Movimiento musical contemporáneo creado por el compositor austríaco A. Schoenberg

Primera letra "d"

Segunda letra "o"

Tercera letra "d"

La última letra de haya "I"

Respuesta a la pregunta "Movimiento musical contemporáneo creado por el compositor austríaco A. Schoenberg", 11 letras:
dodecafonía

Preguntas de crucigrama alternativas para dodecafonía

Uno de los tipos de técnica de composición del siglo XX, un método de composición musical basado en la negación de la conexión modal entre los sonidos y la declaración de la igualdad absoluta de los 12 tonos de la escala cromática y sin resaltar la tónica.

Método de componer música

Estilo de música occidental de vanguardia de la década de 1960

Musas contemporáneas. fluir

Definición de dodecafonía en diccionarios

Wikipedia Definición de una palabra en el diccionario de Wikipedia
La dodecafonía (de - doce y - sonido) es una técnica de composición musical, una especie de técnica serial que utiliza una serie de "doce tonos únicamente correlacionados".

Gran enciclopedia soviética Definición de la palabra en el diccionario Gran Enciclopedia Soviética
(del griego dódeka ≈ doce y phоne ≈ sonido; literalmente ≈ doce sonidos), un método de componer música que surgió en el desarrollo del atonalismo (ver música atonal). Uno de los caminos hacia el vanguardismo moderno. Los primeros intentos de crear obras musicales ...

Diccionario enciclopédico, 1998 El significado de la palabra en el diccionario Diccionario enciclopédico, 1998
DODECAPHONY (del griego dodeka - doce y teléfono - sonido) es un método de componer música que surgió en el siglo XX. Desarrollado por el compositor austríaco A. Schoenberg. El tejido musical de una obra escrita en la técnica de la dodecafonía se deriva de la denominada. serie (fila, es ...

Ejemplos del uso de la palabra dodecafonía en la literatura.

Dodecafonía, aleatorias, efectos sónicos, collage son utilizados orgánicamente por el compositor, pero en ninguna parte se convierten en un objetivo autosuficiente.

Además, en los años 70, cuando empezaron a fijarse en él, la música atonal, las aleatorias, dodecafonía, electrónica, sustitución de estructuras tonales por masas tímbricas, en una palabra, todo el proyecto modernista convertido en ortodoxia enseñada en las universidades.

Dallapiccola fue el primer compositor italiano en utilizar el método dodecafonía.

Aplica Dallapiccola Schoenberg dodecafonía para la transmisión de un mayor estrés emocional e incluso como una especie de medio de protesta.

Por supuesto, no podía aceptar esta primitiva identificación de atonalismo y dodecafonía con negativo, negativo y tonal con la esfera de positivo, y aquí estaría completamente de acuerdo con él ahora, pero con respecto al segundo, que también causó su disgusto, es la cuestión de mezclar estilos, entonces aquí, por supuesto, discutiría con él. y actualmente.

