Introduktion
1. Rysslands sångkultur på 1800-talet
2. Ryska tonsättarskolan
2.1 Mikhail Ivanovich Glinka
2.2 Alexander Sergeevich Dargomyzhsky
2.3 "Mäktigt gäng"
2.4 Pjotr Iljitj Tjajkovskij
3. Rysk musikkultur i början av 1900-talet.
Slutsats
Bibliografi
Introduktion
Ryssland på 1800-talet gjort ett stort steg i kulturens utveckling, gjort ett ovärderligt bidrag till världskulturen. Detta var förutbestämt av ett antal skäl. Det kulturella uppsvinget berodde på den ryska nationens bildningsprocess under övergångsperioden till nya kapitalistiska relationer, tillväxten av nationell självmedvetenhet. En annan faktor som bidrog till den intensiva utvecklingen av den ryska kulturen är nära samspel med kulturerna i andra länder och folk. Västeuropeiskt samhällstänkande hade ett stort inflytande på Rysslands kultur. Det ryska samhället uppfattade de avancerade prestationerna av kulturerna i europeiska länder, samtidigt som originaliteten i deras nationella kultur bibehölls. Intelligentian börjar ta en aktiv del i utvecklingen av den nationella kulturen. I början bildades detta samhällsskikt bland adeln och prästerskapet, men redan på 1700-talet. allmoge uppträder, och i början av 1800-talet. - livegen intelligentsia (skådespelare, konstnärer, arkitekter, musiker, poeter). Under 1700-talet - första hälften av 1800-talet tillhör huvudrollen i kulturell utveckling den ädla intelligentsian, under andra hälften av 1800-talet - raznochintsy. Raznochintsy inkluderade utbildade representanter för den liberala och demokratiska bourgeoisin, tjänstemän, småborgare, köpmän och bönder. Det är därför på 1800-talet. Ryssland genomgår en process av demokratisering av kulturen. Antalet författare, poeter, konstnärer, kompositörer, vetenskapsmän från de oprivilegierade klasserna ökar.
I denna uppsats kommer jag att försöka ge en allmän beskrivning av den musikaliska kulturen i Ryssland under 1800-talet - början av 1900-talet, för att spåra ursprunget och kontinuiteten för den ryska musikkonsten. Det är nödvändigt att betona vikten av att studera kulturhistorien, eftersom nutiden är baserad på det förflutna. Även vår tids mest revolutionerande musikaliska verk är antingen direkt eller indirekt påverkade av det förflutna. Syftet med abstraktet är att analysera tillståndet för den musikaliska kulturen i Ryssland under 1800- och början av 1900-talet, att identifiera dess egenskaper, att berätta om kompositörerna från denna tid och deras verk, och också att ta reda på betydelsen av ryska. musik från den tiden för världskulturen.
1. Rysslands sångkultur på 1800-talet
På 1800-talet Ryska kompositörer ägnade stor uppmärksamhet åt studiet av folklore, ansåg folkmusiken vara en inspirationskälla. De samlade på folkvisor och använde dem ofta i sina verk. Nya musikgenrer dyker upp, gamla former (vardagssånger, sånger på temat vandring, satiriska sånger) förvandlas under inflytande av nya livsvillkor, bildernas natur och intonationsuttryckande medel förändras. Den vardagliga folkvisan speglar stora sociopolitiska händelser av nationell betydelse. Det fosterländska kriget 1812 återspeglades brett i folksången. En cykel av sånger om 1812, kopplad till den muntliga folktraditionen, har kommit till oss. När det gäller innehåll och musikaliska och poetiska former är de väldigt olika. Det här kriget var anledningen till uppkomsten av lyriska sånger som fångade människors djupa sorg, sorg, sorg orsakad av fosterlandets katastrofer, ruinen av hemlandet, döden av nära och kära.
Rysk folksång fick stor popularitet, spreds i många originalarrangemang - för kören, röst med ackompanjemang och individuella instrument. 1806-1815 trycktes Prachs samling om flera gånger. På grundval av den skapades sångsamlingar av offentlig typ.
Danila Kashin, infödd av livegna, fick stor berömmelse, skapade många anpassningar av folksånger. Åren 1833-1834. hans samling "Ryska folksånger" publicerades i tre delar. På fyrtiotalet återutgavs samlingen, vilket indikerar dess popularitet.
Ivan Rupin samlade också bondsånger, utsatte dem för bearbetning, hans verk kännetecknas av en syntes av folksånger och urbana romantiska intonationer. Hans efternamn uttalades av samtida med den italienska ändelsen - Rupini, vilket vittnar om hans berömmelse. År 1831 gav ut sin sångsamling. Samtidigt med vardagliga arrangemang av folkvisan utvecklas en lyrisk sentimental romans. I denna genre kombineras enkelhet av medel med omedelbarhet och uppriktighet i uttrycket. Av stor betydelse för utvecklingen av den ryska romantiken på 1800-talet var kompositörerna Alyabyev, Varlamov, Gurilev, Verstovsky.
Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851) var från adeln. Han tjänstgjorde i armén, deltog i det patriotiska kriget 1812. Efter pensioneringen ägnade han sig åt kreativitet. Alyabyev är författare till populära romanser: "Jag älskade dig", "Winter Road" (båda till dikter av A.S. Pushkin), "Nightingale" och andra. "Nightingale" är en av Alyabyevs mest kända sånger. Allt i det är enkelt och samtidigt uppriktigt. Låten föregås av en pianointroduktion. Från de allra första intonationerna av vokaldelen utspelar sig en fängslande smidig, eftertänksam melodi. Hon fängslar omedelbart med sin andlighet.
Kompositören Alexander Yegorovich Varlamov (1801-1848) - författare till populära romanser. Han skapade mer än hundra verk av denna genre, mestadels baserade på dikter av ryska poeter ("The Red Sundress", "En snöstorm sveper längs gatan", "I gryningen väcker du henne inte", "Det ensamma seglet svänger vit”, etc.). Varlamov visade sig också som sångare, dirigent, gitarrist och lärare. Han skrev en lärobok för sångare - "The Complete School of Singing" (1840).
Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858) var son till en livegen musiker. Kompositör, pianist, violinist, violinist och lärare, Gurilev är känd som författare till sånger och romanser. De mest kända är hans låtar "Mother Dove", "Bell", "Sarafan", "The Swallow Curls" och romanserna "Parting", "You don't understand my sadness". Förutom vokaltexter arbetade kompositören inom pianomusikens genrer, samlade och bearbetade folkvisor.
Arbetet av Alyabyev, Varlamov och Gurilev är ett ovärderligt bidrag till den ryska musikens skattkammare. Deras sånger och romanser ingår fortfarande i konsertrepertoaren av sångare, körer och framförs av vanliga människor.
Den ryska musikens historia, liksom historien om ryska traditioner och seder, är resultatet av en lång, hundra år gammal evolution, under vilken individuella kulturella landvinningar bildades och utvecklades. Naturligtvis inkluderar sådana prestationer också det rika arvet från den ryska musikkulturen, som inkluderar folklore, verk av ryska kompositörer med världsberömdhet, fritt arbete av barder, såväl som en speciell nationell stil av rysk romantik.
Den ryska musikens historia börjar med utvecklingen av folklorekulturen i de gamla slaviska samhällena som bosatte sig i Kievan Rus länder. En enorm mängd nationell kreativitet i form av folkvisor, som har överlevt till vår tid, bär på en karakteristisk nyans av hedendom tillsammans med kristna traditioner. De karakteristiska dragen hos rysk folkmusik fungerade som den huvudsakliga grunden på vilken all rysk musikalisk kreativitet byggdes i framtiden.
Rysk folkmusik är uppdelad i många genrer, bland vilka sånggenren är den äldsta. Sångerna var mycket olika, till exempel en rituell sång, en bröllops- och danssång, episka och berättande sånger, lyriska och dramatiska sånger. Och nästan all gammal folkmusik var övervägande sångmusik, som experter associerar med det befintliga förbudet mot musikinstrument i kyrkan (för katolska folk, tvärtom, var kyrkan centrum för den historiska utvecklingen av musikkulturen). Därför hade musikinstrument en inhemsk eller folklig karaktär. Herdar som spelade på harpa, pipor och horn var välkända hantverkare inom Balis musikaliska konst.
Utöver dessa instrument nämner antika berättelser också tamburiner, naturliga jakthorn.
Under medeltiden förföljdes och förföljdes offentliga artister och musiker, kallade buffoner, deras musikinstrument, och inte bara dem, förstördes överallt. Därför har bokstavligen några medeltida instrument överlevt till denna dag. Sådana instrument som den sjusträngade gitarren, mandolinen och dragspelet (som kallas det ryska dragspelet eller knappdragspelet) är dock förknippade med rysk musikalisk kreativitet. Men du bör veta att hundra sådana instrument kom in i den ryska kulturen först under 18-19-talen. Och redan på 1800-talet skapades den första orkestern i den ryska musikens historia, som bara bestod av ryska folkinstrument. Musik, som senare blev känd som klassisk rysk musik, kännetecknades av verk av sådana världsberömda kompositörer som M. I. Glinko, M. P. Mussorgsky, Rimsky-Korsokov, Borodin, Chaliapin, Tchaikovsky, Rachmaninov, etc. inkluderar inte mindre kända namn på Khachaturian , Prokofiev, Shostakovich, Schnittke. Till skillnad från rysk musik tenderar västerländska klassiker att uppträda inom samma stil. Man kan inte säga detsamma om ryska författare: var och en av dem kännetecknas av en unik musikalisk karisma och en djupt uttryckt författares kreativitet.
Bland de fantastiska operaartisterna kan man särskilt peka ut Chaliapin, en sångare som hade en så otrolig röstklang att han, enligt rykten, när han väl åkte på semester till Krim, lyckades bryta ett glas champagne som erbjöds honom i en av de lokala bergsgrotorna av prins Lev Golitsin.
Tyvärr tvingades många klassiker av rysk musik att emigrera efter statskuppen som genomfördes av de sovjetiska myndigheterna 1917. De fortsatte dock att skapa från utlandet.
