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La relevancia de la investigación

Leonardo da Vinci (1452-1519), pintor, escultor, científico, ingeniero y arquitecto italiano del Renacimiento. Casi todas las áreas de la ciencia cuentan con sus observaciones precisamente.

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Propósito del estudio

Muestre la vida y obra de L. Da Vinci La vida de L. Da Vinci. L. Da Vinci como escultor. L.Da Vinci como arquitecto, ingeniero y científico La pintura en la vida de Leonardo Métodos de investigación: recopilación y análisis de información

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Progreso de la investigación

1. Vida de L. Da Vinci 1452 El 15 de abril, en el pueblo de Vinci cerca de Florencia, nació Leonardo, hijo ilegítimo del notario Piero da Vinci (n. 1426) y de la campesina Catalina, también nacida de matrimonio. El padre de Leonardo era notario y provenía de una familia que se había establecido en Vinci en el siglo XIII. Cuatro generaciones de sus antepasados ​​también fueron notarios, y se encontraban entre los habitantes ricos que llevan el título de "señor", que ya pasó al padre Leonardo por herencia.

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2. L. Da Vinci como escultor.

Ludovico Sforza, el usurpador, el gobernante de la ciudad más rica de Milán, le ordenó una estatua gigante de un jinete, que quiso colocar en la plaza central en memoria de su padre, Francesco Sforza. Se prepararon 70 toneladas de bronce para el monumento. Leonardo trabajó en el proyecto durante más de 10 años, pero solo nos han sobrevivido los bocetos preparatorios. El caso es que todo el bronce que se había acumulado se utilizó para armas, porque en 1495 los franceses hostiles se acercaron a Milán. En 1498 capturaron la ciudad. El modelo de arcilla para lanzar un caballo, que tenía 8 metros de altura, fue utilizado por los franceses como blanco para el entrenamiento de tiro, y Leonardo, con su aprendiz Gian y su amigo Luca Pacioli (inventor de la contabilidad de doble entrada), se mudó a Florencia.

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3 L. Da Vinci como arquitecto, ingeniero y científico.

Ballestas gigantes. Dibujos del Códice Atlántico En la película de Paul Verhoeven "Carne y sangre" (1985), el hijo del barón Arnolfini diseñó y construyó aproximadamente la misma superpotencia para el asalto al castillo. Dibujo de un traje de buceo (derecha) y su reconstrucción (izquierda). Un híbrido de segadora y carro. El Códice Arundel, 1487.

Descripción de la presentación para diapositivas individuales:

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MINISTERIO DE EDUCACIÓN DE LA FEDERACIÓN DE RUSIA INSTITUCIÓN EDUCATIVA MUNICIPAL "KRASNOYARSKAYA ESCUELA EDUCATIVA SECUNDARIA Nº 1" Región de Astrakhan Distrito de Krasnoyarsk, Distrito de Krasnoyarsk, Distrito de Krasnoyarsk, Distrito de Krasnoyarsk, Distrito de Karsyarsyarskarsk , Distrito de Krasnoyarsk, Distrito de Krasnoyarsk, Distrito de Krasnoyarsk, Distrito de Krasnoyarsk, Pueblo de Krasny Yaroslavl, Calle Mordovtsev 18 "a" Profesora de historia y ciencias sociales MISHAK S.V. Krasny Yar - 2008

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"Leonardo da Vinci no solo fue un gran pintor, sino también un gran matemático, mecánico e ingeniero, a quien las más diversas ramas de la física deben importantes descubrimientos" (F. Engels)

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1. Introducción. 2. Período inicial de creatividad. 3. Período de madurez. 4. Período tardío. Contenido

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En la pequeña ciudad de Vinci, ubicada entre Empoli y Pistoia, el 15 de abril de 1452 nació Leonardo di ser Piero d'Antonio el sábado. El talento artístico temprano del niño llevó a su padre a enviarlo a estudiar con uno de los maestros más versátiles y famosos de Florencia: el escultor, joyero y pintor Andrea Verrocchio. Fue aquí donde comenzó la formación de la individualidad creativa de Leonardo. En 1472 ingresó como maestro en el Taller de Pintores. Leonardo se dedicó a todas las esferas de la actividad artística, mostrando siempre una curiosidad ilimitada y la capacidad de conectar el arte con el conocimiento científico, resultado de una observación cercana y una investigación incansable de los fenómenos naturales. 1. Introducción

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Ginevra De Benchi. 2. Período inicial de creatividad. "Retrato de Ginevra de Benci" (circa 1478, Washington, National Gallery) es posiblemente el primer cuadro de Leonardo pintado de forma independiente. El tablero está cortado a unos 20 cm de la parte inferior, de modo que los brazos cruzados de la joven han desaparecido (esto se sabe por comparación con las imitaciones supervivientes de este cuadro). En este retrato, Leonardo no busca penetrar en el mundo interior de la modelo, sin embargo, como demostración de una excelente posesión de modelado suave, casi monocromático en blanco y negro, esta imagen es inigualable. Desde atrás se ven las ramas de enebro y el paisaje, cubierto por una bruma húmeda.

