Una apelación al folclore musical ruso, así como un estudio detallado de las partituras de ópera de Glinka en el proceso de preparación para su publicación, ayudaron al compositor a superar la especulación de algunas de sus composiciones, que surgió como resultado de estudios intensivos en la técnica de composición. En dos óperas escritas después de "The Pskovite Woman" (1872) - "May Night" (1879) y "The Snow Maiden" (1881) - se plasmó el amor de Rimsky-Korsakov por los rituales y canciones populares y su perspectiva panteísta.
La obra del compositor en los años 80. Está representado principalmente por obras sinfónicas: The Tale (1880), Symphonietta (1885) y Concierto para piano (1883), así como los famosos Capriccio español (1887) y Scheherazade (1888). Al mismo tiempo, Rimsky-Korsakov trabaja en la Capilla del Canto de la Corte. Pero dedica la mayor parte de su tiempo y energía a la preparación para la interpretación y publicación de las óperas de sus difuntos amigos: "Khovanshchina" de Mussorgsky y "Prince Igor" de Borodin. Probablemente, este intenso trabajo sobre partituras de ópera llevó a que el propio trabajo de Rimsky-Korsakov se desarrollara en estos años en la esfera sinfónica.
El compositor regresó a la ópera solo en 1889, creando la encantadora Mlada (1889-90). Desde mediados de los 90. uno tras otro sigue "La noche antes de Navidad" (1895), "Sadko" (1896), el prólogo de "La mujer pskovita" - el acto "Boyarynja Vera Sheloga" y "La novia del zar" (ambos - 1898 ). En la década de 1900. Se crearon El cuento del zar Saltan (1900), Servilia (1901), Pan Voevoda (1903), La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh (1904) y El gallo de oro (1907).
A lo largo de su vida creativa, el compositor también recurrió a las letras vocales. En 79 de sus romances se presenta la poesía de A. Pushkin, M. Lermontov, A. K. Tolstoy, L. Mei, A. Fet, y de los autores extranjeros J. Byron y G. Heine.
El contenido de la obra de Rimsky-Korsakov es diverso: también reveló un tema histórico-popular ("La mujer Pskovite", "La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh"), la esfera de las letras ("La novia del zar", "Servilia ") y el drama cotidiano (" Pan Voevoda "), refleja las imágenes de Oriente (" Antar "," Scheherazade "), encarna los rasgos de otras culturas musicales (" fantasía serbia "," capriccio español ", etc.). Pero lo más característico de Rimsky-Korsakov es la ficción, la fabulosidad y las diversas conexiones con el arte popular.
El compositor ha creado toda una galería de imágenes femeninas líricas puras y suaves, únicas en su encanto, tanto reales como fantásticas (Pannochka en May Night, Snow Maiden, Martha en The Tsar's Bride, Fevronia en The Legend of the Invisible City of Kitezh) , imágenes de cantantes populares (Lel en "Snow Maiden", Nezhata en "Sadko").
Formado en la década de 1860. el compositor permaneció fiel a los ideales sociales progresistas durante toda su vida. En vísperas de la primera revolución rusa de 1905 y el período de reacción que siguió, Rimsky-Korsakov escribió las óperas Kashchei el Inmortal (1902) y El gallo de oro, que fueron percibidas como una exposición del estancamiento político que reinaba en Rusia.
El camino creativo del compositor duró más de 40 años. Habiendo entrado en él como sucesor de las tradiciones de Glinka, él y en el siglo XX. representa el arte ruso en la cultura musical mundial con dignidad. Las actividades creativas y musical-sociales de Rimsky-Korsakov son multifacéticas: el compositor y director, el autor de trabajos teóricos y reseñas, el editor de obras de Dargomyzhsky, Mussorgsky y Borodin, tuvo una fuerte influencia en el desarrollo de la música rusa.
Durante 37 años de enseñanza en el Conservatorio, más de 200 compositores estudiaron con él: A. Glazunov, A. Lyadov, A. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. Stravinsky, N. Cherepnin, A. Grechaninov, N. Myaskovsky , S. Prokofiev et al. El desarrollo de temas orientales por Rimsky-Korsakov ("Antar", "Scheherazade", "Golden Cockerel") fue invaluable para el desarrollo de las culturas musicales nacionales del Cáucaso y Asia Central, y diversos paisajes marinos ( "Sadko", "Sheherazade", "El cuento del zar Saltan", el ciclo de romances "By the Sea", etc.) determinaron mucho en la pintura sonora al aire libre del francés K. Debussy y el italiano O. Respighi.
Tema: SOBRE EL. Rimsky-Korsakov. Creatividad sinfónica.
Suite "Scheherazade".
Esta es un área vasta e importante en su legado, predominantemente hasta los años 90. En términos de contenido y estilo musical, las obras sinfónicas tienen muchos paralelismos con las operísticas (Sadko). Es aquí donde se encontraron las técnicas dramáticas y los medios de expresión, que se plasmarán más adelante.
El trabajo sinfónico se distingue por una variedad de géneros. Esto está determinado por la versatilidad de intereses y la riqueza de tipos y formas de la música sinfónica rusa de la segunda mitad del siglo XIX. Estos son bucles de programa y no programados; Symphonietta, cuadros sinfónicos, oberturas, fantasía, concierto instrumental, música para el drama ("La mujer de Pskov"). Rimsky-Korsakov desarrolló las tradiciones de la sinfonía de género popular de Glinka y Balakirev. El estilo sinfónico del compositor también se formó bajo la influencia de los maestros de la escuela sinfónica de Europa occidental: Berlioz y Liszt. Está relacionado con Berlioz por su lucha por la trama y la teatralidad; con Liszt - el principio del monotematicismo.
En los principios de la escritura orquestal, Rimsky-Korsakov es el sucesor directo de Glinka: - equilibrio perfecto de elementos de textura;
Transparencia y ligereza del tejido orquestal;
Brillo, jugosidad, plenitud de sonido.
La composición de la orquesta es doble y triple. Se utilizan instrumentos de percusión según la necesidad artística. La interpretación de las posibilidades coloristas de los instrumentos, aprobada por Rimsky-Korsakov, se denominó virtuoso-colorista, en contraste con la expresiva de Tchaikovsky.
La suite sinfónica "Scheherazade" (1888) es el logro culminante de la creatividad sinfónica de Rimsky-Korsakov. Aquí, los rasgos de la sinfonía programática europea se reflejaron de una manera peculiar; fusionó los principios del monotematicismo, leitmotivismo, métodos de desarrollo variacional. Cada parte de la suite está escrita en una forma grande, que sintetiza características de sonata y poema, variación y rondalidad, conexiones arqueadas y leitmotivs. Las 4 partes están unidas por temas y transformación de imágenes.
Parte 1 - "El Mar" - escrito en forma de sonata sin elaboración. En la introducción, suenan 2 leitmotivs: el tema de Shahriyar (formidable, belicoso) y Scheherazade (agraciado, ornamental, con un solo de violín). La parte principal es el tema del mar, construido entonacionalmente sobre el tema del rey Shahriyar; fiesta lateral: el tema del barco de Sindbad.
