Enligt gamla legender bildades Rom i mitten av 800 -talet f.Kr. NS. Kulturen, som ansågs vara en av de mest inflytelserika under antiken, hade en enorm inverkan på den europeiska civilisationen. Detta trots att måleriet och skulpturen i det antika Rom bygger på grekiska motiv, och teater och musik är oupplösligt kopplade till de etruskiska antika traditionerna.
Egenskaper för antik romersk konst
Till skillnad från andra forntida länder tilldelade romarna inte konst pedagogiska eller moraliska uppgifter. Tvärtom, bildkonsten i det antika Rom var mer utilitaristisk till sin natur, eftersom de ansågs bara vara ett sätt att rationellt organisera bostadsutrymme. Det var därför arkitekturen intog en viktig plats i livet för befolkningen i detta gamla land. Civilisationen i det antika Rom påminner fortfarande om sig själv med monumentala strukturer: tempel, arenor och palats.
Förutom de magnifika arkitekturen kan Roms kultur i antikens tid bedömas av de många skulpturer som var porträtt av dem som levde vid den tiden. Livet i det antika Rom var alltid underlagt strikta regler, och under vissa perioder skapades skulpturala porträtt enbart för att föreviga ansikten hos härskare eller kända personer. Först efter en tid började romerska skulptörer ge sina statyer karaktärer eller särdrag. Romerska skapare föredrog att skildra viktiga historiska händelser i form av basreliefer.
Det är värt att notera att särdragen ligger i den nästan fullständiga frånvaron av sådana fenomen som teater - i vår vanliga förståelse, såväl som i vår egen mytologi. Med hjälp av bilderna som grekerna skapade för många av de magnifika romarna, förvrängde de antingen händelser för att behaga sina myndigheter, eller lägger dem inte särskilt stor vikt alls. Detta hände främst för att bildkonsten i det antika Rom utvecklades under inflytande av den dominerande ideologin, som var främmande för abstrakta filosofiska principer och konstnärlig skönlitteratur.
Särskilda särdrag i det antika Roms konst
Trots den bevisade existensen av Rom som en separat civilisation kunde historiker under lång tid inte skilja den antika grekiska konsten från den romerska konsten. Men på grund av det faktum att många verk av det konstnärliga och arkitektoniska arvet i det antika Rom har bevarats till denna dag, var det möjligt att bestämma de viktigaste egenskaperna som enbart ingår i antika romerska verk. Så, vilka prestationer och uppfinningar från det antika Rom inom bildkonst kännetecknar det som ett självständigt fenomen?
- Romarnas arkitektoniska prestation var kombinationen av rumslig uppfattning och konstnärliga former i byggnader. Romerska arkitekter föredrog att uppföra enskilda byggnader och ensembler i naturliga lågland, och om det inte fanns några, omslöt de strukturer med små väggar.
- I motsats till de grekiska plastbilderna lade romersk konst allegori, symbolik och rymdets illusoriska karaktär. Dessa uppfinningar av det antika Rom i förhållande till skulpturala och konstnärliga bilder gjorde det möjligt att ge karaktär inte bara till skulpturala porträtt, utan också till mosaik- eller freskobilder.
- Forntida romerska konstnärer utvecklade stafflimålning, som har sitt ursprung i Grekland, som praktiskt taget inte var utbredd i sitt historiska hemland.
Trots det överflöd av subtila och knappt märkbara egenskaper hos lekmannen finns det en faktor som tillåter även en icke-specialist att bestämma tillhörigheten av ett skulpturellt eller arkitektoniskt objekt till den antika romerska kulturen. Detta är dess storlek. Civilisationen i det antika Rom är känd över hela världen för sina storslagna byggnader och skulpturer. Deras storlek är flera gånger högre än analoger från antikens Grekland och andra länder.
Periodisering
Bildkonsten i det antika Rom utvecklades i flera steg, vilket motsvarade perioderna av den historiska bildandet av staten själv. Om historiker delar upp utvecklingen av den antika grekiska konsten i formation (arkaisk), blomstrande (klassiker) och krisperiod (hellenism), tar utvecklingen av den antika romerska konsten nya drag under förändringen av den kejserliga dynastin. Detta fenomen beror på att socioekonomiska och ideologiska faktorer spelade en grundläggande roll för att förändra stilistiska och konstnärliga former.
Stadierna för konstens utveckling i Rom anses vara perioden i det romerska riket (7-5 århundraden f.Kr.), republikanska (5-1 århundraden f.Kr.) och perioden av det romerska riket (1-2 århundraden e.Kr. ). Den verkliga blomstringen av alla typer av konst, inklusive skulptur, teater, musik och konst och hantverk, kom i slutet av 1 -talet f.Kr. NS. och varade tills
Tsarperiodens konst
Bildandet av forntida romersk konst går tillbaka till 800 -talet f.Kr. e., när etruskiska metoder för att planera byggnader, murverk och användning av byggmaterial blev huvudmotiven i arkitekturen. Detta kan bedömas av Temple of Jupiter Capitoline. Att måla och göra dekorativa föremål är också nära besläktade med etruskiska rötter. Först i mitten av 800 -talet f.Kr. F.Kr., när romarna koloniserade Grekland, fick de bekanta sig med grekernas konstnärliga tekniker. Det är värt att notera att antika romerska konstnärer redan då försökte skapa sina verk så nära originalen som möjligt. Historiker förknippar detta med traditionen att göra dödsvaxmasker, som exakt upprepade egenskaperna hos en persons ansikte. Gudarna i det antika Rom, vars statyer gjordes under det romerska rikets period, avbildades på samma sätt som vanliga människor.
Republikansk konst
Den republikanska perioden i den romerska staten präglades av den slutliga arkitekturen: utan undantag förvärvade alla komplex (bostäder och tempel) en axiell struktur och symmetri. Byggnadens fasad designades mer magnifikt och en stigning ledde till entrén (vanligtvis en stentrappa). I städer sprider sig bostadsutvecklingen av byggnader i flera våningar, medan de rika lagren i befolkningen bygger hus på terrassen dekorerade med fresker och skulpturella kompositioner. Under denna period bildades slutligen sådana typer av byggnader som teatern i antika Rom (amfiteater), akvedukter och broar.
Bildkonsten var baserad på porträttskulptur: officiell och privat. Den första tjänade som syfte att föreviga statsmän, medan den andra fanns tack vare order om tillverkning av statyer och byster för hus och gravar. Offentliga byggnader dekorerades med basreliefer som skildrade historiska scener eller bilder av statens dagliga liv. I templen kunde man dock oftast se målningar (inklusive mosaiker och fresker), som skildrade gudarna i det antika Rom.
Romarriket: Den sista perioden av konstens utveckling
Perioden anses vara tiden för den sanna storhetstiden för antik romersk konst. Arkitekturen domineras av valv, valv och kupoler. Stenmurar möts vanligen av tegel eller marmor. Stora utrymmen i lokalerna upptas av dekorativa målningar och skulpturer. Bildkonsten i det antika Rom genomgick betydande förändringar under denna period. När man gör skulpturala porträtt ägnas mindre uppmärksamhet åt enskilda funktioner, som ibland ser lite schematiska ut. Samtidigt försökte skulptörerna att skildra rörelsernas snabbhet, det emotionella tillståndet hos personen som skildras (kroppens, armarnas och benens position, frisyr etc.). Basreliefbilder har formen av panoramabilder med en gradvis utvecklad tomt.
Till skillnad från föregående period blir det mer komplext på grund av införandet av landskap och arkitektonisk bakgrund. Färgerna som används för freskerna är ljusare och färgkombinationerna är mer kontrasterande. Förutom färgade mosaiker sprids svart och vitt i stor utsträckning.
De mest kända skulpturala porträtten
Romerska porträtt av statsmän, gudar och hjältar representeras av byster eller statyer i full storlek. Det tidigaste antika romerska porträttet anses vara en bronsbyst av Junius Brutus. Man kan känna det stora inflytandet av grekisk konst i den, men de ansiktsdrag som är typiska för romarna och en liten asymmetri gör det möjligt att återigen se till att de gamla romerska skulptörerna även då, under 300 -talet f.Kr. e., gav deras verk maximal realism. Trots bristen på modern metallbearbetningsteknik är bystets små detaljer vackert utförda. Först och främst märks detta i den fina graveringen av skägg och hår.
Det mest realistiska anses fortfarande vara ett skulpturalt porträtt av Vespasian, den romerska kejsaren. Befälhavaren förmedlade inte bara sin bild i minsta detalj, utan gav också bysten karaktäristiska drag. Ögonen är särskilt iögonfallande: djupa och små, de utstrålar kejsarens naturliga list och kvickhet. Men det mest anmärkningsvärda är det faktum att skulptören också skildrade de minsta detaljerna (spända vener och vener i nacken, rynkor som passerar pannan), som talar om styrkan och oflexibiliteten hos statsledaren. Inte mindre uttrycksfull var skulptörernas byst av användaren Lucius Cecilius Yukunda, vars giriga ögon och fett hår skildras med fantastisk noggrannhet.
Stora monument av arkitektur från den antika romerska eran
Hittills har ingen av de byggnader som byggdes under antikens Rom bevarats helt. Den mest kända och mest kända av dem är Colosseum - en arena där gladiatorkampar och uppträdanden av statsmän på olika nivåer, inklusive kejsare, ägde rum. Saturnus -templet har inte mindre slående historia, som upprepade gånger förstördes och byggdes om igen. Till skillnad från Colosseum kan det inte ses, eftersom bara några kolumner återstår av den magnifika strukturen. Men de lyckades bevara den berömda Pantheon, eller templet för alla gudar, som är en ganska stor byggnad toppad med en kupol.
Poeter i det antika Rom och deras verk
Trots den mytologi som lånats från grekerna hade de gamla romarna också sina egna talanger när det gäller att komponera poesi, sånger och fabler. De mest kända poeterna i Rom är Virgil och Horace. Den första blev känd för att ha skrivit dikten "Aeneid", som påminde mycket om Homers "Iliad". Trots den mindre uttrycksfulla poetiska och konstnärliga komponenten anses denna dikt fortfarande vara standarden för det ursprungliga latinska språket. Horace, å andra sidan, hade en utmärkt behärskning av det konstnärliga ordet, tack vare vilket han blev en hovpoet, och linjer från hans dikter och sånger förekommer fortfarande i många författares verk.
Teaterkonst
Teater i det antika Rom liknade initialt lite vad vi anser vara så idag. Nästan alla föreställningar hölls i genren tävlingar av poeter och musiker. Endast ibland njöt de antika romerska konstkännarna av skådespelarnas framträdande, tillsammans med en stor kör. Ofta visades publiken cirkushandlingar, teatralisk pantomime och solo- eller gruppdanser. Ett särdrag hos den antika romerska teaterföreställningen var truppens stora antal. Om detta sa publiken att det finns färre av dem än skådespelarna.
Det är värt att notera att kostymer och smink inte ägnades mycket uppmärksamhet då. Endast ibland, i rollen som en kejsare eller en betydande person i staten, var skådespelarna klädda i mer magnifika röda kläder. Repertoaren bestod huvudsakligen av romerska poeters verk: Horace, Virgil och Ovid. Ofta ersattes oroliga berättelser och sånger på teatrar med blodiga strider av gladiatorer, som publiken gick till med inte mindre glädje.
Musik och musikinstrument
Musiken i det antika Rom bildades oberoende av den antika grekiska. När man höll offentliga evenemang och föreställningar var de mest populära musikinstrument som kunde producera ett mycket högt ljud: trumpeter, horn och liknande. Men oftast föredrog de under föreställningen pannkakor, harpor, citharor. Det är värt att notera att alla var förtjusta i musik, inklusive de romerska kejsarna. Bland musikerna och sångarna fanns de som förevigades i skulptur. Sångarna och kifareda Apelles, Terpnius, Diodorus, Anaxenor, Tigellius och Mesomedes åtnjöt särskild popularitet och kärlek till det romerska folket vid den tiden. Musiken i det antika Rom lever fortfarande, eftersom inte bara huvudmotiven har bevarats, utan också musikinstrument.
Den romerska konstens inflytande på modern tid
Mycket har sagts om den romerska civilisationens inflytande på modernitet och överallt. Naturligtvis har egenskaperna hos det antika Rom, eller snarare det i dess område som relaterar till konst, ännu inte presenterats i sin helhet. Ändå kan det redan hävdas att arkitekturen, skulpturen och bildkonsten under den antika romertiden direkt påverkade den kulturella komponenten i nästan alla europeiska stater. Detta är särskilt märkbart i arkitekturen, när byggnadens harmoni och majestät är innesluten i en tydlig symmetrisk form.