Redan under den sena sovjetperioden spreds ett populärt popframträdande i Ryssland, vars ljusaste representanter var de levande A. Pugacheva, V. Leontiev, I. Kobzon, Leshchenko, Rotaru och många, många andra. I slutet av 1900-talet utvecklades rysk populärmusik längs västerländska linjer och är populär främst bland den rysktalande befolkningen. På det västerländska musikområdet lyckas ryska sångare sällan nå höjder i världsklass och på det ryska språket har en speciell förkortning uppstått i förhållande till den lätttänkta populärmusikaliska riktningen, som låter som popmusik.
Den ryska musikens historia, som bär stora verk, är en integrerad del av det nationella arvet. Från unga talanger förväntar sig erfarna mentorer alltid förhoppningsvis att han säkert kommer att bli stor och gå in i rysk musiks historia, som stora kompositörer en gång gjorde.
Sång, tolkad som en av de äldsta typerna av musikalisk konst, blev inte direkt en sådan. Det har alltid varit och förblir förknippat med det primära och organiska mänskliga behovet av känslomässiga uttryck. Och detta ursprungliga mänskliga behov, inte mindre än ett direkt socialt behov, bestämmer den exklusiva plats som sången intar i mänsklighetens kultur.
När han undersökte orsakerna som ger upphov till sång, skrev N. Chernyshevsky: "Sång är ursprungligen och i huvudsak, som att prata, ett verk av mänsklig natur, inte ett konstverk." Denna anmärkning är sann i den meningen att det första och viktigaste musikinstrumentet som människan tog emot från naturen var hennes röst. Och han blev sång under inflytande av känslor, som ett resultat av spontant, ofrivilligt självuttryck, som bestäms och formas av den allmänna intonationsatmosfären i en viss era. Och i denna mening är all sång ett beteende som lärs ut. Som en del av folkloretraditionen kan sång vara både en konst och inte en konst. I folkloren uppstår, utvecklas och fungerar allting i ett organiskt förhållande till alla delar av folklivet: med dess historiska, sociala och arbetslivserfarenhet, dess sätt att leva, seder, seder, med dess världsbild, etiska och estetiska idéer.
Eftersom folklore är både konst och inte konst, sker kommunikationen av dess bärare både i form av estetiska och icke-estetiska kopplingar, även om deras balans i olika stadier av folklorehistorien och i olika typer, genrer av folklore inte är det samma. Denna kollektiva kreativitet i sig är nära förbunden med arbete och vardagsliv, med alla människors livsviktiga aktiviteter, och utgör en del av ett integrerat komplex av socialiserade normer för relationer. Att känna till dem gör det möjligt att höra traditionen inifrån och utvärdera den enligt dess egna lagar.
Följande typologi för kommunikationsformer i folklore föreslås, baserat på definitionen av arten och funktionerna hos de anslutningar som bildas i processen för sångskapande:
- Kommunikation i processen för konstnärlig kreativitet, direkt relaterad till arbetsaktivitet. Människor som sjunger och arbetar samtidigt förenas av gemensamma positiva känslor och en kollektivt estetiserad inställning till arbetet.
- Kommunikation i processen för konstnärlig kreativitet, indirekt förknippad med arbetsaktivitet i form av mytologiskt tänkande och motsvarande rituell reproduktion av arbetsprocessen eller annan magisk påverkan på naturens krafter. Denna typ av kommunikation, som till en helhet kombinerar ett komplex av begrepp: människa - arbete - natur, förverkligas i den kalenderrituella folkloren, i tre huvudformer: a) som direkt rituell kommunikation med naturens krafter; b) som kommunikation med symboliska rituella figurer som Kolyada, fastelavn; c) som kommunikation med hjälp av en levande medlare, en präst.
Sångfolklore förblir ett levande, processuellt fenomen så länge de kommunikationsformer som är karaktäristiska för den inom det kollektiv som skapar den bevaras och upphör att vara det så snart dessa former ger vika för andra. Det upphör att vara en produktionsprocess och blir ett utmärkt monument av folkkonst, ett material för proffs.
Mot bakgrund av det föregående är kunskap om lagarna för folkframträdande, förståelse för folklorens natur, vilka är nödvändiga för taktfullt, rimligt urval och tolkning av repertoaren, och bestämma det optimala måttet på dess konstnärligt motiverade anpassning på scenen, av särskild betydelse.
För artister är det viktigt att förstå folklore inte bara som en konstnärlig text, utan också som en levande uppträdandeprocess med alla dess särdrag av textlös kommunikation, konstnärlig textur och performancegenrer.
Sång och sång i folklivet är alltid öppet för alla. Sådan "kapacitet", "icke särskilja sångarens status" tillhandahålls av traditionens fantastiska flexibilitet. I ett sångmöte känner olika människor med olika grader av talang och skicklighet sig bekväma. Alla sjunger främst för sig själva och inser sitt "jag". Samtidigt blir konstnärligt medskapande målet för kommunikation, kollektiv sång - en handling inte bara musikalisk, utan också beteendemässig, en polyfon sång - avslöjar inte bara musikalisk intonation, utan också mänskliga relationer.
Innebörden av gemensamt musikskapande för bärarna av sångtraditioner ligger inte bara i koordinationen av sångpartier, utan i något mer, i de djupa relationerna mellan sjungande människor, för vilka det inte finns någon tydlig gräns mellan "musikalisk" och "icke" -musikaliskt”, estetiskt och icke-estetiskt, naturligt och slumpmässigt.
Därför skapas alltid folklore så att säga på nytt. Spontanitet är närvarande även när människor sjunger en sång de känner väl. De "överraskningar" som oundvikligen uppstår i detta fall är inte defekter i sången, utan dess naturliga egendom, dess inre liv, dess mening.
L.V. Shamina
"Folksångspedagogikens grunder"
Federal Agency for Education
Ufa State Academy of Economics and Service
Institutionen för turism och gästfrihet
KURSARBETE
inom disciplinen "Världskultur och konst"
på ämnet: 1800-talets ryska musikkultur och dess globala betydelse
avslutat: elev gr. SD-21
Mikhailova I.V.
kontrollerad: historisk vetenskaps kandidat, docent
Kotova T.P.
Introduktion
historisk bakgrund
Utvecklingen av rysk sångkultur på 1800-talet
Ryska tonsättarskolan
Mikhail Ivanovich Glinka
Alexander Sergeevich Dargomyzhsky
"Mäktigt gäng"
Briljant Pjotr Iljitj Tjajkovskij
Slutsats
Bibliografi
Ansökningar
Introduktion
Utan musiklivet skulle vara ett misstag. (Friedrich Nietzsche)
musikär sinnet förkroppsligat i vackra ljud. (Ivan Sergeyevich Turgenev)
musikförmedlare mellan sinnets liv och sinnens liv. (Ludwig van Beethoven)
Det ryska ordet "musik" är av grekiskt ursprung. Av alla konster påverkar musiken mest direkt uppfattningen av en person, "infekterar med känslor". Själens språk, som det är vanligt att prata om musik, just för att det har ett starkt inflytande på den undermedvetna nivån på området för en persons känslor, men man kan inte utesluta påverkan på området av sinnet. Det är omöjligt att ge en uttömmande exakt definition av fenomenet (eller substansen) som kallas "musik".
Den ryska musikens rikedom är omätbar. I över tio århundraden har dess traditioner formats och utvecklats i nära kontakt med andra länders musikkultur och i ständig växelverkan med andra typer av konstnärlig kreativitet.
Rysk musik är den viktigaste delen av den ryska kulturen. Liksom rysk litteratur, poesi, målning, teater, återspeglar den levande alla stadier av det sociala livet, bildandet av rysk filosofisk och estetisk tanke. I dess olika genrer och former har folkets historia, deras befrielsekamp, den ryska personens karaktär, den ryska naturens och livets originalitet funnit sin förkroppsligande.
I min terminsuppsats bestämde jag mig för att visa Rysslands musikaliska utveckling på 1800-talet, som ägde rum mot bakgrund av de viktigaste historiska händelserna - det fosterländska kriget, det decembristiska upproret, avskaffandet av livegenskapen, etc.
Verkets uppgift är att analysera tillståndet för den ryska musikkulturen under 1800-talet, att identifiera dess egenskaper, att berätta om kompositörerna från detta århundrade och deras verk, och också att identifiera betydelsen av rysk musik från 1800-talet. århundrade för världskulturen.
I hans terminsuppsats kommer att involvera sådana forskningsmetoder som studie och analys av litteratur och dokument, generalisering, analys av produkter av verksamhet, beskrivning.
När jag studerar detta ämne kommer jag att använda litteraturen: Encyclopedia "Round the World", rysk musiklitteratur av E. Smirnova, Nikitina L.D. Historia av rysk musik, etc.
historisk bakgrund
musikalisk sångkulturkompositör
1800-talet i Ryssland är förknippat med stora politiska och sociala förändringar, och kriget 1812 och avskaffandet av livegenskapen spelade en stor roll i detta. Inom litteratur, poesi, musik och måleri blev temat social ojämlikhet mer akut.
Redan under första hälften av 1800-talet nådde den ryska kulturen en lysande, bländande ljus blomning. Befriad från imitationselementen, finner den originella och originella uttrycksformer för det mest mångsidiga, bredaste innehållet och skapar stora bestående värden av universell mänsklig betydelse. Arbetet av så lysande representanter som Pushkin, Lermontov, Gogol i litteraturen, Glinka i musik är en av de högsta topparna inte bara på ryska utan också i världskonsten.
Det patriotiska kriget 1812 gav en stark drivkraft till framväxten av offentliga initiativ.Det ryska folkets patriotism manifesteras i den växande oron för det gemensamma bästa, i en bred medvetenhet om nationens gemensamma intressen, i önskan att höja nivån på nationell kultur och välbefinnande.
Decembristupproret hade en betydande inverkan på utvecklingen av den ryska kulturen under 1800-talet. Alla känslor, tankar, upplevelser återspeglas i många musikaliska verk från den tiden. Decembristernas era markerade början på utvecklingen av revolutionär sång i Ryssland. Stora förtjänster i detta avseende tillhör figurerna från Decembrist-rörelsen - Ryleev och Bestuzhev. Traditionerna för den revolutionära sången, fastställda av decembristpoeterna, togs upp och utvecklades av deras samtida. Teman kärlek till frihet och protest, kampen mot socialt förtryck trängde djupt in i den vardagliga sången.