La parte 2 - "La historia del príncipe Kalendra" - comienza con el tema de Scheherazade. La parte 2 está escrita en una forma compleja de 3 partes, sus secciones extremas son variaciones sobre el tema de Kalendra, la parte central es una marcha scherzo oriental fantástica. El tema pausado y tranquilo de los Calendarios en el solo de fagot.
Parte 3 - "El zarevich y la princesa" - escrito en forma de sonata sin elaboración. El tema del príncipe es suave, tranquilo, lírico, para instrumentos de viento; el tema de la princesa es coqueto, juguetón, con los hilos.
Parte 4 - "Las vacaciones de Bagdad" - un final monumental de género folclórico en forma de rondó, que combina el material temático de las partes anteriores. A lo largo de la parte, está el tema de Lezginka: un estribillo. Los temas de Shahriyar, Scheherazade, el mar, la princesa, el tsarevich, Kalendr se escuchan aquí. La suite termina con el tema de Scheherazade.
Instrumentalistas de 3 cursos
SOBRE EL. romano-Creatividad de la ópera de Korsakov.
Las óperas de Rimsky-Korsakov son muy diferentes en contenido y apariencia artística, en sus formas y drama musical. Tiene óperas históricas, de cuento de hadas, lírico-dramáticas, líricas-cómicas, satíricas, lírico-psicológicas. Óperas monumentales y óperas de cámara en un acto. La mayoría de ellos están escritos en temas rusos. El compositor destacó la conexión de sus óperas con los géneros del arte popular en subtítulos característicos:
- "Spring Tale" ("Doncella de nieve")
- "cuento de otoño" ("Kashchei el Inmortal")
- "Carol-opera" ("La noche antes de Navidad")
- "ópera-épica" ("Sadko")
El principio fundamental de la poética de la ópera de Rimsky-Korsakov es la división de lo que está sucediendo en dos mundos:
Vida y ficción;
Humano y natural;
El bien y el mal, la luz y las tinieblas;
Paganismo y cristianismo.
La tendencia general a una orientación filosófica de las imágenes. Se otorga un lugar especial a las escenas ceremoniales y rituales. A menudo se usa un final de dos pasos: un desacoplamiento para uno o más héroes y un código generalizador.
En la orquesta, Rimsky-Korsakov se manifiesta principalmente como sinfonista. Muchas óperas tienen sistemas de leitmotiv. La orquesta es especialmente colorida en episodios fantásticos, imágenes de la naturaleza, principalmente debido al uso de modos y armonías inusuales: trastes agrandados, reducidos, escala de tono completo, escala de "tono-semitono". En otros casos, la música es de carácter nacional.
Al caracterizar a los héroes, se utilizan tanto arias-retratos como conjuntos de desarrollo completo. En la voz, un estilo arioso, el compositor rara vez usa el recitativo. Se presta especial atención a la oposición de imágenes femeninas: Snow Maiden - Kupava, Martha - Lyubasha, Volkhova - Lyubava. Los primeros tienen partes complejas de coloratura, y los segundos tienen melodías de carácter folclórico.
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Tema: SOBRE EL. Rimsky-Korsakov. Ópera "Snow Maiden".
Compositor ruso, profesor, figura pública y musical, director de orquesta. De 1859 a 1960 tomó lecciones del pianista F.A. Kanille. Graduado de la Infantería de Marina de San Petersburgo, participó en el viaje en el clíper Almaz (1862-65) y visitó varios países de Europa, América del Norte y del Sur. En 1861 se convirtió en miembro del círculo de Balakirev "The Mighty Handful", que tuvo una influencia decisiva en la formación de la personalidad y la estética del compositor. Bajo la influencia y dirección de MA Balakirev, se crearon la 1ª Sinfonía (1865), "Fantasía serbia" (1867), una serie de romances, etc. La individualidad creativa de Rimsky-Korsakov se manifestó principalmente en obras instrumentales programadas, entre las cuales: el cuadro musical sinfónico "Sadko" (1867), la segunda sinfonía "Antar" (1868). En los mismos años se volcó hacia el género operístico, que luego se convirtió en el protagonista de su obra (en 1872 se completó la ópera "La mujer de Pskov", basada en el drama de L. A. Mei). Desde los años 70. Los límites de la actividad musical de Rimsky-Korsakov se expandieron: fue profesor en el Conservatorio de San Petersburgo (desde 1871, clases de composición práctica, instrumentación, orquesta), inspector de bandas de música del Departamento Naval (1873-84), director de la Escuela de Música Libre (1874-81), directora de conciertos sinfónicos (desde 1874) y más tarde de representaciones de ópera, subdirector de la Corte Cantando Capella (1883-94), encabezó el círculo Belyaevsky (desde 1882). A mediados de los 70. trabajó para mejorar su técnica de composición. En los 80s. prestó gran atención a los géneros sinfónicos. A principios de los 90. hubo un cierto declive en la actividad creativa (durante este período estudió filosofía, escribió artículos, revisó y editó algunos de sus trabajos anteriores). En la segunda mitad de los 90. la creatividad adquirió una intensidad excepcional: aparecieron las óperas Sadko (1896) y La novia del zar (después de mayo de 1898). Durante la Revolución de 1905-07, Rimsky-Korsakov apoyó activamente las demandas de los estudiantes en huelga, condenó abiertamente las acciones de la administración reaccionaria del Conservatorio de San Petersburgo (fue despedido del conservatorio, regresó solo después de que el conservatorio recibió una concesión parcial derechos autónomos y cambio de liderazgo).
El trabajo de Rimsky-Korsakov es profundamente original y al mismo tiempo se basa en tradiciones clásicas. Percepción armoniosa del mundo, claridad de pensamiento musical, arte sutil lo hacen relacionado con MI Glinka. Asociado con las tendencias ideológicas y artísticas progresistas de la década de 1860, Rimsky-Korsakov mostró un gran interés en el arte popular (compiló una colección de "Cien canciones populares rusas", 1877: armonizó canciones recopiladas por T.I. Filippov, - "40 canciones populares" .1882). La pasión por el folclore, la mitología eslava antigua, los rituales populares se reflejó en las óperas "May Night" (después de N. V. Gogol. 1879), "Snow Maiden" (después de A. N. Ostrovsky, 1881), "Mlada" (1890), "The Night Before Navidad "(según NV Gogol, 1895). 15 óperas de Rimsky-Korsakov demuestran una variedad de géneros (épica, cuento de hadas, leyenda, drama histórico y cotidiano, lírica y comedia cotidiana), soluciones estilísticas, dramáticas y compositivas (obras que tienden a la estructura numerada y al desarrollo continuo, óperas con escenas de multitudes y cámara, con y sin conjuntos desplegados). El talento de Rimsky-Korsakov se reveló más plenamente en obras asociadas con el mundo de lo fabuloso, con diversas formas de arte popular ruso. Aquí se revela su don pictórico y pictórico, la pureza de sus letras, sincera, pero algo contemplativa, sin mayor tensión emocional. La atención al mundo interior de una persona, a la revelación psicológica de las imágenes se manifestó en la ópera de cámara "Mozart y Salieri" (al texto de A. Pushkin, dedicado a A. Dargomyzhsky, 1897), en la ópera de un acto. "Boyarynya Vera Sheloga" (prólogo de "Pskovite", 1898) y especialmente en el drama sobre la trama histórica y cotidiana "La novia del zar" (1898). Las nuevas tendencias características del arte ruso de principios del siglo XX se reflejaron en la ópera "The Tale of Tsar Saltan" (después de Pushkin, 1900) con sus convenciones teatrales destacadas y elementos de estilización de grabados populares populares, en el "cuento de hadas de otoño "" Kashchei el Inmortal "(1902), en el que el tema del cuento de hadas se interpreta simbólica y alegóricamente. Altos problemas morales y filosóficos se plantean en la ópera-leyenda "La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh y la doncella Fevronia" (1904). La última ópera del compositor - "ficción en las caras" "El gallo de oro" (después de Pushkin, 1907) - una sátira despiadada sobre la autocracia zarista.
