Música instrumental diseñada para ser interpretada en una pequeña sala por un pequeño grupo de intérpretes (conjunto, orquesta de cámara). El término "música de cámara" fue encontrado por primera vez en 1555 por N. Vicentino. En los siglos XVI y XVII, la música profana (vocal, del siglo XVII también instrumental) que sonaba en casa y en la corte se llamaba "de cámara"; en los siglos XVII y XVIII, en la mayoría de los países europeos, los músicos de la corte llevaban el título de "músicos de cámara" (en Rusia, este título existía en los siglos XVIII y principios del XIX; en Austria y Alemania, ha sobrevivido hasta el día de hoy como honorario título para instrumentistas). En el siglo XVIII, la música de cámara sonaba principalmente en los salones de la alta sociedad en un círculo estrecho de conocedores y aficionados; desde principios del siglo XIX, se realizaron conciertos públicos de cámara, a mediados del siglo XIX se convirtieron en parte integral de Vida musical europea. Con la proliferación de conciertos públicos, el término músicos de cámara comenzó a referirse a los músicos profesionales que realizaban conciertos de música de cámara. Tipos estables de conjunto de cámara: dúo, trío, cuarteto, quinteto, sexteto, septeto, octeto, noneto, decimeto. Un conjunto vocal de alrededor de 10 a 20 intérpretes generalmente se denomina coro de cámara; el conjunto instrumental, que reúne a más de 12 intérpretes, es una orquesta de cámara (los límites entre una orquesta de cámara y una pequeña orquesta sinfónica son inciertos).

La forma instrumental más desarrollada de la música de cámara es la sonata cíclica (en los siglos XVII y XVIII - sonata en trío, sonata solo sin acompañamiento o con acompañamiento de bajo continuo; ejemplos clásicos - de A. Corelli, J.S. Bach). En la segunda mitad del siglo XVIII, J. Haydn, K. Dittersdorf, L. Boccherini y V.A. la relación entre la naturaleza de la presentación de cada parte y las capacidades del instrumento para el que está destinado (anteriormente estaba permitido para realizar la misma composición con diferentes composiciones de instrumentos). L. van Beethoven, F. Schubert, F. Mendelssohn, R. Schumann y muchos otros compositores compusieron para un conjunto instrumental (principalmente un cuarteto de arco) en la primera mitad del siglo XIX. En la segunda mitad del siglo XIX, J. Brahms, E. Grieg, S. Frank, B. Smetana, A. Dvorak, en el siglo XX, crearon ejemplos destacados de música de cámara: K. Debussy, M. Ravel, P. Hindemith, L. Janacek, B. Bartok y otros En Rusia, la creación de música de cámara se ha extendido desde la década de 1770; Los primeros conjuntos instrumentales fueron escritos por D.S. Bortnyansky. La música de cámara fue desarrollada aún más por A. A. Alyabyev, M. I. Glinka y alcanzó el más alto nivel artístico en las obras de P. I. Tchaikovsky y A. P. Borodin. Se prestó mucha atención al conjunto de cámara de S. I. Taneev, A. K. Glazunov, S. V. Rachmaninov, N. Ya. Myaskovsky, D. D. Shostakovich, S. S. Prokofiev. En el proceso de desarrollo histórico, el estilo de la música de cámara ha cambiado significativamente, acercándose al concierto sinfónico o virtuoso (sinfonización de cuartetos de Beethoven, Tchaikovsky, cuartetos y quintetos de Schumann y Brahms, características de la interpretación en concierto en sonatas para violín y piano: No .9 de Kreutzer de Beethoven, Sonata de Franck, n. ° 3 de Brahms, n. ° 3 de Grieg). Por otro lado, en el siglo XX se generalizaron las sinfonías y conciertos para un reducido número de instrumentos, que se convirtieron en variedades de géneros de cámara: sinfonía de cámara (por ejemplo, la 14ª sinfonía de Shostakóvich), "música para ..." (Música para cuerdas, percusión y celesta Bartok), concertina, etc. Un género especial de música de cámara son las miniaturas instrumentales (en los siglos XIX y XX a menudo se combinan en ciclos). Entre ellos: "canciones sin palabras" para piano de Mendelssohn, piezas de Schumann, valses, nocturnos, preludios y estudios de F. Chopin, obras para piano de cámara de pequeño formato de A. N. Scriabin, Rachmaninov, N. K. Medtner, piezas para piano de Tchaikovsky, Prokofiev, muchas piezas para diversos instrumentos de compositores nacionales y extranjeros.