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Leonardo da Vinci pintó a Benois Madonna en Florencia a finales de los años setenta del siglo XV. Madonna tiene la apariencia de una niña algo enfermiza que juega con un bebé de gran tamaño sentado en su regazo. Un peculiar color verde mortal, se enfatiza una interpretación realista del cuerpo humano, una mayor atención a la representación del juego de luces y sombras en partes individuales del cuerpo, la posición compleja de ambas figuras. La luz sobre las figuras de la imagen cae principalmente desde la izquierda. Pinta todo en tonos verdosos, arroja reflejos verdosos en las partes desnudas del cuerpo, crea sombras espesas en lugares más oscuros, oscurecidos por algo de la luz que entra por la ventana. El centro compositivo e ideológico del cuadro es el entrelazamiento de tres manos: dos manitas regordetas de un niño y una mano tierna y juvenil de una madre que sostiene una flor por el tallo, a las que se dirige la mirada atenta y cariñosa de la Virgen y un mirada inquisitiva, seria de un bebé, torturador - el ganso es incómodo para agarrar una flor. Madonna Benoit.

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La adoración de los magos es una gran composición de múltiples figuras para la que el artista se ha estado preparando durante mucho tiempo y concienzudamente. Realizó decenas de bocetos y dibujos preliminares, tratando de aclarar en ellos no solo el concepto compositivo general, sino también los movimientos, posturas y gestos de figuras individuales. Estaba especialmente interesado en los gestos con la ayuda de los cuales trató de transmitir varios matices psicológicos en las experiencias de todos aquellos que vinieron a inclinarse ante el bebé. Quería superar la cierta rigidez y rigidez psicológica inherente a la mayoría de pinturas del siglo XV sobre el mismo tema, se propuso como objetivo ampliar el marco del realismo, mostrando la vida diversa y contradictoria de las personas reunidas. Al mismo tiempo, es característico que en los bocetos preparatorios, Leonardo desnude a casi todas las figuras. Por lo tanto, se facilitó la oportunidad de comprender completamente este o aquel motivo de movimiento.

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Inacabado "St. Iero-nim ", muy parecido en estilo a" Adoración de los magos ", también se puede fechar alrededor de 1480. Este lienzo repite uno de sus temas favoritos, la correspondencia de emociones entre el hombre y la bestia. Un detalle que rara vez se nota: una extraña inclusión arquitectónica en la grieta entre las rocas en la esquina superior derecha insinúa el mundo material al que San Jerónimo renunció.

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3. Período de madurez. Madonna en la gruta. En Milán, en 1483, Leonardo recibió una orden para hacer una parte del retablo de la Capilla de la Inmaculada Concepción - "Madonna en la gruta" María arrodillada mira al Niño Jesús y al pequeño Juan Bautista, mientras un ángel apunta a Juan mira en el espectador. Las formas están dispuestas en un triángulo en primer plano. Parece que las figuras están separadas del espectador por una ligera neblina, el llamado sfumato (borrosidad e indistinción de los contornos, sombra suave), que ahora se convierte en un rasgo característico de la pintura de Leonardo. Detrás de ellos, en la penumbra de la cueva, se pueden ver estalactitas y estalagmitas y aguas que fluyen lentamente cubiertas de niebla. El paisaje parece fantástico, pero conviene recordar la afirmación de Leonardo de que la pintura es una ciencia.

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Madonna Litta: completada unos años después de Madonna Benoit. Esta vez, el artista eligió un tipo más estricto de la cara de Madonna, mantuvo la imagen en un esquema de color diferente. Pero el significado principal, el contenido ideológico de la obra es el mismo que antes: la misma humanidad, el mismo amor por los sentimientos genuinos y vivos de las personas impregna toda la obra. La madre está amamantando al niño, mirándolo con una mirada pensativa y tierna; el niño, lleno de salud y energía inconsciente, se mueve en los brazos de la madre, gira, toca sus piernas. Se parece a su madre: el mismo moreno, con el mismo cabello dorado. Ella lo admira, inmersa en sus pensamientos, concentrando en el niño toda la fuerza de sus sentimientos. La cara de la Virgen se vuelve hacia el espectador de perfil; solo vemos un ojo, incluso su pupila no está delineada; labios no se puede llamar sonreír, solo una sombra en la comisura de la boca parece insinuar una sonrisa dispuesta y, al mismo tiempo, la inclinación misma de la cabeza, las sombras deslizándose por el rostro, una mirada adivinada crean esa impresión de espiritualidad que Leonardo amaba y supo evocar. Madonna Litta.

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A mediados de la década de 1480, Leonardo pintó el cuadro "Dama con corneta". El armiño reemplazó a los gatos en los viejos tiempos y estaba bastante extendido en la vida cotidiana. Aquí este animal se utiliza como emblema Gallerani. Con un arte notable, Leonardo transmitió el rostro delicado y femenino de Cecilia, quien está representada mirando hacia un lado y, por así decirlo, escuchando las palabras de una compañera invisible. Sus manos están soberbiamente escritas, sobre todo la derecha, en la que acaricia un armiño y en la que hay tanta individualidad que hasta un solo detalle indica la autoría de un maestro destacado. Es necesario ver el retrato de Cracovia en el original para estar convencido de cuán cuidadosamente está pintada la lana de armiño, cuyos cabellos se reproducen con una precisión casi caligráfica. Señora con un armiño.