DODECAPHONY

DODECAPHONY

(dodecafonia griega antigua - doce notas), o una composición basada en 12 tonos correlacionados, o música en serie ( cm. PENSAMIENTO EN SERIE) es un método de composición musical desarrollado por representantes de la llamada "escuela novovenskaya" (Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg) a principios de la década de 1920. La historia del desarrollo del lenguaje musical a finales del siglo XIX. - "El camino hacia la nueva música", como lo describió el propio Webern, - fue dramático y espinoso. Como siempre en el arte, algunos sistemas se vuelven obsoletos y otros nuevos toman su lugar. En este caso, durante la segunda mitad del siglo XIX. Poco a poco, el llamado sistema diatónico, que nos es familiar en la música de Mozart, Beethoven y Schubert, se volvió obsoleto, es decir, el sistema de oposición de mayor y menor. La esencia de este sistema radica en el hecho de que de los 12 sonidos que se distinguen por el oído europeo (la llamada escala templada), puede tomar solo 7 y construir una composición a partir de ellos. Siete sonidos formaron una tonalidad. Por ejemplo, la clave más simple en Do mayor usa la escala conocida: C, D, E, F, G, A, B. Claramente, esta tecla usa solo teclas blancas en el piano. La tonalidad en Do menor se distingue por el hecho de que Mi bemol aparece en lugar de Mi Es decir, en la tonalidad de Do menor, ya no es posible utilizar Mi simple, a excepción de las llamadas modulaciones, es decir, transiciones a una tonalidad relacionada que difiere del original subiendo o bajando un semitono. . Poco a poco a finales del siglo XIX. Las modulaciones se volvieron cada vez más atrevidas, los compositores, como dijo Webern, "empezaron a permitirse demasiado". Y así, el contraste entre mayor y menor comenzó a desvanecerse gradualmente. Esto comienza con Chopin, ya claramente visto en Brahms, esta es la base de la música de Gustav Mahler y los compositores impresionistas: Debussy, Ravel, Duke. A principios del siglo XX. los compositores recién llegados que experimentaron con la forma musical estaban en un callejón sin salida. Resultó que puedes componer música usando los doce tonos: fue un caos, un período doloroso de atonalidad. Había dos caminos opuestos para salir del caos musical. El primero, la complicación del sistema diatónico a través de la politonalidad, fue Stravinsky, Hindemith, Shostakovich ( cm. VERLIBRIZACIÓN). Los recién llegados tomaron el segundo camino, difícil, y fue la logaedización musical ( cm. LOGAEDIZATION), es decir, la creación de un sistema completo a partir de un fragmento del sistema antiguo. El caso es que a finales del siglo XIX. no sólo el principio diatónico cayó en decadencia, sino también la propia armonía clásica vienesa, es decir, el principio según el cual hay una voz que dirige una melodía y hay un acompañamiento. En la historia de la música, la armonía vienesa fue precedida por el contrapunto o polifonía, donde no había jerarquía de melodía y acompañamiento, sino varias voces iguales. Los recién llegados en muchos aspectos volvieron al sistema del estricto contrapunto de Dobach. Al rechazar la armonía como principio, podrían organizar más fácilmente la música de una manera nueva. Sin abandonar la igualdad de los 12 tonos (atonalidad), Schoenberg introdujo una regla según la cual, al componer una composición en esta y en cualquier opus, debe pasar una secuencia de todos los 12 tonos no repetidos (esta secuencia se denominó serie ( cm. PENSAMIENTO SERIAL)), tras lo cual podría repetirse y variarse según las leyes del contrapunto, es decir, ser 1) directo; 2) crustáceo, es decir, de principio a fin; 3) invertida, es decir, como invertida con respecto a la horizontal, y 4) desmoronándose-invertida. El compositor tenía cuatro episodios en su arsenal. Esto fue, por supuesto, muy poco. Luego se introdujo una regla según la cual la serie podía iniciarse desde cualquier paso, manteniendo solo la secuencia original de tonos y semitonos. Luego, 4 series, multiplicadas por 12 tonos de la escala templada, dieron 48 posibilidades. Esta es la esencia de la música de 12 tonos. Revolucionario en su esencia, fue en muchos sentidos un regreso a los principios de la música prebarroca. Su base, en primer lugar, es la igualdad de todos los sonidos (en la armonía diatónica clásica vienesa, sistema mayor / menor, los sonidos no son iguales entre sí, sino estrictamente jerárquicos, no en vano el diatónico armónico es hijo del clasicismo , donde imperaba el estricto orden en todo). En segundo lugar, la igualación de los sonidos en los derechos permitió la introducción de un rasgo más, también característico del contrapunto estricto: las conexiones horizontales y verticales que penetran en la obra musical. El símbolo de tal composición para los recién llegados era el cuadrado mágico, que se puede leer con los mismos resultados de izquierda a derecha, de derecha a izquierda, de arriba hacia abajo y de abajo hacia arriba. Webern cita la famosa versión verbal latina del cuadrado mágico en su libro "El camino hacia la nueva música". S A T O R А R E P O T E N E T O P E R A P O T A S ("El sembrador de Arepo para trabajar sin descanso"). Posteriormente, los estudiantes de Schoenberg, Webern y Berg, abandonaron el 12º sonido obligatorio de la serie (dodecafonía ortodoxa), pero mantuvieron la serialidad en sí. Ahora la serie podría contener tantos sonidos como quieras. Por ejemplo, en el Concierto para violín de Berg, la serie es el motivo de afinación del violín: g - d - la - mi. La serie se volvió autóloga, se convirtió en una historia sobre sí misma. La música en serie se desarrolló rápidamente hasta la década de 1950. Incluso recibió un generoso homenaje por parte del maestro de la dirección opuesta Igor Stravinsky. Hacia sistemas más radicales en los años sesenta. Vinieron el compositor y director francés Pierre Boulez y el compositor alemán Karlheinz Stockhausen. D., como el modernismo clásico, se mantuvo activamente en el período entre las guerras mundiales, siendo un análogo indudable del positivismo lógico ( cm. LOGAEDIZACIÓN, FILOSOFÍA ANALÍTICA), así como lingüística estructural ( cm. LINGÜÍSTICA ESTRUCTURAL). Después de la Segunda Guerra Mundial, todos los sistemas culturales que surgieron antes de la Primera Guerra Mundial se debilitaron y se consolidaron mutuamente, lo que resultó en la posmodernidad ( cm. POST-MODERNISMO).

