Много хора не разбират защо един оркестър има нужда от диригент, ако всички музиканти имат ноти.
Кога оркестърът е имал диригент?
Общностите на музиканти, които свирят тази или онази музика, са известни от древни времена и, разбира се, тези ансамбли често имат свои формални или неформални лидери.
На египетските барелефи има изображения на мъж с жезъл в ръка, който води музикантите, а в Древна Гърция ръководителите на хора (светила) бият ритъма с помощта на специален сандал с желязна пета.
И колкото по-големи ставаха оркестрите (през Средновековието и Ренесанса те се наричаха капели, думата „оркестър“ се разпространи по-късно), колкото по-сложна беше практиката на оркестровото свирене, толкова по-необходима се оказа фигурата на контролера. - човек, който бие ритъма и следи всички да играят координирано и да влязат навреме. Преди това се правеше с помощта на масивен бастун „батута“, който се удряше на пода - най-ранните изображения на този процес датират от 15 век.
Това беше доста труден въпрос и не винаги безопасно - великият френски композитор Жан-Батист Лули (1632-1687) нарани крака си с върха на такъв бастун и умря от гангрена.
Композиторите, които изпълняваха собствена музика с параклисите, често бяха първите диригенти. Те можеха да избият ритъм с краката си или да размахат музикален лист като Бах. Често тази функция се изпълняваше от клавесинисти или първи цигулари, които подадоха сигнали с люлеене на лъка.
Случвало се е да има няколко диригента – в операта хормайсторът може да управлява певците, а корепетиторът – оркестъра. Важно е, че почти винаги диригентът е бил и музикант – пеел е или е свирил.
Корепетиторите свиреха първата цигулкова партия и дадоха знаци на другите музиканти с очи и кимане на глава или, прекъсвайки играта, почукваха ритъма с лък.
Как поеха щафетата в ръцете си?
Въпрос на шанс. По същество пръчката беше заместител на вече познатия лък или музикален свитък.
Диригентите започнаха да използват палката в началото на 19 век и, съдейки по описанията, тези палки първоначално бяха доста тежки. Именно 19-ти век стана векът на раждането на диригентите като отделна професия - те окончателно се отделиха от оркестрите, заеха се изключително с дирижиране, застанаха на специални възвишения и, което беше особено необичайно, обърнаха гръб на публиката.
Първият, който направи това, беше или Хектор Берлиоз, или Рихард Вагнер - не се знае със сигурност кой пое лидерството. За невероятно разширения и сложен симфоничен оркестър от 19-ти век, броят на участниците в който можеше да наброява стотици, беше жизнено необходим специален човешки регулатор - той вече нямаше възможност да свири нещо паралелно с дирижирането.
Фигурата на диригента, разбира се, също е продукт на романтичната традиция - само в нея може органично да съществува черният силует на самотен гений над тълпата, който с едно движение на ръката си управлява невероятната звукова маса и емоциите на слушателите.
Тоест диригентът е необходим преди всичко, за да зададе правилния ритъм?
Като минимум, определянето на ритъм и сигнализирането кой се намесва в кой момент е наистина важно.
Самите музиканти, разбира се, могат да следят какво се случва от нотите, да броят тактовете и да слушат колегите си, но това не винаги е лесно, а в голям симфоничен оркестър музикантите просто не могат да чуят всички части. Но задачите на диригента, разбира се, не се ограничават до това: той отговаря за всички параметри на изпълнението, за да гарантира, че всичко е обединено от единно темпо и настроение.
А за интерпретацията - все пак една и съща композиция може да се изсвири по съвсем различни начини. С различна скорост, поставяйки различни акценти, интерпретирайки различно настроенията на звената, обръщайки различно внимание на страните.
Това прави диригентът по време на репетициите, като анализира, понякога много щателно, партитурите с музикантите, докато не бъде доволен от звученето и общия смисъл на композицията.
Това е особено важно, когато традицията на изпълнение е прекъсната - произведенията на много велики композитори от 17-ти и 18-ти век не са били изпълнявани дълго време и можем само да гадаем как са звучали приживе.