I takt med att befrielseidéerna växte och spreds, växte också regeringens motstånd mot dem. Redan under andra hälften av Alexander I:s regering bestämdes denna reaktionära kurs, uttryckt i förstörelsen av universiteten, förstärkningen av censuren. En lång rad av aldrig tidigare skådad grymma, tråkiga och skoningslösa reaktioner härskar i det ryska livet efter undertryckandet av det decembristiska upproret, tillsammans med tillträdet till tronen av Nicholas I. Förekomsten av demokratisk journalistik, och ännu mer av politiska organisationer som genomför praktiska revolutionära verksamhet, var omöjlig i Ryssland.
Under dessa förhållanden är litteraturen särskilt viktig, verken av Pushkin, Gogol, Lermontov blir det huvudsakliga språkröret för emancipatorisk tanke.
Allt ovanstående skapar förutsättningar för bildandet av klassiska skolor för rysk nationell litteratur och konst.
Glinka spelade en roll i utvecklingen av rysk musik, i många avseenden liknande den som tillhör Pushkin i utvecklingen av rysk litteratur. Liksom Pushkin accepterade och implementerade Glinka i stort sett olika delar av den samtida konstnärliga kulturen. Assimilerad allt värdefullt och livskraftigt från arvet från sina föregångare, övervinner Glinka deras begränsningar och uppnår enorm rikedom, fullständighet av innehåll och perfektion av konstnärliga uttryck. När det gäller dess inre balans, idealiska harmoniska integritet och fullständighet, visade sig Glinkas verk vara samma obestridliga modell och klassiska norm för efterföljande generationer, som Pushkins poesi. Glinka markerade början på hennes världsinflytande med sitt arbete. Dargomyzhsky följer Glinkas väg i sitt arbete. Han introducerar inslag av större social skärpa, vardaglig och psykologisk karaktärisering, satir och humor i rysk musik, och förbereder mycket av det som kommer att få en tydlig form i arbetet med den unga nationalskolan på 60-talet. Glinka markerade början på hennes världsinflytande med sitt arbete.
Meddelanden om rysk musik började dyka upp allt oftare från den tiden i den utländska pressen. Några månader före uppkomsten av Berlioz artiklar om Glinka, skrev den berömda franska musikforskaren Fetis om den fortfarande unge Dargomyzhsky som en original lovande musikalisk talang i Ryssland.
Historisk period 60-80 år. 1800-talet brukar kallas postreform - 1861 avskaffades livegenskapen genom ett kungligt dekret, vilket ledde till liberaliseringen av det ryska offentliga livet. Detta skede präglas av en hög uppblomstring av konstnärlig kultur som en integrerad och originell företeelse. Det var då som ett visst system av andliga och estetiska värden bildades i konsten, som förkroppsligades i litteratur och teater, i måleri och musik.
Utvecklingen av rysk sångkultur på 1800-talet
"The age was of songs" - så här poeten G.R. Derzhavin. Bilden av dåtidens sångkultur var ovanligt mångsidig och till och med flerspråkig. Ryska och franska sånger, zigenare och tyska, bonde- och urbana sånger, amatörsånger och professionella sånger är intrikat sammanflätade i vardagen. Sången lät från sidorna i litterära verk och publicerades i speciella samlingar "till många älskares nöje", framförd i aristokraternas hem.
På 1800-talet stor uppmärksamhet fortsatte att ägnas åt studiet av folklore. Ryska kompositörer betraktade folkmusik som en inspirationskälla. De samlade på folkvisor och använde dem ofta i sina verk, utan att förlora originaliteten i sitt eget musikspråk.
Vissa nya genrer uppstår, gamla former (vardagssånger, sånger på temat vandring, satiriska sånger) utvecklas under inflytande av nytt livsinnehåll, bildernas natur och intonationsuttryckande medel förändras. Alldaglig folksång svarar på stora politiska och sociala händelser av nationell betydelse.
Fosterländska kriget 1812 återspeglas i stor utsträckning i den. En hel cykel av sånger om det tolfte året, kopplat till den muntliga folktraditionen, har kommit till oss. När det gäller innehåll och musikaliska och poetiska former är de väldigt olika. Ibland använder de teknikerna från gamla traditionella typer av folklåtskrivande.
Det fosterländska kriget orsakade också utseendet på uttrycksfull lyrisk
sånger som fångar den djupa nationella sorgen, sorgen och sorgen som orsakats av fosterlandets allvarliga katastrofer, förödelsen av hemlandet, förlusten av nära och kära.
Rysk folksång började åtnjuta en exceptionellt stor popularitet och spreds i många olika arrangemang - för kören, röst med ackompanjemang och individuella instrument. Från 1806 till 1815 publicerades Prachs samling i andra och tredje upplagorna. På grundval av den skapades sångsamlingar av offentlig typ.
Danila Kashin, en begåvad rysk musiker som kom från livegna, var vida känd för sina arrangemang av folksånger. Åren 1833-1834. hans samling "Ryska folksånger" publicerades i tre delar. För sin tid är den lika karaktäristisk som Prachs "Samling" för 1700- och 1800-talets skift. I början av 40-talet dök den andra upplagan av Kashin-samlingen upp, vilket vittnade om dess popularitet och stora efterfrågan på den. I Kashins bearbetningstekniker kan man tydligt se önskan om betonad känslighet, ibland något hysteriskt.
Längs samma väg som Kashin följdes vägen för interpenetration av folksång och urban romantik av en annan välkänd samlare av låtar, en livegen från födseln, Ivan Rupin, som också var en begåvad sångare-artist (hans efternamn uttalades av hans samtida med ett italienskt slut - Rupini) och sammanställaren av en populär sångsamling, publicerad 1831
Tillsammans med olika vardagliga brytningar av den ryska folksången utvecklas en lyrisk sentimental romans, som också åtnjöt exceptionellt bred popularitet i samhällets mest skilda skikt. Liksom den "ryska sången" på 1700-talet förknippades den ryska romantiken i sin övervägande del med sfären för hemmamusikskapande.I vardagsromantikens musikaliska språk kombineras medelenkelhet med uppriktig omedelbarhet och uppriktighet i uttrycket. Kompositörerna Alyabyev, Varlamov, Gurilev, Verstovsky spelade en viktig roll i utvecklingen av rysk romantik på 1800-talet (se bilaga 1).
Alexander Alexandrovich Alyabiev(1787-1851) föddes i en gammal adelssläkt. I sin ungdom tjänstgjorde han i armén, deltog i det patriotiska kriget 1812. Därefter lämnade han militärtjänsten och ägnade sig åt kreativ verksamhet. Alyabyev är författare till välkända romanser: "Jag älskade dig", "Vinterväg" (båda till dikter av Alexander Sergeevich Pushkin), "Nightingale" och andra. " Näktergal"- en av Alyabyevs favorit och vanligaste låtar. Allt i det är blygsamt och enkelt. Låten föregås av en livlig pianointroduktion i gitarrmelodis anda. Från de allra första intonationerna av vokaldelen utspelar sig en fängslande mjuk, eftertänksam melodi. Bred och mjukt rundad fångar den omedelbart och erövrar med sin strikta skönhet.
Kompositör Alexander Egorovich Varlamov(1801-1848) - författare till populära romanser. Totalt skapade han cirka tvåhundra verk av denna genre, främst baserade på dikter av ryska poeter ("The Red Sundress", "En snöstorm sveper längs gatan", "I gryningen väcker du henne inte", "Den ensamma segel blir vitt”, etc.). Varlamov var också känd som sångare, gitarrist, dirigent och lärare. Han skrev en av de första ryska läroböckerna för sångare - "The Complete School of Singing" (1840).
Alexander Lvovich Gurilev(1803-1858) var son till en livegen musiker (1831 fick han och hans far frihet). Kompositör, pianist, violinist, violinist och lärare blev Gurilev känd som författare till sånger och romanser. De mest kända är hans låtar "Mother Dove", "Bell", "Sarafan", "The Swallow Curls" och romanserna "Parting", "You don't understand my sadness". Förutom vokaltexter arbetade kompositören inom pianomusikens genrer, samlade och bearbetade folkvisor.
Arbetet av Alyabyev, Varlamov och Gurilev är ett värdefullt bidrag till den ryska musikens skattkammare. Deras bästa sånger och romanser ingår i konsertrepertoaren av sångare och körer, de sjungs med kärlek bland människorna i vår tid.
Ryska tonsättarskolan på 1800-talet
Mikhail Ivanovich Glinka
Utan tvekan är den mest framstående representanten för tonsättarskolan under första hälften av 1800-talet Mikhail Ivanovich Glinka(1804-1857). Verket av Mikhail Ivanovich Glinka står vid ursprunget till den ryska tonsättarskolan, och hans verk, arbetssätt, inställning till musikgenrer och traditioner uppfattades på 1800-talet som exemplariska. Efter att ha fått en seriös musikalisk utbildning i Europa var Glinka den första att djupt förstå särdragen hos rysk nationell musik, och det var till stor del tack vare denna mästare som europeiska genrer fick en originell tolkning i Ryssland. Glinkas barndomsintryck återspeglades i hans arbete. De första åren av hans liv tillbringade han på sin fars egendom i Smolensk-territoriets landsbygd. Där lärde han sig och blev kär i folkvisor, lyssnade på dem. Berättelserna om den livegna barnskötaren Avdotya Ivanovna, som ömt och hängivet älskade honom, sjönk djupt in i den lilla Glinkas lättpåverkade barnsliga själ.
Händelserna 1812 gjorde stort intryck på Glinka. På flykt från invasionen av Napoleonarmén lämnade familjen Glinka godset. Pojken hörde många historier om partisanernas heroism och var för alltid genomsyrad av kärlek och respekt för det ryska folket, deras mäktiga styrka och andliga skönhet.
I Glinkas släktingars hemliv ljöd ofta musik. Min farbror, som bodde i närheten, hade en bra orkester, bestående av livegna musiker. Musiken gjorde ett fantastiskt intryck på pojken, efter konserterna gick han sinneslös. "Musik är min själ", sa han en gång. Farbrors fästningsorkester framförde olika verk, bland annat folkvisor. Påminnande om sina barndomsintryck skrev Glinka: "... Kanske var dessa sånger, som jag hörde i min barndom, den första anledningen till att jag senare började utveckla främst rysk folkmusik."