FEDERAL UTBILDNINGSBYRÅN
Statlig utbildningsinstitution för högre yrkesutbildning
Ryska statens pedagogiska universitet. A.I. Herzen
FAKULTET FÖR MUSIK
Institutionen för musikutbildning och utbildning
Kurser om rysk musikhistoria
Symfoniska verk av N.A. Rimsky-Korsakov
Genomförde
2: a års student
kvällsavdelning
Kraineva Maria
handledare
Verba Natalia Ivanovna
Sankt Petersburg 2010
Introduktion
Detta ämne är relevant, eftersom: det kreativa arvet från Rimsky-Korsakov är mycket stort. Han har skrivit ett stort antal kompositioner inom olika musikgenrer. Rimskij-Korsakovs kreativa väg omfattar en komplex, rik och mångfaldig era av Rysslands musikaliska utveckling. Hans musik är älskad och beundrad än idag.
Vem skrev om kompositören: N. Rimsky-Korsakov, "Chronicle of my musical life", Moskva, "Music", 1980; musikologen Abram Akimovich Gozenpud i en intervju Petersburg teatertidning (2002) citerade ett brev från Rimsky-Korsakov som förklarade hans inställning till sitt eget arbete; Maslov A., rysk folkvisa i Rimskij-Korsakovs verk, "Musik och liv", 1909; Grachev P.V., Leitmotif i Rimsky-Korsakovs operor, i boken: De musica, vol. 3, L., 1927; Rushanov V. A., H. A. Rimsky-Korsakov (1844-1908), L., 1928; Maggit S. D., Stilistiska drag i N. A. Rimsky-Korsakovs romanser, i samling: rysk romantik, erfarenhet av intonationsanalys, red. B.V. Asafieva, M.-L., 1930; Solovtsov A. A., H. A. Rimsky-Korsakov, M., 1948, 1958; Solovtsov A., symfoniska verk av Rimsky-Korsakov, Moskva, State Musical Publishing House, 1953; Kabalevsky D. B., Rimsky-Korsakov och modernism, "CM", 1953, nr 6-8; Berkov V.O., Textbook of Rimsky-Korsakov's harmony, M., 1953; Tretyakova LS, Pages of Russian Music, Moskva, "Kunskap", 1979; Ratskaya Ts., N.A. Rimsky-Korsakov, Moskva, "Musik", 1958; L. Barsova, Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov, Leningrad, "Musik", 1986; Komissarskaya MA, rysk musik från XIX-talet, Moskva, "Kunskap", 1974; Keldysh Y., Rysk musikhistoria, Moskva-Leningrad, State Musical Publishing House, 1947 (del 2); Rapatskaya L.A., History of Russian Music from Ancient Rus to the "Silver Age", Moskva, Vlados, 2001; Kobalevsky D.B., Ossovsky A.V., Tumanina N.V., Yankovsky M.O., Musikaliskt arv. Rimsky-Korsakov, Moskva, USSR Academy of Sciences Publishing House, 1953; och många andra författare. Objektet är Rimskij-Korsakovs symfoniska verk, ämnet är funktionerna i det symfoniska verket. Målet är att överväga och studera N.A.s symfoniska verk. Rimsky-Korsakov. Mål: 1. Att bekanta sig med Rimskij-Korsakovs biografi; 2. Studera hans huvudidéer, ge en allmän beskrivning av kreativitet; 3. Bekanta dig med begreppet "rysk klassisk symfoni" och överväga utvecklingssätten för rysk symfonisk musik under 1800 -talet; 4. Tänk på Rimskij-Korsakovs programmatiska symfoniska verk på exemplet med den musikaliska bilden för Sadko symfoniorkester, Antars symfoniska svit och Scheherazades symfoniska svit; 5. Tänk på symfoniska verk som inte har ett program publicerat av författaren på exemplet med de första och tredje symfonierna och "Capriccio om spanska teman"; 6. Tänk på ouverturer, symfoniska sviter från operor och transkriberingar av operascener för en symfoniorkester med exemplet från ouverturen till operan May Night, den symfoniska sviten från operan The Snow Maiden och sviten från operan Natten före jul; 7. För att generalisera allt ovanstående och dra en slutsats: vilka egenskaper har Rimskij-Korsakovs symfoniska verk. Verkets struktur: introduktion, innehåll (1 del - Kort biografi, allmänna egenskaper hos kreativitet och idéer; 2 del - symfonisk kreativitet), avslutning, referenslista, innehållsförteckning. kort biografi Nikolai Andreevich Rimsky -Korsakov (6 mars (18), 1844, Tikhvin, Novgorod -provinsen - 8 (21) juni, 1908, Lubensk gods, nära Luga, Sankt Petersburg -provinsen) - rysk kompositör, lärare, dirigent, offentlig person, musik kritiker; en representant för "Mighty Handful", ledde Belyaevsky -kretsen. Bland hans verk finns 15 operor, 3 symfonier, symfoniska verk, instrumentalkonserter, kantater, kammarinstrumental, sång och helig musik. Barndom och ungdom Rimsky-Korsakov föddes i den lilla staden Tikhvin. Kompositörens far, Andrei Petrovich Rimsky-Korsakov (1784-1862), tjänstgjorde under en tid som Novgorod vice-guvernör, och sedan som guvernör i Volyn, hans mor, Sofya Vasilyevna, är dotter till en serfisk bondekvinna och en förmögen godsägare Skaryatin, en ganska utbildad kvinna. Ett starkt inflytande på den blivande kompositören utövades också av hans äldre bror Voin Andreevich - kontreadmiral, omorganisatör för marinutbildningssystemet. Rimskij-Korsakovs familjehus låg på floden Tikhvinka, mittemot Tikhvin Bolshoi Bogoroditsky-klostret. Kompositören studerade spela piano hemma och sedan på en internatskola, där musiklektioner var bland andra allmänna utbildningsdiscipliner. Det är känt att kompositören sedan barndomen var fascinerad av musik, bekantade sig med verken från Rossini, Beethoven, Meyerbeer, Mendelssohn, men det största intrycket på honom gjorde musiken från MI Glinka - hans "Kamarinskaya", "Spanish Overtures" ", operorna" Ett liv för tsaren "och Ruslan och Lyudmila. 1859-1869, som kände behovet av att förvärva mer professionella musikaliska färdigheter, tog Rimsky-Korsakov lärdomar av pianisten F.A.Kanille. År 1856 tog hans far unga Nikolai till Naval Cadet Corps, varifrån han tog examen med utmärkelser våren 1862 (vid den tiden bytte utbildningsinstitutionen namn till Naval School). Vid den tiden hade kompositörens far dött (1861) och familjen Rimsky-Korsakov flyttade till S: t Petersburg. Bekantskap med Balakirev, service på Almaz År 1861 introducerade Canille N. A. Rimsky-Korsakov för M. A. Balakirev. Den unga kompositören blev omedelbart medlem i Balakirev -kretsen ("The Mighty Handful"), som hade ett avgörande inflytande på bildandet av hans personlighet och estetiska syn på kompositören. Vid den tiden ingick förutom huvudet - Balakirev - och Rimsky -Korsakov själv, Caesar Cui och Modest Mussorgsky i cirkeln. Balakirev, som övervakade sina yngre kollegors arbete, föreslog inte bara rätt kompositörsbeslut för de kompositioner de skapade, utan hjälpte också sina kamrater med instrumentering. År 1862-1865 tilldelades Rimsky-Korsakov sjötjänsten på Almaz-klipparen, tack vare vilken han besökte ett antal länder-England, Norge, Polen, Frankrike, Italien, Spanien, USA, Brasilien. Intryck av havslivet förkroppsligades efter ett tag i de fantastiska havslandskapen, som han lyckades fånga i sina verk med orkesterfärger. Att arbeta på klipparen lämnade inte mycket tid för att förbättra musikaliska färdigheter, så det enda verket som dök upp under denna period från kompositörens penna var den andra satsen (Andante) av den första symfonin (slutet av 1862), varefter Rimsky-Korsakov gav skrivit länge. roman korsakov symfonisk kompositör 70-, 80-, 90 -talets kreativa liv Sedan 70 -talet. gränserna för Rimskij-Korsakovs musikaktivitet utökades: han var professor vid St. Petersburg-konservatoriet (från 1871, klasser av praktisk komposition, instrumentering, orkester), inspektör för mässingsband vid marinavdelningen (1873-84), chef för Free Music School (1874-81), dirigent för symfonikonserter (från 1874) och senare operaföreställningar, som assisterande chef för Court Singing Capella (1883-94), ledde Belyaevsky-kretsen (från 1882). I mitten av 70 -talet. arbetade för att förbättra sin komponerande teknik. Det var under denna period 1871 som han blev inbjuden att undervisa vid St. Petersburg -konservatoriet, med tilldelning av den akademiska titeln - professor; och efter att ha börjat undervisa på konservatoriet upptäcker Rimsky-Korsakov allvarliga brister i hans musikaliska utbildning, och han börjar själv entusiastiskt studera de discipliner som lärs ut vid konservatoriet. Rimsky-Korsakov skrev om sitt utnämning till professor vid konservatoriet på följande sätt: ”Sommaren 1871 hände en viktig händelse i mitt musikliv. En vacker dag kom Azanchevskij till mig, som precis hade tillträtt posten som chef för Sankt Petersburg -konservatoriet istället för NI Zaremba, som hade lämnat. Till min förvåning bjöd han mig att gå med i konservatoriet som professor i praktisk komposition och instrumentering, liksom professor, d.v.s. ledaren för orkesterklassen ". [N. Rimsky-Korsakov "Chronicle of my musical life", Moskva, "Music", 1980, sid. 93] På 80 -talet. han ägnade stor uppmärksamhet åt symfoniska genrer, det var under denna period som han skapade sin största episka symfoniska duk - den symfoniska sviten "Scheherazade". I början av 90 -talet. det fanns en viss nedgång i kreativ aktivitet (under denna period studerade han filosofi, skrev artiklar, reviderade och redigerade några av hans tidigare verk). Under andra halvan av 90 -talet. kreativiteten fick exceptionell intensitet: operorna Sadko (1896) och Tsarens brud (efter maj 1898) dök upp. Under revolutionen 1905-07 stödde Rimsky-Korsakov aktivt kraven från de slående studenterna, fördömde öppet reaktionära administrationen vid Sankt Petersburg-konservatoriet (han fick sparken från vinterträdgården, återvände först efter att konservatoriet beviljats delvis autonoma rättigheter och förändring av ledarskapet). Rimsky-Korsakov dog den 11 juni 1908 av hjärtförlamning. Han begravdes på Novodevichy -kyrkogården i Sankt Petersburg. Allmänna egenskaper hos kreativitet och idéer Under många års verksamhet (över 40 år) har Rimsky-Korsakovs arbete genomgått förändringar, vilket återspeglar tidens behov, och kompositörens estetiska åsikter och hans stil har utvecklats. Rimsky-Korsakov bildades som musiker i atmosfären av social uppsving på 60-talet. under påverkan av de estetiska principerna för "New Russian School of Music". Den viktigaste av dem - önskan om nationalitet, högt innehåll, konstens sociala betydelse - kompositören bar igenom hela sitt liv. Samtidigt var han mer intresserad av konstens specifika inre problem än andra medlemmar i Balakirev -kretsen. Rimsky-Korsakov kännetecknas av identifieringen av den estetiska principen i varje komposition, strävan efter skönhet, perfektion av utförandet. Därför - särskild uppmärksamhet på frågorna om professionalism och ett slags hantverkets estetik, vilket förde Rimskij -Korsakovs principer närmare de allmänna trenderna i utvecklingen av rysk konst i slutet av 1800 - början av 1900 -talet. I det kreativa utseendet på Rimsky-Korsakov finns det många likheter med MI Glinka. Först och främst - harmonin i uppfattningen av världen, inre balans, känslig konstnärlighet, oklanderlig smak, en känsla av konstnärlig proportion, den klassiska klarheten i musikaliskt tänkande. Utbudet av teman och tomter som Rimsky-Korsakov förkroppsligar är brett och varierat. Liksom alla "kuchkister" vände sig kompositören till rysk historia, bilder från folklivet, bilder av öst, han berörde också det vardagliga dramaets område och den lyriska och psykologiska sfären. Men Rimskij-Korsakovs talang avslöjades mest fullt ut i verk relaterade till science fiction-världen och olika former av rysk folkkonst. En saga, legend, epos, myt, ritual bestämmer inte bara temat utan också den ideologiska innebörden av de flesta av hans verk. Rimsky-Korsakov avslöjar den filosofiska undertexten i folklore-genrer och avslöjar människors världsbild: hans eviga dröm om ett bättre liv, om lycka, förkroppsligad i bilderna av ljusa sagoländer och städer Kitezh); hans moraliska och estetiska ideal, som å ena sidan förkroppsligas av operans fängslande rena och ömma hjältinnor (Prinsessan i Kashchee den odödliga, Fevronia), å andra sidan, legendariska sångare (Lel, Sadko), dessa är symboler för otydlig folkkonst; hans beundran för naturens livgivande kraft och eviga skönhet; slutligen är folkets outplånliga tro på ljuskrafternas triumf, rättvisa och godhet en källa till optimism som finns i Rimskij-Korsakovs arbete. Rimskij-Korsakovs inställning till den avbildade liknar också folkkonst. Enligt B.V. Asafiev, "... mellan kompositörens personliga känsla och föremålet för hans verk finns en underbar mediastinum: hur tänker folket om det och hur skulle de förkroppsliga sin idé om det? ...". Denna avskiljning från författarens position bestämde objektiviteten i tonen som är karakteristisk för Rimsky-Korsakov och övervägande av episka dramatiska principer i de flesta av hans verk. Detta är också förknippat med särdragen i hans texter, alltid uppriktiga och samtidigt utan känslomässiga spänningar - lugn, hel och något kontemplativ. I Rimskij-Korsakovs arbete kombineras beroende av rysk musikalisk folklore (främst dess äldsta lager) och traditionerna i nationella klassiker (Glinka) organiskt med den breda utvecklingen av bild- och koloristiska tendenser för romantisk konst, ordning och balans i alla delar av det musikaliska språket. Kompositören introducerar autentiska folkvisor i sina verk och skapar sina egna melodier i folksångers anda. (Speciellt typiskt för honom är archaiserade diatoniska teman i komplexa udda skalor, till exempel den sista refrängen från "The Snow Maiden" den 11/4). Sångintonationer färgar också de lyriska (främst operatiska) melodierna av Rimsky-Korsakov. Men, till skillnad från folkliga teman, kännetecknas den mer av strukturell fullständighet, inre fragmentering och periodisk upprepning av motivlänkar. Typiska