Diccionario de cultura del siglo XX... V.P. Rudnev.

Dodecafonía

(del griego. dodeka - doce y teléfono - sonido, encendido. - doce sonidos) Una forma de componer música usando "doce tonos correlacionados solamente" ("Komposition mit zwolf nur aufeinander bezogenen Tonen" - A. Schoenberg), uno de los tipos de técnica musical moderna. Surgió en el desarrollo de la música atonal. Se conocen varios tipos de técnicas dodecafónicas. De estos, los más importantes fueron los métodos de Schoenberg e I.M. Hauer. La esencia del método dialéctico de Schoenberg consiste en el hecho de que las voces y consonancias melódicas que componen una obra determinada se producen directa o finalmente a partir de una única fuente primaria: una secuencia seleccionada de los 12 sonidos de la escala cromática, interpretados como una unidad. . Esta secuencia de sonidos se denomina serie (serie francesa - serie, alemana Reihe; Schönberg usó originalmente el término Grundgestalt - imagen básica, forma primaria básica). La serie es un conjunto de intervalos elegidos por el autor para este trabajo. Ninguno de los sonidos de la serie se repite: el orden de los sonidos en sí está estrictamente definido (algunos teóricos de D. lo consideran el equivalente de la inquietud). Como complejo de relaciones de intervalo entre sonidos, una serie es similar a un motivo melódico, una frase. La función estructural general de la serie es comparable al papel del motivo principal, la sucesión armónica característica en la música undecafónica, la escala melódica principal como modelo para las formaciones melódicas en algunas culturas musicales nacionales. Así, la serie une en sí misma dos fenómenos: doce sonidos con un orden estrictamente definido de sucesión de sonidos (análogo de armonía) y unidad estructural, totalidad (similar a un hilo melódico de un motivo, frase). El principio de utilizar una serie es su repetición constante. La serie se puede realizar de forma horizontal, formando motivos melódicos (la polifonía no está prevista por la serie, sin embargo, se puede formar a partir de una combinación de voces, en cada una de las cuales se realiza una de las formas sonoras de la serie), de forma vertical , formando acordes (mientras que la serie no indica sucesiones melódicas), o en varias combinaciones de ambos movimientos. En cualquier caso, dentro de una serie, los sonidos deben mantener una determinada correlación entre sí. Hasta cierto punto, se permite la repetición de un sonido o un grupo de sonidos. No se permite la omisión de ningún sonido de la serie (sin embargo, por ejemplo, algunos sonidos de la serie pueden constituir una consonancia contra la que se despliegan los demás). La serie se puede utilizar dividida en segmentos (en dos seises de sonidos, 3 cuatros, 4 triples, en segmentos desiguales en el número de sonidos). A la hora de componer, la elección de uno u otro grupo de sonidos de la serie para la melodía, voces de contrapunto y acordes, la elección del modo y su posición de altura depende completamente del deseo del compositor, así como del ritmo, compás, trazo, textura (homofónica, polifónica, mixta o variable), registro (los sonidos de la serie se pueden tomar en cualquier octava), timbre, dinámica, estructura del motivo, forma, género, carácter de la pieza, etc. La lógica del desarrollo musical, el estilo y la expresión están asociados con la organización natural del conjunto, principalmente con el sistema de relaciones de altitud creado por el compositor ... No se permite la introducción desmotivada de cualquier otra combinación de sonidos, sin embargo, cada serie permite prácticamente el uso de cualquier combinación necesaria de ellos (si se derivan de esta serie). El método de J.M. Hauer difiere significativamente del de Schoenberg. Hauer no utiliza series, sino las llamadas. caminos. Trope es un complejo de 12 tonos que consta de dos seis sonidos complementarios, que pueden considerarse tanto escalas como acordes. Son posibles un total de 144 senderos. Al igual que los modos de la serie, cada tropo se puede recitar a partir de cualquiera de los 12 sonidos. A diferencia de la serie, se permiten cambios en el orden de los sonidos en cada "seis" (en este sentido, los caminos son similares a las escalas de los trastes). D. como método consciente de composición surgió a finales de los 10, temprano. Años 20 Siglo XX (Hauer - c. 1918-1919, Schönberg - 1921-23). Los requisitos previos para su aparición fueron la completa