Glinkas komponerande skicklighet manifesterades tydligast i två operor - " Livet för kungen"("Ivan Susanin") och " Ruslan och Ludmila". Han skapade prover av den nationella ryska operan - den heroiskt-episka operan och sagooperan. Den efterföljande utvecklingen av dessa genrer är kopplad till de principer som Glinka fastställt.
Operan Ett liv för tsaren (i Sovjetunionen på 30-80-talet antogs namnet Ivan Susanin; 1836) skrevs på en historisk och patriotisk handling. Kompositören vände sig till händelserna i början av 1600-talet. - det ryska folkets kamp mot de polska erövrarna. Handlingen i verket - Ivan Susanins bedrift - föreslogs för Glinka av poeten Vasily Andreevich Zhukovsky.
Ett liv för tsaren är den första ryska operan utan talad dialog; den bygger på kontinuerlig musikalisk utveckling. Det musikaliska tyget i kompositionen är genomsyrat av körscener. I synnerhet öppnar de (kören "Mitt fosterland") och fullbordar verket (den sista jublande segerkören "Glory").
I centrum av operan står bilden av den ryske bonden Ivan Susanin. Kompositören betonar hjältens moraliska styrka. För dess musikaliska egenskaper används intonationerna av folkmelodier. Antonida, Susanins dotter, är en ljus och poetisk ("mild-graciös", enligt Glinkas egen definition) bild av en rysk flicka. Sobinin, Antonidas fästman, är en milis, en vågad, orädd man, Vanya är den adopterade sonen till Susanin, en "enkelhjärtad", enligt Glinka, en pojke på tretton. Bilderna av de unga medlemmarna av familjen Susanin - Vanya, Antonida, Sobinin är ritade i traditionerna och intonationerna i romantikens vardagliga sång.
Ryska bilder motarbetas av polackernas fientliga läger. Den detaljerade koreografiska bilden representerar operans "polska akt" - en magnifik bal i ett gammalt slott. Denna symfoniska komposition förmedlar briljans, grace och stolthet hos herren - den polska adeln. Melodierna och rytmerna i Polonaise, Mazurka, Krakowiak ljud. Skönheten i musiken är fascinerande, men på det hela taget kontrasteras enkelheten och uppriktigheten i de "ryska" scenerna med den "polska aktens" pråliga prakt.
Till slut kolliderar de två lägren direkt - den polska avdelningen kommer till byn Domnino till Susanin och kräver att han ska leda dem till platsen där tsar Mikhail Romanov befinner sig. Susanins scen med polackerna i snåret, där han ledde dem till deras död, är kulmen på operan. Upplösningen är tragisk – huvudpersonen ger sitt liv för Ryssland. På natten, i skogen, framför Susanin sitt döende monologrecitativ "De luktar sanningen", förvandlas till en ariabön "Du stiger upp, min gryning", där hjälten ber Gud om styrka att möta den sista timmen. Den innehåller både djup sorg och hopp. Musiken - långsam i tempot, strikt och koncentrerad i stämningen - påminner om kyrkas psalmer.
Operan Ett liv för tsaren framfördes med stor framgång den 27 november 1836 på Bolsjojteatern i St. Petersburg. De progressiva människorna i det ryska samhället uppskattade henne mycket.
Medvetandet om kreativ seger inspirerade kompositören till nya idéer, och några år senare operasagan " Ruslan och Ludmila» (1842). Det skrevs på handlingen till dikten med samma namn av A. S. Pushkin. Den obehagliga utvecklingen av musikalisk handling påminner om antika epos och legender. Operan innehåller folkrituella scener, färgglada naturbilder och fantastiska bilder. De ryska hjältarnas värld (Ruslan, Ratmir), sångsångaren Boyan, Prins Vladimir motsätts av magikernas fantastiska värld - Chernomor och Naina. Hjältarna visas med episkt allvar och episkt majestät. Chernomor och Naina (liksom Ruslans olyckliga rival - Farlaf) tecknas med en otvivelaktig andel humor; författaren säger så att säga till lyssnaren: det här är bara sagofigurer, snarare komiska än onda. Det huvudsakliga kännetecknet för Chernomor, det magiska slottets herre, är en halvt skämtande marsch. Orkestern spelar en viktig roll för att skapa bilder. Genom att rita Tjernomors rike använder kompositören intonationerna från österns musik. Före lyssnaren står turkiska och arabiska danser, lezginka. Operan Ruslan och Lyudmila, som vilken saga som helst, slutar med det godas seger över det onda och kärlekens triumf.
Romanser och sånger Glinka- ryska klassikers stolthet. Kompositören skrev dem under hela sitt liv. Glinkas lyriska romanser är ett slags bekännelse av hans själ. Några av dem skildrar bilder av rysk natur och liv. I romanser generaliserade och utvecklade Glinka allt det bästa som skapades av hans föregångare och samtida - författarna till vardagsromantiken. Många välkända romanser, till exempel "Jag är här, Inezilla", "Jag minns ett underbart ögonblick", skrevs till verserna av A. S. Pushkin. Glinka vände sig också till verk av V. A. Zhukovsky, A. A. Delvig och andra ryska poeter. Till den då populära poeten Nestor Vasilievich Kukolniks ord skapade kompositören en cykel av tolv romanser Farväl till Sankt Petersburg (1838), samt den berömda romansen Doubt, som den enastående ryske sångaren Fjodor Ivanovich Chaliapin tyckte om att framföra.
För orkestern skrev Glinka en privat symfonisk fantasyouvertyr. Hans bästa verk inom denna genre är "Kamarinskaya" (1848), "Jota of Aragon" (1845) och "Natt i Madrid" (1851). "Kamarinskaya", enligt den allmänna uppfattningen från ryska kompositörer, lade grunden för rysk symfonisk musik. De "spanska" ouvertyrerna "Jota of Aragon" och "A Night in Madrid" är ett lysande exempel på hur Glinka bemästrar intonationerna och stilen i spansk musik. Stycket för orkester "Waltz Fantasy" (1856) förberedde uppkomsten av symfoniska valser av P. I. Tchaikovsky.
Tack vare Mikhail Ivanovich Glinkas arbete har den ryska musikskolan uppnått erkännande i Europa. Efterföljande generationer av kompositörer, och helt enkelt musikälskare, har alltid uppskattat mästarens bidrag till Rysslands kultur.
Alexander Sergeevich Dargomyzhsky (1813-1869)
Dargomyzhsky är en yngre samtida och anhängare av Glinka. Han gick in i rysk musiks historia som en "stor lärare i musikalisk sanning", en djärv innovatör.
Dargomyzhskys åsikter tog form under 1930- och 1940-talen. XIX-talet, tiden för snabb utveckling av rysk kultur. Han svarade lyhört på allt avancerat, progressivt inom rysk konst. I sitt arbete stod han nära Rysslands demokratiska författare och konstnärer. Länkarna mellan Dargomyzhskys vokalmusik och Pushkin, Gogol och Lermontov är särskilt nära. Det är ingen slump att de bästa skapelserna av Dargomyzhsky skrevs till verserna av Pushkin och Lermontov.
I arbetet med Dargomyzhsky central plats är upptagen av romanser och operor. Kompositören komponerade kammarsång under hela sitt liv: han skrev över hundra romanser, sånger, vokalensembler. Dessa genrer var ett slags kreativt laboratorium för Dargomyzhsky - hans musikaliska språk bildades i dem. De mest kända romanserna är "Jag älskade dig" (till dikter av A.S. Pushkin), "Det är både tråkigt och sorgligt", "Jag är ledsen" (till dikter av Mikhail Yuryevich Lermontov). De är genomsyrade av subtil lyrik, en stämning av ensamhet.
En ny genre av sångtexter dök upp i A. S. Dargomyzhskys verk - satirisk sång. Livliga exempel på sådana verk är låtarna "Worm" och "Titular Advisor" (båda 50-tal). Med hjälp av recitativt närmande naturligt tal, målade kompositören uttrycksfulla sociala porträtt.
De bästa verken av Dargomyzhsky inkluderar opera "Sjöjungfrun"(1855). Baserat på texten till det oavslutade pjäsen med samma namn av A. S. Pushkin, skrev kompositören själv librettot. Mermaid är den första ryska operan i karaktären av ett psykologiskt vardagsmusikdrama. Kompositörens huvuduppgift är att spegla karaktärernas andliga värld, deras erfarenheter och karaktärer.
På 60-talet. Dargomyzhsky fick ett brett offentligt erkännande. Premiärerna av hans operor hölls med stor framgång, kompositören valdes till medlem i kommittén för St. Petersburg-avdelningen av det ryska musikaliska samhället.
"Mäktigt gäng"
Andra hälften av XIX-talet - perioden efter reformen, avskaffandet av livegenskapen, liberaliseringen av det offentliga livet, blomningen av revolutionära känslor i det ryska samhället. Detta skede präglas av en hög uppblomstring av konstnärlig kultur som en integrerad och originell företeelse. Det var då som ett visst system av andliga och estetiska värden bildades i konsten, som förkroppsligades i litteratur och teater, i måleri och musik.
Musikkonsten har inte hållit sig på avstånd från vår tids brännande frågor. Populistiska ståndpunkter är karakteristiska för världsbilden för många kompositörer som trodde på det ryska folkets messianska roll, på triumfen för deras historiska andliga bedrift. Musiken återspeglade hela spektrumet av intensiva moraliska strävanden från den ryska intelligentsian under dessa år, förkroppsligade idealen inspirerade av tiden i musikaliska bilder. Vissa mästare idealiserade rysk historia, folklivets renhet, andra trodde på individens självförbättring på grundval av folketikens lagar, medan andra försökte förkroppsliga i sitt arbete en viss prototyp av folkkultur, född från en ständigt levande källa - urnatur.
Den ryska musikens genreoriginalitet är nära förbunden med den "litterära centrismen" som är karakteristisk för den konstnärliga kulturen under den postreforma eran. Genererad av realismens estetik, uttrycktes den i ordets prioriterade roll, konstnärligt och journalistiskt. Den ledande musikgenren vid denna tid är opera - historisk, episk, lyrisk, dramatisk. Andra syntetiska musikgenrer fortsätter att utvecklas - romantik, sång. Vokalmusik kompletterar den "musikaliska encyklopedin" av rysk poesi och berikar den med socialt anklagande och lyriskt-psykologiska bilder.