för Rimskij-Korsakov är mobila, rikt utsmyckade melodier av instrumentell karaktär, ofta införda i sångdelarna hos fantastiska operakaraktärer (Volkhova, Svanprinsessan). Rimskij-Korsakovs utveckling av tematiskt material leder vanligtvis inte till radikala intonationella förändringar. Liksom alla "kuchkister" använder kompositören vid och varierande variationstekniker och kompletterar dem med polyfoni - oftare i sub -röst, men ofta imitation. Rimskij-Korsakovs harmoniska tänkande kännetecknas av strikt logik, tydlighet, en rationell organiserande princip känns i den. Så användningen av naturliga diatoniska lägen, som kommer från stilen i den ryska bondesången och Balakirev-principerna för dess bearbetning, kombineras vanligtvis av Rimsky-Korsakov med en enkel triadharmonisering, användning av ackord av sidosteg. Kompositörens bidrag till utvecklingen av de koloristiska harmonimöjligheterna är avgörande. Baserat på traditionerna i "Ruslan och Lyudmila" skapade han i mitten av 90-talet. dess system av harmoniska medel (först och främst kopplat till sfären av fantastiska bilder), som bygger på komplexa lägen: förstorade, kedjiga och särskilt reducerade, med en karakteristisk tonskala- halvton, den så kallade "Rimsky- Korsakov -skala ". Koloristiska tendenser manifesteras också i orkestrering, som Rimsky-Korsakov betraktade som en integrerad del av konceptet ("en av sidorna i själen" i kompositionen). Han introducerar många instrumentala solon i partiturerna och, enligt Glinkas föreskrifter, föredrar han ljudet av rena timbres framför tjocka blandade färger. Hans orkesters ljusstyrka och virtuosa briljans kombineras med transparens och lätthet i texturen, som utmärks av den oklanderliga klarheten hos den röst som leder. Den kulturella och historiska betydelsen av Rimskij-Korsakovs redaktionella verksamhet är stor, tack vare vilken många mästerverk av rysk musik publicerades och framförde Rimskij-Korsakov två gånger förberedde Glinkas operasånger för publicering (tillsammans med Balakirev och Lyadov, 1877-81; med Glazunov, till 100 -årsdagen av Glinkas födelsedag, 1904). Orkestrerade "The Stone Guest" av Dargomyzhsky två gånger (1870 och 1897-1902). Tillsammans med Glazunov fullbordade, redigerade och delvis orkestrerade han "Prince Igor" (1887-90) och instrumental ett antal av Borodins romanser. Nästan hela Mussorgskys arv redigerades av Rimsky-Korsakov: han fullbordade, redigerade och orkestrerade "Khovanshchina" (1881-83), utförde också sin redigering och instrumentering av "Boris Godunov" (1895-96, kompletterad 1906), liksom som fri bearbetning och orkestrerade upplagan av den symfoniska bilden "Night on Bald Mountain" (1886), redigerade och orkestrerade ett antal fragment av den oavslutade opera "Salammbo", symfoniska stycken (Intermezzo, Scherzo), körer. Rimskij-Korsakov förberedde för publicering av manuskriptet till "Äktenskap" (1906) och de flesta av kammar-sångverken (han instruerade flera av dem). Detta enorma verk, som bidrog till propagandan av Mussorgskijs verk, saknar interna motsättningar, eftersom de utgåvor som Rimskij-Korsakov gjort har ett djupt avtryck av hans kompositörs personlighet, estetiska åsikter och smak. Som ett resultat har de karakteristiska dragen i Mussorgskys stil (främst intonation, modal, harmonisk) genomgått betydande förändringar. En enastående roll i utvecklingen av den ryska musikkulturen tillhör Rimsky-Korsakov, en lärare som tog upp St. 200 kompositörer, dirigenter, musikforskare. Han var grundaren av komponerskolan. Bland hans elever finns A.K. Glazunov, A. K. Lyadov, A. S. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. F. Stravinsky, N. N. Cherepnin, A. T. Grechaninov, V. A. Zolotarev, N. Ya. Myaskovsky, S. S. Prokofiev, M. F. Gnesin, B. V. Asafiev, A. V. Ossovsky. Rimskij-Korsakov bidrog betydligt till utvecklingen av Rysslands folkmusikalkultur. Många av hans elever blev framstående personer i nationella musikskolor - Ukraina (N. V. Lysenko, Y.S. Stenova, F.S. Akimenko), Lettland (A.A. Yuryan, J. Vitol, E. Melngailis), Estland (RI Tobias, AI Kapp), Litauen (KM Galkauskas), Armenien (MG Ekmalyan, AA Spendiarov), Georgien (MA Balanchivadze). Rimsky-Korsakov ägnade stor uppmärksamhet åt organisationen av utbildningsprocessen: han äger artiklarna "On Music Education" (1892), "Project for the Transformation of the Program of Music Theory and Practical Composition in Conservatories" (1901). En delvis generalisering av den omfattande pedagogiska erfarenheten av Rimsky-Korsakov var manualerna han skapade: "Textbook of Harmony" (del 1-2, 1884-85; omvandlad till "Practical Textbook of Harmony", 1886) och "Basics of Orchestration" (1908, publicerad 1913) ... Bland de litterära verken av Rimsky-Korsakov sticker ut en recension av Napravniks opera "Nizhegorodianerna" (1869), en artikel "Wagner och Dargomyzhsky" (1892), samt en analys av operan "The Snow Maiden". Det mest värdefulla materialet om den ryska musikkulturens historia under andra hälften av 1800 -talet. innehåller hans självbiografiska bok "Chronicle of my musical life" (1876-1906, utg. 1909), som bidrog till författarens medvetenhet om sin egen kreativa väg. Rimskij-Korsakovs uppträdanden som dirigent var av ovärderligt pedagogiskt värde. På konserter av Free Music School, RMO, Russian Symphony Concerts, främjade han verk av ryska klassiker, verket av tonsättarna i The Mighty Handful, samtidens verk - Glazunov, P. Tchaikovsky, S. I. Taneev, S. V. Rachmaninov, etc. Rimskij-Korsakovs mångfacetterade verksamhet satte ett djupt avtryck i världens musikaliska kultur. Hans verk påverkade inte bara ryska kompositörer (Glazunov, Lyadov, Spendiarov, Stravinsky, Prokofiev), men påverkade också väsentligt europeisk musik (K. Debussy, M. Ravel, O. Respighi, A. Bax). År 1944, i samband med 100-årsjubileet för Rimskij-Korsakovs födelse, öppnades ett husmuseum i kompositörens hemland i Tikhvin, 1971 i Leningrad-en museilägenhet (i lägenheten där kompositören tillbringade senaste 15 åren). Rimskij-Korsakovs namn gavs till Leningrads konservatorium, framför byggnaden uppfördes ett monument över Rimskij-Korsakov av skulptörerna V. Ya. Bogolyubov och V. I. Ingal (1952). Symfonisk kreativitet. Rysk klassisk symfoni En av de viktigaste funktionerna i den ryska klassiska symfonismen är att symfoniska genrer i Ryssland hade en demokratisk inriktning i det tidigaste stadiet av deras utveckling. Denna anmärkningsvärda särart i den ryska symfonin berodde på hela Rysslands sociohistoriska utveckling. Från början av 60 -talet av XIX -talet i rysk klassisk symfonis historia markerades en ny betydande scen. Glinkas anhängare - "kuchkist" -kompositörerna och Tjajkovskij, som uppfyllde den stora "lärarens" uppdrag, kunde höja rysk symfonisk musik till en sådan höjd som gav den en hedervärd plats i utvecklingen av världssymfonin. Den lysande blomstringen av rysk klassisk symfoni stimulerades av atmosfären av hög social entusiasm. Under inflytande av avancerade revolutionärt-demokratiska idéer följde ryska kompositörer från förra seklet i sitt symfoniska verk, som för övrigt i andra genrer de höga estetiska principerna för realism och nationalitet; de vände sig ständigt till vår tids levnadsproblem. Den slående variationen av genrer var mycket vägledande för rysk symfonism under den klassiska utvecklingsperioden. Här kan du hitta en symfoni som hade en lång tradition som fick en ny, original look på rysk mark och färgglada symfoniska ouverturer, sviter, programmerade symfoniska fantasier, dikter, målningar och instrumentalkonserter av olika slag. Denna genrerikedom av rysk symfonisk musik berodde på klassiska kompositörers önskan att i stort visa verklighetens fenomen, en mångfacetterad visning av folklivet, en figurativt konkret utföringsform av det nationella temat. De klassiska kompositörernas realistiska, demokratiska ambitioner manifesterades i deras oföränderliga gravitation mot den programmatiska symfonin. Faktum är att enastående ryska kompositörer under förra seklet var skaparna av rysk klassisk programmatisk symfonism. Vad är ett programmerat instrumentverk? Varje programmatisk komposition är baserad på en specifik intrig, lånad antingen från den omgivande verkligheten (till exempel Glinkas spanska ouverturer), eller från ett litterärt verk (till exempel Rimsky-Korsakovs Scheherazade), eller från måleri (till exempel Bilder på en Utställning av Mussorgsky orkestrerad av M. Ravel). Avslöjandet av det programmatiska konceptet för kompositionen utförs med hjälp av specifika musikaliska bilder, som ibland är baserade på folklorkällor, som kännetecknas av en bestämd genrekarakteristik (dvs genertecknen på en sång, dans, marsch, etc. märks tydligt i arbetet). Programverkens musikaliska tematisering präglas av en vässad figurativ relief. Tillgängligheten och klarheten för symfonisk musik av ryska kompositörer från 1800 -talet för en bred publik bestäms av dess nära koppling till folkkonst. I klassiska symfoniska verk kan man ofta hitta äkta folklore -teman, så nära och begripliga för en bred publik. "..." Men mycket oftare använde klassiska kompositörer folkmelodier indirekt och brytade dem genom prisma av deras kreativa individualitet. Sätt att utveckla rysk symfonisk musik Rysk klassisk symfoni från förra seklet inkluderade två huvudriktningar: text och dramatik, vars ljusaste representant var P.I. Tjajkovskij och det narrativ-episka, som fick det fullständiga uttrycket i de symfoniska verken av A.P. Borodin och N.A. Rimsky-Korsakov. Lyrisk-dramatisk symfoni kännetecknas av levande livskonflikter, akuthet och intensitet i utvecklingen, inre spänningar i musikaliska och konstnärliga bilder. För episk symfonism är den narrativ-objektiva karaktären av konstnärligt uttryck typisk. I verk av detta slag är konfliktkollisioner mindre uttalade. Bilderna av den omgivande verkligheten belyses av kompositörer i lugna, kontemplativa toner. Under den sista tredjedelen av 1800 -talet märktes tydligt en ny etapp i ryska symfonins historia. Kompositörer närmar sig nu programmatik i musiken på ett annat sätt; de lockas inte så mycket av plotbeskrivning eller bildskildring, som av mer generaliserade psykologiska och filosofiska problem. Vi kan redan nu tala inte bara om de viktigaste trenderna i rysk symfoni, utan också om individuella, ibland unika i sitt slag, symfoniska verk i en eller annan kompositörs verk. Bland de bästa prestationerna för rysk och världssymfonism under denna period är Tchaikovskys fjärde, femte och sjätte symfonier, symfoniska verk av Glazunov, Lyadov, Kalinnikov, Rachmaninov, Scriabin, Taneev, Rimsky-Korsakov. I musiken från dessa kompositörer, som utvecklade Glinkas symfoniska traditioner, är nationalitetsprinciperna levande gestaltade, en organisk kombination av filosofiska och estetiska principer med etiska har uppnåtts. Symfoniska verk av Rimsky-Korsakov Rimskij-Korsakov ägnade mycket mindre tid och energi åt symfonisk musik än till opera. Antalet av hans symfoniska kompositioner är relativt litet. Men när det gäller konstnärlig kraft, djup och fantastisk originalitet tar de plats bredvid Korsakovs operor. Rimsky-Korsakov är utan tvekan en lysande operakompositör, och lika onekligen en lysande symfonist. De viktigaste symfoniska verken skapades av Rimsky-Korsakov på 60- och 80-talen. Första symfonin är kronologiskt det tidigaste exemplet på den ryska nationella symfonin. En scenroll i bildandet av kompositörens symfoniska stil spelades av en musikalisk bild Sadko (avsnitt från det episka ) och symfonisk svit Antar (2: a symfoni, baserad på den orientaliska historien med samma namn av Osip Ivanovich Senkovsky). Uppropet till världen av rysk folkfiktion och orientalisk saga avslöjade de mest karakteristiska aspekterna av Rimskij -Korsakovs konstnärliga individualitet - hans musikaliska och bildliga gåva. Den fria kompositionen av båda verken, med en avslappnad förändring av avsnitt, på grund av intrigen, återspeglar de estetiska attityderna Ny rysk skola ... En konstruktivt samlande faktor i Sadko fungerar som inramningsteknik, favorit av Balakirev (temat för havet), i Antara - genom alla delar av symfonin i huvudpersonens ledmotiv, liknande principerna för Berlioz programmatiska symfoni. Utvecklingen av symfonisk kreativitet på 80 -talet. manifesterade sig främst i avvisandet av detaljerade komplott program, i strävan efter en generaliserad överföring av innehåll och (som ett resultat) för en mer solid tillit till de klassiska formningsmetoderna, för kompositionens rundhet och harmoni. Nya trender avslöjas delvis redan i Saga ... Pushkin -texten från prologen till Ruslan och Lyudmila används inte som ett program, utan som en poetisk epigraf som möjliggör fri tolkning av en serie fantastiska bilder. Ett betydande arbete under dessa år var Concerto for Piano and Orchestra, vars nationella tematisering (rekryteringssång) unikt kombineras med principerna från Liszt (dikttolkning av en del, mer exakt monocyklisk form; monotematisk transformation av material; tekniker för pianopresentation). Leken om teman i kyrkans liv löses på ett märkligt sätt Helig helg (Söndagsöverturen ), där kompositören sökte (med egna ord) att förmedla den legendariska och hedniska sidan av semestern ... Därav genren av huvuddelen (Allegro) i ouverturen med klockljud, tolkade som dansa kyrkomusik .