Ако един съвременен композитор може да премине през цялата партитура с диригента, обяснявайки как точно трябва да се изпълнява неговата композиция (въпреки че и тук диригентът има право на глас и свободна воля), а, да речем, във Виена все още има живи музиканти, които учил с хора, които са свирили валсовете на Йоханес Щраус под ръководството на самия Щраус, тогава няма ясен отговор на въпроса „Как правилно да свирим произведенията на Бах, Вивалди или Лули“.
Нотите от онова време са изключително оскъдни в обясненията си и много подробности, които не са посочени в нотите, но очевидни за музикантите от онова време, може да бъдат загубени за нас завинаги. В този случай е невъзможно просто да „изсвирите нотите“: проблемът с дешифрирането на барокова партитура е подобен на сложна музиколожка детективска история.
Достатъчно е да прочетете всяка книга, за да се убедите в това - всъщност той казва, че трябва да изучите всички известни източници от онова време и след това, като едновременно вземете предвид и игнорирате написаното в бележките, се опитайте да разберете не буквата, а духът на творбата.
„Само този, който открие замисъла на композитора в нотите и изсвири тези ноти в съответствие с него, ще бъде верен на произведението в истинския смисъл на думата. Ако един композитор напише цяла нота, което означава шестнадесета нота, тогава този, който свири шестнадесетата нота, а не този, който свири цялата нота, ще остане верен не на нотите, а на произведението.
Harnoncourt пише.
Тоест звученето на една и съща композиция зависи от това кой дирижира?
Точно. Двама различни диригенти могат да изпълнят една и съща симфония много подобно (макар и никога идентично) или могат да я изпълнят напълно различно.
Ето едно много красноречиво видео от проекта Arzamas: какво се случва с прочутата „Та-та-та-та” на Бетовен в ръцете на главните световни диригенти.
Друг пример: същото произведение на Бах, дирижирано от Карл Рихтер:
И Никола Арнонкур:
Винаги ли диригентите са ужасни тирани?
Не е задължително. Но тази работа не е лесна и отговорна и не може да се направи без известен натиск и решителност, а в отношенията между диригента и оркестъра не е трудно да се види метафора за връзката между владетеля и тълпата („Фелини“ Оркестрова репетиция” е изграден почти изцяло върху него).
През 20 век много диригенти не избягаха от изкушението да управляват своите оркестри, разчитайки на диктатура, натиск и атмосфера на страх. Големите диригенти на века - Херберт фон Караян, Вилхелм Фуртвенглер, Артуро Тосканини - бяха хора, с които музикантите си спомнят работата със свещен ужас.
Обикновените хора, които са далеч от класическата музика, не винаги разбират какво точно прави този мъж в смокинг, който размахва ръце пред музикантите, които се опитват да свирят най-добре. Въпреки това нито един оркестров концерт не е завършен без този участник. Какво прави диригентът, каква е неговата роля и защо слушателите са по-склонни да купуват билети, ако е известен?
От Древна Гърция до наши дни
Много преди Тосканини, Фуртвенглер, фон Караян и Бърнщайн, тяхната работа вече е извършена от Ферецид от Патра, известен в Древна Гърция като „Пейсмейкъра“. Според исторически източници още през 709 г. пр.н.е. той контролира група от осемстотин музиканти със златна палка, като я повдига и сваля и гарантира, че музикантите „започват по едно и също време“ и „всички могат да се държат заедно“.
Функциите на диригента са се променили през последните хиляда и повече години, но професията все още е обвита в някаква мистична аура. Наистина, удивително е умението на един човек, държащ само дървена пръчка в ръката си, да осигури хармоничното звучене на понякога стотици инструменти.
Как става така, че звуците, изливащи се в резултат на този мистериозен танц на контролния панел, понякога предизвикват възвишена наслада, завладявайки слушателите, които след това не могат да забравят чувствата, които са ги обзели до края на живота си?
Това е голямата мистерия на изкуството и, слава Богу, е невъзможно да бъде разкрита напълно.
В по-приземени аналогии диригентът е музикалният еквивалент на мениджър на спортен отбор. Никога не може да се прецени какво точно прави, но винаги е ясно какъв резултат постига. Оркестърът по принцип може и без диригент, но в повечето случаи все пак предпочита да свири под негово ръководство. И така, какво точно прави той? Това са някои от многото неща, които един диригент прави, съзнателно или несъзнателно, на подиума.