Andra hälften av 1800-talet är tiden för uppkomsten av ett partnerskap, som fick en lätt hand av kritikern V.V. Stasova, namn "Mäktigt gäng". Det omfattade M.A. Balakirev, Ts.A. Cui, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin.
The Mighty Handful är ett enastående fenomen inom rysk konst. Hon satte djupa spår på många områden i Rysslands kulturliv – och inte bara Ryssland. I nästa generationer av musiker - fram till vår tid - finns det många direkta arvtagare till Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Balakirev. Genom att förena sina idéer var deras progressiva åsikter en förebild för avancerade konstnärer under många år.
Chefen och ledaren för "Mighty Handful" var Mily Alekseevich Balakirev(1836/37-1910). Han är en av grundarna (1862) och ledare (1868-73 och 1881-1908) av Fria Musikskolan. Från 1867 till 1869 var han dirigent för Ryska musikaliska sällskapet och från 1883 till 1894 var han chef för Hovkören. Hans mest kända verk är "Overture på teman för tre ryska sånger" (1858), symfoniska dikter "Tamara" (1882), "Rus" (1887), "I Tjeckien" (1905), orientalisk fantasy för piano " Islamey" (1869), romanser, arrangemang av ryska folksånger, etc.
Bland kompositörerna av "Mighty Handful" Modest Petrovich Mussorgsky(1839-1881) var den mest framstående talesmannen inom musiken revolutionära demokratiska idéer60-tal. gg. XIX århundradet. Det var Mussorgskij som, som aldrig förr, i musik kunde avslöja den hårda sanningen om det ryska folkets liv, med stor anklagande kraft, för att återskapa, som V.V. Stasov sa, "hela havet av ryska människor, liv, karaktärer , relationer, olycka, outhärdlig börda, förnedring” . Vad Mussorgskij än skriver: operor, sånger, körer, överallt agerar han som en arg och passionerad fördömare av social orättvisa.
År 1863 började kompositören komponera operan Salammbault (baserad på romanen med samma namn av den franske författaren Gustave Flaubert), och 1868 operan Äktenskapet (baserad på den oförändrade texten i N. V. Gogols komedi). Båda verken förblev oavslutade, men förberedde Mussorgskij för skapandet av operan Boris Godunov (1869), som blev ett betydande fenomen i rysk musik.
Hela kraften i Mussorgskijs talang avslöjades i opera "Boris Godunov"efter Pushkins tragedin. I denna tragedi lockades Mussorgskij av möjligheten att i operan visa uppvaknandet av folkets styrka, vilket resulterar i öppet missnöje, och i slutändan - i ett spontant uppror. Huvudidén med operan är konflikten mellan den kriminella tsar Boris och folket, vilket leder till ett uppror. Kompositörens uppmärksamhet var inriktad på att avslöja huvudidén: sammandrabbningen mellan kungen och folket. Personerna i Mussorgskijs opera är huvudpersonen. Trots massscenernas stora betydelse ägnas den största uppmärksamheten i operan till karaktäriseringen av karaktärernas inre värld. I förgrunden finns förstås bilden av Boris, som avslöjas genom utökade monologscener. Genom att behärska recitativ teknik briljant, förmedlar Mussorgsky i musik hjältens sinnestillstånd - vag ångest, sorg och depression, plågande samvete, rädsla och till och med hallucinationer. Orkesterdelen är mycket svår i operan. Han följer rösten flexibelt och lägger till viktiga psykologiska nyanser till vokaldelen. Denna opera ligger i andan nära de revolutionärt-demokratiska stämningar som fanns i det ryska samhället på 60-70-talet. XIX århundradet.
1872 började kompositören arbeta med operan "Khovanshchina", som han själv kallade "folkmusikaliskt drama". Samtidigt skrev han ett verk med en helt annan plan - lyrisk-komedioperan "Sorochinsky Fair" baserad på romanen av N.V. Gogol (förblev ofullbordad).
Enligt samtida var Mussorgskij en utmärkt pianist. Som en hyllning till sitt favoritinstrument skapade han en stor pianosvit på tio stycken. "Bilder på en utställning"(1874). Konceptet för sviten inspirerades av den postuma utställningen av verk av hans vän, konstnär och arkitekt Viktor Alexandrovich Hartmann. Cykeln börjar med en introduktion, som blir ledmotivet i verket. Författaren kallade det "Walk" inte av en slump: det förmedlar besökarens rörelse genom utställningens salar. Detta följs av separata "bilder": "Gnome", "Old Castle", "Tuileries Garden", "Cattle", "Balett of unhached chicks, etc. Introduktionens musik upprepas med jämna mellanrum, och tack vare detta, cykel förvärvar enhet och uppfattas som en integrerad sammansättning.
Mussorgsky är författare till kända sånger och romanser. Den första publicerade låten "Var är du, lilla stjärna ..." (ord av poeten och översättaren Nikolai Porfiryevich Grekov) gav upphov till ett lyriskt tema i kompositörens vokala arbete, som nådde sin topp i fantasyromanen "Natt" ( text av A. S. Pushkin). Roliga skisser av ryskt familjeliv presenteras i romanserna "Men om jag kunde träffa dig" (texter av poeten Vasily Stepanovich Kurochkin) och "Svetik Savishna" och "Seminarian" (texter av kompositören).
Mussorgsky är en verkligt folkkompositör som ägnade allt sitt arbete åt historien om det ryska folkets liv, sorger och förhoppningar. Hans arbete var så original och nyskapande, som fortfarande har ett starkt inflytande på tonsättare från olika länder.
Alexander Porfiryevich Borodin (1833-1887) -unik kompositör. Inom musiken fortsatte han i många avseenden Glinkas traditioner. I sin musik förkroppsligade Borodin det ryska folkets storhet och makt, det ryska folkets heroiska karaktärsdrag, de majestätiska bilderna av det nationella eposet. Och tillsammans med detta finns i Borodins verk bilder lyriska, uppriktiga, fulla av passion och ömhet.
Borodin är en av grundarna av det ryska klassisk symfoni(2:a, " Bogatyrskaya", 1876, som öppnade den heroiskt-episka riktningen i rysk symfoni; symfonisk bild "In Central Asia", 1980), rysk klassisk stråkkvartett. Mästare på sångtexter ("För det avlägsna hemlandets stränder"); introducerade bilder av det heroiska eposet i romantiken, förkroppsligade 60-talets befrielseidéer. 1800-talet ("Sovande prinsessa", "Sången om den mörka skogen").
Ett anmärkningsvärt verk av forntida rysk litteratur från 1100-talet - "Sagan om Igors kampanj" - fängslade Borodin, fängslade honom och inspirerade honom att skapa en opera. Lekmännen berättade om den tappra prins Igors misslyckade kampanj mot polovtsierna. Författaren uppmanade prinsarna att förena sig, och i denna patriotiska inriktning av verket var hans progressiva roll. På denna tomt skapade Borodin sin storslagna opera "Prins Igor"(slutförd av Rimsky-Korsakov 1890).
Prins Igor är en lyrisk-episk opera i 4 akter med en prolog. Operans musik är till stor del baserad på intonationerna av folksånger - ryska och orientaliska. Folkscener, både ryska och orientaliska, är målade i ljusa färger. I detta var Borodin en anhängare av Glinka, som också fann en konstnärligt övertygande karaktärisering för att skildra fiendernas läger.
Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844-1908).Bland kompositörerna av The Mighty Handful intar Rimsky-Korsakov en speciell plats. Med sitt arbete blomstrade i rysk musik saga. Hela hans liv är en osjälvisk och ointresserad tjänst till konsten, lojalitet mot hans ideal.
Utbudet av teman och intriger som Rimsky-Korsakov förkroppsligar är brett och varierat. Som alla "Kuchkists" vände sig kompositören till rysk historia, bilder av folkliv, bilder av öst, han berörde också området för vardagsdrama och den lyriska och psykologiska sfären. Men med största fullständighet avslöjades Rimsky-Korsakovs talang i verk relaterade till fantasins värld och olika former av rysk folkkonst. En saga, en legend, ett epos, en myt, en ritual bestämmer inte bara ämnet utan också den ideologiska innebörden av de flesta av hans verk. Rimsky-Korsakov avslöjar den filosofiska undertexten av folkloregenrer och avslöjar folkets världsbild: deras eviga dröm om ett bättre liv, om lycka, förkroppsligad i bilder av ljusa sagoländer och städer (Berendeevo-riket i The Snow Maiden, the city av Ledenets i Sagan om Tsar Saltan); hans moraliska och estetiska ideal, som å ena sidan förkroppsligas av operans fängslande rena och milda hjältinnor (prinsessan i Kashchei den odödliga), å andra sidan av de legendariska sångarna (Lel, Sadko), dessa symboler. av den oförblekta folkkonsten; hans beundran för naturens livgivande kraft och eviga skönhet; slutligen folkets oförstörbara tro på ljusets, rättvisans och godhetens triumf - källan till optimism som är inneboende i Rimsky-Korsakovs verk.
Egenskaperna hos kompositörens stil och konstnärliga metod avslöjades mest i opera. Rimsky-Korsakovs 15 operor representerar en extraordinär variation av genre, dramatiska, kompositionella och stilistiska lösningar. Bland dem finns kompositioner som dras mot en numrerad struktur ("May Night", "The Snow Maiden", "The Tsar's Bride") och till kontinuerlig utveckling ("Mozart och Salieri", "Kashchei the Immortal", "Legenden om den odödlige" Osynliga staden Kitezh", "Gyllene tupp"); operor med breda publikscener (Jungfrun från Pskov, May Night, The Snow Maiden, Mlada, Sadko, Kitezh) och utan dem (Mozart och Salieri, Vera Sheloga, Kashchei Immortal), med utplacerade kompletta ensembler ("Tsarens brud") och utan ensembler ("Mozart och Salieri", "The Golden Cockerel") I varje specifikt fall (valet av genre, principerna för dramatiska och stilistiska beslut bestäms av handlingens premisser. Jag har aldrig trott och tror inte, - betonade Rimsky-Korsakov, - i en enda sann operaform, i tron att så många berättelser som det finns i världen, det borde finnas så många (nästan lika många) motsvarande oberoende operaformer.. Rimsky-Korsakov etablerade synen på opera som främst ett musikaliskt verk och ställde samtidigt höga krav på dess poetiska grund, enhet och konsistens i litterära stil. Han ledde aktivt librettisternas arbete. Ett antal operalibretton skrevs av kompositören själv.