Genren och programlinjerna för Rimsky -Korsakovs symfoni kompletteras av två mästerverk - Spanska capriccio och Scheherazade ... I Capriccio levande, temperamentsfulla skisser av det spanska folklivet, som fortsätter traditionerna i Glinkas spanska ouverturer, kombineras med själva den ursprungliga musikaliska idén; detta verk är en slags lysande konsert för orkester (klangfärg och virtuostekniska förmågor för varje instrument avslöjas i många solon och improvisationella cadenzor). Partituren i den symfoniska sviten präglas också av konsertinslag. Scheherazade ... Till skillnad från Antara , bilderna av den fantastiska östern i den är inte associerade med en specifik tomt. Detta besvaras också av den generaliserade tolkningen av de viktigaste ledmotiven, som inte är tilldelade vissa bilder och är föremål för gratis nytänkande (till exempel blir Shahriars tema temat för havet i den första delen av sviten). Tematisk enhet, den genomgående symfoniska utvecklingen, finalens syntetiserande roll ger sviten en exceptionell integritet och liknar en symfoni. Plastisk skönhet och lättnad av teman, rytmisk rikedom, lysande orkestrering och perfektion av formmärke Scheherazade ett av de enastående verken av rysk musik tillägnad öst. Rimskij-Korsakovs symfoniska verk kompletteras och berikas av orkesterfragmenten från hans operor. Efter Glinkas traditioner följde Rimsky-Korsakov, från början av sin kreativa verksamhet, vägen för att symfonisera operagenren. Orkestern i Rimskij-Korsakovs operor är inte begränsad till den blygsamma roll som ackompanjemang av sångpartier spelar. Det är en aktiv och i många fall den dominerande deltagaren i handlingen. I Rimskij-Korsakovs operor kan man hitta många orkester- och orkester-sångavsnitt där kompositörens tanke utvecklas med en verkligt symfonisk bredd. Några av dem ingick i sviterna komponerade av Rimsky-Korsakov från Snö mö , Mlady , Nätterna före jul , Sagor om tsaren Saltan , Pan voivode ... Intill dem: Musik till Mays drama Pskov kvinna (baserat på den andra, opublicerade upplagan av operan), Natt på Mount Triglave (konsertarrangemang för orkester i tredje akten Mlady ) och symfonisk transkription av processionen från Gyllene cockerel ... De få bilderna av dramatisk symfonism i Rimskij-Korsakovs verk är också förknippade med operamusik: ouverturer till operor Pskov kvinna , Vera Sheloga , Tsarens brud , episk-dramatisk paus Slakt vid Kerzhenets från tredje akten Legender om den osynliga staden Kitezh och jungfrun Fevronia .
Programmerade symfoniska kompositioner "Sadko" På tal om den musikaliska bilden kan man inte annat än komma ihåg operaeposet "Sadko". Rimsky-Korsakov introducerade huvudteman i ett ungdomligt symfoniskt verk för opera-eposet som de viktigaste ledmotiven. Tack vare detta kan vi tydligare föreställa oss innebörden, innebörden av varje tema i den "första" "Sadko". Tack vare detta är det lättare att spåra hur den episka handlingen avslöjas i förändringen och utvecklingen av musikaliska bilder. Det majestätiska ljudlandskapet öppnar upp musikscenen. Vågorna i Ocean-Sea of blue stiger stadigt, långsamt. Men denna lugn är full av dold kraft. Det verkar som om en storm är på väg att stiga, och vattenelementet kommer att dyka upp i all sin formidabla kraft. Det är svårt att inte beundra den pittoreska och poesiska i denna musikaliska bild, som hittades av en ung kompositör som tog sina första kreativa steg. I sin verkligt lysande "musikaliska marina" följer Rimsky-Korsakov inte den misshandlade vägen. Den undviker direkt onomatopéi, imiterar inte vågbrus eller vågsur. Rimsky-Korsakov hittar en annan väg till lyssnarens fantasi. Intromusiken växer fram ur ett kort (endast tre ljud) motiv. Motivets hårda lakonism och rytmens strikta enkelhet skapar intrycket av återhållsam kraft. Berikar sig med nya och nya harmoniska och klangfärger, huvudmotivet tappar inte konturerna. Det är härifrån intryck av oändlighet, gränslöshet kommer från: havet är evigt i rörelse, evigt föränderligt, och samtidigt är det alltid detsamma. Sea King tar Sadko in i havets djup. Tempot förändras dramatiskt. Ett kort motiv tar fart snabbt och vänder från ett instrument till ett annat. Sadko sjunker till botten av havet. Rimsky-Korsakov hittar här en enkel och samtidigt sällsynt bildmusikalisk bild. Detta är en ackordkedja; deras övre röster rör sig i en ovanlig skala, där intervallen mellan ton och halvton växlar. Denna musik lämnar ett nästan visuellt tydligt intryck av ett snabbt fall. En efter en annan ersätts havsrikets underverk. På begäran av King of the Sea börjar Sadko spela. Mot bakgrund av ojämn sprängning av gusli (harpa i orkestern) dyker en enkel, tydligt rytmisk dansmelodi upp. Det ersätts av ett annat, mycket melodiöst tema - det här är en majestätisk sång som Sadko sjunger till havets kung. Det är lätt att känna av det, som Rimsky-Korsakov själv påpekade, "en viss mängd rysk förmåga". Sadkos gusli låter nu annorlunda - med uppmätta, högtidliga och klangfulla ackord. Snabbare och snabbare dans (denna del av Rimsky-Korsakovs symfoniska dikt bygger på utvecklingen av två melodier). Ett skarpt slag från hela orkestern - Sadko bröt strängen på harpan ... Och återigen en bild av ett lugnt hav. Detta är musikstycket "Sadko", som är ganska förenligt med författarens program. Med anmärkningsvärd skicklighet ritar Korsakov vattenelementet, havet i olika tillstånd: nu tyst och bara något lugnt svajande, nu skuggat av några mystiska olycksbådande krusningar, nu illavarslande och våldsamt rasande. För att förmedla allt detta hittar kompositören nya och originella musikaliska och bildliga medel. Detta är i synnerhet skalan, som består av en enhetlig omväxling av solbränna och halvtoner, med hjälp av vilken Sadkos nedsänkning i djupet förmedlas. Denna skala, kallad "Rimsky-Korsakov-skalan", fungerar som grunden för ett av de karakteristiska sätten som Rimsky-Korsakov använde i sitt framtida arbete för att beskriva världen av magisk, mystisk fantasi. Sadko är inte Rimskij-Korsakovs första verk. "Sadko" föregicks av en symfoni och "Serbian Fantasy" för orkester. Men bara i Sadko framstår Rimsky-Korsakov som en kompositör med en bestämd och extremt distinkt symfonisk stil, som en konstnär med en klart medveten riktning för kreativt tänkande. Det var i "Sadko" som de viktigaste tendenser skisserades med fullständig klarhet, vilket i framtiden lätt kan spåras i Rimskij-Korsakovs arbete. Det här är först och främst de funktioner som redan har nämnts: den programmatiska naturen, musikaliska talas nationalitet och handlingar, mestadels hämtade från poesi. Rimskij-Korsakovs musik inkluderade också bilder av naturen. I "Sadko" är det vattenelementet som fängslade Rimsky-Korsakov i hans tidiga ungdom, under åren av hans resa runt om i världen. Senare introducerade Rimsky-Korsakov andra fenomen och krafter av rysk natur i sitt arbete. Berättelserna om fantastiska händelser smälter ofta ihop i Rimsky-Korsakov med ljudbilden. Samtidigt introducerar lyssnaren de allra första ljuden av Rimsky-Korsakovs pjäs till den mystiska och magiskt förtrollande världen av folkfantasi. "Sadko" är ett nationellt verk både i design och i dess utföringsform. I Sadko framträder Rimskij-Korsakov som en progressiv rysk konstnär som förhärligar den ryska personens ädla drag i hans verk. "Antar" "Antar" med sina huvudsakliga tendenser, med dess huvudsakliga stilistiska drag, ansluter sig till Glinkas traditioner. Och i "Antara" - samma "Ruslans" episka drama, samma lugna, berättande bildutveckling av handlingen, som i "Sadko". I "Antara" finns det en orientalisk musiksmak (en funktion som är en del av rysk musikalisk konst). Sviten består av fyra delar. Den andra, tredje och fjärde delen har titeln: "Hämndens sötma", "Kraftens sötma", "Kärlekens sötma". I Antar-sviten visade sig Rimsky-Korsakov vara en mogen och original mästare i orkestern. I vissa avsnitt nöjer Rimsky-Korsakov sig med en mycket liten line-up, som i överflöd använder instrumentella solon. Orkestern tolkas som en kammarensemble som fängslar lyssnaren med rikedom av vattenfärgsmjuka, transparenta ljud. Bland Rimskij-Korsakovs symfoniska verk intar Antar en framstående plats som ett verk med enastående konstnärlig förtjänst. Detta är ett av de första experimenten av dess författare inom programmusik och en direkt föregångare till den lysande "Scheherazade". "Scheherazade" Scheherazade -programmet har aldrig nått oss i alla detaljer, men det allmänna konceptet för sviten och många av dess detaljer är nu välkända. Rimsky-Korsakov skrev att Scheherazade baserades på "separata, inte förbundna med varandra", avsnitt och bilder från "Tusen och en natt". De målningar som Rimskij-Korsakov valde är verkligen inte förenade med en gemensam intrig, det här är inte en historia om någon av hjältarna i Tusen och en natt. De fyra delarna av sviten är anslutna inte bara av programmet, utan också av flera musikaliska tankar och allmänna teman. Detta är en saga inom musik. Och även om den "berättades" av en rysk kompositör, bär dess musik en uttalad orientalisk karaktär. Varje del har en undertitel och presenterar en sammanhängande berättelse om sjöfolkens fantastiska äventyr och andra underbara händelser till sjöss och på land. Alla fyra delarna är inte kopplade till en sammanhängande historia. Detta är ett komplett avsnitt, som var och en är en vacker och magisk bild av öst. Två huvudbilder - Shahriar och Scheherazade - dyker upp i början av sviten (i prologen) och visas sedan i dess andra delar. Rimsky-Korsakov beskriver inte alla Sinbads äventyr i Scheherazade. Han begränsar sig till bilden av havet som sjömannen Sinbads skepp seglar på. Den första delen av sviten är tillägnad denna målning. Det säregna med strukturen i den första satsen är frånvaron av den vanliga mittdelen i sonatform - utveckling. Reprisen separeras endast från exponeringen genom en liten övergång. Men det andra sidotemat (tillsammans med den sista delen) och huvudtemat i reprisen utför i huvudsak utvecklingsfunktionerna. Det första sidpartiet dyker upp - stormen avtar. Reprisen upprepar exponeringen utan väsentliga förändringar. Ett andra sidotema dyker upp: stormen stiger igen. Slutsatsen bygger på temat hav. Det låter ännu mer skonsamt och ömt än i början av Allegro (detta intryck uppnås genom en betonad transparent presentation). Den första delen slutar med fartygets sista framträdande. Den andra delen av sviten är historien om tsarevichskalendrarna om hans underbara äventyr. Den är skriven i en utvecklad tredelad form med en variationskonstruktion av de extrema, "inramande" delarna. Musikbilder i "The Calendar's Tale" är rikliga, färgglada och kontrasterande. Man får intrycket att före lyssnaren, den ena efter den andra, blommar orientaliska mattor ut, på vilka många magiska och sagolika scener skildras. Den tredje satsen, liksom den första, är skriven i sonatesymfonisk form utan utarbetande. Två musikaliska tankar utvecklas hos henne; de är inte kontrasterande, utan snarare nära i allmän ton och melodiskt mönster. Detta är temat för Tsarevich och prinsessans