emancipación de la disonancia y el debilitamiento del poder organizador de la tonalidad, o incluso su completa pérdida en la llamada. "Atonalidad" que obligó a los compositores a buscar nuevos medios constructivos. El nacimiento del dialectalismo se vio favorecido por el uso cada vez más amplio de conexiones motivo-temático (en particular, el principio del monotematicismo) y la técnica de complejos constructivos adicionales (en relación con las conexiones armónico-funcionales) de intervalos y otros grupos sonoros (preformas de la serie) que entró en uso. En el trabajo posterior de Scriabin, ya han pasado de ser una herramienta adicional a la principal ("acorde sintético" en "Prometheus", 1909-1910). Los primeros experimentos de 12 tonos de Hauer se remontan aproximadamente a 1908; - composiciones y bocetos en la técnica tipo dodeca de A. Webern, A. Schoenberg, N. A. Roslavets. La dialéctica simboliza un gran refinamiento en el sistema de relaciones sonoras, su nueva diferenciación y complejidad. Doce tonos abre nuevas áreas de expresión musical. La percepción estética se desarrolla históricamente y avanza hacia el desarrollo de todo aquello de valor que ofrecen los creadores de música; está dominado por D. Cuando, a principios de siglo, Prokofiev interpretó por primera vez en Rusia las obras "atonales" de Schoenberg, op. 11, la audiencia simplemente se rió; a finales de siglo los trata al menos con atención y, en muchos casos, con comprensión. El núcleo del problema tiene sus raíces en una razón puramente musical: la aceptabilidad o inaceptabilidad del sistema de doce etapas de sonido autónomas. A finales de siglo, conviene afirmar que incluso entre los compositores no existe unidad en este tema. No hay duda de que 12 tonos no fue una invención abstrusa aleatoria de alguien, sino una etapa natural en el proceso general de evolución de la conciencia musical. Pero no hay duda de que, tal vez, incluso para la mayoría de los compositores (sin mencionar la masa del público) 12 tonos no es de ninguna manera un concepto inicial, como para Webern en 1911. Un hecho inmutable es también el poderoso y variado desarrollo del 12 tonos a lo largo de los siglos y su firme fijación en la historia de la música. Dentro de esta o aquella situación, puede haber varias plataformas y conceptos estéticos, obviamente tanto tradicionalmente “clásicos” como “no clásicos”, incluso “anticlásicos”. A pesar del abrumador desarrollo de Hemitonics en Webern, su estética es completamente tradicional y está en la línea: Holanda - Bach - Beethoven - Brahms ("tradición centroeuropea", en palabras de Webern). La posición de Schoenberg es similar. Sería ingenuo creer que D. nació del expresionismo (o de algún otro "ismo"), sin duda presente en la estética de Schoenberg: la "actitud trágica de la intelectualidad" (como escriben sobre el expresionismo) se puede expresar sin D. y atonalidad, de la misma manera, así como para oponerse a los ideales del arte clásico y romántico, si alguien lo necesitaba (esto no se aplica a Schoenberg). La música “humana, demasiado humana” de Alban Berg en el sentido estético está bastante cerca de la estética del romanticismo tardío (incluidos elementos de realismo despiadado en Wozzeck y Lulu). Algunos de los compositores posteriores, ya educados en el dialéctico y el serialismo, en Webern y Schönberg, piensan en doce tonos, como en un sistema tradicional evidente. No abren la gemitónica, sino que proceden de ella. Por ejemplo, estos son Boulez ("Martillo sin maestro"), Stockhausen (ópera heptalogía "Luz"); de los compositores rusos más recientes - D. Smirnov ("Pastoral" para orquesta, 1 sinfonía). Para tales artistas, 12 tonos es la norma prosaica de la música. La ingeniosa experiencia de combinar cosas aparentemente excluyentes entre sí: serialidad y género popular, "elitismo" y accesibilidad general, es presentada por A. Babadzhanyan "6 Pictures", 1965 (una de las obras de teatro - "People's"; resulta "People's D"). 12 tonos en forma de dialéctica, atonalidad, serialismo se ha desarrollado naturalmente como una etapa en el desarrollo secular de la conciencia musical y, por un lado (es decir, desde el punto de vista de la génesis), crece en el tronco de una poderosa tradición de armonía romántica, y por otro (es decir, como resultado de la evolución), - el tono de 12 debe considerarse independientemente de si es "clásico" o "no clásico", como un logro radicalmente nuevo de la música pensando.