Rimsky-Korsakov consideraba que el canto era la base de la expresividad operística. Un papel dramático importante en sus óperas lo desempeña la orquesta, a la que a menudo se le confían imágenes sinfónicas independientes, intermedios, por ejemplo, "Tres milagros" ("La historia del zar Saltan"), "La matanza de Kerzhenets" ("La Leyenda de la ciudad invisible de Kitezh ... ") ... Al considerar la ópera principalmente como una pieza musical, Rimsky-Korsakov concedió gran importancia a su base literaria: el libreto. La colaboración del compositor con el libretista V.I.Belsky fue fructífera.
La obra sinfónica de Rimsky-Korsakov no es tan polifacética en comparación con la ópera. La concreción figurativa del pensamiento musical del compositor determinó su inclinación hacia el sinfonismo programático y de género. De ahí el predominio de tipos y formas como obertura (fantasía), cuadro sinfónico, suite. Las obras cumbre de Rimsky-Korsakov para orquesta son "Capriccio español" (1887) y "Scheherazade" (1888). Las letras de las voces de cámara ocupan un lugar esencial en la herencia creativa de Rimsky-Korsakov. Escribió 79 romances, incluidos los ciclos vocales "En primavera", "Al poeta", "Por el mar".
El trabajo de Rimsky-Korsakov es brillantemente nacional. El compositor utiliza muestras genuinas de folklore musical y transforma orgánicamente las entonaciones de las canciones en sus propias melodías. Su contribución al campo de la armonía y la instrumentación es significativa: amplió y enriqueció sus posibilidades coloristas, creó su propio sistema de medios modal-armónicos, basado en modos complejos (incluida la escala característica: la escala de Rimsky-Korsakov, la orquestación combina colorido, brillar con claridad, transparencia.
La actividad de dirección de Rimsky-Korsakov, quien promovió las obras de compositores rusos, fue de gran importancia educativa. Su trabajo editorial jugó un papel importante, gracias al cual se publicaron e interpretaron muchas obras de la música rusa ("The Stone Guest" de Dargomyzhsky, "Prince Igor", "Boris Godunov", "Khovanshchina"; Rimsky-Korsakov también preparó y publicó, junto con Balakirev y A.K. Lyadov, partituras de ópera de Glinka). Su actividad pedagógica fue de excepcional importancia. El fundador de la escuela de compositores, Rimsky-Korsakov, formó a 200 compositores, directores de orquesta, musicólogos, incluidos A.K. Glazunov, A.K. Lyadov, A.S. Arensky, M.M. Ippolitov-Ivanov, I.F. Stravinsky, N. Ya. Myaskovsky, SS Prokofiev, MA Balanchivadze, Ya. Vitol, NV Lysenko, AA Spendiarov. Sus libros de texto sobre armonía y orquestación fueron una generalización parcial de su experiencia pedagógica, y su libro autobiográfico Crónica de mi vida musical (1906) fue un valioso documento histórico. En 1944 se inauguró la Casa-Museo en la ciudad de Tikhvin, en 1971 en Leningrado, el Museo-Apartamento de Rimsky-Korsakov.
Contenido:
Biografía de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov ……………………… ... 3
Características de las obras de Rimsky-Korsakov ……………………………. ocho
Lista de literatura usada …………………………………………… .17
Biografía de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov
Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov nació el 6 de marzo de 1844 en Tikhvin, una ciudad provincial en la provincia de Novgorod.
La familia Rimsky-Korsakov era musical: el padre del compositor tocaba el piano de oído, su madre y su tío cantaban a menudo canciones populares, así como extractos de óperas de moda. Las habilidades musicales del niño (tono, ritmo, memoria perfectos) se manifestaron a la edad de dos años. A partir de los seis años, los padres comenzaron a enseñar música a su hijo, pero estas clases eran de carácter amateur y no podían cautivarlo seriamente. Sin embargo, a la edad de 11 a 12 años, había logrado un progreso significativo y tocaba el piano a 4 y 8 manos. La necesidad de componer se manifestó primero en forma de juego de niños: “exactamente de la misma manera que doblaba y desmontaba relojes, a veces traté de componer música y escribir notas”, recuerda Rimsky-Korsakov. - Pronto, de forma autodidacta, llegué al punto en que pude poner tolerantemente en un papel lo que se tocaba en el piano, observando la división correcta. Después de un tiempo, comencé a imaginar un poco mentalmente, sin tocar el piano, lo que está escrito en la partitura ". El primer trabajo del aspirante a compositor fue un dúo, escrito a imitación de la canción de Vanya de "Ivan Susanin", que al niño le gustó más que todas las obras que conocía entonces.
Mientras tanto, la educación musical de Rimsky-Korsakov dejaba mucho que desear. Durante varios años tomó lecciones de piano del violonchelista Ulih. Este último no le dio a su alumno ni habilidades pianísticas reales ni la formación teórica necesaria. En el otoño de 1859, Rimsky-Korsakov comenzó a estudiar con Canille, un músico educado, un buen pianista y un conocedor de la música nacional rusa. Canille apoyó la lucha de Rimsky-Korsakov por el arte serio, aprobó su apasionado amor por Glinka. “Canille me abrió los ojos a muchas cosas”, recuerda el compositor. - Con qué admiración escuché de él que Ruslan es realmente la mejor ópera del mundo, que Glinka es el mayor genio. Hasta ahora tenía un presentimiento de ello, ahora lo escuché de un músico de verdad ". Canille dirigió a Rimsky-Korsakov al camino del compositor, indicándole las obras de Beethoven, Schumann, Glinka como ejemplos. Bajo su liderazgo, Rimsky-Korsakov escribió varias piezas para piano (variaciones, sonata allegro, scherzo, nocturno, marcha fúnebre) durante dos años y comenzó a trabajar en la sinfonía.
Convencido del extraordinario talento de su alumno, Kanille le presentó a Balakirev en noviembre de 1861. Este conocido fue un evento significativo en la vida de Rimsky-Korsakov y predeterminó su futuro como músico. Un año pasado en comunicación con Balakirev y otros miembros de su círculo llevó a Rimsky-Korsakov a la convicción de que su verdadera vocación era componer. Bajo la dirección de Balakirev, Rimsky-Korsakov escribió la mayor parte de la Primera Sinfonía. En el camino, Balakirev presentó a su alumno las formas e instrumentación musicales. Esta formación fue de naturaleza puramente práctica. Sin ser estrictamente sistemático, dio resultados positivos gracias al talento excepcional del aspirante a compositor.