tema. Båda har en orientalisk smak. Reprisen upprepar båda teman i nya färger. Scheherazade -temat visas två gånger här. Författaren till sviten påminner oss än en gång om att det är hon som leder den magiska historien. Finalen är den mest komplexa både i struktur ("finalen är byggd på principen om en rondosonat"), och när det gäller överflöd av bilder, en del av sviten. En kort introduktion öppnas med prologens första tema. Hon introducerar oss för atmosfären av festligt kul. Två gånger avbryts denna musik av melodin från Scheherazade. Sedan ersätts hennes bild av en musikalisk bild av semestern i Bagdad. En karakteristisk egenskap hos detta stora avsnitt är en skarp rytm (denna typ av rytm är inte sällsynt i orientaliska danslåtar), som inte förändras i nästan hela festivalens scen. Denna rytm ger karaktären av oåterkallelig impetuositet till ett lakoniskt, hetsande motiv (huvuddelen av den första delen av finalen), som öppnar en bild av en festlig fest. Teman från svitens andra och tredje sats sveper i samma rytm i ett virvlande tempo. Först den alarmerande fanfaren som lät i stridscenen. Sedan - ekon av kalendertemat, nyckfullt ändra storlek. Och slutligen visas (som huvudsidans del) prinsessans fängslande graciösa melodi från svitens tredje sats. I utvecklingen har, förutom utställningens tematiska material, ytterligare två teman introducerats: det kraftigt modifierade "Shahriar -temat" och det krigiska utropet från stridscenen i kalenderns berättelse. I reprisen, särskilt i avslutningen, blossar glädje upp, högljudet från firandet sätter in, du hör massornas oupphörliga mullrande, högljudda utrop, dansens skratt ... Plötsligt, vid klimaxens ögonblick, finns det ett byte av bilder. Och återigen ljudbilden av en havsstorm redan bekant från första delen. Men här är hon ännu mer formidabel. Ett mäktigt ackord av orkestern med ett rungande slag av tam -tam - skeppet kraschade mot berget. Stormen avtar, bara en lätt krusning upphetsar de gränslösa vattenytorna. Fartygets tema visas för sista gången. Detta är ett minne av modiga resenärer begravda i havets djup. Historien är över. Bara en kort epilog återstår som ekar prologen. Prologteman är omvända här. Rimskij-Korsakovs svit avslutas med ekon av Scheherazades melodi-en musikalisk berättelse om sagaunder som skapats av den poetiska fantasin hos östens folk. Trots att det inte finns en enda riktigt orientalisk melodi i Scheherazades musik, uppfattas den just som en orientalisk berättelse. Melodiska vändningar, rytmer, orkesterfärger, den karakteristiska användningen av slagverksinstrument - allt talar om kompositörens djupa penetration i essensen av det musikaliska språket för östens folk. Flera oberoende, fullständiga i form och innehåll, starkt kontrasterande delar förenas här med ett gemensamt program och ett gemensamt musikaliskt koncept. En sådan samlande kärna är den musikaliska bilden av Scheherazade. Denna bild förkroppsligade legenden, född ur folkfantasi, om ursprunget till de arabiska sagorna "Tusen och en natt". Symfoniska verk som inte har ett program publicerat av författaren Dessa inkluderar: Första symfoni, Fantasia om serbiska teman, Ouverture om tre ryska sånger, tredje symfoni, Symphonietta om ryska teman, Capriccio om spanska teman, Dubinushka - verk av genresymfonism. Det kännetecknas av en generaliserad programmatisk karaktär, utan plott som avslöjas i detalj i musiken. Första symfonin Den första symfonin, det första stora verket av Rimsky-Korsakov, skapades under direkt övervakning av Balakirev. Kompositionen av symfonin tog lång tid, eftersom arbetet med den avbröts av en lång (två och ett halvt år) resa av Rimsky-Korsakov på ett av fartygen i den ryska flottan. I det dynamiska huvudtemat kan du höra ekon från den ryska låten "Down the Mother, along the Volga". Det finns utan tvekan en hel del Korsakov i sidospelet. Detta är en varm, lyrisk melodi, som liknar lyriska ryska sånger. Andante är baserad på en av versionerna av låten "About Tatar Full". I början av Andante låter folkmusiken med hård enkelhet. Rimsky-Korsakov utvecklar denna melodi och avslöjar hela djupet av den poetiska bilden som skapats av folket, och Andante uppfattas som en lakonisk, episkt återhållsam historia om människors sorg. Scherzo är graciös och dynamisk. I början av huvudtemat är energiska utrop som bryter ut i ljus, drivande rörelse effektiva. Finalens huvudtema är attraktivt för sin beslutsamhet, en tydlig ritning av en svepande melodi. Det finns intressanta stunder i utvecklingen av detta (dominerande i det sista) temat. Andra bilder kontrasterar dock inte tillräckligt med det, och därför lämnar finalen intrycket av viss monotoni. Tredje symfonin Den tredje symfonin är utan tvekan ett mer moget verk än den första symfonin, men samtidigt mindre känslosamt. Ingen av delarna i den tredje symfonin stiger till känslans fullhet, som erövrar den andra delen av den första symfonin - Andante på temat för låten "About the Tatar is full". Huvudtemat för Allegro (som växte fram ur introduktionens tema) - en rörlig melodi av en festlig karaktär - är inte särskilt typisk för Rimsky -Korsakov. Men originaliteten i det andra temat kan inte förnekas. Detta är en lätt, mild, feminin melodi, mycket subtilt harmoniserad. Musikbilder av detta slag finns både i operor och i Rimskij-Korsakovs romanser. Båda teman är rikt utvecklade i Allegro, som slutar med en ovanlig, pastoral-drömmande koda. De idylliska texterna i detta lilla avsnitt kontrasterar väl med energin från Allegro och med den graciösa snabbheten i nästa sats i symfonin - en färgglad scherzo. Andante -temat låter som ett herdepipa. Den pastorala smaken av detta tema avgör karaktären hos hela Andante, som uppfattas som en bild av sommarens natur med en scen av en storm i det centrala avsnittet. Andante går vidare till finalen utan avbrott. I slutet av Andante dyker fanfare upp, först knappt hörbart, sedan mer och mer klangfullt. Från dem växer huvudmotivet för huvuddelen av finalen (Allegro con spirito). Det andra motivet för huvuddelen är en livlig rysk stil, en dansande melodi. Denna melodi, som väntar på dansteman i The Snow Maiden, är den ljusaste och enda egenskapen hos Rimsky-Korsakov, av de musikaliska bilderna från finalen. Sidospelet är inte särskilt uttrycksfullt. Finalen är den minst framgångsrika delen av symfonin. Det var i finalen som den ensidiga fascinationen av teknik tydligt "torkade upp författarens omedelbara fantasi". Många kontrapunktala episoder uppfyller för det mesta inte sin uppgift tillräckligt - berikandet av musikbilder. Och bara i den magnifika kodningen, som är full av episk kraft, är kombinationen av de inledande intonationerna i huvuddelen av den första satsen med motiven för huvuddelen av finalen mycket lyckad. Liksom den första symfonin är den tredje symfonin ett ojämnt stycke. Men den första symfonin lockar med färskhet, spontanitet i kreativt tänkande, och bara författarens omogenhet berövade honom möjligheten att fullt ut utveckla de viktigaste musikaliska bilderna. I den tredje symfonin, med en mycket större kreativ mognad, finns det mindre omedelbarhet, mindre stilistisk integritet. Ändå har båda symfonierna, med alla sina viktiga brister, en "rätt till liv". Och det är verkligen orättvist att bara ett fåtal musiker har känt dem i decennier. Under de senaste åren har ett brett spektrum av musikälskare kunnat bekanta sig med Rimsky-Korsakovs symfonier. Capriccio om spanska teman "Spanska Capriccio" är ett virtuos orkesterstycke där orkesterinstrumentets uttrycksfulla egenskaper och virtuosa möjligheter avslöjas med yttersta perfektion. Det är också en poetisk musikalisk berättelse om sydliga naturens ljusa färger, om det spanska folkliga livsstilen. Inslaget i den glada folkdansen, full av liv och eld, råder i "Spanish Capriccio", som är en svit med fem delar, framförd utan avbrott. För alla fem delarna valde Rimsky-Korsakov enkla dansmelodier. De får inte för det mesta en bred symfonisk utveckling, men de berikas med en outtömlig mängd orkesterfärger. Rimskij -Korsakovs kärlek till tydliga rytm- och slagverksinstrument visades här på ett extremt lämpligt sätt - i spansk folkmusik är slagverkets roll inte mindre signifikant än i musiken från östliga folk. Capriccios första sats är Alborada (spansk folkdans). Den häftiga dansmelodin låter mot bakgrunden av en extremt enkel, nästan utan att ändra det repetitiva ackompanjemanget. En skara ungdomar dyker upp - glada utrop, dansen ... I den brinnande Alborad använder Rimsky-Korsakov villigt kraften och briljansen i hela orkesterns "array". Endast i slutet av verket låter det huvudsakliga dansmotivet i tränings- och stränginstrumentets kallelse; det verkar som att ljudet från den dansande publiken kommer någonstans i fjärran. I den andra delen - Variationer - finns det mer färgstarka kontraster, dynamiska kontraster. Variationernas allmänna karaktär bestäms av huvudtemat - en enkel grubblande melodi. Redan från de första ljuden kan man känna dess affinitet med de älskade orientaliska melodierna Rimsky-Korsakov. Fritt varierat, färgat i olika timbres, förlorar detta tema inte sin lugna, något idylliska karaktär. Den pastorala smaken känns särskilt tydligt i "dialogen" mellan det engelska hornet och franska hornet; det verkar som om två herdeflöjter ekar. Capriccios fjärde sats är extremt märklig. Dess programmatiska innehåll betonas av författaren i titeln: "Gitarrens scen och sång." Denna del är baserad på två dansteman. En är graciös, graciös och samtidigt passionerad. Lyssnaren föreställer sig en folkdansare som dansar till ljudet av en tamburin, gitarr och mandolin. Ett annat tema är också dans, men av en helt annan karaktär - impetuous, impetuous (författarens anmärkning: feroce - våldsamt). Man kan tänka sig att den graciösa uppmätta dansen ersattes av en spontan vild dans. Det fjärde rörelsens särdrag är kadenserna som öppnar det (små virtuosa avsnitt av improvisationskaraktär). De kan uppfattas som ett slags förspel till en dansersångers uppträdande. Samtidigt är det en lysande demonstration av orkesterinstrumentens uttrycksfulla och virtuösa förmågor och artisternas skicklighet. Nästan alla cadenzas är baserade på intonationerna i huvudgitartemat. Den första kadensen är en grupp mässingsinstrument; den följs av fiolsolons kadens. Den andra kadensen separeras från den tredje genom utseendet på gitarrens huvudtema i det transparenta ljudet av flöjt, klarinett och fioler (med ackompanjemang av trummor). Den tredje cadenza är för soloflöjten, den fjärde för klarinetten (med oboens medverkan), den femte och sista för harpan. Slaginstrument deltar i alla kadenser och skapar en mjuk "prasslande" ljudbakgrund. Den sista, femte satsen i spanska Capriccio - Fandango (folkdans) - inleds med ett högtidligt utrop, följt av graciösa dansmelodier. Den tredje av de viktigaste musikaliska bilderna av Fandango är en lätt och flödande melodi, ett slags vals. Rimsky-Korsakov introducerar för Fandango de musikaliska bilderna från de föregående delarna. Båda gitarrteman visas. Koden är byggd på ett något