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La obra más célebre de Leonardo, la famosa "Última Cena" en el monasterio de Santa Maria della Grazie en Milán, fue ejecutada entre 1495-1497. "La Última Cena" lo atrajo no por su contenido dogmático, sino por la oportunidad de desplegar ante el espectador un gran drama humano, mostrar varios personajes, revelar el mundo espiritual de una persona y describir con precisión y claridad sus experiencias. Percibió La última cena como una escena de traición y se propuso introducir en esta imagen tradicional ese comienzo dramático, gracias al cual adquiriría un sonido emocional completamente nuevo. Refinando las poses y los gestos en los dibujos, buscó formas de expresión que involucrasen a todas las figuras en un solo torbellino de pasiones. Quería plasmar personas vivas en las imágenes de los apóstoles, cada uno de los cuales responde a su manera al evento. La Última Cena es la obra más madura y completa de Leonardo. En el centro, coloca la figura de Cristo, destacándola con la apertura de la puerta. Deliberadamente aleja a los apóstoles de Cristo para enfatizar aún más su lugar en la composición. Leonardo divide a sus alumnos en cuatro grupos simétricos, llenos de vida y movimiento. Hace que la mesa sea pequeña y el refectorio estricto y simple. Esto le da la oportunidad de centrar la atención del espectador en figuras con enorme poder plástico. La principal tarea que se propuso Leonardo en "La Última Cena" fue el traspaso realista de las reacciones mentales más complejas a las palabras de Cristo: "Uno de ustedes me traicionará".

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En 1504, Leonardo comenzó a trabajar en su famosa pintura Mona Lisa. Esta pintura se considera el logro culminante de su obra. Trabajó en ello durante cuatro años. No en vano Leonardo trabajó durante tanto tiempo en "La Gioconda". No te imaginas una composición más simple y clara, más completa y armoniosa. Las manos juntas sirven de pedestal para la imagen y la excitante intensidad de la mirada se agudiza con la tranquilidad general de toda la figura. El fantástico paisaje lunar no es casual: los suaves sinuosos entre las altas rocas resuenan con los dedos en su acorde musical mesurado, y con los pliegues de la túnica, y con una ligera capa sobre el hombro de Mona Lisa. Todo vive y tiembla en su figura, es auténtica, como la vida misma. Y una sonrisa apenas juega en su rostro, lo que atrae al espectador con una fuerza realmente imparable. Esta sonrisa es especialmente llamativa en contraste con la desapasionada, como una mirada inquisitiva dirigida al espectador. En ellos vemos la sabiduría, la astucia y la arrogancia, el significado de algún tipo de misterio, como si fuera la experiencia de todos los milenios anteriores de la existencia humana. Esta no es una sonrisa alegre que pide felicidad. Esta es esa sonrisa misteriosa que brilla a través de toda la cosmovisión de Leonardo, en el miedo y el deseo que experimentó antes de entrar en una cueva profunda, llamándolo entre las rocas altas. Y nos parece que esta sonrisa se extiende por todo el cuadro, envuelve todo el cuerpo de esta mujer y su frente alta, su túnica y paisaje lunar, penetra levemente la tela pardusca del vestido con tintes dorados y la bruma esmeralda ahumada de la cielo y rocas. Esta mujer, con una sonrisa que coquetea imperiosamente en su rostro inmóvil, parece saber, recordar o anticipar algo que todavía nos es inaccesible.

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Inesperada por decisión, que representa a un hombre mimado con una sonrisa seductora, se asombra con el hecho de que Leonardo, por así decirlo, abandona la conocida imagen del Bautista. En esta curva del cuerpo, en esta sonrisa, el artista expresó la quintaesencia de ese misterio eterno, que era en gran parte parte de su propia creatividad: el enigma de la creación de uno mismo. "Juan el Bautista" se dirige al espectador con una profecía sobre la venida de Cristo. El dedo índice apuntando al cielo es otro motivo asociado a la iconografía de este santo que vino al mundo a predicar el arrepentimiento, que “abrirá el camino” para la venida aparición del Mesías. 4. Período tardío. Juan el Bautista.

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Leyendas de diapositivas:

Leonardo Da Vinci: una personalidad brillante Completado por: Sabitova Yulia, estudiante del 11 ° grado de la escuela secundaria MKOU en el pueblo de Kobra Supervisora: Rychkova Ekaterina Anatolyevna

Leonardo Da Vinci (1452-1519) En la historia de la humanidad, no es fácil encontrar a otra persona tan brillante como el fundador del arte del Alto Renacimiento, Leonardo Da Vinci. La naturaleza omnipresente de las actividades de este gran artista y científico se hizo evidente solo cuando se examinaron los manuscritos dispersos de su legado. A Leonardo se le ha dedicado una literatura colosal, su vida se ha estudiado en detalle. Y, sin embargo, gran parte de su trabajo sigue siendo misterioso y continúa excitando las mentes de la gente.

Leonardo Da Vinci nació en el pueblo de A nchiano cerca de Vinci, cerca de Florencia. Era hijo ilegítimo de un notario adinerado y una simple campesina. Casa donde nació Leonardo

Al darse cuenta de las extraordinarias habilidades del niño en la pintura, su padre lo envió al estudio de Andrea Verrocchio. En el cuadro del maestro "El bautismo de Cristo" la figura de un ángel rubio espiritualizado pertenece al pincel del joven Leonardo Andrea Verrocchio y Leonardo Da Vinci "El bautismo de Cristo" de Andrea Verrocchio

Entre sus primeras obras se encuentra el cuadro "Madonna con una flor" (1472), en contraste con los maestros del siglo XV. Leonardo rechaza la narración, el uso de detalles que distraen la atención del espectador, saturado de imágenes de fondo. La pintura se percibe como una escena simple y sin arte de la alegre maternidad de la joven María "Madonna con una flor".