Metronome Man
„Цялото задължение на един диригент се състои в способността му винаги да посочва правилното темпо“, каза Рихард Вагнер, който самият владее перфектно тази професия и също така е велик композитор. Обикновено дясната ръка (със или без палка) се използва за управление на оркестъра, но други компоненти също влияят на безупречното изпълнение. Диригентът не може да бъде заменен от метроном (както е прекрасно илюстрирано в алегоричния филм на Фелини „Репетиция на оркестъра“), неговите действия означават много повече.
Интерпретация
Работата на диригента е да вдъхне живот на партитурата. За да направи това, той използва собственото си разбиране за произведението като инструмент и го изразява чрез индивидуален език на знаците. Той, така да се каже, „извайва“ музикалната линия, подчертава нюансите и отделните музикални елементи, контролирайки музикантите и всъщност създава много наново. Тези процеси обикновено се изразяват с лявата ръка. Докато всички диригенти имат някои общи жестове, повечето от най-големите имат свой собствен уникален стил. Например Furtwängler в някои моменти спонтанно правеше доста странни движения. Валери Гергиев движеше пръстите си, изразявайки характера на музиката, а самият той обясняваше този маниер с факта, че е пианист.
Умения за слушане
„Най-добрите диригенти правят най-добрите слушатели“, казва Том Сървис, журналист и автор на завладяващата книга „Музиката като алхимия: Пътешествия с велики диригенти и техните оркестри“. Те като гръмоотвод поемат емоционалното натоварване на творбата и насочват вниманието към най-силните й страни. За един диригент е важно да разбира музиката по-дълбоко от обикновените хора и след това да изрази собственото си свръхсъзнание, като го направи публично достояние.
Диктатура
„Трябва да наложите волята си - не насила, но трябва да можете да убедите хората в правотата на вашата гледна точка!“ - каза Пиер Булез, легендарният композитор и диригент. Въпреки че повечето диригенти в наши дни се смятат за демократи, това просто не може да е вярно. Това не означава, че диктатурата не може да бъде избегната, но не е лесно. Булез дава пример с Берлинския филхармоничен оркестър, наричайки го група от индивиди: „Ако диригентът не им даде колективно ръководство, тогава те ще бъдат лишени от кормило и платна.“
Диригент-диригент
На много езици думата „диригент“ звучи като „диригент“. Е, има нещо общо, защото всеки слушател възприема музиката с ухото си и гледа какво прави диригентът и чрез този визуален образ има визуална връзка, един вид мост между очите ни и мелодичните усещания. Понякога е просто невъзможно да откъснете очи от дистанционното управление; гледката е хипнотизираща.
„Дирижирането е много по-трудно от свиренето на един инструмент. Трябва да познавате културата, да пресмятате всичко и да проектирате това, което искате да чуете,” казва Булез.
Какво освен музика?
Диригентите се нуждаят от музикален инстинкт, интуиция и вродена музикалност, но освен това те трябва да знаят много. Те обикновено прекарват много часове в подготовка, преди да седнат на конзолата. Често има академичен характер, като обхваща изучаването на исторически документи като писма, спецификации на инструменти от определен период или биографични подробности на автори. Както всички големи мистерии, страхотната музика идва само от огромно количество упорит труд.
Барелефите съдържат изображения на мъж с палка в ръка, предвождащ група музиканти. В древногръцкия театър светилото ръководеше хора, избивайки ритъма с крак, обут в сандал с желязна подметка. В същото време, още в Древна Гърция, управлението на хор е широко разпространено с помощта на така наречената хейрономия (от старогръцки. xeir- ръка и пр. - гръц. номос- закон, правило), което след това преминава в практиката на църковното изпълнение в средновековна Европа; Този вид дирижиране включваше система от условни движения на ръцете и пръстите, с помощта на които диригентът посочваше на певците темпото, метра, ритъма, възпроизвеждаше контурите на мелодията - нейното движение нагоре или надолу и др.