Lit .: Webern A. Conferencias sobre música. Letras. M .. 1975;

Kurbatskaya S. Música en serie: cuestiones de historia, teoría, estética. M .. 1966;

Adorno T.V. Seleccionado: Sociología de la Música. M., SPb, 1999;

Adorno Th. W. Philosophie der Neuen Musik. Tubungen, 1949.

Yu.Kholopov

Léxico de los no clásicos. Cultura artística y estética del siglo XX.... V.V. Bychkov. 2003.

• Diccionario enciclopédico ilustrado

- (del griego δώδεκα doce y del griego φωνή sonido) la técnica de composición musical, una especie de técnica serial que utiliza una serie de “doce tonos únicamente correlacionados”. Los métodos dodecafónicos para componer música fueron ... ... Wikipedia

- (del griego dódeka doce y sonido de teléfono; literalmente doce sonidos) un método de componer música que surgió en el desarrollo del atonalismo (ver música atonal). Uno de los caminos hacia la vanguardia moderna. Los primeros intentos de creación musical ... Gran enciclopedia soviética

- (del griego dodeka doce y ponn sonido, literalmente doce notas) una forma de componer música, usando doce tonos correlacionados solo entre ellos (Komposition mit zwölf nur aufeinander bezogenen Tönen, A. Schoenberg), uno de los tipos de moderno. .. Enciclopedia musical

- [de], y; F. [del griego. dōdeka doce y phōnē sonido, voz] Musas. El método de composición musical, basado en la afirmación de la igualdad absoluta de los doce tonos de la escala cromática y la negación de las conexiones modales. ◁ Dodecafónico, oh, oh. * * * ... ... diccionario enciclopédico

Dodecafonía- (del griego δωδεχα doce y φωνη sonido) música serial, serialismo, creada a principios del siglo XX. una especie de técnica compositiva atonal moderna. D. se basa en el concepto de una serie establecida arbitrariamente antes de la creación de un producto ... ... Diccionario enciclopédico humanitario ruso

- (del griego. sonido, literalmente. doce sonidos) una forma de componer música, utilizando sólo doce tonos correlacionados (A. Schoenberg), uno de los tipos de técnica musical moderna, surgió en el proceso del desarrollo de la música atonal . En el corazon de ... ... Diccionario de música

G. Método de composición musical basado en la negación de conexiones modales entre sonidos y en la aprobación absoluta de todos los tonos de la escala cromática. Diccionario explicativo de Efremova. T.F. Efremova. 2000 ... Diccionario explicativo moderno de la lengua rusa por Efremova

Dodecafonía (dodecafonía griega antigua - doce notas)

La dodecafonía fue desarrollada por representantes de la “escuela novovenskaya” (Arnold Schoenberg, Anton Webern, Alban Berg) a principios de la década de 1920. Este es un método de composición en el que todo el tejido musical se deriva de una única fuente primaria: una secuencia seleccionada de los 12 sonidos de la escala cromática. Esta secuencia se llama serie.

La serie sirve como portador individualizado de la imagen artística, es decir, realiza las funciones de un tema (en una composición tonal) o de un modo (en una composición modal). Dado que la repetición de la misma serie una y otra vez puede llevar a una repetición aburrida, se utiliza de cuatro formas:

• derecho,
• rover (los sonidos de la serie suenan de principio a fin),
• inversión (reproduce los intervalos de la serie en orden inverso),
• rover de inversión (conexión de la segunda y tercera especie).

Las cuatro formas de la serie se abrevian según los primeros sonidos de los nombres latinos:

• Prima - P, del latín Primus - primero, original;
• Rakokhod - R, del latín Retroversus - mirando hacia atrás;
• Inversión - yo, del latín Inversus - invertida;
• Inversión del cáncer: RI, combinación de R e I.

Estas modificaciones de la serie fueron tomadas de la práctica polifónica de los siglos XVII-XVIII. Además, los sonidos de la serie pueden aparecer no solo de forma secuencial, formando una especie de melodía, sino también al mismo tiempo, plegándose en consonancia. Para ampliar aún más la gama de posibilidades de la dodecafonía, se permite construir una serie a partir de los 12 sonidos de la escala cromática. Para Alban Berg, un episodio en varias versiones fue suficiente para crear una ópera completa ("Lulu"). también se basa en una serie.