modifierat Alborada -tema. Fandango uppfattas som en jublande bild av en folkfest, målad med rika färger och breda linjer. Overturer, symfoniska sviter från operor och transkriberingar av operascener för symfoniorkester Ouverture till operan "May Night" Ouverturen till "May Night" ger inte en kort sammanfattning av händelserna som utvecklas i operan - Rimsky -Korsakov alternerar, sammanställer och utvecklar musikens bilder av operan väldigt fritt. Men med "May Night" förenas ouverturen av gemensamma teman och musikens glada, lätta ton. Ouverturen börjar med en eftertänksam, melankolisk melodi tagen från början av operans tredje akt: Levko befann sig på natten vid dammen och stannade, slagen av dess skönhet. Drömmande grubblande musik ger plats för störande musik. Denna mörkt mystiska musikaliska bild gick in i ouverturen från scenen vid sjön: en drunknad dam-dam kommer att dyka upp framför Levko. Därefter kommer en jämn melodisk melodi in, där intonationerna i ukrainsk folkmusik tydligt hörs. Detta är låten som Levko sjunger och minns sin älskade: "Sov, min skönhet, sov sött." Ekon av refrängen i Levkos sång (imitation av melodin på bandura) leder till en ny, glädjande upphetsad melodi, detta är temat för Hanna. Ackompanjemanget (snabb, enhetlig rörelse på sextonde) växer i överturen till innebörden av en oberoende konstnärlig bild och skapar en glatt upphetsad stämning. Den snabba rörelsen avtar, och efter de lugna flödande ackorden träder ett nytt tema in - den lätta, melodiska melodin från den sista duetten Hanna och Levko. Nya bilder sprängs in: ett skarpt, vinkelmotiv och en "tungvridare" av sextonde mot bakgrunden av en "arg" kromatisk skala i den nedre rösten. Detta är svägerska, som starkt slog till mot sin rumskamrat-huvudet, som är redo att dra efter alla vackra tjejer i byn. Den grublande melodin som öppnar ouverturen återkommer, följt av den välbekanta melodin av Hannah; sedan återvänder duett -temat, denna gång i hela orkesterns kraftfulla ljud. Återigen påminner den arg-komiska musikaliska bilden av svägerska om sig själv, den berusade Kaleniks glada motiv blinkar och körens glada tema, "Ära till den röda solen", som avslutar operan, går in. Ouverturen avslutas med en kort, snabb och högtidlig avslutning. Överflödet av musikbilder som ingår i ouverturen ger inte ett intryck av mångfald på grund av den vanliga harmonin i strukturen för Rimsky-Korsakov, där det är lätt att hitta element i den klassiska sonatformen. De tre första teman kan ses som en introduktion, Hannas tema som huvuddelen av sonaten Allegro, duetttemat som en sidodel, det centrala avsnittet (efter duettemnet) som en utveckling, duettens återkomst som en kort sammanfattning (med huvuddelen utelämnad); utseendet på temat för refrängen "Ära till den röda solen" börjar koden. Symfonisk svit från operan "Snow Maiden" Den ganska komplexa handlingen av The Snow Maiden avslöjas inte i sviten komponerad av Rimsky-Korsakov; sviten innehöll inte ett enda avsnitt i samband med bilden av Snow Maiden själv. Av de fyra delarna av sviten är de två första fantastiska, de två följer från Berendei -livet. Den första delen av sviten är Introduction to the Prologue of the Opera. Detta är en bild av det gradvisa väckandet av naturen. Varma, ljusa motiv från våren låter mot bakgrunden av fågelkvitter. Fågelkvittrande motiv växte fram från vårmotivet. Lätt idyllisk smak upprätthålls i den andra delen av sviten - "Fågelns dans". Och här - rop och fågelkvitter, mot vilka två livfulla graciösa melodier låter. Den första av dem är en äkta folkvisa "Örnen är landshövding, vaktel är kontorist." Det andra temat är en modifierad melodi av folkvisan "Ringing Bell" (i operan - med texten "Birds Gathered"). I båda fragmenten - särskilt i "Dans" - smälter "naturens röster" och ryska folksångsintonationer verkligen samman. Svitens tredje sats är en miniatyrsymfonisk bild "Procession of Tsar Berendey". Temat "Procession", enligt Rimsky -Korsakov, "i den första delen av dess bisarra, lekfullt hotfulla, och i den andra - skakande, senil." Detta tema, liksom hela den musikaliska bild som växte fram ur det, drar enligt kompositören "tsarens allmänna utseende". Svitens fjärde och sista del är "The Buffoons Dance". Berendeys högtid, samlad i den reserverade skogen. Sånger, runda danser. På order av tsaren börjar buffonerna dansa och springer ut till ljuden av ett energiskt, "vågat" motiv. Ur detta motiv växer det första temat "Buffansens dans" - en skarpt rytmisk, glad melodi. Danskaraktären i den andra, mjukare melodin betonas av "stampande" ackompanjemang av kontrabasar, cellor och fagottar. Båda teman, starkt nationella i sitt intonationella ursprung, utvecklas i en variant som är typisk för rysk folkmusik, med skarpa dynamiska kontraster, med plötsliga förändringar i orkesterfärger. Svit från operan "Natten före jul" De fantastiska scenerna i operan "Natten före jul" gjorde det verkligen möjligt för Rimsky -Korsakov att skapa mycket "intressant" - poetisk musik. Fantastiska scener ligger till grund för sviten från The Night Before Christmas. Redan den första delen av sviten - Introduktionen till operan - berättar helt klart för lyssnaren att fantastiska händelser kommer att utspelas inför honom. Detta är ett magiskt ljudlandskap som enligt Rimsky-Korsakov skildrar "en sen frostig kväll i Dikanka på julafton." Introduktionens musik skildrar faktiskt både vinterkylan och vinterlandskapet ("kallt", med en fantastisk nyans, ljudet av celesta, klockor och harpa, kallets kall, violiner och klarinett) och blinkande stjärnor ( korta "prickar" på flöjten). Inledningen, utan avbrott i musikflödet, ersätts av magiska scener från tredje akten, som också fortsätter utan avbrott. Denna sammansmältning av alla delar av sviten gav författaren anledning att kalla det "rörliga musikaliska bilder". Bilden av stjärnhimlen, som öppnar kedjan av fantastiska scener, är nära i allmänhet humör och bildmedel till introduktionen. Det "magiskt kalla" motivet av celesta, klockor och harpa, bekant från inledningen, spelas också. Stjärnorna samlas i grupper på molnen. Spel och danser börjar. Lätt, "fladdrande" mazurka i flöjtens transparenta kammarljud, strängpizzikato och mjuka ihållande ackord av fagott och klarinett, högtidliga steg av en komet, en rund dans av stjärnor, czardash - det här är de magiska bilderna som passerar framför av lyssnaren ... Moln faller, stjärnorna gömmer sig bakom molnen. Ett skarpt, kort och snabbt motiv av onda andar hörs. Häxor flyger in på kvastar, trollkarlar i krukor, grytor och murbruk. De onda andarna samlades den sista natten före jul för att slåss mot de lätta andarna. Rimsky-Korsakov behåller den godmodiga humoristiska smaken av Gogols berättelse också i denna scen. Häxor och trollkarlar beväpnade sig med stekpannor, grepp och bönder för att "skrämma, skrämma" Kolyada och Ovsen, ljusa andar som skulle dyka upp vid julmorgon gryning. På avstånd visas Vakula ridande på djävulen. Den orena styrkan bestämmer sig för att hjälpa sin kamrat och hindra Vakula från att ta sig till S: t Petersburg. Häxor och trollkarlar gav sig iväg i jakten på smeden. Det finns också lite "demoniskt" i den uttrycksfulla, färgstarka bilden av jakten. Här kan du känna samma godmodiga sagohumor som färgar både Gogol-historien och Rimskij-Korsakovs opera. Den orena styrkan misslyckas med att blockera Vakulas väg, och han kommer säkert till S: t Petersburg. En högtidlig och spektakulär polonaise gick in i sviten från scenen i det kungliga palatset. Avslutande scen av sviten. Luftrummet igen. Den orena makten har försvunnit, bara kastruller, krukor, grepp och kvastar, som trollkarlar och häxor flög på, sveper förbi. En refräng hörs berömma Kolyada och Ovsen. Dagen bryter. Kolyada och havre försvinner. På djupet kan man se Dikanka, upplyst av solen. Klockor som ringer och kyrkosång hörs på avstånd. Slutsats Funktioner i den symfoniska kreativiteten hos Rimsky-Korsakov. De karakteristiska dragen hos Rimsky Korsakovs symfoniska kreativitet kan övervägas: programsymfoni, genresymfoni, vädjan till östens musik, havets bild i alla dess manifestationer, musikaliskt talas nationalitet och plott som mestadels hämtats från poesi, förhärligandet av den ryska personens ädla drag, tydlig rytm, utvecklingen av de ryska folksångsteman, färgstark och bildbar programmerbarhet av sagolik natur, harmoni i världsuppfattningen, känslig konstnärlighet, oklanderlig smak, känsla av konstnärlig proportion, klassisk klarhet musikaliskt tänkande. Rimsky-Korsakov är "en av de största mästarna i ryska musikklassiker under förra seklet." Källförteckning 1.Keldysh Y., History of Russian Music, Moscow-Leningrad, State Music Publishing House, 1947 (del 2) .Komissarskaya M.A., rysk musik från XIX -talet, Moskva, "Kunskap", 1974 .Rapatskaya L.A., Rysk musikhistoria från antika Ryssland till "Silveråldern", Moskva, Vlados, 2001 .Ratskaya Ts., N.A. Rimsky-Korsakov, Moskva, "Musik", 1958 .Rimsky-Korsakov N. A., "Chronicle of my musical life", Moskva, "Music", 1980 .Solovtsov A., symfoniska verk av Rimsky-Korsakov, Moskva, State Musical Publishing House, 1953 .Tretyakova L.S., Pages of Russian Music, Moskva, "Kunskap", 1979 .# "motivera"> 9. http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_music/6482/Roman
Rysk kompositör, lärare, musikalisk och offentlig figur, dirigent. Från 1859 till 1960 tog han lektioner av pianisten F.A.Kanille. En examen från St. Petersburg Marine Corps, deltog i resan på Almaz-klipparen (1862-65) och besökte ett antal länder i Europa, Nord- och Sydamerika. År 1861 blev han medlem i Balakirev -kretsen "The Mighty Handful", som hade ett avgörande inflytande på bildandet av kompositörens personlighet och estetiska åsikter. Under inflytande och ledning av MA Balakirev skapades den första symfonin (1865), "Serbian Fantasy" (1867), ett antal romanser etc. Rimskij-Korsakovs kreativa individualitet manifesterade sig främst i programmerade instrumentverk, bland annat: den symfoniska musikbilden "Sadko" (1867), den andra symfonin "Antar" (1868). Samma år vände han sig till operagenren, som senare blev den ledande i hans verk (1872 slutfördes operan "Kvinnan i Pskov", baserat på dramat av L. A. Mei). Sedan 70 -talet. gränserna för Rimskij -Korsakovs musikaktivitet utökades: han var professor vid St. konserterna (från 1874), och senare operaföreställningar, assisterande chef för Court Singing Capella (1883-94), ledde Belyajevskij -kretsen (från 1882) . I mitten av 70 -talet. arbetade för att förbättra sin komponerande teknik. På 80 -talet. ägnade stor uppmärksamhet åt symfoniska genrer. I början av 90 -talet. det fanns en viss nedgång i kreativ aktivitet (under denna period studerade han filosofi, skrev artiklar, reviderade och redigerade några av hans tidigare verk). Under andra halvan av 90 -talet. kreativiteten fick exceptionell intensitet: operorna Sadko (1896) och Tsarens brud (efter maj 1898) dök upp. Under revolutionen 1905-07 stödde Rimskij-Korsakov aktivt kraven från de strejkande studenterna, fördömde öppet åtgärderna för den reaktionära administrationen i St.