Батутата първоначално е била доста масивна бастун; директорът на оркестъра бие ритъма, удряйки го в пода - такова дирижиране беше едновременно шумно и опасно: Дж. Б. Лули, докато дирижираше с върха на бастун, си нанесе рана, която се оказа фатална. Но още през 17 век има по-малко шумни методи на дирижиране; Така в ансамбъла изпълнението може да се води от един от членовете му, най-често цигулар, който отчита времето с удряне на лъка или кимане с глава.
С появата на системата генерал бас през 17 век, задълженията на диригента преминават към музиканта, който изпълнява партията генерал бас на клавесин или орган; той определяше темпото чрез поредица от акорди, но също така можеше да дава инструкции с очи, кимване на глава, жестове или дори, като например Й. С. Бах, тананикане на мелодия или потупване на ритъма с крак. През 18 век генералният бас все повече се подпомага от първия цигулар - корепетиторът, който задава тон със свиренето на цигулка и може, след като спре да свири, да използва лъка като батут. През 18 век се разпространява практиката на двойно и тройно дирижиране при изпълнение на сложни вокални и инструментални произведения: например в операта клавесинистът управлява певците, а корепетиторът контролира оркестъра; третият лидер може да бъде първият виолончелист, който свири на бас в оперни речитативи, или хормайсторът; в някои случаи броят на проводниците може да достигне до пет.
С отмирането на общата басова система (през втората половина на 18 век) нараства значението на цигуларя-акомпаниатор; и през 19 век този метод на дирижиране се запазва при изпълнение на прости произведения, по-специално в бални и градински оркестри; Днес често се използва при изпълнението на старинна музика.
19 век в историята на дирижирането
Развитието и сложността на симфоничната музика, постепенното разширяване на състава на оркестъра още в края на 18 век изискват освобождаването на диригента от участие в ансамбъла; дирижиращият корепетитор отново отстъпи мястото си на стоящия пред оркестъра. В този случай като батут може да се използва кожена тръба, напълнена с вълна, или ролка с ноти. В началото на 19 век в ръката на диригента се появява малка дървена пръчка. Във Виена палката е използвана за първи път от Игнац фон Мозел през 1812 г.; през 1817 г. оркестърът на К. М. Вебер в Дрезден и Л. Шпор във Франкфурт на Майн се управлява с палка.
В продължение на векове композиторите, като общо правило, сами са изпълнявали произведенията си: композирането на музика е било отговорност на капелмайстора, кантора и в други случаи органиста; Постепенното превръщане на дирижирането в професия започва през последните десетилетия на 18 век, когато се появяват композитори, които редовно изпълняват чужди произведения. Така във Виена от 1771 г. на обществени благотворителни концерти на Музикалното дружество, ръководени първо от Флориан Леополд Гасман, а след това в продължение на много години от Антонио Салиери, често се изпълняват произведения на починали композитори или съвременници, които по една причина или друг не можа да участва лично в концертите . Практиката да се изпълняват произведения на други хора се разпространява в оперните театри в края на 18 век; опери на други хора често се дирижират от Йозеф Мисливечек, който популяризира по-специално работата на К. В. Глук и Джовани Паизиело.
Ако през 18 век композиторите-диригенти са се изявявали предимно със своите оркестри (хори), с изключение на оперните композитори, които са поставяли и изпълнявали произведенията си в различни градове и страни, то през 19 век на концертната сцена се появяват гост-изпълнители, изпълняващи както със свои, така и с чужди произведения, дирижиране на чужди оркестри, като Хектор Берлиоз и Феликс Менделсон, по-късно Р. Вагнер.
Не е установено със сигурност кой пръв, пренебрегвайки благоприличието, обърна гръб към публиката с лице към оркестъра - Г. Берлиоз или Р. Вагнер, но в изкуството на управлението на оркестъра това беше исторически обрат, който осигури пълна творчески контакт между диригента и артистите на оркестъра. Постепенно дирижирането се превръща в самостоятелна професия, несвързана с композирането: управлението на нарастващ оркестър изисква специални умения и специален талант. „Дирижирането“, ще напише по-късно Феликс Вайнгартнер, „изисква не само способността за пълно разбиране и усещане на музикално артистично творение, но и специална техническа ловкост, трудно е да се опише и трудно може да се научи... Тази специфичност способностите често по никакъв начин не са свързани с общата музикална надареност. Случва се някой гений да е лишен от тази способност, а посредственият музикант да е надарен с нея.” Сред първите професионални диригенти, постигнали международно признание, са Ханс фон Бюлов и Херман Леви; Бюлов става първият диригент в историята, който прави турне с оркестри, включително Берлинската филхармония.