Hacia 1482 Leonardo entró al servicio del duque de Milán, Ludovico Moro. El maestro se recomendó ante todo como ingeniero militar, arquitecto, especialista en el campo de las obras de ingeniería hidráulica, y solo entonces como pintor y escultor. Sin embargo, el primer período milanés de la obra de Leonardo (1482-1499) resultó ser el más fructífero. El maestro se convirtió en el artista más famoso de Italia, se dedicó a la arquitectura y la escultura, se dedicó a los frescos y las pinturas de altar.

No todos los planes grandiosos, incluidos los proyectos arquitectónicos, Leonardo no los implementó. La estatua ecuestre de Francesco Sforza, padre de Ludovico Moro, tardó más de diez años en completarse, pero nunca se fundió en bronce. Un modelo de arcilla de tamaño natural del monumento, instalado en uno de los patios del castillo ducal, fue destruido por las tropas francesas que capturaron Milán. Francesco Sforza Ludovico Moro

En 1977 Charles Dent comenzó a renovar la escultura. En septiembre de 1999, fue instalada en el hipódromo de San Siro en Milán. Estatua ecuestre (San Siro, Milán) Caballo de Leonardo, boceto de escultura

Las pinturas de Leonardo del período milanés han sobrevivido hasta nuestro tiempo. El primer retablo del Alto Renacimiento fue "Madonna en la gruta" (1483-1494) El pintor se apartó de las tradiciones del siglo XV, en cuyas pinturas religiosas prevalecía la sobriedad solemne. Hay pocas figuras en el retablo de Leonardo: la María femenina, el Niño Jesús bendiciendo al pequeño Juan Bautista y un ángel arrodillado, como si mirara fuera del cuadro. Las imágenes son perfectamente hermosas, conectadas naturalmente con su entorno. Esta apariencia de una gruta entre rocas de basalto oscuro con un hueco en las profundidades: un paisaje típico de Leonardo en su conjunto, fantásticamente misterioso. Las figuras y rostros están envueltos en una neblina aireada que les da una suavidad especial. Los italianos llamaron a esta técnica Leonardo sfumato.

"Madonna and Child" En Milán, aparentemente, el maestro creó la pintura "Madonna and Child" ("Madonna Litta"). Aquí, en contraste con "Madonna con una flor", luchó por una mayor generalización, idealidad de la imagen. No es un momento determinado lo que se representa, sino un cierto estado de paz, alegría a largo plazo, en el que se sumerge una joven y bella mujer. Una luz fría y clara ilumina su rostro delgado y suave con una mirada medio baja y una sonrisa ligera, apenas perceptible. El cuadro fue pintado al temple, lo que le da sonoridad a los tonos del manto azul y el vestido rojo de María. El cabello rizado dorado oscuro y esponjoso del bebé está sorprendentemente escrito, su mirada atenta dirigida al espectador no es infantilmente seria.

Cuando Milán fue tomada por las tropas francesas en 1499, Leonardo abandonó la ciudad. Comenzó el tiempo de sus andanzas. Durante algún tiempo trabajó en Florencia. Allí, la obra de Leonardo parecía iluminada por un destello brillante: pintó un retrato de Mona Lisa, la esposa del rico florentino Francesco di Giocondo (hacia 1503). El retrato es conocido como "La Gioconda", se ha convertido en una de las obras más famosas de la pintura mundial. Mona Lisa (La Gioconda)

Autorretrato En los últimos años de su vida, Leonardo Da Vinci trabajó poco como artista. Habiendo recibido una invitación del rey francés Francisco I, se fue en 1517 a Francia y se convirtió en pintor de la corte. Pronto murió Leonardo. En su autorretrato (1510-1515), el patriarca de barba gris y mirada profunda apesadumbrada parecía mucho mayor que su edad.

Clos-Luce, lugar de muerte de Leonardo

La escala y la singularidad del talento de Leonardo se pueden juzgar por sus dibujos, que ocupan uno de los lugares de honor en la historia del arte. No solo los manuscritos dedicados a las ciencias exactas, sino también las obras de teoría del arte están indisolublemente vinculados con dibujos de Leonardo Da Vinci, bocetos, bocetos, diagramas. Se da mucho espacio a los problemas de claroscuro, modelado volumétrico, perspectiva lineal y aérea. Leonardo Da Vinci posee numerosos descubrimientos, proyectos e investigaciones experimentales en matemáticas, mecánica y otras ciencias naturales.

Obras de Leonardo Da Vinci sobre anatomía humana Hombre de Vitruvio Descripción y bocetos del embrión humano

Vehículo de paracaídas de las invenciones de Leonardo

Aviones de dibujo de vehículos militares

Tambor de guerra reflector

Ballesta de dibujo de máquina voladora

Monumento a Leonardo en Amboise El arte de Leonardo Da Vinci, su investigación científica y teórica, la singularidad de su personalidad pasó por toda la historia de la cultura y la ciencia mundial, tuvo un gran impacto en él.

¡Gracias por la atención!