La serie es más que un tema, ya que en la obra no hay nada más que la serie. Pero una serie es incluso más pequeña que un tema, ya que generalmente un tema es una imagen musical ya formada, encarnada con la ayuda de ritmo, compás, tempo, textura, dinámica, etc. La serie es un "producto semiacabado".

El método de composición dodecafónico ha ganado muchos admiradores. A diferencia de otros sistemas similares, nacidos a principios del siglo XX (los caminos de M. Hauer), la dodecafonía se generalizó en la práctica de grandes compositores, incluidos aquellos alejados de la plataforma estética de Schoenberg. Sin embargo, este método no se volvió universal ni autosuficiente, ni siquiera para su creador.

Muchos compositores no utilizaron el sistema dodecafónico por completo, componiendo una serie de una pequeña cantidad de sonidos (4-9). Esta técnica compositiva se llama serial.

Un tipo especial de tecnología serial es serial. Aquí, no solo el tono de los sonidos se construye en una secuencia clara (serie), sino también los demás parámetros del tejido musical, conformando un modo serial integral: duración, matices dinámicos e incluso las formas de articulación sonora (legato, staccato , portamento). Muy a menudo, la serialidad continua se introduce como un episodio en obras más grandes (A. Webern, P. Boulez, K. Stockhausen). Y solo pequeñas composiciones para piano u orquesta están escritas completamente en esta técnica (A. Webern "Cinco piezas para orquesta").

La música en serie se desarrolló rápidamente hasta la década de 1950. Incluso recibió un generoso homenaje por parte del maestro de la dirección opuesta Igor Stravinsky. En la década de 1960, el compositor y director francés Pierre Boulez y el compositor alemán Karlheinz Stockhausen desarrollaron sistemas más radicales.

Música

En la música, el expresionismo surgió a través de la absolutización de la emocionalidad y la destrucción de la imagen clásica. El expresionismo musical fue influenciado por el romanticismo con su culto a Wagner. El requisito previo para el expresionismo en la música fue la expansión del modo y la tonalidad de los compositores románticos a doce pasos cromáticos, el aumento del valor de la disonancia, la complicación del pensamiento, así como la lucha entre la música tonal y atonal que comenzó alrededor de 1908. . La música expresionista está llena de fatalismo y pesimismo. Esta música afirma la falta de armonía del mundo, la personalidad hostil. La atonalidad se convierte en un medio artístico para expresar este concepto.

El expresionismo en la música se centra en representar el sufrimiento fatal, el dolor y la desesperación de una persona alienada. En este sentido, la ópera "Woyzeck" de A. Berg tiene mucho en común con las pinturas de la novela "El juicio" de Munch y Kafka. Berg transmite el destino desastroso del "hombrecito", revela la idea: la persona está fatalmente indefensa y condenada.

A. Schoenberg en "Happy Hand" se da cuenta y proclama esta concentración en el mundo interior: "¡Pobre, estás buscando la felicidad terrenal, teniendo lo sobrenatural en ti! Al mismo tiempo en ti y alrededor de ti, dondequiera que estés".

Creador de la dodecafonía, compositor y profesor austríaco Arnold Schoenberg (1874-1951) en su obra "La Doctrina de la Armonía" (1911) escribió que el artista no busca una oportunidad para transmitir lo bello, sino que se esfuerza por la autoexpresión. En su almanaque "El jinete azul" (1912), destacó la corrección de los artistas de vanguardia que renunciaron a la mimesis aristotélica, a partir de la imitación de la naturaleza como base del naturalismo y su derivado, el impresionismo. Escribió: "Cuando Karl Kraus dice que el lenguaje es la madre del pensamiento, cuando Oskar Kokoschka crea imágenes, cuyo objeto en su materialidad externa es más bien una excusa para subordinar formas y colores al libre vuelo de la fantasía y expresarse como hasta ahora era posible. Solo para el compositor, entonces todos estos son síntomas que muestran que la comprensión de la verdadera esencia del arte se está extendiendo gradualmente ".

El profesor de la Universidad de Keele Werner Kolshmidt sostiene que el expresionismo es un arte imbuido de patetismo nihilista y lleno de sed de emociones fuertes y el deseo de escapar de la vida mortalmente burguesa de cualquier manera.