„Пет големи“: Бруно Валтер, Артуро Тосканини, Ерих Клайбер, Ото Клемперер, Вилхелм Фуртвенглер
Дирижиране през 20 век
От втората половина на 19 век немско-австрийската дирижорска школа доминира в Европа, което не на последно място се дължи на преобладаването на немско-австрийската симфонична музика в концертния репертоар; в началото на века тя е представена предимно от така наречената „пост-вагнерова петорка“: Ханс Рихтер, Феликс Мьотл, Густав Малер, Артур Никиш, Феликс Вайнгартнер, а по-късно и от диригентите от следващото поколение: Бруно Валтер, Ото Клемперер, Вилхелм Фуртвенглер, Ерих Клайбер и холандският диригент на немската школа Вилем Менгелберг. Създадена в епохата на романтизма, тази школа до средата на 20 век запазва някои черти, присъщи на романтичното движение в музикалното изпълнение.
Чувствайки се като съавтор на изпълняваната творба, романтичният диригент понякога не спираше, преди да направи някои промени в партитурата, предимно по отношение на инструментите (някои корекции, направени от романтиците в късните творби на Л. ван Бетовен, все още се приемат от диригенти), особено след като той не виждаше голям грях в отклонението, по свое усмотрение, от темпото, указано в партитурата и т.н. Това изглеждаше оправдано, тъй като не всички велики композитори от миналото владееха оркестрацията, а Бетовен, като очаквано, беше глух, което му пречеше да си представи ясно звуковата комбинация - в В същото време повишеното значение на професионалните диригенти често караше живите композитори да се консултират с тях или да правят корекции на партитурата след неправилно, но впечатляващо изпълнение.
Свободите, които Вагнер и след това Ханс фон Бюлов си позволяват с партитурите си, често се осъждат от техните съвременници. Така Феликс Вайнгартнер посвещава значителна част от книгата си „За дирижирането” на полемиката с Бюлов. Диригентските намеси в партитурите постепенно остават нещо от миналото (през първата половина на 20-ти век основно Вилем Менгелберг и Леополд Стоковски са били критикувани за такива намеси), но дълго време остава желанието за адаптиране на произведенията на отдавна отминали композитори към възприятието на съвременната публика: да „романтизираме“ произведенията от предромантичната епоха, да изпълняваме музиката на 18 век с пълния състав на симфоничен оркестър от 20 век... Всичко това в началото на 20 век предизвиква „антиромантична” реакция в музикалните и околомузикалните среди. Значително явление в музикалното изпълнение от втората половина на 20-ти век е „автентичното“ движение. Безспорната заслуга на това движение, представено от Густав Леонхард, Николаус Арнонкур и редица други музиканти, е овладяването на стилистичните характеристики на музиката от 16-18 век - тези черти, които романтичните диригенти, в по-голяма или по-малка степен, склонни към пренебрегване.
Модерност
Тъй като не всички постижения на „автентистите“ са безспорни, повечето съвременни диригенти, когато се обръщат към музиката на 18 век (музиката от по-далечни времена рядко се изпълнява от неавтентисти), търсят своята „златна среда“ между романтизма и „автентизъм“, често имитиращ методите на дирижиране от онова време - контролира оркестъра, седнал на пианото или с цигулка в ръка.
Днес много диригенти отказват да използват диригентската палка - изобщо или в бавните части на произведенията (Леополд Стоковски дирижира без палка през първата половина на 20 век). Тези, които не отказват, обикновено го държат в дясната си ръка. Най-силният (първият) такт на такта се обозначава с движението на дясната ръка надолу, най-слабият (последният) - с движението на дясната ръка нагоре, останалите (ако има такива) се разпределят между тях, образувайки т.н. Наречен метрична мрежа. В допълнение към това определяне на темпото и ритъма, с допълнителни движения на ръцете, главата, цялото тяло, както и мимиките, диригентът посочва характера на музикалното изпълнение както за ансамбъла като цяло, така и за отделните му групи и участници.