La comunicación con Balakirev y V. Stasov amplió los horizontes de Rimsky-Korsakov. “Habiendo conocido a Balakirev”, escribió, “escuché por primera vez de él que uno debería leer, cuidar de la autoeducación, familiarizarse con la historia, la buena literatura y la crítica. Gracias a él por eso ". El círculo de Balakirev jugó un papel importante en la configuración de la cosmovisión del compositor, al presentarlo a las ideas sociales y artísticas democráticas de los años 60. En una atmósfera de actividad musical militante y decidida de los miembros del círculo, Rimsky-Korsakov estaba imbuido de las tareas e intereses de la dirección realista Glinka, se dio cuenta claramente de su nombramiento como compositor ruso. Esto se puede juzgar por una de sus cartas de principios de los años 60: “En Rusia, la música acaba de comenzar su desarrollo con Glinka, y todos los músicos rusos no van, sino que vuelan hacia adelante ... Debo apoyar este desarrollo de la música en Rusia saldría mucho de mí ... "
Años 60. Rimsky-Korsakov se estableció de inmediato como un sinfonista talentoso y prometedor. Su debut como compositor fue la interpretación de la Primera Sinfonía en un concierto de la Escuela Libre de Música, dirigido bajo la batuta de Balakirev a finales de 1865. La sinfonía fue un gran éxito y recibió elogios de la crítica. C. Cui la llamó "la primera sinfonía rusa", señalando la base de la canción de sus temas, el talento de la orquestación y enfatizando el carácter original ruso de toda la obra.
Después de la sinfonía, Rimsky-Korsakov creó una serie de otras obras sinfónicas. Los más significativos están dedicados a las imágenes de las epopeyas rusas y los cuentos de hadas orientales. Esta es una imagen sinfónica "Un episodio de una epopeya de Novgorod sobre Sadko" (1867), escrita por sugerencia de Mussorgsky, y una suite sinfónica programática "oriental" "Antar", cuya fuente literaria fue el hada árabe romántica epónima. Cuento de O.Senkovsky (Baron Brambeus) -periodista, escritor de ficción y al mismo tiempo historiador orientalista, conocedor de la literatura árabe. A partir del programa literario, el compositor dio a estas obras una forma narrativa pictórica original. En su armoniosa composición musical, se alternan libremente varios episodios de escritura sonora y de género, cuya secuencia está determinada por la trama literaria, y no por las formas establecidas en la obra de los clásicos vieneses. Esto permitió al compositor transmitir en su música todos los detalles de los programas poéticos seleccionados.
Simultáneamente con obras orquestales, Rimsky-Korsakov crea romances de paisaje lírico y carácter oriental. Pero la obra más importante del compositor, que completó el primer período de su carrera, fue la ópera "La mujer Pskovite", que comenzó en el verano de 1868.
Los años 70 constituyen una nueva etapa importante en la biografía y la actividad musical de Rimsky-Korsakov.
Rimsky-Korsakov está trabajando en el desarrollo y mejora de su técnica de composición, cuya insuficiencia se ha vuelto muy tangible para él. Los años 1874 y 1875 pasaron para Rimsky-Korsakov en estudios intensivos de armonía, contrapunto, instrumentación. Mientras enseñaba a otros, se estudió a sí mismo, sin avergonzarse de buscar consejo y ayuda de sus camaradas, los profesores del conservatorio y de Tchaikovsky. Este último reaccionó con profunda simpatía y simpatía a estas actividades de Rimsky-Korsakov. Él escribió: “¿Sabes que simplemente admiro y reverenciare tu noble modestia artística y tu carácter increíblemente fuerte? Todos estos innumerables contrapuntos que has hecho, estas 60 fugas y muchos otros trucos musicales, todo esto es una hazaña para el hombre que escribió Sadko hace ya ocho años que me gustaría gritarlo al mundo entero. Me asombra y no sé cómo expresar mi infinito respeto por tu personalidad artística ... Realmente estoy convencido de que con tu tremendo talento, en conjunto con esa conciencia ideal con la que tratas el asunto, desde la pluma tus composiciones deben salga que dejará atrás todo lo que se ha escrito en Rusia hasta ahora ... "
La técnica adquirida fue ampliamente utilizada por Rimsky-Korsakov en las obras de esa época (sinfonía en do mayor, conjuntos instrumentales de cámara, coros polifónicos sin acompañamiento, piezas para piano), pero todavía constituían solo una etapa de transición en la carrera del compositor.
La segunda mitad de los años 70 estuvo marcada por el trabajo de Rimsky-Korsakov en dos colecciones de canciones y, en este sentido, el estudio de la poesía y los rituales populares. Después de haberse ocupado inicialmente de las melodías que le comunicó el amante de las canciones populares T. Filippov, el compositor pronto se dedicó a compilar su propia colección. En él, se esforzó por presentar los mejores ejemplos de la canción popular campesina, prestando especial atención a los géneros más antiguos: rituales y épicos. Habiéndose interesado en los rituales populares del culto al sol, Rimsky-Korsakov comenzó a familiarizarse con la investigación sobre este tema, se dejó llevar aún más por el lado poético del culto al culto al sol y todavía estaba cautivado por maravillosas melodías antiguas que conservaban el espíritu de la lejana antigüedad pagana. Un estudio tan amplio y profundo de la música popular y la poesía II tuvo, como escribió el propio Rimsky-Korsakov, una tremenda influencia en la dirección de su actividad compositora.
Simultáneamente con la recopilación de colecciones, participó en la edición de partituras de ópera de Glinka (junto con Balakirev y Lyadov.
"May Night" es una de las obras más románticas de Rimsky-Korsakov. Aunque el elemento cómico juega un papel importante en él, constituye solo un lado (y, además, no el más importante) de la ópera, sus personajes principales, Levko y Ganna, son imágenes puramente líricas, y las letras de amor dan a la ópera un sabor único de la juventud.
Después de "May Night", el compositor escribió "The Snow Maiden", que consideró casi su mejor obra.
Años 80: el período de creatividad predominantemente sinfónica de Rimsky-Korsakov, el momento de la creación de "Fairy Tale" (basado en el prólogo de Pushkin de "Ruslan y Lyudmila"), Symphonietta (sobre temas folclóricos), Concierto para piano y Fantasía sobre temas folclóricos para violín y orquesta ... A finales de los 80, el compositor escribió sus obras sinfónicas más destacadas: Capriccio español y Scheherazade. A finales de esta década se crea la ópera Mlada, cuya trama era el libreto de una obra colectiva no realizada de los años 70. Además, durante la década de 1980, Rimsky-Korsakov sometió a una minuciosa edición casi todas sus obras principales escritas antes de "May Night", y al mismo tiempo dedicó muchos meses de arduo trabajo a la finalización de "Prince Igor" de Borodin (juntos con Glazunov). "Khovanshchina" de Mussorgsky y edición de todas las obras de este compositor, incluida la reinstrumentación de "Boris Godunov". En su trabajo desinteresado, Rimsky-Korsakov se guió por un sentimiento de amor por sus amigos fallecidos, un sentido de su deber artístico y el enorme valor de sus obras. “Mucho amor apasionado por los compañeros y amigos fallecidos, mucho amor por el arte, tantas veces y por tanto tiempo para dejar a un lado la propia creatividad en el momento de su apogeo y dar todo tu talento, toda tu energía y alma a la magnífica realización del trabajo de otras personas ”, - Stasov escribió con admiración sobre Rimsky-Korsakov.