Desde finales del siglo XVIII y especialmente en el XIX, la música vocal de cámara (géneros de la canción y el romance) también ocupó un lugar destacado. Los compositores románticos introdujeron el género de las miniaturas vocales, así como los ciclos de canciones ("The Beautiful Miller Woman" y "Winter Way" de F. Schubert, "The Love of a Poet" de R. Schumann, y otros). En la segunda mitad del siglo XIX, I. Brahms prestó mucha atención a la música vocal de cámara; en la obra de H. Wolf, los géneros vocales de cámara ocuparon un lugar destacado. Los géneros de la canción y el romance se desarrollaron ampliamente en Rusia; M.I. Glinka, P.I. Tchaikovsky, A.P. Borodin, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakov, S. V. Rachmaninov, S. S. Prokofiev, D. D. Shostakovich, G. V. Sviridov.

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Ha entrado en el encabezado géneros musicales, donde nos familiarizaremos con más detalle con cada dirección musical. Describiremos qué es, para qué sirve y qué características tiene su ejecución. También al final habrá artículos en esta sección, que describirán cada dirección con más detalle.

¿Qué son los géneros de música?

Antes de discutir qué son los géneros musicales, conviene mencionar los siguientes. Necesitamos un cierto sistema de coordenadas para poder poner todos los fenómenos en él. El nivel más grave y global en este sistema de coordenadas es el concepto de estilo o sistema histórico-artístico.

Hay un estilo de la Edad Media, Renacimiento, Barroco o Romanticismo. Además, en cada época específica, este concepto abarca todas las artes (literatura, música, pintura, etc.).

Sin embargo, la música tiene sus propias categorías dentro de cada estilo. Existe un sistema de géneros, formas musicales y medios expresivos.

¿Qué es un género?

Cada época da a los músicos y a los oyentes un determinado conjunto de escenarios. Además, cada sitio tiene sus propias reglas del juego. Estos sitios pueden desaparecer con el tiempo o persistir durante algún tiempo.

Aparecen nuevos grupos de oyentes con nuevos intereses; aparecen nuevos escenarios escénicos, aparecen nuevos géneros.

Por ejemplo, en la era de la Edad Media europea, aproximadamente hasta finales del siglo XI, el único escenario para músicos profesionales era una iglesia. Hora y lugar de culto.

Aquí toman forma los géneros de la música religiosa. Y los más importantes de ellos (Mass y Mattet) viajarán hacia el futuro.

Si tomamos la Baja Edad Media, la era de las Cruzadas, entonces aparece aquí una nueva etapa: un castillo feudal, una corte aristócrata feudal, una fiesta de la corte o simplemente un lugar de ocio.

Y aquí surge el género de la canción profana.

Por ejemplo, el siglo XVII literalmente estalla con fuegos artificiales de nuevos géneros musicales. Aquí surgen cosas que se adelantan mucho antes de nuestro tiempo y aún permanecerán después de nosotros.

Por ejemplo, ópera, oratorio o cantata. En música instrumental, es un concierto instrumental. Incluso aparece un término como sinfonía. Aunque puede haber sido construido de manera un poco diferente a como está ahora.

Surgieron los géneros de la música de cámara. Y debajo de todo esto se encuentra la aparición de nuevos escenarios escénicos. Por ejemplo, un teatro de ópera, una sala de conciertos o un salón ornamentado de una casa aristocrática urbana.