Диригентската професия остава предимно мъжка, но през 20 век започват да се появяват и жени диригенти: в началото на века Елфриде Андре дирижира открити концерти в Гьотеборг, Надя Буланже дебютира като диригент през 1912 г., Жана Еврард я ръководи собствен Парижки женски оркестър в града. ., Сара Колдуел (първата жена, която дирижира в Метрополитън опера) и Вероника Дударова, която работи с най-големите оркестри на СССР повече от 50 години, се радваха на слава.
Бележки
Връзки
Професията диригент е една от най-редките професии. Днес сферата на изкуствата не привлича толкова много млади хора, а специалности като диригент и композитор са сравнително нетърсени. Диригентът е музикант, който ръководи група от други музиканти, използвайки движения на ръцете, пръстите и главата си. Диригентът участва и в подбора на репертоара, първи се запознава с партитурата, разучава нови музикални произведения с членовете на ансамбъла, като им предлага собствена интерпретация на произведението като цяло.
Професията на диригента се счита за изключителна, частична, тъй като експертите казват, че е почти невъзможно да се научи. За диригент трябва да се родиш, много хора се занимават с тази професия дълги години. Основната задача на диригента е да увлече музикантите с музикално произведение и да ги поведе. Оркестърът е колектив, чийто ръководител е диригентът, който носи цялата отговорност за дейността на оркестъра, грешките и неуспехите, постиженията.
Сред личните качества, които диригентът трябва да притежава, са: отлична музикална памет, наличие на чувство за ритъм и слух за музика, добра координация, постоянство, двигателна плавност (добра подвижност на пръстите), решителност, търпение, творчески способности (гъвкавост на мисленето, склонност към импровизация), развито въображение, педагогически способности, силна воля .
По правило „готовите” диригенти не излизат от висшите музикални учебни заведения. Несъмнено образованието е много важно, но само ако човек първоначално има определени музикални способности. Важен е и опитът – доста често хората стават диригенти след няколко години работа като корепетитори, музиканти в оркестри и т.н.
За да стане диригент, музикантът трябва да познава теоретичните основи на записването и четенето на хорови произведения, да изучава не само хорови науки, но и педагогика, психология и социология. Диригентът трябва да има богат музикален репертоар и определени познания в областта на композицията.
Диригентът може да работи във всеки професионален хор или оркестър, с произволен брой музиканти. По правило израстването на кариерата на музиканта се състои в преминаване към по-сериозни оркестри (както по състав, така и по ниво на професионализъм на участниците), в различни театри, музикални зали, филхармонии и др. Добрият диригент може да пътува с оркестър по целия свят, да свири в различни градове в различни филхармонични зали. Диригентът може да работи както с класически, така и с модерен репертоар.
Освен това всеки диригент има право и притежава всички необходими знания и способности да преподава. Може да преподава в държавно или частно музикално училище, или други учебни заведения, където музикалното изкуство е част от изучаваните предмети. Такъв голям избор от области на дейност позволява да се твърди, че дирижирането е професия, която ще даде възможност за изграждане на успешна кариера и осигуряване на високо ниво на доходи.
„Диригентът може да се сравни с двама души наведнъж: първо, с режисьор в драматичен театър, и второ, с контролер. Техническата функция на диригента е да координира различните групи в оркестъра. Един симфоничен оркестър може да варира от 60 до 120 души, което го прави многолюдно събиране. На сцената всички тези хора седят така, че често не могат да се видят или чуят. Да кажем, през звукова стена, която разделя първите цигулки, разположени отпред, и тромбоните отзад, в най-десния ъгъл, те просто не осъзнават, че другите свирят. Ако оркестрантите се разотидат, ще настане катастрофа, ще започне какафония.