La dodecafonía como movimiento musical

La dodecafonía creada por Schoenberg (1921) actuó como tendencia musical dentro del expresionismo. La música se basa en un sistema de composición de doce tonos. La melodía de la pieza se deriva de una serie de una secuencia definida de 12 sonidos de diferentes alturas. Doce tonos de la serie cromática están dispuestos en un orden determinado, y el compositor evita la repetición de notas (se trata de una serie, serie de tonos).

La dodecafonía se caracteriza por la alegría de experimentar el caos del ser y una actitud apocalíptica.

Además de Arnold Schoenberg, en la creación de la dodecafonía participaron los nuevos compositores expresionistas Anton Webern y Alban Berg.

Arte

Las figuras en la escultura expresionista, como en la pintura, son esquemáticas y deformadas. El artista F. Mark cree que el expresionismo anima a una persona a volverse pura frente a la confusión mental actual. Mark cree que esto solo se puede lograr aislando su propia vida y su propio negocio. Mediante este expresionismo se apoya la idea abstraccionista de la no objetividad.

El expresionismo fue un producto artístico internacional. Entonces, el precursor del expresionismo alemán fue el noruego Edvard Munch (1863-1944) y belga de ascendencia anglo-flamenca James Ensor (1860-1949).

Ensor en sus lienzos creó la imagen del mundo como un carnaval ominoso, en el que participan esqueletos y personas uniformadas con caras malvadas, parecidas a máscaras de yeso sin teñir, o con cabezas rojas.

Las pinturas de Munch fueron muy apreciadas por Van Gogh. La pintura de E. Munch "El grito" puede servir como símbolo artístico del expresionismo. En algún espacio urbano abstracto, se representa a un hombre con la boca abierta en un grito. El abismo de esta boca es el centro compositivo del cuadro. ¿Por qué grita este hombre? El artista no muestra ningún peligro amenazándolo. Y el espectador tiene derecho a asumir cierta causa universal del sufrimiento humano. El mundo es hostil a la personalidad como tal, independientemente de sus cualidades. Ante nosotros hay un "hombre sin cualidades", cuya única conexión con el mundo es el horror por su imperfección, falta de armonía e inhumanidad. El espacio alrededor de la boca que grita está organizado de tal manera que el espectador tiene la sensación de que el grito desgarrador se extiende en círculos concéntricos por todo el mundo, llenándolo. Sin embargo, el mundo permanece sordo e insensible, es indiferente al dolor; una persona está indefensa frente a una realidad formidable. Munch parece decir que una persona en este mundo alienado solo puede gritar por su dolor, gritar sin esperanza de ayuda, como una criatura viviente agonizante llora instintivamente. En el cuadro "El Grito" la sensación de horror se intensifica con el cielo rojo ardiente.

El expresionismo mostró el destino trágico del sufrimiento y la desesperación del individuo, y esta interpretación de la personalidad se ve facilitada por la imagen del mundo que la rodea, en la que el paisaje se deforma y aparece como una visión de pesadilla.

Para Munch, la composición se convierte en el principal instrumento de representación artística de la realidad.

La pintura expresionista se basa en las tradiciones plásticas primitivistas de los pueblos en las primeras etapas del desarrollo social.

Expresionista destacado - Artista alemán Emil Nolde (corteza, apellido Hansen, 1867-1956). Sus obras son ricas en color, contrastantes en color, dramáticas, exaltadas y llenas de misticismo. En ellos, los objetos reales se deforman en nombre de revelar su esencia y el drama y la tragedia inherentes a ellos.

En The Murderer, The Hope of Women, Oskar Kokoschka describe una violencia flagrante. La imagen absolutiza el principio personal. Afirma el mundo interior del individuo, este trabajo es una apología del "yo".

En el cuadro de E. Kirchner "Cinco mujeres en la calle" no hay imagen visual de la calle y los personajes aparecen ante nosotros sobre un fondo convencional. Las mujeres representadas, a juzgar por su ropa, pertenecen al estrato acomodado de la sociedad. Sin embargo, sus rostros son mortíferos y sus figuras representan alienación.

Las obras de los expresionistas no siempre están impregnadas de grotesco y desesperación. Así, Konrad Felixmüller exalta al hombre en sus xilografías.

La pintura expresionista utiliza colores dramáticamente intensos, a veces sombríos, y fuertes disonancias de color, y se agudiza lo esencial en el objeto representado, lo que conduce a su deformación expresionista específica.