Rimsky-Korsakovs symfoniska verk är inte så storskaligt och mångsidigt i jämförelse med operan. Men han gjorde också en slående och originell insats på detta område. Den figurativa konkretiteten i kompositörens musikaliska tänkande avgjorde hans benägenhet till programsymfonism (främst bild-, bild-) och genresymfonism. Därav det karakteristiska valet av genrer och former - en ouvertyr (fantasi), en symfonisk bild, en svit och en viss stilriktning - en böjelse för variation, ornamentik i materialets utveckling, särskild uppmärksamhet på harmonins koloristiska möjligheter och orkestrering.
Rimsky-Korsakov lämnade ett enormt kreativt arv i nästan alla musikgenrer. Hans verk är olika till innehåll, men deras huvuddrag är en djup penetrering i människornas liv och liv, deras tankar och strävanden.
Den briljante Pjotr Iljitj Tjajkovskij (1840-1893)
Bland de ryska klassiska kompositörerna sticker namnet Tjajkovskij ut. Den är kär för musikälskare över hela världen. Hans verk fångar och upphetsar alla människor - professionella musiker och allmänheten. Tjajkovskij ägnade sitt arbete åt människan, sin kärlek till fosterlandet och den ryska naturen, sina strävanden efter lycka och sin modiga kamp mot ondskans mörka krafter. I kompositörens musik - hela livet för en person med dess glädje, sorg, förhoppningar, kamp, förtvivlan. Och oavsett vad Tjajkovskij säger är han alltid sanningsenlig och uppriktig.
Stilen på Tjajkovskijs musik utvecklades inom ramen för kompositörens okonventionella idéer om den nationella identitetens natur. I tolkningen av "nationell" och "folkets" gick han en annan väg än anhängarna av "kutjkismen". Rysk folklore var inte en universell källa för honom, den grundläggande principen för det musikaliska språket. Med hjälp av generaliserade, indirekta folksångsintonationer förkroppsligade Tjajkovskij den nationella bilden av "ryskheten", Ryssland, ryska verkligheten i sin moderna mångsidighet. Därför satte kompositören sig inte till uppgift att använda specifika genrer av äkta bondefolklore i musik, utan vände sig till "intonationsordboken" för det urbana musiklivet som omgav honom. Vanliga urbana intonationer, i kombination med känslomässig öppenhet, uppriktighet och melodiöshet, gjorde Tjajkovskijs musik begriplig och tillgänglig för den bredaste publiken både i Ryssland och utomlands. Det är därför som verken av Tchaikovsky snabbt vann européernas sympati, bidrog till det internationella erkännandet av rysk musik över hela världen.
Tjajkovskij skrev i nästan alla genrer, och i var och en av dem sa han sitt nya ord som en lysande konstnär. Men kanske var hans favoritgenre opera.I den var Tjajkovskij en sann reformator. Kompositören föreställde sig operan som den mest demokratiska genren. "Opera", skrev han, "och det är bara opera som för dig närmare människor, gör din musik relaterad till den verkliga publiken ...". Operaaction bygger på starka mänskliga känslor och upplevelser. Tchaikovsky ägnade stor uppmärksamhet åt innehållet i sina operor och gav alltid företräde åt en intrig från det ryska livet, eftersom han verkligen kände och förstod den ryska personen väl.
Ett av Tjajkovskijs bästa verk opera Eugene Onegin.Långt innan beslutet att skriva en opera baserad på Eugene Onegins handling, rycktes Tjajkovskij passionerat bort av Pushkins dikter. En av hans favoritplatser i den poetiska romanen var Tatyanas brev till Onegin, och kompositören drömde om att komponera musik till dessa ord. Den första framförandet av operan, på kompositörens begäran, ägde rum av studenterna vid Moskvakonservatoriet under ledning av N. Rubinshtein den 17 mars 1879.
Tjajkovskij kallade sin opera för "lyriska scener". Kompositören fokuserade all sin uppmärksamhet på att avslöja sina karaktärers inre, andliga värld.
Operan "Eugene Onegin" är en av de högsta prestationerna inom rysk operakonst. De sanningsenliga bilderna av Pushkins roman hjälpte till att lösa problemet med att skapa ett "intimt men kraftfullt drama", vars karaktärer var "riktiga levande människor". Karaktärernas personliga drama utspelar sig mot bakgrund av vardagliga scener. Olika vardagsscener ger operan en speciell charm.
Innovationen av "Svansjön" - dess ovanlighet och olikhet med allt som föregick den - om den inte förstods helt omedelbart, noterades den omedelbart av allmänheten och kritiken, även om den ibland orsakade förvirring hos upplysta musikälskare. Vissa förebråade kompositören för fattigdomen hos kreativ fantasi, monotonin i teman och melodier och en viss monotoni. Andra tyckte att musiken var vacker, dessutom till och med för bra för balett. Ändå var premiären av baletten på Bolsjojteatern i Moskva (20 februari 1877) en framgång, och föreställningen förblev på repertoaren till 1883, då landskapet för denna produktion förföll.
Den första recensionen i pressen, där skapandet av en ny balett uppskattades, tillhörde G.A. Laroche: ”När det gäller musik är Swan Lake den bästa balett jag någonsin hört ... Melodier, varandra mer plastiga, melodiösa och mer spännande, strömmar som från ett ymnighetshorn; valsens rytm, som råder mellan dansnumren, förkroppsligas i så många graciösa och fängslande teckningar att den melodiska bilden av en begåvad och mångsidig kompositör aldrig har stått ett mer lysande test ..."
Samtidigt intar också symfonisk musik en viktig plats i Tjajkovskijs verk. Han skrev 6 symfonier och programsymfonin "Manfred", tre konserter för piano och orkester, en för violin och ett antal orkestersviter. Av de symfoniska ensatsstyckena utmärker sig fantasin "Francesca da Rimini" och programstyckena baserade på Shakespeares intrig (ouvertyrfantasin "Romeo och Julia", fantasin "Stormen").
Omfånget av kompositörens kreativa intressen är ovanligt brett. Hans arv inkluderar tio operor (Eugene Onegin, Ondine, The Blacksmith Vakula, The Queen of Spades, etc.), tre baletter (Svansjön, Törnrosa, Nötknäpparen), sju symfonier, mer än tio orkesterkompositioner, instrumentalkonserter, kör och pianomusik, kammar- och sångverk. På alla områden var Tjajkovskij en innovatör, även om han aldrig strävade efter reformism. Med hjälp av traditionella genrer fann kompositören möjligheter att uppdatera dem.
"Jag skulle önska med all min själs styrka," skrev Tjajkovskij, "att min musik skulle spridas, att antalet människor som älskar den, finner tröst och stöd i den" skulle öka.. Kompositörens önskan gick i uppfyllelse.
Tjajkovskijs verk är toppen av världsmusikkulturen på 1800-talet, en ständigt levande och dyrbar källa från vilken kompositörer från 1900-talet och våra samtida aldrig slutar att hämta inspiration.
Slutsats
1800-talet gav anmärkningsvärda kompositioner till rysk musik och världsmusik. "Ruslan och Lyudmila" och "Ivan Susanin", "Eugene Onegin" och "Svansjön" är den ryska kulturens stolthet. Den ryska musikens gyllene fond inkluderar verk av Borodin, romanser av Balakirev, Rimsky-Korsakov, Borodin, Cui.
Ryska kompositörer började resa utomlands. Där kommunicerade de med framstående mästare i musikalisk konst, och viktigast av allt - fick en europeisk musikalisk utbildning. Ryssland väckte ett ömsesidigt intresse i Europa och under loppet av ett sekel turnerade många framstående musiker i Moskva och St. Petersburg. Introduktion till europeisk kultur ökade inte bara den intellektuella och professionella nivån hos ryska kompositörer och artister, utan hjälpte dem också att bättre förstå traditionerna för nationell musik, att lära känna sig själva bättre.
Vem är den mest älskade ryska kompositören i Amerika nuförtiden? Självklart, Tjajkovskij. Många amerikaner anser till och med att Pyotr Ilyich är en amerikansk kompositör. Han dirigerade sina kompositioner i Amerika när han blev inbjuden till invigningen av den berömda Carnegie Hall i New York. Hans musik hörs nästan dagligen i Amerika på radion, särskilt den 4:e och 6:e symfonin och den 1:a pianokonserten. Nötknäpparen är USA:s favoritbalett.
Verk av klassiska kompositörer Glinka, Dargomyzhsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky är en sann skatt av rysk kultur på 1800-talet. Deras traditioner implementerades och utvecklades i verk av kompositörer från slutet av 1800- och början av 1900-talet - Taneyev och Glazunov, Lyadov och Arensky, Kalinikov, Skrjabin och Rachmaninov. Alla är de värdiga efterföljare till sina stora föregångare.
I min terminsuppsats visade jag Rysslands musikaliska utveckling under 1800-talet, analyserade musikkulturens tillstånd, avslöjade dess egenskaper, talade om detta århundrades kompositörer och deras verk och avslöjade också betydelsen av rysk musik från 1800-talet. århundrade för världskulturen.
Den ryska musikkulturen på 1800-talet, genom sammanslagning med europeisk kultur, genom dess omvandling, förvärvade ursprungliga speciella egenskaper och började i sin tur utöva ett betydande inflytande på den och utvecklades till denna dag.
Bibliografi
1. Stora sovjetiska uppslagsverket
2. Levashova O., Keldysh Yu. History of Russian music-M., 1980
Encyclopedia Around the World
Smirnova E. Rysk musiklitteratur - M., 2001
Nikitina L.D. Historia av rysk musik-M., 1999
Rapatskaya L.A. Rysk musiks historia: från det antika Ryssland till "silveråldern" - M., 2001
www.rimskykorsakov.ru
Bilaga 1
Gurilev, Varlamov, Alyabiev, Verstovsky
Fedor Ivanovich Glinka
Dawnlight kostymdesign. Opera "Ruslan och Lyudmila"
Bilaga 2
Peter Iljitj Tjajkovskij
Balett "Nötknäpparen" med deltagande av Bolshoi-teaterns skådespelare
Handledning
Behöver du hjälp med att lära dig ett ämne?
Våra experter kommer att ge råd eller tillhandahålla handledningstjänster i ämnen av intresse för dig.