Rimskij-Korsakovs verk är djupt original och bygger samtidigt på klassiska traditioner. Harmonin i hans uppfattning av världen, tydligheten i musikaliskt tänkande, subtil konstnärlighet gör honom släkt med MI Glinka. I samband med de progressiva ideologiska och konstnärliga trenderna på 1860 -talet visade Rimsky -Korsakov stort intresse för folkkonst (sammanställde en samling "Hundra ryska folksånger", 1877: harmoniserade sånger samlade av T.I. Filippov, - "40 folkvisor". 1882). Passion för folklore, forntida slavisk mytologi, folkritualer återspeglades i operorna "May Night" (efter N. V. Gogol. 1879), "Snow Maiden" (efter A. N. Ostrovsky, 1881), "Mlada" (1890), "The Night Before" Jul "(efter NV Gogol, 1895). 15 operor av Rimsky-Korsakov visar en mängd olika genrer (episka, sagor, legender, historiska och vardagliga drama, lyrik och vardagskomedi), stilistiska, dramatiska, kompositionslösningar (verk som tenderar till den numrerade strukturen och kontinuerlig utveckling, operor med publikscener och kammare, med och utan utplacerade ensembler). Rimskij-Korsakovs talang avslöjades mest fullt ut i verk som är förknippade med fantastiska världen, med olika former av rysk folkkonst. Här avslöjas hans bild- och bildgåva, renheten i hans texter - uppriktig, men något kontemplativ, utan ökad känslomässig spänning. Uppmärksamhet på en persons inre värld, på den psykologiska uppenbarelsen av bilder manifesterades i kammaropera "Mozart och Salieri" (till texten av A. Pushkin, tillägnad A. Dargomyzhsky, 1897), i enaktoperan "Boyarynya Vera Sheloga" (prolog till "Pskovite", 1898) och särskilt i dramat om den historiska och vardagliga handlingen "Tsarens brud" (1898). Nya tendenser som är karakteristiska för den ryska konsten i början av 1900 -talet återspeglades i operaen "The Tale of Tsar Saltan" (efter Pushkin, 1900) med sina eftertryckligt teatraliska konventioner och inslag i stiliseringen av folkliga folkliga tryck, i "höstens saga "" Kashchei den odödliga "(1902), där sagans tema tolkas symboliskt och allegoriskt. Höga moraliska och filosofiska problem väcks i opera-legenden "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" (1904). Kompositörens sista opera - "fiktion i ansikten" "Den gyllene hanen" (efter Pushkin, 1907) - en skoningslös satir om den tsaristiska enväldet.
Rimskij-Korsakov ansåg att sång var grunden för operatisk uttrycksfullhet. En viktig dramatisk roll i hans operor spelas av orkestern, som ofta anförtros oberoende symfoniska bilder, pauser, till exempel "Tre mirakel" ("Sagan om tsaren Saltan"), "Slakten vid Kerzhenets" ("The Legenden om den osynliga staden Kitezh ... ") ... Rimsky -Korsakov betraktade opera främst som ett musikstycke, och lade stor vikt vid dess litterära grund - librettot. Kompositörens samarbete med librettisten V.I. Belsky var fruktbart.
Rimskij-Korsakovs symfoniska verk är inte så mångfacetterat i jämförelse med operan. Kompositörens figurativa konkretitet bestämde hans benägenhet till programmatisk och genresymfonism. Därav övervägande av sådana typer och former som ouverture (fantasy), symfonisk bild, svit. Toppmötet för Rimsky-Korsakov för orkester är "Spanish Capriccio" (1887) och "Scheherazade" (1888). Kammar-sångtexter intar en väsentlig plats i Rimskij-Korsakovs kreativa arv. Skrev 79 romanser, inklusive sångcykler "På våren", "Till poeten", "Vid havet".
Rimskij-Korsakovs arbete är starkt nationellt. Kompositören använder autentiska prover av musikalisk folklore och omvandlar organiskt sångintonationer till sina egna melodier. Hans bidrag till harmoni och instrumentering är betydande: han utvidgade och berikade deras koloristiska möjligheter, skapade sitt eget system av modalharmoniska medel, baserat på komplexa lägen (inklusive den karakteristiska skalan-Rimsky-Korsakov-skalan, orkestrering kombinerar färgrikhet, lysa med tydlighet, transparens.
Rimskij-Korsakovs ledande verksamhet, som främjade verk av ryska kompositörer, var av stor pedagogisk betydelse. En viktig roll spelades av hans redaktionella arbete, tack vare vilket många verk av rysk musik publicerades och framfördes ("The Stone Guest" av Dargomyzhsky, "Prince Igor", "Boris Godunov", "Khovanshchina"; Rimsky-Korsakov förberedde också och publicerade, tillsammans med Balakirev och A.K. Lyadov, operasånger av Glinka). Hans pedagogiska verksamhet var av exceptionell betydelse. Grundaren av kompositörskolan, Rimsky-Korsakov utbildade 200 kompositörer, dirigenter, musikforskare, inklusive A.K. Glazunov, A.K. Lyadov, A.S. Arensky, M.M. Ippolitov-Ivanov, I.F. Stravinsky, N. Ya. Myaskovsky, SS Prokofiev, MA Balanchivadze, Ya. Vitol, NV Lysenko, AA Spendiarov. Hans läroböcker om harmoni och orkestrering var en delvis generalisering av hans pedagogiska erfarenhet, och hans självbiografiska bok Chronicle of My Musical Life (1906) var ett värdefullt historiskt dokument. År 1944 öppnades husmuseet i staden Tikhvin, 1971 i Leningrad-Rimskij-Korsakovs museilägenhet.
Konsten i antika Rom, liksom den i antikens Grekland, utvecklades inom ramen för ett slavägande samhälle, därför menas dessa två huvudkomponenter när de talar om "forntida konst". Roms konst anses vara fullbordandet av det konstnärliga skapandet av det gamla samhället. Det är legitimt att hävda att även om de antika romerska mästarna fortsatte de grekiska traditionerna, är det antika Roms konst ändå ett självständigt fenomen, bestämt av historiska händelser och levnadsförhållanden och levnadsförhållanden och religiösa originalitet tro, egenskaperna hos romarnas karaktär och andra faktorer.
Romersk konst som ett speciellt konstnärligt fenomen började studeras först under 1900 -talet, i huvudsak först då insåg han hela dess originalitet och särart. Och än idag tror många framstående forskare i antiken att romersk konsthistoria ännu inte har skrivits, hela komplexiteten i dess problem har ännu inte avslöjats.
I de gamla romarnas verk, till skillnad från grekerna, rådde symbolik och allegori. Följaktligen gav plastbilderna av Hellenerna vika för de pittoreska bland romarna, där rymdens och formens illusoriska karaktär rådde - inte bara i fresker och mosaiker, utan också i reliefer. Statyer som Menade of Scopas eller Nike of Samothrace skapades inte längre, men romarna ägde oöverträffade skulpturala porträtt med extremt noggrann överföring av individuella drag i ansikte och karaktär, samt reliefer som tillförlitligt registrerade historiska händelser. Till skillnad från de grekiska mästarna, som såg verkligheten i dess plastiska enhet, var de romerska mästarna mer benägna att analysera, sönderdelning av helheten i delar och en detaljerad skildring av fenomenet. Grekaren såg världen som genom mytens poetiska dis som förenades och förenades tillsammans. För romaren började det försvinna och fenomenen uppfattades i mer distinkta former, vilket blev lättare att känna igen, även om detta också ledde till förlust av känslan av universums helhet.
I det antika Rom var skulpturen huvudsakligen begränsad till historisk relief och porträtt, men konst utvecklades med en illusorisk tolkning av volymer och former - fresker, mosaik och staffli, som var dåligt vanliga bland grekerna. Arkitekturen har uppnått oöverträffade framgångar både i konstruktion och konstruktion och i ensembler. Romarna hade också en ny förståelse för förhållandet mellan konstnärlig form och rymd. Extremt kompakt, koncentrisk i sin väsen, uteslutde inte formerna av det klassiska Parthenon, utan uttryckte tvärtom byggnadens öppenhet för de vidder som omgav Akropolis. I romersk arkitektur, vanligtvis slående med sitt ensemblomfång, gavs förtur till slutna former. Arkitekterna älskade pseudo-peripetra med en pelare, halvt nedsänkt i väggen. Om de gamla grekiska torgen alltid var öppna för rymden, som Agora i Aten eller andra hellenistiska städer, så var de romerska antingen inneslutna, liksom Augustus eller Nervas forum, med höga murar eller bosatta i låglandet.
Samma princip manifesterade sig i skulptur. Plastformerna för grekiska idrottare presenteras alltid öppet. Bilder, som en böne romare, som kastar fållen på sin mantel över huvudet, är till största delen inneslutna i sig själva, koncentrerade. Romerska mästare i skulpturala porträtt fokuserade på en persons personliga, individuella egenskaper.
Systemet med romerska arkitektoniska och plastiska bilder är djupt motsägelsefullt. Formernas kompakthet är bara uppenbar, konstgjord, orsakad tydligen av imitation av Hellenernas klassiska modeller. Romarnas inställning till form, volym, rymd är helt annorlunda än grekernas, baserat på principen att bryta igenom gränser och ramar, på den excentriska, inte koncentriska dynamiken i konstnärligt tänkande. I denna mening är romersk konst ett kvalitativt nytt skede i människans estetiska assimilering av verkligheten. De romerska konstnärernas dragning till klassiska grekiska former, som framkallar en känsla av de dubbla romerska monumenten, uppfattas nu som en manifestation av ett slags reaktion på de innovationer som har tillkännagivit sig själva. Romarna insåg att förlusten av integriteten i konstnärliga former ofta tvingade dem att skapa byggnader av enorm storlek, ibland grandiosa, för att åtminstone kompensera för motsättningarna eller begränsningarna i bilderna. Kanske var det i detta sammanhang som romerska tempel, forum och ofta skulpturella verk var mycket större än de antika grekiska.
En viktig faktor som påverkar karaktären hos den antika romerska konsten är det stora utrymmet inom dess verksamhetsfält. Dynamiken och ständiga expansionen av den antika romerska konstens territoriella ramar, inklusive i dess omfattning redan på 500 -talet f.Kr. Etruskiska, italienska, galliska, egyptiska och andra former, med en speciell betydelse av de grekiska, kan inte bara förklaras av egenskaperna hos den romerska konstnärliga potentialen. Detta är en process som är förknippad med utvecklingen av europeisk konst, där romaren började spela en särskild roll - tolken och vårdnadshavaren av den gamla tidens konstnärliga arv, samtidigt som han avslöjade sina egna romerska principer. I den romerska degeln smälte olika konstnärliga värderingar samman, så att som ett resultat dök upp en helt ny medeltida estetisk praxis, som dock inte utesluter antikens traditioner. Från Pyrenéernas stränder i Atlanten till Syriens östra gränser, från de brittiska öarna till den afrikanska kontinenten, levde stammar och folk i inflytande av konstnärliga system som dikterades av imperiets huvudstad. Den nära kontakten mellan romersk konst och lokal konst ledde till att originalmonument uppträdde. De skulpturella porträtten i Nordafrika förvånar i jämförelse med huvudstadens uttrycksfullhet av former, vissa brittiska - med en speciell kyla, nästan stelhet, Palmyra - den invecklade ornamentiken av dekorativa prydnader av kläder, huvudbonader och smycken som är karakteristiska för orientalisk konst. Och ändå bör det noteras att i mitten av 1: a millenniet e.Kr., i slutet av antiken, gjorde tendenser till konvergens mellan olika estetiska principer, som i hög grad bestämde den kulturella utvecklingen under tidig medeltid, sig gällande i Medelhavet .
Slutet på romersk konst kan formellt och villkorligt bestämmas av imperiets fall. Frågan om tiden för uppkomsten av romersk konst är mycket kontroversiell. Utbredning på Apenninhalvön i det första årtusendet f.Kr. Etruskernas och grekernas mycket konstnärliga verk bidrog till det faktum att den romerska konsten, som just börjat bildas, visade sig vara osynlig. När allt kommer omkring, under en lång tid, från åttonde till sjätte århundradet. F.Kr., Rom var en liten bosättning bland många andra italienska, etruskiska och grekiska städer och städer. Men även från detta avlägsna förflutna, där den romerska konstens ursprung går, bevaras fibulae med latinska namn, cystor och sådana monumentala bronsstatyer som den kapitoliska hon-vargen. Därför är det knappast legitimt att börja historien om det antika Rom, som man ibland gör, från 1: a århundradet f.Kr. BC, utan att ta hänsyn till det, även om det är litet i mängd, men mycket viktigt material, som man med tiden måste tro kommer att öka.
Periodiseringen av romersk konst är ett av de svåraste problemen i dess historia. I motsats till den accepterade och utbredda periodiseringen av den antika grekiska konsten, som indikerar åren av arkaernas, storhetstiden - klassikerna och krisens århundraden - av hellenismen, förknippade historiker av antik romersk konst som regel dess utveckling med de kejserliga dynastiernas förändringar.
Ändringen av dynastierna eller kejsaren innebar dock inte alltid en förändring av den konstnärliga stilen. Därför är det viktigt att i utvecklingen av romersk konst fastställa gränserna för dess bildning, välstånd och kris, med beaktande av förändringen i konstnärliga och stilistiska former i samband med socioekonomiska, historiska, religiösa, kultiska, vardagliga faktorer.