Antes de hacerlo, asegúrese de comenzar a explorar las diferentes direcciones. Esto se refleja muy bien en la práctica. ¡Especialmente útil al crear algo nuevo!

Forma musical

El siguiente nivel es la forma musical. ¿Cuántas piezas hay en el producto? ¿Cómo funciona cada parte, cuántas secciones hay y cómo se relacionan entre sí? Esto es lo que entendemos por forma musical.

Digamos que la ópera es un género. Pero una ópera puede estar en dos actos, la otra en tres, y hay óperas en cinco actos.

O una sinfonía.

La mayoría de las sinfonías europeas conocidas están estructuradas en cuatro partes. Pero digamos que la Sinfonía fantástica de Berlioz tiene 5 movimientos.

Medios expresivos

El siguiente nivel es el sistema de medios expresivos musicales. Melodía en su unidad con el ritmo.

Ritmo Es el profundo poder organizador de todo sonido musical. Está en el corazón de la existencia de la música. Porque a través del ritmo, la vida humana se conecta con la realidad, con el cosmos.

Muchos movimientos laborales son rítmicos. Especialmente en agricultura. Hay mucho ritmo en el procesamiento de piedra y metales.

El ritmo en sí mismo aparece, quizás, antes de la melodía. Podemos decir que el ritmo se generaliza y la melodía se individualiza.

El sentimiento del ritmo, como una especie de magia, surge en las primeras etapas de la civilización. Y más tarde, en la era de la antigüedad, tal sentimiento se realizó como una idea de la conexión universal de los fenómenos, que es rítmica.

El ritmo está asociado con el número. Y para los griegos, el número era un concepto extremadamente importante del orden mundial. Y toda esta idea del ritmo duró mucho tiempo.

A principios del siglo XVII, el compositor alemán Michael Pritorius habló sobre las primeras experiencias de los italianos en la ópera (no había un ritmo ordenado): “Esta música no tiene conexiones ni medida. ¡Es un insulto al orden establecido por Dios! "

La naturaleza del movimiento es rápida, vivaz, moderada y tranquila. También marcan la pauta para cualquier superestructura que se coloque sobre ellos. Aquí también hay una sensación de conexión universal. 4 lados del carácter del movimiento, 4 lados del mundo, 4 temperamentos.

Si profundizamos aún más, entonces se trata de un timbre o coloración sonora. O digamos cómo se pronuncia la melodía. Claramente desmembrado o coherente.

Melodía, ritmo y todo lo demás aparece como una respuesta emocional directa a la realidad. Y toman forma en aquellos tiempos infinitamente lejanos en el sistema comunal primitivo, cuando una persona aún no se ha realizado a sí mismo en comparación con otros yoes o con la naturaleza.

Pero tan pronto como aparece una sociedad de clases, hay una distancia entre el yo y el otro yo, entre el yo y la naturaleza. Y luego los géneros de la música y las formas y estilos musicales ya están comenzando a formarse.

Géneros de música de cámara

Antes de hablar de los géneros de la música de cámara, miremos la dirección. Música de cámara Es música interpretada por un número reducido de intérpretes para un número reducido de oyentes.

Anteriormente, este tipo de música se solía interpretar en casa. Por ejemplo, con tu familia. Por lo tanto, se les ocurrió un nombre como cámara. Del latín, cámara significa habitación. Es decir, música pequeña, casera o de habitación.

También existe una orquesta de cámara. Esta es una versión tan pequeña (generalmente no más de 10 personas) de una orquesta regular. Bueno, tampoco hay muchos oyentes. Por lo general, se trata de familiares, conocidos y amigos.

canción folk- el género de música de cámara más simple y extendido. Antes, muy a menudo, muchos abuelos cantaron varias canciones populares a sus hijos y nietos. Se puede interpretar una misma canción con diferentes palabras. Como si agregara algo propio.

Sin embargo, la melodía en sí misma, por regla general, se mantuvo sin cambios. Solo el texto de la canción popular cambió y mejoró.