Lämna in en ansökan anger ämnet just nu för att ta reda på möjligheten att få en konsultation.
Drag av historisk utveckling
1600-talet framstår som ett av de viktigaste stadierna i utvecklingen av den ryska statens historia. På 1600-talet det sker stora förändringar och omvandlingar i ryskt samhällsliv och kultur. Dessa omvandlingar berodde på slutet av utvecklingen av det medeltida Ryssland och början på en ny era förknippad med västeuropeisk kultur, vilket ledde till en sammandrabbning av två olika tankesystem och efterföljande konflikter. Förändringarna påverkade alla aspekter av det ryska livet på 1600-talet, inklusive kultur och konst. Vägen för utvecklingen av rysk kultur under XVII-talet. korsade med Västeuropa. Inom den ryska konsten, som utvecklades isolerat under hela medeltiden fram till andra hälften av 1600-talet, uppträdde nya former av västeuropeisk konst. Det ryska livet förändras gradvis.
Processer för historisk utveckling under XVII-talet. kännetecknas av sociala konflikter. I mitten av XVII-talet. Den ryska staten stärks och expanderar, men samtidigt sker gradvis förslavandet av bönderna, varigenom livegenskapen etableras, som under många år lägger en tung börda på de ryska bönderna. Detta orsakade missnöje, upplopp, bondekrig.
1600-talet blev en av de mest dramatiska sidorna i rysk historia. Dess början åtföljdes av ogynnsamma utrikespolitiska händelser 1 - "Tid av problem" - år av hårda tider, som åtföljdes av ständiga krig som ledde till att landet gick i ruiner. Hungersnöd och missväxt, inre motsättningar, uppror från de urbana lägre klasserna, bondekriget ledd av Ivan Bolotnikov (1606), kampen mot den polska interventionen präglar situationen i början av seklet.
Inte mindre dramatiska händelser är förknippade med andra hälften av 1600-talet, präglad av splittringen av den ryska kyrkan och de gamla troendes rörelse, bondekriget ledd av Stepan Razin och bågskyttarnas upplopp.
Peter I:s reformer medförde de största förändringarna i det vanliga sättet att leva i Ryssland. Framgångsrika krig stärkte den ryska staten, bidrog till framväxten av det ryska folkets nationella självmedvetande och ledde i mitten av 1600-talet. att stärka Rysslands makt. Vid denna tidpunkt blev Ukraina, Volga-regionen, en betydande del av Sibirien och Fjärran Östern en del av Ryssland. Många händelser under XVII-talet. återspeglades i folkkonst, i historiska sånger - sånger av fria män, komponerade till minne av bondeledaren Stepan Razin, det fanns många sånger om Yermak, Grishka Otrepyev och den mördade Tsarevich Dimitri, om Peter I.
Ryssland, 1600-talet upplevt långa krig, förödelse och allvarliga statsomvandlingar. En liknande situation uppstår vid denna tid överallt. På 1600-talet det pågår en kamp mot motreformationen, i många europeiska länder, i kampen för nationell befrielse, växer en folkrörelse. Den fick en speciell omfattning i Ukraina, som kulminerade i Ukrainas återförening med Ryssland 1654.
Musikliv på 1600-talet
Musiklivet för denna tid är mångfacetterat och motsägelsefullt. Den flätar ihop och bekämpar nya och gamla fenomen, medeltida dogmatiska idéer – med nya europeiska. Så 1648 utfärdade tsar Alexei Mikhailovich ett dekret om utvisning av buffoner och till och med förstörelsen av deras musikinstrument: "Bränn blodkärlen!" (Prinsarna gav inte sådana instruktioner ens under den djupa medeltiden.) Men snart, på uppdrag av samme Alexei Mikhailovich, öppnades den första hovteatern i Moskva, som varade i fyra år (1672-1676).
Musikinstrument förs till Ryssland från väst. Redan inte bara vid hovet, utan även bojarerna börjar musik på "tyskt sätt", har upplysta västerlänningar en orgel, klavikord, flöjter, cello. På 1600-talet i Muscovite Rus började icke-kultiska former av hemmusikskapande utvecklas - psalmer och sånger.
Från början av 1600-talet kreativiteten hos ryska sånger aktiveras, många författares sånger, sånger från den lokala traditionen dyker upp, nordliga melodier sprids: Solovetsky, Tikhvin, Novgorod, Usolsky och södra - Kiev, bulgariska, grekiska. Ytterligare utveckling under XVII-talet. finner teorin om znamenny notation, vilket ledde till reformer som först genomfördes av Ivan Shaydur och sedan av Alexander Mezenets. Båda arbetade med att förtydliga tecknens tonhöjdsnivå: Shaidur introducerade cinnobermärken, Mezenets - tecken som gjorde det möjligt att dechiffrera Znamenny-notationen i vår tid.
1600-talets musikhistoria. är uppdelad i två halvor; den första förknippas fortfarande med medeltidens traditioner, men vid denna tidpunkt introduceras redan element som motsvarar den nya tidsandan. Från andra hälften av 1600-talet. (med ankomsten av ukrainska sångare till Moskva 1652) börjar ett nytt skede i utvecklingen av rysk musik, märkt av uppkomsten av en femlinjär (Kiev) notation och polyfoni av harmonisk europeisk typ.
Under andra hälften av XVII-talet. Ryska musiker bekantar sig med västeuropeisk musikkultur, med dess teori och praktik, kompositionsteknik, nya musikgenrer. I heta debatter formas en ny konstens estetik. De polemiska avhandlingarna av anhängare av gammal och ny konst föds.
Bildandet av en ny stil skedde inom ramen för kyrkomusiken. Hans godkännande visade sig vara direkt relaterat till reformerna av patriarken Nikon. Den nya konsten i västerländsk stil var en främmande, främmande kultur för anhängare av de gamla riterna, den stred mot den gamla ryska kanonen.
1600-talet är en vändpunkt; som alla kritiska epoker är det konflikt. Ny konstens estetik på 1600-talet. i motsats till den gamla. Denna konflikt tar sig uttryck i konsten och till och med i språket. Teologiska, språkliga, språkliga problem - dispyter om nya översättningar av heliga böcker gjorda under patriark Nikon - låg i hjärtat av konflikten mellan anhängare av den gamla (gamla troende, gamla troende) och den nya riten. De fick sällskap av konflikten som orsakades av konflikten mellan gammal och ny konst. Förespråkarna för den gamla riten, som bekräftade de gamla idealen, såg i partier musik en expansion av den ideologiska fienden - katolicismen - katolskt inflytande 2 . Anhängare av den nya konsten hävdar en ny estetisk standard. Västerländsk konst håller också på att bli en referenspunkt för ryska musiker från slutet av 1600-talet. Västerlandet börjar uppfattas på olika sätt: för förkämparna för den nya konsten (N. Diletsky, I. Korenev, S. Polotsky, I. Vladimirov) blir västerländsk kultur en standard. De strävar efter att använda, upprepa, kopiera de bästa västerländska proverna. För anhängare av den gamla kulturen, "firare av forntida fromhet", är allt västerländskt främmande, det blir ett föremål för förnekelse och avvisande (ärkeprästen Avvakum, Alexander Mezenets, och andra).
I estetiken och systemet för synsätt hos musiker och teoretiker i den västerländska riktningen utvecklas principerna för barockstilen. Genom att avslöja sina motståndare i okunnighet, förkasta Znamennys sång, dess teori och notation, etablerar Diletsky och Korenev en ny värdeorientering. Grundläggande nytt i jämförelse med medeltiden var begreppet musik (musikia), som användes lika i förhållande till både instrumental och vokalmusik. Diletsky och Korenev inser behovet av att använda orgeln för att undervisa musiker, särskilt kompositörer.
Motståndet från dessa kulturer och deras öppna sammandrabbningar orsakade en oförsonlig konflikt, som snart följde. Denna tidskonflikt, som återspeglades i de gamla troende, skakade hela den ryska kulturen under andra hälften av 1600-talet. Den klyfta som uppstod i den visade sig såväl i musik som i litteratur, konst, liturgi och i livsstilen.
Den nya musiken var en symbol för ett nytt religiöst medvetande, men kampen ägde rum inte bara inom ideologins sfär, teologiska tvister, den uttrycktes objektivt i konstnärlig kreativitet, i musikalisk kontrovers. Partes musik förknippades med västerländsk, katolsk kultur. "I Moskva sjunger de sånger, inte gudomlig sång, på latin, och deras lagar och regler är latinska: de viftar med händerna och nickar med huvudet och trampar fötterna, som är brukligt med latinerna på orgeln" 3 , - så fördömer ärkeprästen Avvakum den nya sång av latinsk, västerländsk stil, som spreds i Moskvas kyrkor på 1600-talet. "Det finns inget att lyssna på - buffons dansare sjunger på latin", klagar han 4 .
Önskan att bevara och bevara den gamla tidens kultur är allmänt kännetecknande för många personer från 1600-talet, som höll fast vid konservativa tendenser. D. S. Likhachev ser i denna typ av "återställningsverksamhet" ett tecken på den nya tiden. Denna typ av "återställnings"-fenomen inkluderar också en ny systematisering av tecken på znamenny notation i ABC. Till exempel, i "Notice of the Most Consenting Marks" av äldste Mezenets, har inte bara märken redan introducerats, utan också tecken som förenklar läsningen av krokar. Rättelse av böcker och sjungande texter "för talet" och kampen mot polyfoni hör också till samma typ av fenomen.
Funktioner av utvecklingen av rysk konst från XVII-talet. och ligger just i kulturens dialogiska utveckling. Det gamla, utan att dö, samexisterar med det nya. Med stabiliseringen av konstnärliga och historiska processer fortsätter den att utvecklas i framtiden längs två vägar: den ena är vägen för breda kontakter med västeuropeisk kultur, som går synkront med utvecklingen av europeiska konststilar, den andra är vägen för bevarande av den gamla traditionen i de gamla troendes samhällen, som skyddade sin konst och gamla traditioner från yttre påverkan under tre århundraden 5 . Vid denna tid befann de sig i en exceptionell position, som bärare av den gamla tron och den gamla kulturen, omgivna av en snabbt utvecklande ny konst, de var antikens väktare.
situationen under andra hälften av 1600-talet. nära XI-talets situation. Liksom i Kievan Rus X-XI århundraden. krockade två olika kulturer - hednisk och bysantinsk, under XVII-talet. den gamla ryska medeltida kulturen kommer i kollision med den västeuropeiska. På 1600-talet motsättningarna i dessa två kulturer avslöjas, det finns en motsättning - "gammal" och "ny". Den antika kanoniska medeltida musiktraditionen, välsignad av århundraden, är kopplad till den "gamla", och barockstilen, partesque polyfoni av västerländsk typ är kopplad till den "nya". Den gamla monodiska, znamenny sången, som gammal ikonmålning - som om platt, endimensionell, stod i motsats till barockens omfångsrika, polyfoniska konst. Det skapar en ny känsla av rymd. Dess struktur, frodiga, flerskiktiga, luftiga, förmedlar en känsla av rörelse, typisk för alla typer av barockkonst.