A principios de la primavera de 1908, Rimsky-Korsakov comenzó a sufrir una grave enfermedad cardíaca. Tras mudarse a la finca de Lyubensk durante el verano, continuó trabajando en el libro de texto "Conceptos básicos de orquestación". Sus últimas notas fueron tomadas el 7 de junio; en la noche del 8 de junio murió el compositor.
Características de las obras de Rimsky-Korsakov.
La obra de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov es una personificación viva de la poesía y la belleza original del arte nacional ruso.
La cultura artística más rica creada por el pueblo ruso, la historia rusa, la forma de vida popular evocada en Rimsky-Korsakov, un fiel seguidor de Glinka, el amor verdadero y con él las mareas de la inspiración creativa.
Una fuerza de atracción especial para él fueron aquellos monumentos del arte popular y la vida cotidiana en los que la vida de las personas se presentaba desde su lado colorido y poético: antiguas creencias populares, rituales y canciones asociadas con ideas populares sobre la naturaleza, leyendas, epopeyas y hadas. cuentos. Fue en esta predilección donde se manifestó la comprensión individual de Rimsky-Korsakov de la nacionalidad del arte; aquí encontró su camino como artista-músico ruso. “En esencia, mi familia es un cuento de hadas, una epopeya y ciertamente rusos”, dijo el compositor. En sus obras hay imágenes de la vida popular antigua, cotidiana y ritual, la antigua Rusia cobra vida en toda su originalidad y brillantez, tal como se presentó a la imaginación poética del compositor. En las óperas de Rimsky-Korsakov pasan a primer plano imágenes que personifican la mente y el talento artístico de la gente, su ansia de belleza, bondad y elevación de sentimientos. El compositor encarnó los sueños de libertad, felicidad, belleza de la gente, sus ideas de justicia y bondad en una serie de imágenes ideales, fabulosamente ilusorias (el reino de Berendee en La doncella de las nieves, la princesa cisne en El cuento del zar Saltan). Volviendo a las tramas históricas, Rimsky-Korsakov luchó por una representación romántica y sublime de los héroes populares. Entonces, habiendo concebido una ópera sobre Stepan Razin, el compositor pidió al libretista que eliminara del guión proyectado de la ópera aquellas escenas y episodios en los que se acentuaban hechos sangrientos: “La personalidad de Stenka”, escribió Rimsky-Korsakov, “ciertamente debe ser algo idealizado y debe despertar simpatía, y no repeler. Es necesario que una figura gigantesca se levante y se abra paso entre el pueblo oprimido ... "
Por lo tanto, Rimsky-Korsakov centró su atención principalmente en los ideales morales y estéticos de la gente, tal como surgieron en los monumentos del arte popular.
En el arte mismo, vio una de las manifestaciones del poder espiritual de las personas, una poderosa fuerza vital que ennoblece a la persona, despierta en él altas aspiraciones, revelando las mejores cualidades de su naturaleza. En varias de las obras del compositor, los héroes populares actúan, gloriosos no por sus hazañas de armas, sino por su talento artístico; son simultáneamente portadores de altos sentimientos patrióticos e ideales morales. Tal es, por ejemplo, el épico guslar Sadko.
La característica capacidad de respuesta de Rimsky-Korsakov a lo bello en los fenómenos de la realidad se reflejó en maravillosos paisajes musicales, en imágenes de la naturaleza, que juegan un papel importante en sus obras. Imágenes del mar, bosque, amanecer resplandeciente de la mañana, cielo nocturno estrellado, paisajes del norte y del sur, bocetos del mundo de las aves y animales, transmisión de todo tipo de "voces de la naturaleza": todo esto está sujeto a la imaginación musical del compositor, maestro de la pintura sonora de paisajes. Rimsky-Korsakov estaba dotado de un talento especial para pintar por medio de la música. Sin embargo, los paisajes musicales del compositor no solo tienen un brillo y una precisión raros de la imagen musical, sino también una espiritualidad poética y una profunda expresividad lírica. Están coloreados emocionalmente.
En estrecha unidad con la naturaleza, aparecen imágenes fabulosas y fantásticas en la música de Rimsky-Korsakov. Muy a menudo, personifican, como en las obras de arte popular, ciertas fuerzas elementales y fenómenos naturales (Frost, Leshy, Sea Princess, etc.). Las imágenes fantásticas incluyen, junto con elementos musicales, pintorescos y fantásticos de cuentos de hadas, también características de la apariencia y el carácter de personas reales. Tal versatilidad (se discutirá con más detalle al analizar las obras) le da a la ficción musical de Korsakov una originalidad y profundidad poética especiales.
En términos de su talento y perspectiva, Rimsky-Korsakov es uno de los artistas optimistas. Sus obras, por así decirlo, irradian luz solar y calidez, enfatizan un comienzo sabio y armonioso en la vida. Música, llena de aire y colores de la vida salvaje, rica en frescura.
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1844 - 21 de junio de 1908) - Compositor ruso, miembro del "Mighty Handful". Fue un verdadero maestro de la orquestación. Las obras sinfónicas más famosas de Rimsky-Korsakov - "Spanish Capriccio", una obertura sobre temas de tres canciones rusas y una suite sinfónica "Scheherazade" son ejemplos del repertorio musical clásico, junto con suites y extractos de algunas de sus 15 óperas. En Scheherazade, el compositor se centra en el tema de los cuentos de hadas y las creencias populares. Rimsky-Korsakov usó a menudo estas técnicas en su trabajo. Creía, como su predecesor Balakirev, en el desarrollo de un estilo nacional de música clásica. La música de Rimsky-Korsakov combinó el folclore ruso con elementos de patrones exóticos armónicos, melódicos y rítmicos (conocidos como orientalismo), alejándose de las técnicas de composición tradicionales occidentales. Durante la mayor parte de su vida, Nikolai Andreevich combinó la composición musical y la enseñanza con una carrera en las tropas del ejército ruso, primero como oficial, luego como inspector civil en la marina. Rimsky-Korsakov (cuya biografía está bien cubierta en The Chronicle of My Musical Life) escribió que cuando era niño, leyendo libros y escuchando las historias de su hermano mayor sobre hazañas en la marina, desarrolló un amor por el mar. Ella debió haber empujado al compositor a crear dos obras sinfónicas famosas. Estos son "Sadko" (Rimsky-Korsakov también escribió la ópera del mismo nombre, no deben confundirse) y "Scheherazade". Gracias al servicio naval, su conocimiento de la interpretación con instrumentos de metal y madera se está expandiendo, lo que le abrió nuevas posibilidades en la orquestación. Posteriormente transmitió este conocimiento a sus alumnos. También después de su muerte, se publicó un libro de texto sobre orquestación, que fue completado por el hijo adoptivo del compositor, Maximilian Steinbregh.