Leonardo da vinci

“La piedad es el maestro cuyo trabajo está por delante de su juicio; ese maestro avanza hacia la perfección del arte cuyas obras son superadas por el juicio ".

biografia corta

Leonardo da Vinci (1452-1519), pintor, escultor, arquitecto, científico e ingeniero italiano. El fundador de la cultura artística del Alto Renacimiento, Leonardo da Vinci se desarrolló como maestro, estudiando con Andrea del Verrocchio en Florencia. Los métodos de trabajo en el taller de Verrocchio, donde la práctica artística se combinó con experimentos técnicos, así como la amistad con el astrónomo P. Toscanelli, contribuyeron al surgimiento de los intereses científicos del joven da Vinci. En sus primeras obras (la cabeza de un ángel en el Bautismo de Verrocchio, después de 1470, Anunciación, hacia 1474, ambas en los Uffizi; la llamada Madonna de Benois, hacia 1478, State Hermitage, San Petersburgo) el artista, desarrollando las tradiciones del Arte Primitivo Renacimiento, enfatizaba el volumen suave de las formas con claroscuro, rostros a veces animados con una sonrisa apenas perceptible, logrando con su ayuda la transmisión de estados mentales sutiles. Registrando los resultados de innumerables observaciones en bocetos, bocetos y estudios de campo realizados en diversas técnicas (lápices italianos y plateados, sanguina, bolígrafo, etc.), Leonardo da Vinci logró, en ocasiones recurriendo a una agudeza grotesca casi caricaturizada, en la transferencia de la cara expresiones, y físicas, las peculiaridades y el movimiento del cuerpo humano de hombres y mujeres jóvenes se pusieron en perfecta correspondencia con la atmósfera espiritual de la composición.

• Leonardo da Vinci apareció ante nosotros como un gran pintor, escultor, arquitecto, científico e ingeniero. En su presentación, prestó gran atención a sus desarrollos de ingeniería y obras de arte. Sin duda, este es un gran artista y un científico brillante, cuyos méritos son difíciles de comparar con los de cualquier otra persona. Sus manuscritos y proyectos no tienen precio.

Fuentes de

• uk.wikipedia.org/wiki/ Leonardo _ sí _ Vінчі ‎
• León vinci .ru / biografía / ‎
• relaxic.net › Arte, diseño y creatividad ‎
• fishki.net/11842-kartiny- leonardo -da- vinchi -36-foto.html ‎
• https://vk.com/album-127681_12149692 ‎

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Presentación sobre el tema: Pinturas de Leonardo da Vinci

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Pintor, escultor, arquitecto, científico e ingeniero italiano. El fundador de la cultura artística del Alto Renacimiento. Leonardo da Vinci nació en 1452 en el pueblo de Anchiano cerca de la ciudad de Vinci, cerca de Florencia. Era hijo ilegítimo de un notario florentino acomodado Piero da Vinci, su madre era una simple campesina. Leonardo mostró sus habilidades artísticas muy temprano, y cuando en 1469 él y su familia se mudaron a Florencia, su padre lo envió a estudiar con Andrea Verrocchio. Junto con la pintura, la escultura y la joyería, se estudió aquí la arquitectura y la construcción. Según una antigua costumbre, los estudiantes ayudaron al maestro en el cumplimiento de sus órdenes, y esto, en particular, complica mucho la determinación de la autoría o la medida de la participación de Leonardo en las obras de este período. Leonardo da Vinci (1452-1519)

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Leonardo da Vinci, desarrollando las tradiciones del arte del Renacimiento temprano, enfatizó el volumen suave de formas con luces y sombras suaves, a veces rostros animados con una sonrisa apenas perceptible, tratando de transmitir estados de ánimo sutiles con su ayuda. El artista logró, a veces recurriendo a un grotesco casi caricaturizado, la agudeza en la transferencia de las expresiones faciales, y los rasgos físicos y el movimiento del cuerpo humano de hombres y mujeres jóvenes los pusieron en perfecta correspondencia con la atmósfera espiritual de la composición. En 1481 o 1482, Leonardo da Vinci entró al servicio del gobernante de Milán, Ludovico Moro, actuando como ingeniero militar, ingeniero hidráulico, organizador de las celebraciones de la corte. Dedicado a la arquitectura, Leonardo da Vinci desarrolló varias versiones de la ciudad "ideal" y proyectos de la iglesia central con cúpula, que tuvieron una gran influencia en la arquitectura de su Italia contemporánea.

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Tras la caída de Milán, la vida de Leonardo da Vinci transcurrió en incesantes viajes: Florencia-Venecia-Milán-Roma-Francia. Leonardo da Vinci dio el primer lugar a la pintura, entendiéndola como un lenguaje universal capaz de encarnar todas las diversas manifestaciones del principio racional en la naturaleza. Su aparición habría sido percibida de forma unilateral sin tener en cuenta que su actividad artística resultó estar indisolublemente ligada a la actividad científica. De hecho, Leonardo da Vinci es el único ejemplo de un gran artista para quien el arte no era la principal obra de su vida.

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Virgen de las rocas 1483-1494. Museo del Louvre, París. Alto Renacimiento. Leonardo da Vinci comenzó a pintar "La Virgen de las Rocas" en 1483, después de haber recibido un pedido de pintura de altar de una de las cofradías religiosas. Las discrepancias con los clientes debido al pago llevaron a que Leonardo da Vinci se quedara con el cuadro y lo completara finalmente entre 1490 y 1494.

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Madonna en la gruta 1495-1508. Galería Nacional, Londres. Renacimiento. Al no haber recibido de Leonardo da Vinci el cuadro prometido "Madonna en la gruta", los clientes entablaron una demanda en su contra, que se prolongó durante unos veinte años. Solo entre 1505 y 1508, un alumno de Leonardo Ambrogio de Predis, bajo la supervisión directa del propio maestro, completó (con algunos cambios en los detalles) la repetición del cuadro "Madonna en la gruta", que fue entregado a los clientes. .

