kiev, bulgară și greacă au fost scrise în notație Kievană; au fost asociate cu sistemul osmoglas și aveau câteva trăsături stilistice comune care le deosebeau de cântarea Znamenny. Acestea erau cântări strofice bazate pe repetarea repetată a melodiilor strofelor cu texte diferite. În noile cântări a apărut un metru și o periodicitate ritmică strict definite, care le-au apropiat de cântări și psalmi, care aveau trăsături de melodicism european, cântecul liric și chiar dansabilitatea. Așa se schimbă treptat estetica vechii culturi a cântului rusesc. În locul cântecului strict znamenny, cu o melodie în continuă dezvoltare, ca și cum ar fi zburătoare fără metru, vin melodii metrice, mai simple și cântece, melodice, ușor de memorat.

Cântările cântului bulgar se disting prin expresivitate și melodie 12 . Ritmul său este simetric, se încadrează de obicei într-un metru de patru bătăi, textul este scandat moderat, deși adesea se găsesc și cântece mari intrasilabice.

Cântarea grecească 13 se caracterizează prin laconism și simplitate. Melodiile cântului grecesc sunt melodioase și recitative, cu un ritm simetric. Ele sunt combinate în compoziții muzicale bazate pe repetarea variată a versurilor:

Cântarea de la Kiev este o ramură din sudul Rusiei a cântecului Znamenny. Se bazează pe stroficitate, intonarea linie cu linie a textului. În melodia cântării de la Kiev există atât structuri recitative, cât și recitative; există adesea repetări ale cuvintelor și frazelor individuale ale textului, ceea ce nu era permis în cântatul Znamenny. Cântarea de la Kiev s-a răspândit pe scară largă la Moscova din a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Există două soiuri cunoscute de cântare Kyiv - mare și mică (o versiune scurtată a celei mari).

Alături de cântarea Znamenny, cele mai importante texte ale vieții cotidiene, cântece de zi cu zi ale Privegherii toată noaptea și Liturghiei au fost scandate la Kiev și cântece grecești. Sunt multe dintre ele în Irmologionul din sudul Rusiei. Odată cu introducerea cântării partes în a doua jumătate a secolului al XVII-lea. Au apărut armonizările polifonice de la Kiev, bulgară și greacă.

Pagina 1 - 1 din 3
Acasă | Prev. | 1 | Urmări. | Sfârșit | Toate
© Toate drepturile rezervate