Rimsky-Korsakov - biografía del compositor
Nikolai Andreevich nació en la ciudad de Tikhvin (200 km al este de San Petersburgo) en una familia inteligente. Su hermano Warrior, 22 años mayor que el compositor, se convirtió en un famoso oficial naval y contralmirante. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov recordó que su madre tocaba un poco el piano y su padre podía interpretar varias piezas de oído. A la edad de 6 años, el futuro compositor comenzó a tomar lecciones de piano. Según los profesores, mostró buen oído para la música, pero carecía de interés. Como escribió más tarde el propio Nikolai Andreevich, tocó "descuidadamente, descuidadamente ... manteniendo mal el ritmo". Aunque Rimsky-Korsakov comenzó a componer sus primeras obras a los 10 años, prefirió la literatura a la música. Posteriormente, el compositor escribió que fue gracias a los libros e historias de su hermano que surgió en él un gran amor por el mar, a pesar de que el compositor "ni siquiera lo había visto nunca". Nikolai Andreevich se graduó de la Infantería de Marina de San Petersburgo a la edad de 18 años. Paralelamente a sus estudios, Rimsky-Korsakov tomó lecciones de piano. El compositor recordó que, indiferente a sus estudios, desarrolló un amor por la música, que se vio facilitado por la asistencia a óperas y conciertos sinfónicos. En el otoño de 1859, Nikolai Andreevich comenzó a recibir lecciones de Fyodor Andreevich Canille, quien, según él, lo inspiró a estudiar música, lo impulsó a dedicar toda su vida a ella. Además de Canille, Mikhail Glinka, Robert Schumann y muchos otros tuvieron una gran influencia en el futuro compositor. En noviembre de 1861, Rimsky-Korsakov, de 18 años, conoció a Balakirev. Balakirev, a su vez, le presenta a Caesar Cui y Modest Mussorgsky: los tres ya eran compositores famosos, a pesar de su corta edad.
La tutoría de Balakirev. "El poderoso grupo"
A su llegada a San Petersburgo, en mayo de 1865, Rimsky-Korsakov asumió las funciones de un servicio diario durante varias horas al día. Su primera actuación tuvo lugar en diciembre del mismo año por sugerencia de Balakirev. La segunda aparición en el escenario tuvo lugar en marzo de 1866 bajo la dirección de Konstantin Lyadov (padre del compositor Anatoly Lyadov). Rimsky-Korsakov recordó que le fue fácil cooperar con Balakirev. Siguiendo su consejo, el compositor reescribió y corrigió algunos pasajes y los perfeccionó. Bajo su patrocinio, el compositor completó una Obertura sobre temas de tres canciones rusas, basada en las oberturas populares de Balakirev. Nikolai Andreevich también creó las versiones iniciales de las obras sinfónicas "Sadko" y "Antar", que le dieron fama al compositor como maestro de la creatividad sinfónica. Rimsky-Korsakov mantuvo conversaciones con otros miembros del "Mighty Handful", criticaron las obras de los demás y colaboraron en la creación de nuevas obras. Nikolai Andreevich se hizo amigo de Alexander Borodin, cuya música lo "asombró", pasó mucho tiempo con Mussorgsky. Balakirev y Mussorgsky tocaron el piano a cuatro manos, cantaron, discutieron las obras de otros compositores, compartiendo un interés en las obras de las últimas composiciones de Glinka, Schumann y Beethoven.
Cátedra
En 1871, a la edad de 27 años, Rimsky-Korsakov se convirtió en profesor en el Conservatorio de San Petersburgo, donde impartió clases prácticas de composición, instrumentación y orquesta. Nikolai Andreevich escribe en sus memorias que enseñar en el conservatorio lo convirtió en "quizás su mejor alumno, a juzgar por la calidad y la cantidad de información que me dio". Para mejorar sus conocimientos y estar siempre un paso por delante de sus alumnos, se tomó un descanso de tres años de la composición y estudió diligentemente en casa, dando conferencias en el conservatorio. La cátedra proporcionó al compositor estabilidad financiera y motivó la creación de una familia.
Matrimonio
En diciembre de 1871, Rimsky-Korsakov le propuso matrimonio a Nadezhda Nikolaevna Purgold, a quien conoció durante las reuniones semanales del "Puñado Poderoso" en la casa de la novia. En julio de 1872, tuvo lugar una boda, en la que Mussorgsky estuvo presente como padrino. Uno de los hijos de Nikolai Andreevich, Andrei, se convirtió en musicólogo, se casó con la compositora Yulia Lazarevna Veisberg y escribió una obra en varios volúmenes sobre la vida y obra de su padre.
Revolución de 1905
En 1905, se llevaron a cabo manifestaciones en el Conservatorio de San Petersburgo: los estudiantes de mentalidad revolucionaria exigieron cambios políticos y la creación de un orden constitucional en Rusia. Rimsky-Korsakov sintió la necesidad de proteger el derecho de los estudiantes a manifestarse, especialmente cuando las autoridades comenzaron a ser brutales con sus participantes. En una carta abierta, el compositor se pone del lado de los estudiantes exigiendo la dimisión del director del conservatorio. En parte debido a esta carta, 100 estudiantes fueron expulsados de la institución educativa y Rimsky-Korsakov perdió su puesto de profesor. Sin embargo, Nikolai Andreevich continuó dando lecciones en casa.
Viaje a parís
En abril de 1907, el compositor ofrece varios conciertos en París, organizados por el empresario Sergei Diaghilev. Nikolai Andreevich presentó la música de la escuela nacional rusa. Estas actuaciones fueron un gran éxito. Al año siguiente, hubo un espectáculo de óperas compuestas por Rimsky-Korsakov: "The Snow Maiden" y "Sadko". El viaje le dio al compositor la oportunidad de familiarizarse con la música europea contemporánea.
Obras de Rimsky-Korsakov
Rimsky-Korsakov desarrolló los ideales y tradiciones del Puñado Poderoso. En su trabajo, utilizó temas litúrgicos ortodoxos, canciones populares (por ejemplo, en el "Capriccio español") y orientalismo (en "Scheherazade"). Nikolai Andreevich demostró ser un compositor muy productivo y autocrítico. Revisó y editó casi todas sus piezas, y algunas de ellas, por ejemplo, la Tercera Sinfonía, Antar y Sadko, fueron corregidas por Rimsky-Korsakov varias veces. El compositor quedó descontento con muchas de sus obras.
Rimsky-Korsakov - óperas
A pesar de que Nikolai Andreevich es más conocido como un maestro de la creatividad sinfónica, sus óperas son aún más complejas y ricas en técnicas orquestales especiales que las obras instrumentales y vocales. Los extractos de ellos son a veces tan populares como la obra completa. Por ejemplo, "Vuelo del abejorro" de "El cuento del zar Saltan", de Rimsky-Korsakov. Las óperas del compositor se pueden dividir en 3 categorías:
- Drama histórico. Estos incluyen: "La mujer pskovita", "Mozart y Salieri", "Pan Voevoda", "La novia del zar".