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Madonna Benois 1478 Hermitage, San Petersburgo. Alto Renacimiento. Hacia 1480, el artista Leonardo da Vinci pintó la Virgen del Hermitage con una flor (la llamada Madonna Benois), una obra que ya lleva un nuevo concepto holístico y representa el primer hito importante en la carrera de Leonardo. El artista aún no ha alcanzado la madurez total de habilidad, esto se refleja en la figura de un bebé no muy exitosa, demasiado grande y algo condicional. Y, sin embargo, el cuadro "Madonna Benoit" destaca con fuerza entre las composiciones quattrocentistas cercanas a ella sobre el tema, en las que la imagen de la Madonna parece estática, congelada.

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Mona Lisa o La Gioconda 1503-1505. Museo del Louvre, París. Renacimiento. Alrededor de 1503, Leonardo comenzó a trabajar en un retrato de Mona Lisa, esposa del rico florentino Francesco Giocondo. La sensación de fuerza que emana de la imagen es una combinación orgánica de compostura interior y un sentido de libertad personal, la armonía espiritual de una persona, basada en la conciencia de su propio significado. Y su sonrisa de ninguna manera expresa superioridad o desdén; se percibe como el resultado de una tranquila autoconfianza y un autocontrol total.

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Dama con armiño 1485-1490. Museo Nacional de Cracovia. Renacimiento. El cuadro "La dama del armiño" fue pintado por el artista alrededor de 1490. En esta imagen, el artista introdujo una nueva técnica para el modelado volumétrico de la figura. Los maestros florentinos, para quienes los elementos lineales-volumétricos desempeñaban un papel destacado en su lenguaje pictórico, son famosos desde hace mucho tiempo por la plasticidad clara, a veces incluso nítida, de sus imágenes. A Leonardo da Vinci, por otro lado, no le gustaba la iluminación directa fuerte, que daba sombras y luces demasiado duras. La luz contribuye a modelar el rostro y la figura con matices suaves, pero también le da a la imagen un halo de poesía romántica.

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Retrato de un músico de 1490. Pinacoteca Ambrosiana, Milán. Renacimiento. La pintura "Retrato de un músico" fue iniciada por el artista Leonardo da Vinci a finales de los años 90 del siglo XV. Se disputa la autoría de Leonardo da Vinci; Se supone que el gran pintor comenzó a trabajar, pero más tarde su alumno Ambrogio de Predis trabajó en el retrato, sin embargo, la pintura "Retrato de un músico" quedó inconclusa.

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Retrato de Beatrice d'Este de 1490. Pinacoteca Ambrosiana, Milán. Renacimiento. La pintura iniciada por el gran pintor en el año 90 del siglo XV y posteriormente completada por su alumno Giovanni Ambrogio de Predis. Beatrice d'Este es una de las más hermosas e ilustradas princesas del Renacimiento italiano, hija de Ercole I d'Este y hermana menor de Isabella d'Este y Alfonso I d'Este. La niña tenía una buena educación, su séquito estaba formado por figuras famosas del arte renacentista, como el pintor Leonardo da Vinci y el escultor Donato Bramante. Se comprometió a los quince años con Ludovico Sforza. La vida de Beatrice d'Este terminó muy temprano, el 3 de enero de 1497 a la edad de 22 años, la causa de la muerte fue un parto fallido.

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Madonna Litta 1490-1491. Hermitage, San Petersburgo. Renacimiento. El cuadro "Madonna Litta" fue pintado por el artista Leonardo da Vinci a principios de los años 90 del siglo XV. El sentimiento de la alegría de la maternidad en la pintura "Madonna Litta" se profundizó debido al contenido de la imagen misma de María, en ella el tipo de belleza femenina de Leonardo encontró su expresión madura. Los ojos entrecerrados y una sonrisa apenas perceptible dan una espiritualidad especial al delicado y bello rostro de la Virgen: parece que ella está sonriendo a sus sueños. El cuadro "Madonna Litta" fue pintado por el artista no al óleo, sino al temple.