Om vi beskriver de viktigaste stadierna i den antika romerska konsthistorien kan de i allmänna termer presenteras enligt följande. De äldsta (VII - V -århundradena f.Kr.) och republikanska epokerna (V -talet f.Kr. - I -talet f.Kr.) - perioden för bildandet av romersk konst. Inom dessa breda tidsgränser var principerna för romersk kreativitet långsamt, ofta i motsats till etruskiska, italienska, grekiska influenser. På grund av bristen på materialmaterial, den mycket svaga belysningen av denna långa period i gamla källor, är det omöjligt att särskilja detta stadium mer i detalj. Under VIII - V århundraden. FÖRE KRISTUS. Romersk konst kunde ännu inte konkurrera inte bara med etruskernas och grekernas utvecklade konstnärliga kreativitet, utan uppenbarligen med italienarnas konstnärliga verksamhet, som tydligt förklarades om sig själv.
Glansperioden för romersk konst faller på 1–2-talet. AD Inom ramen för detta skede gör monumentens stilistiska drag det möjligt att särskilja: den tidiga perioden - Augustus tid, den första perioden - den julianska härskningens år - Claudianerna och Flavianerna, den andra - tiden för Trajanus, den sena perioden - tiden för den sena Hadrian och de sista Antonionerna. Septimius Severus tider, liksom tidigare Pompejus och Caesar, bör uppenbarligen betraktas som övergångsperioder. Från slutet av Septimius Severus regeringstid börjar krisen för romersk konst.
All konstnärlig kreativitet i Europa från medeltiden till i dag bär spår av den starka inflytandet från romersk konst. Uppmärksamheten på honom har alltid varit väldigt nära. I Roms idéer och monument fann många generationer något som överensstämde med deras känslor och uppgifter, även om den romerska konstens särart, dess originalitet förblev oklar och verkade bara som ett sent grekiskt uttryck för antiken. Historiker från renässansen till nittonhundratalet noterade i det olika, men alltid nära deras modernitet. I överklagandet av de italienska humanisterna från 15-1600 -talet. till antika Rom kan man se socio-politiska (Cola di Rienzo), pedagogiska och moralistiska (Petrarch), historiska och konstnärliga (Kiriyak Ancona) tendenser. Den antika romerska konsten hade dock den starkaste effekten på Italiens arkitekter, målare och skulptörer, som på sitt sätt uppfattade och tolkade Roms rikaste konstnärliga arv. På XVII -talet. forskare från andra europeiska länder blev intresserade av antik romersk konst. Det var en tid med intensiv samling av konstnärligt material, den "antika" perioden, som ersatte det humanistiska, renässansen.
1700 -talets revolution i Frankrike väckte franska forskares och konstnärers uppmärksamhet på romersk konst. Samtidigt uppstod en vetenskaplig och estetisk inställning till det gamla arvet. I. Winkelman var, till skillnad från figurerna i den "antika" perioden, representant för sin tids utbildningsfilosofi, skaparen av antik konsthistoria. Det var sant att han också betraktade romersk konst som en fortsättning på grekisk konst. I slutet av 1700 - början av 1800 -talet. det var inte privatpersoner som började ägna sig åt forntida romersk konst, utan de statliga institutionerna i Europa. Arkeologiska utgrävningar finansierades, stora museer och vetenskapliga samhällen grundades, de första vetenskapliga verken om antika romerska konstverk skapades.
Försök till en filosofisk förståelse av essensen och särdragen i den antika romerska konsten gjordes i slutet av 1800 -talet. F. Wikhoff och A. Rigl.
En värdefull teoretisk studie var också boken av O. Brendel "Introduction to the study of the art of Ancient Rome", som tar hänsyn till olika synpunkter på antik romersk konst från renässansen till våra dagar.
1844 - 21 juni 1908) - Rysk kompositör, medlem i "Mighty Handful". Han var en verklig mästare i orkestrering. Rimskij -Korsakovs mest kända symfoniska verk - "Spanish Capriccio", en ouverture om teman för tre ryska sånger och en symfonisk svit "Scheherazade" är exempel på den klassiska musikaliska repertoaren, tillsammans med sviter och utdrag från några av hans 15 operor. I Scheherazade vänder sig kompositören till temat sagor och folktro. Rimsky-Korsakov använde ofta dessa tekniker i sitt arbete. Han trodde, som sin föregångare Balakirev, på utvecklingen av en nationell stil av klassisk musik. Rimskij-Korsakovs musik kombinerade rysk folklore med inslag av exotiska harmoniska, melodiska och rytmiska mönster (känd som orientalism) med en avvikelse från traditionella västerländska kompositionstekniker. Under större delen av sitt liv kombinerade Nikolai Andreevich komponering av musik och undervisning med en karriär i trupperna i den ryska armén - först som officer, sedan som civil inspektör i flottan. Rimsky-Korsakov (vars biografi är väl täckt i "The Chronicle of My Musical Life") skrev att han som barn, läste böcker och lyssnade på sin storebrors berättelser om utnyttjanden i marinen, utvecklade en kärlek till havet. Hon måste ha drivit kompositören för att skapa två kända symfoniska verk. Dessa är "Sadko" (Rimsky-Korsakov skrev också opera med samma namn, de ska inte förväxlas) och "Scheherazade". Tack vare sjötjänsten expanderar hans kunskap om att spela på mässing och träinstrument - detta öppnade nya möjligheter för honom inom orkestrering. Senare förmedlade han denna kunskap till sina studenter. Även efter hans död publicerades en lärobok om orkestrering, som kompletterades av kompositörens adoptivson Maximilian Steinbregh.
Rimsky -Korsakov - kompositörens biografi
Nikolai Andreevich föddes i staden Tikhvin (200 km öster om Sankt Petersburg) i en intelligent familj. Hans bror Warrior, som var 22 år äldre än kompositören, blev en berömd sjöofficer och kontreadmiral. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov erinrade om att hans mamma spelade lite piano, och hans far kunde framföra flera stycken efter örat. Vid 6 års ålder började den blivande kompositören ta pianolektioner. Enligt lärarna visade han ett bra öra för musik, men saknade intresse. Som Nikolai Andreevich själv senare skrev spelade han "slarvigt, slarvigt ... dåligt upprätthållt rytmen." Även om Rimsky-Korsakov började komponera sina första verk vid 10 års ålder, föredrog han litteratur framför musik. Senare skrev kompositören att det var tack vare hans brors böcker och berättelser som en stor kärlek till havet uppstod i honom, trots att kompositören "aldrig ens hade sett honom". Nikolai Andreevich tog examen från Marine Corps i Sankt Petersburg vid 18 års ålder. Parallellt med sina studier tog Rimsky-Korsakov pianolektioner. Kompositören erinrade om att han, eftersom han var likgiltig för sina studier, utvecklade en kärlek till musik, vilket underlättades genom att delta i operor och symfonikonserter. Hösten 1859 började Nikolai Andreevich ta lärdomar av Fjodor Andreevich Canille, som enligt honom inspirerade honom att studera musik, fick honom att ägna hela sitt liv åt det. Förutom Canille hade Mikhail Glinka, Robert Schumann och många andra ett stort inflytande på den blivande kompositören. I november 1861 introducerades 18-åriga Rimsky-Korsakov för Balakirev. Balakirev introducerar honom i sin tur för Caesar Cui och Modest Mussorgsky - alla tre var redan kända kompositörer, trots sin unga ålder.
Balakirevs mentorskap. "Den mäktiga gängen"
Vid ankomsten till S: t Petersburg, i maj 1865, tog Rimskij-Korsakov på sig dagliga tjänster i flera timmar om dagen. Hans första föreställning ägde rum i december samma år på förslag av Balakirev. Det andra framträdandet på scenen ägde rum i mars 1866 under ledning av Konstantin Lyadov (far till kompositören Anatoly Lyadov). Rimskij-Korsakov erinrade om att det var lätt för honom att samarbeta med Balakirev. På hans råd skrev kompositören om och korrigerade några avsnitt och förde dem till perfektion. Under sin beskydd fullbordade kompositören en Ouverture om teman för tre ryska sånger, baserade på Balakirevs folköverturer. Nikolai Andreevich skapade också de första versionerna av de symfoniska verken "Sadko" och "Antar", vilket gav kompositören berömmelse som en mästare i symfonisk kreativitet. Rimsky-Korsakov förde diskussioner med andra medlemmar i "Mighty Handful", de kritiserade varandras verk och samarbetade om skapandet av nya verk. Nikolai Andreevich fick vänner med Alexander Borodin, vars musik "förvånade" honom, tillbringade mycket tid med Mussorgsky. Balakirev och Mussorgsky spelade piano i fyra händer, sjöng, diskuterade andra kompositörers verk och delade intresse för verken av Glinka, Schumann och Beethovens senare kompositioner.
Professur
År 1871, vid 27 års ålder, blev Rimsky-Korsakov professor vid St. Petersburg-konservatoriet, där han undervisade i praktiska kompositioner, instrumentering och orkesterklasser. Nikolai Andreevich skriver i sina memoarer att undervisningen vid vinterträdgården gjorde honom till "kanske hennes bästa elev, att döma av kvaliteten och mängden information hon gav mig." För att förbättra sin kunskap och alltid ligga steget före sina studenter tog han en treårig paus från att komponera och studerade flitigt hemma och föreläste på vinterträdgården. Professoratet gav kompositören ekonomisk stabilitet och ledde till att en familj skapades.
Äktenskap
I december 1871 föreslog Rimsky-Korsakov till Nadezhda Nikolaevna Purgold, som han träffade under de "mäktiga handfullens" veckomöten i brudens hus. I juli 1872 ägde ett bröllop rum, där Mussorgsky var närvarande som bästa man. En av sönerna till Nikolai Andreevich, Andrei, blev musikolog, gifte sig med kompositören Yulia Lazarevna Veisberg och skrev ett multivolume -verk om hans fars liv och arbete.
1905 revolution
År 1905 hölls demonstrationer vid Sankt Petersburg -konservatoriet - revolutionärt tänkande studenter krävde politiska förändringar och skapandet av en konstitutionell ordning i Ryssland. Rimskij-Korsakov kände behovet av att försvara studenternas rätt att demonstrera, särskilt när myndigheterna började vara brutala mot sina deltagare. I ett öppet brev tar kompositören sidan av eleverna som kräver att konservatoriets direktör avgår. Delvis på grund av detta brev utvisades 100 studenter från utbildningsinstitutionen och Rimsky-Korsakov förlorade sin position som professor. Nikolai Andreevich fortsatte dock att ge lektioner hemma.
Resa till Paris
I april 1907 ger kompositören flera konserter i Paris, organiserade av impresario Sergei Diaghilev. Nikolai Andreevich presenterade musiken från den ryska nationella skolan. Dessa föreställningar var en stor framgång. Året därpå var det en uppvisning av operor komponerade av Rimsky-Korsakov: "The Snow Maiden" och "Sadko". Resan gav kompositören en möjlighet att bekanta sig med samtida europeisk musik.
Verk av Rimsky-Korsakov
Rimsky-Korsakov utvecklade idealen och traditionerna för den mäktiga handfull. I sitt arbete använde han ortodoxa liturgiska teman, folksånger (till exempel i "spanska Capriccio") och orientalism (i "Scheherazade"). Nikolai Andreevich visade sig vara en mycket produktiv och självkritisk kompositör. Han reviderade och redigerade nästan alla sina verk, och några av dem, till exempel den tredje symfonin, "Antar" och "Sadko", Rimsky-Korsakov korrigerade flera gånger. Kompositören förblev missnöjd med många av hans verk.
Rimsky -Korsakov - operor
Trots att Nikolai Andreevich är mer känd som en mästare i symfonisk kreativitet, är hans operor ännu mer komplexa och rika på speciella orkestertekniker än instrumentala och sångverk. Utdrag från dem är ibland lika populära som hela verket. Till exempel "Bumblees flykt" från "The Tale of Tsar Saltan" - av Rimsky -Korsakov. Kompositörens operor kan delas in i tre kategorier:
- Historiskt drama. Dessa inkluderar: "The Pskovite", "Mozart and Salieri", "Pan Voevoda", "The Tsar's Bride".
- Folkoperor: "May Night", "The Night Before Christmas".
- Sagor och legender. Dessa inkluderar verk skrivna av Rimsky-Korsakov: "The Snow Maiden", "Mlada", "Sadko", "Koschey the Immortal", "The Tale of Tsar Saltan", "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia "," The Golden Cockerel ".
Symfonisk kreativitet
Rimsky-Korsakovs symfoniska verk kan delas in i 2 typer. Det mest kända i väst, och kanske det bästa av det, är programvara. Denna typ av symfonisk kreativitet av Nikolai Andreevich förutsätter närvaron av en handling, karaktärer, handlingar som lånats från andra, icke-musikaliska källor. Den andra kategorin är akademiska verk som första och tredje symfonierna (av Rimsky-Korsakov). Baletter till hans musik kan ses inte bara i vårt land, utan också utomlands, liksom många operor och andra musikaliska verk av kompositören.