- Óperas populares: "Noche de mayo", "La noche antes de Navidad".
- Cuentos de hadas y leyendas. Estos incluyen obras escritas por Rimsky-Korsakov: "La doncella de nieve", "Mlada", "Sadko", "Koschey el inmortal", "El cuento del zar Saltan", "La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh y la doncella Fevronia". "," El Gallo de Oro ".
Creatividad sinfónica
Las obras sinfónicas de Rimsky-Korsakov se pueden dividir en 2 tipos. El más famoso de Occidente, y quizás el mejor, es el software. Este tipo de creatividad sinfónica de Nikolai Andreevich presupone la presencia de una trama, personajes, acciones tomadas de otras fuentes no musicales. La segunda categoría son trabajos académicos como la Primera y Tercera Sinfonías (de Rimsky-Korsakov). Los ballets a su música se pueden ver no solo en nuestro país, sino también en el extranjero, así como muchas óperas y otras obras musicales del compositor.
Según las leyendas antiguas, Roma se formó a mediados del siglo VIII a. C. NS. La cultura, que fue considerada una de las más influyentes durante el período de la antigüedad, tuvo un gran impacto en la civilización europea. Esto a pesar de que la pintura y la escultura de la antigua Roma se basan en motivos griegos, y el teatro y la música están indisolublemente vinculados con las antiguas tradiciones etruscas.
Características del arte romano antiguo
A diferencia de otros países antiguos, los romanos no asignaron tareas educativas o morales al arte. Por el contrario, las artes visuales de la Antigua Roma eran de naturaleza más utilitaria, ya que se las consideraba solo una forma de organizar racionalmente el espacio vital. Por eso la arquitectura ocupó un lugar importante en la vida de la población de este antiguo país. La civilización de la Antigua Roma todavía se recuerda a sí misma con estructuras monumentales: templos, arenas y palacios.
Además de los magníficos monumentos de la arquitectura, la cultura de Roma en la era de la antigüedad se puede juzgar por las numerosas esculturas que fueron retratos de quienes vivieron en ese momento. La vida en la antigua Roma siempre estuvo sujeta a reglas estrictas y, en algunos períodos, los retratos escultóricos se creaban únicamente para inmortalizar los rostros de gobernantes o personajes famosos. Solo después de algún tiempo los escultores romanos comenzaron a dotar a sus estatuas de personajes o características especiales. Los creadores romanos prefirieron representar eventos históricos importantes en forma de bajorrelieves.
Vale la pena señalar que las peculiaridades radican en la ausencia casi completa de fenómenos como el teatro, en nuestro entendimiento habitual, así como en nuestra propia mitología. Usando imágenes creadas por los griegos para muchos romanos magníficos, distorsionaron los eventos para complacer a sus autoridades o no les dieron mucha importancia en absoluto. Esto sucedió principalmente porque las artes visuales de la Antigua Roma se desarrollaron bajo la influencia de la ideología dominante, ajena a los principios filosóficos abstractos y la ficción artística.
Rasgos distintivos del arte de la Antigua Roma.
A pesar de la existencia probada de Roma como una civilización separada, los historiadores durante mucho tiempo no pudieron separar el arte griego antiguo del arte romano. Sin embargo, debido al hecho de que muchas obras del patrimonio artístico y arquitectónico de la Antigua Roma se han conservado hasta el día de hoy, fue posible determinar las principales características inherentes exclusivamente a las obras romanas antiguas. Entonces, ¿qué logros e inventos de la Antigua Roma en el campo de las bellas artes la caracterizan como un fenómeno independiente?
- El logro arquitectónico de los romanos fue la combinación de percepción espacial y formas artísticas en los edificios. Los arquitectos romanos prefirieron erigir edificios y conjuntos separados en tierras bajas naturales y, si no los había, encerraron estructuras con pequeños muros.
- En contraste con las imágenes plásticas griegas, el arte romano puso alegoría, simbolismo y el carácter ilusorio del espacio. Estos inventos de la Antigua Roma en relación con las imágenes escultóricas y artísticas hicieron posible dar carácter no solo a los retratos escultóricos, sino también a las imágenes en mosaico o al fresco.
- Los antiguos artistas romanos desarrollaron la pintura de caballete, que se originó en Grecia, que prácticamente no estaba muy extendida en su patria histórica.
A pesar de la abundancia de rasgos sutiles y apenas perceptibles del lego, existe un factor que permite incluso a un no especialista determinar la pertenencia de un objeto escultórico o arquitectónico a la antigua cultura romana. Este es su tamaño. La civilización de la Antigua Roma es conocida en todo el mundo por sus grandiosos edificios y esculturas. Su tamaño es varias veces mayor que los análogos de la Antigua Grecia y otros países.
Periodización
Las bellas artes de la Antigua Roma se desarrollaron en varias etapas, que correspondieron a los períodos de la formación histórica del propio estado. Si los historiadores dividen la evolución del arte griego antiguo en formación (arcaica), floreciente (clásicos) y período de crisis (helenismo), entonces el desarrollo del arte romano antiguo adquiere nuevas características durante el cambio de la dinastía imperial. Este fenómeno se debe a que los factores socioeconómicos e ideológicos jugaron un papel fundamental en el cambio de formas estilísticas y artísticas.
Se considera que las etapas de la evolución del arte en Roma son el período del reino romano (siglos 7-5 a. C.), republicano (siglos 5-1 a. C.) y el período del Imperio Romano (siglos 1-2 d. C.) ). El verdadero florecimiento de todo tipo de artes, incluida la escultura, el teatro, la música y las artes y la artesanía, se produjo a finales del siglo I a.C. NS. y duró hasta
Arte del período zarista
La formación del arte romano antiguo se remonta al siglo VIII a. C. e., cuando los métodos etruscos de planificación de edificios, la mampostería y el uso de materiales de construcción se convirtieron en los principales motivos de la arquitectura. Esto puede ser juzgado por el Templo de Júpiter Capitolino. La pintura y la fabricación de objetos decorativos también están estrechamente relacionados con las raíces etruscas. Solo a mediados del siglo VII a. C. AC, cuando los romanos colonizaron Grecia, se familiarizaron con las técnicas artísticas de los griegos. Vale la pena señalar que los antiguos artistas romanos incluso entonces intentaron crear sus obras lo más cerca posible de los originales. Los historiadores asocian esto con la tradición de hacer máscaras de cera de la muerte, que repetían exactamente los rasgos del rostro de una persona. Los dioses de la antigua Roma, cuyas estatuas fueron hechas durante el período del reino romano, fueron representados de la misma manera que la gente común.
Arte republicano
El período republicano del estado romano estuvo marcado por la formación final de la arquitectura: sin excepción, todos los complejos (residencial y templo) adquirieron una estructura axial y simetría. La fachada del edificio se diseñó de manera más magnífica, y un ascenso conducía a la entrada (generalmente una escalera de piedra). En las ciudades, el desarrollo residencial de edificios de varios pisos se está extendiendo, mientras que los segmentos adinerados de la población están construyendo casas de campo decoradas con frescos y composiciones escultóricas. Durante este período, finalmente se formaron tipos de edificios como el teatro de la antigua Roma (anfiteatro), acueductos y puentes.