Diapositiva No. 16

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La Última Cena 1495-1498. Monasterio de Santa Maria delle Grazie, Milán. Renacimiento. Fresco de Leonardo da Vinci "La Última Cena" (fragmento central). En 1495, Leonardo comenzó a crear su obra central: el fresco "La Última Cena" en el refectorio del Monasterio de Santa Maria delle Grazie en Milán. Después de casi tres años de arduo trabajo, la pintura se abrió al público, glorificando el nombre de Leonardo como el artista más grande de su tiempo. Pero el destino de este trabajo resultó ser verdaderamente trágico. El trabajo experimental habitual de Leonardo sobre pinturas y suelo no tuvo éxito: la capa de pintura no era lo suficientemente fuerte y ya en el siglo XVI comenzó la destrucción del fresco, que con el tiempo se intensificó y se completó con restauraciones toscas e ineptas. En 1954, el fresco se limpió de capas posteriores y se identificaron y consolidaron los restos de la pintura original, gracias a lo cual se puede tener una idea general de la composición y la solución de color de la obra maestra de Leonardo da Vinci. Para juzgar con más precisión sus características, hay que recurrir a copias y grabados antiguos, así como a bocetos del propio Leonardo y sus dibujos preparatorios. El tamaño del fresco es de 460 x 880 cm, técnica mixta. El fresco "La Última Cena" del artista Leonardo da Vinci es una enorme composición que ocupa toda la pared transversal del gran salón del refectorio del monasterio. En la pintura del Quattrocento, ya se han desarrollado ciertas tradiciones para resolver este tema, baste nombrar las obras de Andrea del Castagno y Ghirlandaio, quienes, a pesar de todas sus indudables aspiraciones realistas, aún conservan algunos signos de coacción dogmática, en particular, separan a Judas de los apóstoles, poniéndolo solo al otro lado de la mesa. Como sus predecesores, Leonardo da Vinci representó a Cristo y los apóstoles en una mesa puesta para una comida. La acción se desarrolla en una amplia sala presentada en perspectiva frontal, cuyas paredes están cubiertas de alfombras. Cristo se coloca en el centro; su figura se dibuja sobre el fondo de una puerta en las profundidades de la composición, a través de la cual se abre una vista de un paisaje con suaves pendientes montañosas. Leonardo da Vinci eligió para la imagen el momento que vino después de que Cristo pronunció las fatales palabras: "Uno de ustedes me traicionará". Estas palabras, tan inesperadas para sus alumnos, golpean a todos en el corazón. Presagiando la inminente muerte de su maestro, simultáneamente golpean su sentido de confianza y solidaridad mutua, porque había un traidor en sus filas. Entonces, en lugar de un sacramento religioso, Leonardo da Vinci encarnó el drama de los sentimientos humanos en su fresco. La sabia elección del momento decisivo de este drama permitió al artista mostrar a cada uno de los personajes en la expresión más viva de su carácter individual. El joven Juan soñador, colocado a la diestra de Cristo, parecía desamparado por el golpe que había recibido; por el contrario, el decidido Peter, sentado a su lado, agarra el cuchillo con la mano para castigar a un posible traidor. Ubicado a la izquierda de Cristo, Santiago el Viejo, con un elocuente gesto de desconcierto, extiende los brazos a los lados, y el joven Felipe, que se había levantado de su asiento junto a él, imagen de gran belleza espiritual, se inclina ante Cristo en un impulso de autosacrificio. Y en contraste con ellos, la apariencia vil de Judas. A diferencia de sus predecesores, Leonardo lo colocó junto a los apóstoles, solo resaltando su rostro con una sombra cayendo sobre él. Pero en este fresco, no solo los rostros son expresivos, los personajes de los participantes en el evento se manifiestan vívidamente en sus movimientos, en sus gestos. Solo los movimientos de las manos expresan todos los matices de sentimientos, desde la mano de Cristo tendida impotente sobre la mesa boca abajo - este gesto transmite una sensación de obediencia estoica al destino que le aguarda - hasta las manos asustadas del apóstol Andrés.

Diapositiva No. 17

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Copia del fresco de la Última Cena, finales del siglo XVI. Museo Leonardo da Vinci, Tongerlo. Renacimiento. Copia del fresco de Leonardo da Vinci "La Última Cena" (fragmento central). Varios artistas participaron en la creación de la copia de restauración del fresco. El tamaño del cuadro es de 418 x 794 cm, óleo sobre lienzo. La profundidad especial, la ambigüedad emocional del contenido del fresco está asociada con la dinámica interna de su construcción dramática. Esta imagen no representa una fijación congelada de un momento determinado, arrancada del flujo general del tiempo. Al contrario, parece que la acción se despliega ante nuestros ojos, pues esta tragedia contiene simultáneamente tanto la culminación (es decir, el momento del mayor impulso dramático), expresada en las imágenes de los apóstoles, como su resolución, que representa la imagen de Cristo, llena de una tranquila conciencia de la inevitabilidad de su destino que aguarda ... Pero, habiendo comunicado toda la expresividad a cada uno de los personajes, Leonardo da Vinci conservó en su enorme fresco de múltiples figuras "La Última Cena" un sentido de asombrosa integridad y unidad. Esta unidad se logra principalmente por la supremacía incondicional de la imagen central: Cristo. En él está la causa del conflicto que se desarrolla ante nosotros, a él se dirigen todos los sentimientos de sus alumnos. Pictóricamente, su papel principal se enfatiza por el hecho de que Cristo se coloca en el centro mismo de la composición, sobre el fondo de una puerta luminosa, y además, como si estuviera solo, su figura está separada de los apóstoles por intervalos espaciales, mientras ellos mismos están unidos en tres en diferentes grupos a ambos lados de Cristo. También representa el centro de la construcción espacial del fresco: si continúas mentalmente las líneas de las paredes y alfombras que cuelgan de ellas, entrando en perspectiva, convergerán directamente sobre el Cristo anual. Esta centralización se expresa, finalmente, de manera colorista. La combinación de azul y rojo que predomina en la combinación de colores del fresco en su sonido más intenso se da en el manto azul y la túnica roja de Cristo; en forma debilitada, varía en diferentes matices en las vestiduras de los apóstoles. Es necesario señalar los nuevos métodos de vinculación del fresco de la Última Cena con el conjunto arquitectónico y espacial en el que se ubica. En el siglo XV, el maestro frescosista, utilizando la pared que se le proporcionó, rara vez trató de influir activamente en su trabajo en todo el conjunto arquitectónico y artístico. Leonardo, colocando el fresco en la pared frontal de la sala alargada, tuvo en cuenta las posibilidades más ventajosas para su percepción en la construcción en perspectiva de su composición, en su escala, en la disposición de la mesa y las figuras. Sin recurrir a métodos ilusionistas de transición del espacio real a lo representado, Leonardo da Vinci logró a través de la poderosa centralización de la construcción figurativa y compositiva de dicho Efecto, cuando la enorme sala del refectorio resultó estar subordinada al fresco en sí, aumentando la monumentalidad de sus imágenes y el poder de su influencia. La pintura mural del siglo XV no conocía un dominio tan confiado sobre los grandes espacios, y Leonardo da Vinci en este sentido allanó el camino para conjuntos de frescos de grandes maestros del Alto Renacimiento italiano como Miguel Ángel y Rafael.