Arnold Schoenberg propuso un sistema musical de doce tonos, "... donde están todos 12 las notas, claramente distinguibles por la audición normal dentro de una octava (cambio doble en la frecuencia de vibración), son iguales. Estrictamente hablando, el oído humano distingue en una octava 24 frecuencias, pero las combinaciones de frecuencias que difieren tan poco son obviamente disonantes y, por lo tanto, para la música, es necesario utilizar sonidos que estén dos veces más alejados entre sí que el mínimo distinguible ".

Nurali Latypov, Fundamentos de la formación intelectual, San Petersburgo, "Peter", 2005, p. 225.

¿Cuál es el trasfondo del sistema de 12 tonos?

“... durante la segunda mitad del siglo XIX, la música a la que estamos acostumbrados se volvió gradualmente obsoleta Mozart, Beethoven y Schubert el llamado sistema diatónico, es decir, el sistema de oposición de mayor y menor. La esencia de este sistema es que desde 12 sonidos que se distinguen por el oído europeo (la llamada afinación templada), solo puede tomar 7 y construir una composición sobre su base. Siete sonidos formaron una tonalidad. Por ejemplo, la clave más simple en Do mayor usa una escala conocida; do, re, mi, fa, salt, la, si. Claramente, esta tecla usa solo teclas blancas en el piano. La tonalidad en Do menor se distingue por el hecho de que Mi bemol aparece en lugar de Mi Es decir, en la tonalidad de Do menor, ya no es posible utilizar Mi simple, a excepción de las llamadas modulaciones, es decir, transiciones a una tonalidad relacionada que difiere del original subiendo o bajando un semitono. .

Poco a poco, hacia finales del siglo XIX, las modulaciones se volvieron cada vez más atrevidas, los compositores, como dijo Webern, "empezaron a permitirse demasiado".

Y así, el contraste entre mayor y menor comenzó a desvanecerse gradualmente. Empieza en Chopin, ya claramente visible en Brahms, la música se basa en esto Gustav Mahler y compositores impresionistas - Debussy, Ravel, duque. A principios del siglo XX, los compositores recién llegados que experimentaban con la forma musical habían llegado a un callejón sin salida.

Resultó que puedes componer música usando los doce tonos: fue un caos, un período doloroso de atonalidad. Había dos caminos opuestos para salir del caos musical. El primero, al complicar el sistema diatónico mediante la politonalidad, vamos Stravinsky, Hindemith, Shostakovich […]. Los recién llegados tomaron el segundo camino, el difícil, y fue la logaedización musical, es decir, la creación de un sistema completo a partir de un fragmento del sistema antiguo.

El hecho es que a finales del siglo XIX, no solo el principio diatónico cayó en decadencia, sino también la propia armonía clásica vienesa, es decir, el principio según el cual hay una voz que conduce una melodía y hay un acompañamiento. . En la historia de la música, la armonía vienesa fue precedida por el contrapunto o polifonía, donde no había jerarquía de melodía y acompañamiento, sino varias voces iguales.

Los recién llegados en muchos aspectos volvieron al sistema del estricto contrapunto de Dobach. Habiendo abandonado la armonía como principio, pudieron organizar la música de una manera nueva más fácilmente. Sin renunciar a la igualdad 12 tonos (atonalidad), Schoenberg introdujo una regla según la cual, al componer una composición en un determinado y cualquier opus, una secuencia de todos los no repetidos 12 tonos (esta secuencia se conoció como una serie […] , después de lo cual podría repetirse y variar según las leyes del contrapunto, es decir, ser
1) recto;
2) crustáceo, es decir, de principio a fin;
3) invertido, es decir, por así decirlo, invertido con respecto a la horizontal, y
4) crustáceo invertido.

El compositor tenía cuatro episodios en su arsenal. Esto fue, por supuesto, muy poco. Luego se introdujo una regla según la cual la serie podía iniciarse desde cualquier paso, manteniendo solo la secuencia original de tonos y semitonos. Luego La serie 4, multiplicada por 12 tonos de la escala templada, dio 48 posibilidades. Esta es la esencia de la música de 12 tonos.

Revolucionario en su esencia, fue en muchos sentidos un regreso a los principios de la música prebarroca. su base, en primer lugar, es la igualdad de todos los sonidos en la armonía diatónica clásica vienesa, sistema mayor / menor, los sonidos no son iguales entre sí, sino estrictamente jerárquicos, no sin razón el diatónico armónico es hijo del clasicismo, donde prevalecía el orden estricto en todo) ".

Rudnev V.P. , Diccionario Enciclopédico de Cultura del siglo XX. Conceptos y textos clave, M., "Agraf", 2009, p. 112-113.