Under påverkan av alla omvälvningar och förändringar under XVII-talet. grunden för den medeltida världsbilden börjar lossna. I kontroversen mellan anhängarna av den gamla och den nya konsten formas gradvis en ny estetik. Ersättningen av en stilistisk riktning med en annan ägde rum i en skarp kamp orsakad av en allvarlig omstrukturering av världsbilden. Övergången från medeltidens konst till barockens konst var förknippad med förstärkningen av den sekulära början, den aktiva utvecklingen av nya musikgenrer och former och en ny typ av musikaliskt tänkande.
Utvecklingen av rysk polyfonisk musik under barocktiden (från mitten av 1600-talet till mitten av 1700-talet) är slående i sin snabbhet. Vad västerländsk konst har passerat på 700 år, behärskar Ryssland i hundra. I Ryssland ingjuts omedelbart traditionerna för västeuropeisk barock, men i den ryska versionen. Ung, energisk, fräsch barockkonst fängslar med sin skönhet, rikedom och färgfullhet. Konserter med flera körer, som spreds först i Ukraina och sedan i Muscovite Rus, förvånade lyssnarna med en aldrig tidigare skådad prakt.
Barockkonst från slutet av 1600-talet - första hälften av 1700-talet. är förknippad med utseendet på partesny-konserter (från det latinska partis - party), så kallade eftersom de, till skillnad från unison rysk sång, sjöngs i delar. Barocktiden i Ryssland förknippades med polyfonins blomstring. Efter en så lång tid av monodi, som varade i nästan 700 år, börjar en period av dominans av polyfonin. Partesny polyfoniska kompositioner för 4, 8, 12 - upp till 48 röster skapas, och verk för 12 röster blir normen. Tekniker för harmonisk och polyfonisk skrift utvecklas. Från mitten av XVII-talet. En ny stil av partesång, motsvarande barocktiden, bekräftas, som har funnit sin förkroppsligande i partessharmoniseringar av gamla sånger, författares kompositioner, sånger, psalmer och konserter.
Konsertsång, som togs till Moskva Rus från Ukraina, var en produkt av europeisk kultur. Från Tyskland och Italien, genom Polen, tränger den in i Ukraina och sedan till Moskva. En sådan väg var naturlig för den perioden på 1600-talet, då många västerländska influenser inom konsten kom till Ryssland främst från Polen genom Ukraina.
Sydvästlig inflytande i Moskovitska Ryssland
I mitten av XVII-talet. Rysslands direkta band med Västeuropa 6 stärktes avsevärt, men inflytandet från den ukrainsk-vitryska upplysningen, som hade ökat sedan annekteringen av Ukraina till Ryssland (1654), var särskilt viktigt vid den tiden. Enandet av Ukraina med Ryssland bidrog till omvandlingen av den ryska kulturen. Som en del av samväldet har Ukraina bemästrat många drag av den katolska polska kulturen. I början av XVII-talet. i Ukraina, under inflytande av den polska kulturen, bildas nya former av konstnärligt tänkande, som är direkt relaterade till västeuropeiskt inflytande, särskilt italienskt. Polsk kultur genom ukrainska musiker från mitten av 1600-talet. börjar aktivt påverka kulturen i Muscovite Rus.
I mitten av XVII-talet. Ukrainska och vitryska forskare, sångare, skriftlärda flyttade till Moskva. Bland dem var den ukrainske filologen, översättaren, läraren, författaren till ordböcker Epiphanius Slavinetsky, den vitryska poeten och dramatikern Simeon Polotsky, som intog en framträdande position vid Moskvas hov, som utbildare för de kungliga barnen.
Tack vare dessa lärares verksamhet öppnas nya utbildningsinstitutioner - skolor, högskolor 7. En av dessa institutioner var den slavisk-grekisk-latinska akademin (1687), som fungerade som en högre utbildningsinstitution, där mycket uppmärksamhet ägnades åt filologi, språk och poesi. Det största kulturcentret var klostret Uppståndelsen New Jerusalem som grundades av patriarken Nikon. Som Yu. V. Keldysh noterar var detta klosters roll mycket betydelsefull, här "nya trender inom poesi och kyrkosång, nya musikaliska och poetiska genrer föddes och fick stöd" 8 .
Att sjunga i Ukraina har alltid fått huvudplatsen. Av naturen, mycket musikaliska, ukrainska människor under XVI-XVII-talen. förbättrade snabbt sin sångverksamhet, vilket underlättades av kampen mellan ortodoxi och katolicism. Ukrainsk musik har varit starkt influerad av polsk musikkultur. Union 9 av 1596 gjorde det lättare för latinsk sång att nå kliros. Detta gällde särskilt i den sydvästra delen av Ukraina, där Polens politiska dominans, Uniaternas religiösa beroende av Rom och kulturella band med Polen gav en väg för spridningen av västeuropeisk musik.
Inträngandet av polskt inflytande underlättades avsevärt av många sydryska brödraskap, som konkurrerade med katolskt inflytande och sinsemellan. Kampen mot polskt katolskt inflytande tvingade ukrainska sångare att lära sig ny sång och använda sina motståndares vapen. Det är känt, till exempel, att Lviv Brotherhood i mitten av XVI-talet. skickade tjänstemän till Moldavien för att lära sig grekisk och serbisk sång, och de galiciska städerna skickade tjänstemän för att studera kyrksång i Rumänien.
Polyfonisk "orgelstemmande", det vill säga imitera ljudet av en orgel, sång uppfattades i Rus som en "latinsk kätteri", en frestelse 10 . I stället för de tidigare andliga verserna sjöng man psalmer och kanter, ofta på polska. Utförandeestetiken har förändrats. De hårt återhållna melodierna i Znamenny-sången ersattes av uttrycksfulla "sötljudande" melodier. Den arabiska författaren Pavel Aleppsky, som besökte Ukraina och Moskva 1654-1656, visade bäst av allt skillnaden i stilen för ukrainsk och Moskvasång: en mun, de älskar passionerat musikalisk sång, milda söta melodier. I Moskvas "irmoloy" - unison sång överraskades P. Aleppsky av ryssarnas förkärlek för låga mansröster: "Deras bästa röst är grov, tjock, basig, vilket inte ger lyssnaren nöje. Som vi anser det en nackdel, så de har vår hög låten anses vara oanständig. De hånar kosackerna för deras låtar och säger att det här är låtarna av frankerna och polackerna" 11 .
i Ukraina på 1600-talet. ett nytt sätt att uttrycksfullt sång tar form, nya typer av monodiska sånger skapas. Ukrainska sångmanuskript från 1600-talet. - Irmologions, fulla av sånger av lokala sånger. Deras namn är oftast associerade med platsen för deras ursprung och distribution i Ukraina - Volyn, Lviv, Ostroh, Slutsk, Kremenets, Podgorsky. Ibland är deras sånger associerade med den lokala klostertraditionen att sjunga, oftast med stora kloster - Suprasl, Kiev-Pechersk, Mezhygorsk, Kuteinsky. Men de vanligaste, som blev allmänt kända i Moskva, var tre - Kiev, bulgariska och grekiska. De togs tydligen med sig av ukrainska sångare som kom till Moskva på 1950-talet. XVII-talet, och i synnerhet från sångskolan i Kiev Brotherhood Monastery, vars grundare var den berömda ukrainska utbildaren och politikern Lazar Baranovich.
Kievska, bulgariska och grekiska sånger spelades in i Kievsk notation, de var kopplade till osmossystemet och hade några gemensamma stildrag som skiljer dem från Znamenny-sången. Det var strofiska sånger baserade på upprepade upprepningar av strofmelodier med olika texter. En strikt definierad meter, rytmisk periodicitet dök upp i de nya sångerna, som förde dem närmare kanterna och psalmerna, som hade drag av europeisk melodi, lyrisk sång och till och med dans. Detta är hur estetiken i den antika ryska sångkulturen gradvis förändras. Istället för den strikta znamenny-sången med oändligt utvecklande, som om svävande melodi utan en meter, kommer metriska, enklare och mer sånglika, melodiska, lätta att komma ihåg låtar.
Sångerna i den bulgariska sången kännetecknas av sin uttrycksfullhet och melodiöshet 12 . Dess rytm är symmetrisk, den passar vanligtvis in i en fyrtaktsmätare, texten sjungs måttligt, även om man ofta stöter på stor sång inom stavelsen.
Den grekiska sången 13 kännetecknas av korthet och enkelhet. Melodierna i grekisk sång är melodiösa och recitativa, med en symmetrisk rytm. De kombineras till musikaliska kompositioner baserade på olika repetition av rader:
Kiev-sången är en sydrysk gren av Znamenny-sången. Den är baserad på stroficitet, rad för rad skandering av texten. I melodin av Kyiv-sången finns det både recitativa och sångkonstruktioner, upprepningar av enskilda ord och fraser i texten finns ofta, vilket inte var tillåtet i Znamenny-sången. Kievsången blev utbredd i Moskva från andra hälften av 1600-talet. Två varianter av Kyiv-sång är kända - stor och liten (en förkortad version av den stora).
Kievska och grekiska sånger, tillsammans med Znamenny-sånger, sjöngs i de viktigaste texterna i vardagen, vardagspsalmer från Helnattsvakan och liturgin. Det finns många av dem i den sydryska irmologion. Med införandet av partisång under andra hälften av 1600-talet. Partesny polyfoniska harmoniseringar av Kievska, bulgariska och grekiska sånger dök upp.
Sida 1 - 1 av 3
Hem | Tidigare | 1 | Spår. | Slut | Allt
© Alla rättigheter reserverade