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Madonna con una rueca 1510s. Colección privada del duque de Backley, Drumlanrig Castle, Escocia. Alto Renacimiento. La pintura representa a la Virgen sentada con el telón de fondo de una cadena montañosa. Tiene al niño Jesús en su regazo. Según uno de los evangelios apócrifos, la Virgen María en la casa de José trabajó en la fabricación de hilo púrpura para la cortina del templo. Leonardo da Vinci utilizó este tema en su pintura. El Niño Jesús sostiene una rueca en forma de cruz, que simboliza la aceptación de su destino. Madonna, según la trama de la imagen, todavía no puede aceptar esto con su corazón y, por lo tanto, su mano se levanta en un gesto protector.

Diapositiva No. 20

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Juan el Bautista 1513-1516. Museo del Louvre, París. Alto Renacimiento. En la pintura, el artista representa a un joven afeminado de pelo largo que sostiene una cruz en una mano y apunta al cielo con la otra, por su propia idea, por la naturaleza de la imagen, contradice el espíritu del arte anterior. de Leonardo da Vinci. Las características de esta pintura son difíciles de considerar solo como resultado del propio declive creativo del artista, cualidades que son internamente similares a los fenómenos de crisis que se revelaron en el arte renacentista italiano con toda su fuerza después de una década y media o dos décadas. emergiendo en ella.

Diapositiva No. 23

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Anunciación 1472-1475. Galería de los Uffizi, Florencia. Alto Renacimiento. El cuadro "Anunciación" fue pintado por el artista Leonardo da Vinci a la edad de poco más de 20 años. El tamaño del cuadro es de 98 x 217 cm, madera, temple. El cuadro "La Anunciación" es una composición bastante grande del siglo XV alargada horizontalmente, cuya longitud supera los dos metros y medio, representa a la Virgen María sentada en un atril de lectura a la entrada del edificio, cuya monumentalidad está ilustrado por las grandes esquinas rusticadas y arquitrabes del portal ... Ante ella hay un ángel arrodillado sobre un césped sembrado de flores. El fondo de la pintura forma un hermoso paisaje con esbeltos cipreses. Un detalle algo entrometido en el espíritu de un quattrocento, con el que se pintan los pliegues de la ropa, las flores, las decoraciones ornamentales del atril, no puede eclipsar la noble belleza de la apariencia y la tranquilidad de los movimientos de María y el ángel. En combinación con el sistema de color suavizado de la pintura, estas cualidades, inaccesibles para la más angulosa y áspera Andrea Verrocchio, atestiguan la mano de un artista más joven que está al borde de una visión diferente del mundo. Prueba de ello es el claro orden de la construcción compositiva, más claramente expresado de lo que era habitual en el siglo XV, que crea la impresión de una tranquila amplitud; aquí se puede adivinar el presentimiento de esos métodos de organización artística que se volverán característicos de los maestros del Alto Renacimiento.

Diapositiva No. 24

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Retrato de Ginevra de Benci Hacia 1476. Galería Nacional de Arte, Washington. Alto Renacimiento. En este busto retrato de una mujer joven, cuyo rostro está marcado por una expresión de concentración inquietante, puede encontrar una combinación similar de rasgos tradicionales con un presagio de lo nuevo. La forma pictórica del artista Leonardo da Vinci todavía se distingue aquí por un detalle algo fraccionado, pero la imagen del modelo de la dama Ginevra de Benci ya está rodeada de una especie de atmósfera poética, que se ve facilitada por el fondo del paisaje, inusual en su interpretación.

Diapositiva No. 25

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Como científico e ingeniero, enriqueció casi todas las áreas de la ciencia en ese momento. Leonardo da Vinci prestó especial atención a la mecánica, viendo en ella la clave principal de los secretos del universo; sus ingeniosas suposiciones constructivas superaron con creces su época contemporánea (proyectos de laminadores, automóviles, submarinos, aviones). Al estudiar la estructura del ojo, Leonardo da Vinci expresó sus conjeturas correctas sobre la naturaleza de la visión binocular. También se dedicó a la botánica y la biología. Y en contraste con esta actividad creativa llena de la más alta tensión: el destino de la vida de Leonardo, sus interminables andanzas asociadas a la incapacidad de encontrar condiciones favorables para el trabajo en lo que entonces era Italia. Por tanto, cuando el rey francés Francisco I le ofreció el puesto de pintor de la corte, Leonardo da Vinci aceptó la invitación. En Francia, durante este período, especialmente involucrado activamente en la cultura del Renacimiento italiano, el artista se vio rodeado en la corte de una veneración universal, que, sin embargo, era bastante externa. Sus fuerzas se estaban agotando y dos años después, el 2 de mayo de 1519, murió en el castillo de Clu en Francia. Leonardo da Vinci, científico experimental incansable y artista genial, se ha convertido en un símbolo universalmente reconocido del Renacimiento.