Las artes visuales se basaron en la escultura de retrato: oficial y privada. El primero sirvió para perpetuar a los estadistas, y el segundo existió gracias a los encargos de fabricación de estatuas y bustos para casas y tumbas. Los edificios públicos estaban decorados con bajorrelieves que representan escenas históricas o imágenes de la vida cotidiana del estado. En los templos, sin embargo, la mayoría de las veces se podían ver pinturas (incluidos mosaicos y frescos), que representaban a los dioses de la antigua Roma.
El Imperio Romano: el período final del desarrollo del arte
El período se considera la época del verdadero apogeo del arte romano antiguo. La arquitectura está dominada por arco, bóveda y cúpulas. Las paredes de piedra suelen estar revestidas de ladrillo o mármol. Grandes espacios del local están ocupados por pinturas decorativas y esculturas. Las bellas artes de la antigua Roma sufrieron cambios significativos durante este período. Al hacer retratos escultóricos, se presta menos atención a las características individuales, que a veces parecen algo esquemáticas. Al mismo tiempo, los escultores intentaron representar la rapidez de los movimientos, el estado emocional de la persona retratada (la posición del cuerpo, brazos y piernas, peinado, etc.). Las imágenes en bajorrelieve toman la forma de panoramas con una trama que se desarrolla gradualmente.
A diferencia del período anterior, se vuelve más complejo debido a la introducción de fondos paisajísticos y arquitectónicos. Las pinturas utilizadas para los frescos son más brillantes y las combinaciones de colores son más contrastantes. Además de los mosaicos de colores, el blanco y negro está muy extendido.
Los retratos escultóricos más famosos
Los retratos romanos de hombres de estado, dioses y héroes están representados por bustos o estatuas de tamaño natural. El primer retrato romano antiguo se considera un busto de bronce de Junius Brutus. Se puede sentir la gran influencia del arte griego en él, sin embargo, los rasgos faciales típicos de los romanos y una ligera asimetría hacen posible volver a asegurar que los antiguos escultores romanos aún entonces, en el siglo III a. e., dio a sus obras un máximo de realismo. A pesar de la falta de tecnologías modernas de procesamiento de metales, los pequeños detalles del busto están bellamente ejecutados. En primer lugar, esto se nota en el fino grabado de la barba y el cabello.
El más realista todavía se considera un retrato escultórico de Vespasiano, el emperador romano. El maestro no solo transmitió su imagen en el más mínimo detalle, sino que también dotó al busto de rasgos característicos. Los ojos atraen una atención especial: hundidos y pequeños, irradian la astucia y el ingenio naturales del emperador. Pero lo más destacable es el hecho de que el escultor también representó los detalles más pequeños (venas tensas y venas en el cuello, arrugas cruzando la frente), que hablan de la fuerza e inflexibilidad del líder estatal. No menos expresivo fue el busto de los escultores del usurero Lucius Cecilius Yukunda, cuyos ojos codiciosos y cabello grasiento están representados con asombrosa precisión.
Grandes monumentos de la arquitectura de la antigua época romana
Hasta la fecha, ninguno de los edificios construidos en la época de la Antigua Roma se ha conservado por completo. El más famoso y famoso de ellos es el Coliseo, una arena donde se llevaron a cabo luchas de gladiadores y actuaciones de estadistas de diferentes niveles, incluidos emperadores. El templo de Saturno tiene una historia no menos sorprendente, que fue destruida y reconstruida en repetidas ocasiones. A diferencia del Coliseo, no se puede ver, ya que solo quedan unas pocas columnas de la magnífica estructura. Pero lograron preservar el famoso Panteón, o el templo de todos los dioses, que es un edificio bastante grande coronado por una cúpula.
Poetas de la antigua Roma y sus obras
A pesar de la mitología tomada de los griegos, los antiguos romanos también tenían sus propios talentos en el campo de la adición de poemas, canciones y fábulas. Los poetas más famosos de Roma son Virgilio y Horacio. El primero se hizo famoso por haber escrito el poema "Eneida", que recordaba mucho a la "Ilíada" de Homero. A pesar del componente artístico y poético menos expresivo, este poema todavía se considera el estándar de la lengua latina original. Horacio, en cambio, tenía un excelente dominio de la palabra artística, gracias a lo cual se convirtió en poeta de la corte, y las líneas de sus poemas y canciones todavía aparecen en las obras de muchos escritores.
Arte teatral
El teatro de la Antigua Roma inicialmente se parecía poco a lo que consideramos hoy. Casi todas las actuaciones se llevaron a cabo en el género de concursos de poetas y músicos. Solo ocasionalmente los conocedores del arte romano antiguo disfrutaron de la actuación de los actores, acompañados por un gran coro. A menudo, al público se le mostraban actos de circo, pantomima teatral y bailes en solitario o en grupo. Un rasgo distintivo de la representación teatral romana antigua fue el gran número de la compañía. Sobre esto, la audiencia dijo que hay menos de ellos que los actores.
Vale la pena señalar que en ese entonces no se prestó mucha atención al vestuario y al maquillaje. Solo a veces, interpretando el papel de un emperador o una persona importante en el estado, los actores se vistieron con ropas rojas más magníficas. El repertorio estaba formado principalmente por obras de poetas romanos: Horacio, Virgilio y Ovidio. A menudo, las narraciones y los cánticos pausados en los teatros fueron reemplazados por sangrientas batallas de gladiadores, a las que el público acudió con no menos placer.
Música e instrumentos musicales
La música de la Antigua Roma se formó independientemente de la antigua griega. A la hora de realizar eventos y actuaciones públicas, los más populares fueron los instrumentos musicales capaces de producir un sonido muy fuerte: trompetas, cuernos y similares. Sin embargo, la mayoría de las veces durante la actuación prefirieron timbales, arpas, citharas. Vale la pena señalar que a todos les gustaba la música, incluidos los emperadores romanos. Entre los músicos y cantantes hubo quienes fueron inmortalizados en la escultura. Los cantantes y kifaredas Apelles, Terpnius, Diodorus, Anaxenor, Tigellius y Mesomedes gozaron de particular popularidad y amor por el pueblo romano de esa época. La música de la Antigua Roma sigue viva, ya que no solo se han conservado los motivos principales, sino también los instrumentos musicales.
La influencia del arte romano antiguo en la modernidad
Mucho se ha dicho sobre la influencia de la civilización romana en la modernidad y en todas partes. Por supuesto, las características de la Antigua Roma, o más bien la de su área que se relaciona con el arte, aún no se han presentado en su totalidad. Sin embargo, ya se puede argumentar que la arquitectura, la escultura y las artes visuales de la época romana antigua influyeron directamente en el componente cultural de casi todos los estados europeos. Esto es especialmente notable en la arquitectura, cuando la armonía y majestuosidad de los edificios se encierra en una forma simétrica clara.