За да се предотврати това, диригентът е точно това, което е необходимо - така че музикантите да са координирани помежду си, така че да свирят хармонично, в едно темпо и настроение, както се казва, "дишайте заедно". Освен това към всичко това диригентът трябва предварително да покаже въвеждането на определени инструменти. Разбира се, самите музиканти знаят как да броят паузите, те могат да преброят 25 такта и да започнат отново, но понякога броят на тактовете в паузата се измерва в стотици, а понякога някои инструменти имат само няколко ноти в парчето, а между ги има минути на пълно мълчание. Диригентът трябва да знае точно партитурата и да посочи на музикантите момента на влизане. Функцията на диригента в тази форма не винаги е съществувала, само от началото на 19 век. Преди това, разбира се, имаше първи човек в оркестъра, но това беше или първият цигулар, или човекът зад клавесина - често самият композитор дирижираше собствената си творба. Но оркестрите през бароковите времена са били по-малки, много по-лесни за управление и е имало по-малко инструменти - и не само като брой. През 18 век оркестърът има много по-малко разновидности на духови и ударни инструменти, отколкото в романтичния оркестър от времето на Чайковски и Вагнер.
Клаудио Абадо дирижира Първата симфония на Густав Малер
Но не трябва да забравяме и втората, творческа функция на диригента. Като цяло, ако наречете който и да било диригент в очите му, това ще бъде като шамар, а оркестрантите наричат лошите диригенти точно така, което означава, че знаят само как да покажат темпото и ритмичната мрежа - и нищо Повече ▼. Добрият диригент е нещо като добър режисьор в театъра: той е човек, който изгражда формата на представлението, задава темпото, ритъма, настроението, очертава характерите на героите - в случая различните инструменти на симфоничен оркестър. И най-важното, той създава интерпретация на работата, която му е поверена.
Диригентите, както и музикантите от други специалности, учат в консерваторията - но се смята, че това е професия, свързана с възрастта. Казват, че 40-50 години е младост за един диригент, зрелостта идва по-късно. В консерваторията работят върху техниката на дирижиране, за да гарантират, че движенията на ръцете и тялото са възможно най-ясни, точни и ясни. Това е вид хиромантия или, по-примитивно, жестомимичен превод: трябва, без да произнасяте нито дума, да обясните намеренията си на музикантите - темпото, нюансите, динамиката, характера на музикалната фраза, особеностите на баланса на оркестрова фактура, кои групи инструменти са по-важни в момента, кои - по-малко. Това е невербален метод за комуникация чрез жестове, който се осъществява не само с ръце, но и с цялото тяло. Някои особено колоритни диригенти дори танцуват на конзолата, но това не означава нищо - понякога такива активни движения на тялото са абсолютно безполезни, добрите диригенти често се ограничават до много икономични жестове - а звукът на оркестъра може да наподобява вулканично изригване.
Леонард Бърнстейн дирижира Шестата симфония на Бетовен
Симфоничният оркестър не е машина и партитурата не е точна инструкция за употреба; не всички инструкции, които са там, са точно приложими към музиката. Да, разбира се, има указания за темпото, ударите, детайлите на артикулацията и фразирането, но това е по-скоро ръководство за действие, не цел, а средство за постигането й. Да речем, темпото на едно адажио, бавно - само то има свои градации и изменения, а за всеки диригент времето в адажиото пулсира различно - това е полето за интерпретация. Авторският текст не се възприема като неизменна даденост. Това е отправната точка за диригента, за да създаде свой собствен прочит и визия: точно както една пиеса на Чехов, Гьоте или Ибсен е отправната точка за режисьора. Само в класическата, академична музика има непоклатимо правило: авторският текст се дава без конструктивни промени. Не можете да промените инструментариума, да размените части от симфонията, радикално да промените темпото, да промените характера към противоположния. Вие създавате интерпретация в границите, дадени от композитора. Режисьорите в драматичния театър са по-свободни: правят каквото си искат с пиесата - за тях авторският текст е гипс, от който могат да си леят каквото си искат. Диригентите се занимават със завършено произведение на изкуството, тяхната задача е да му дадат нова перспектива, ново звучене и своя индивидуална интонация. По-трудно е, но е още по-интересно.”