Amado por muchos romances También es un género de música de cámara. Por lo general, realizaban una pequeña pieza vocal. Por lo general, iba acompañado de una guitarra. Por eso, nos gustan mucho esas canciones líricas con guitarra. Muchos, probablemente, los conocen y los han escuchado más de una vez.

Balada- esta es una especie de historia sobre diversas hazañas o dramas. Las baladas se realizaban a menudo en las tabernas. Como regla general, elogiaron las hazañas de varios héroes. A veces se usaban baladas antes de la próxima batalla para levantar la moral de la gente.

Por supuesto, en tales canciones, a menudo se embellecían algunos momentos específicos. Pero, de hecho, sin fantasía adicional, el significado mismo de la balada habría disminuido.

Réquiem Es una misa fúnebre. Este canto coral fúnebre se realiza en las iglesias católicas. Usualmente usamos un réquiem como tributo a la memoria de los héroes populares.

- Canción sin palabras. Por lo general, está destinado a un cantante como ejercicio de entrenamiento. Por ejemplo, para desarrollar la voz de un vocalista.

Serenata- un género de música de cámara, que se interpretó para el amado. Por lo general, los hombres las realizaban debajo de las ventanas de sus amadas mujeres y niñas. Como regla general, en tales canciones, se elogió la belleza del sexo justo.

Géneros musicales instrumentales y vocales

A continuación se muestran los principales géneros de música instrumental y vocal. Para cada dirección, te daré breves descripciones. Toquemos un poco más la definición básica de cada tipo de música.

Géneros de música vocal

Hay varios géneros de música vocal. Vale la pena decir que la dirección en sí es la más antigua en la historia del desarrollo de la música. Después de todo, es la clave principal para la transición de la literatura a la música. Es decir, las palabras literarias comenzaron a usarse en forma musical.

Por supuesto, estas palabras jugaron el papel principal. Debido a lo que esa música llegó a llamarse vocal. Un poco más tarde apareció la música instrumental.

En voz, además de voz, también se pueden utilizar varios instrumentos. Sin embargo, en esta dirección, su papel queda relegado a un segundo plano.

Aquí hay una lista de los principales géneros de música vocal:

• Oratorio- una pieza muy grande para solistas, orquesta o coro. Por lo general, estas obras tratan problemas de naturaleza religiosa. Un poco más tarde aparecieron los oratorios seculares.
• Ópera- una enorme obra dramática que combina los géneros de la música instrumental y vocal, la coreografía y la pintura. Aquí se asigna un papel especial a varios números solistas (aria, monólogo, etc.).
• Música de cámara- se mencionó anteriormente.

Géneros musicales instrumentales

Música instrumental- son composiciones que se interpretan sin la participación de un vocalista. De ahí el nombre instrumental. Es decir, se realiza solo a expensas de los instrumentos.

Muy a menudo, muchos intérpretes de sus álbumes utilizan el instrumental como pistas extra del álbum. Es decir, se pueden seleccionar varias de las composiciones más populares y luego se pueden grabar sus versiones sin voz.

O pueden seleccionar completamente todas las canciones del álbum. En este caso, el álbum se lanza en dos versiones. Esto generalmente se hace para aumentar el valor del producto y subir el precio del mismo.

Hay una lista para ciertos géneros de música instrumental:

• Música dance- normalmente música de baile sencilla
• Sonata- utilizado como solo o dúo para música de cámara
• Sinfonía- sonido delgado para una orquesta sinfónica

Géneros de canciones populares rusas

Hablemos de los géneros de las canciones populares rusas. Reflejan todo el encanto del alma del pueblo ruso. Por lo general, en tales obras musicales se elogia la naturaleza de la tierra natal, los héroes y los trabajadores comunes. También menciona las alegrías y las desgracias del pueblo ruso.

Aquí hay una lista de los principales géneros de canciones populares rusas:

• Canciones laboristas- Tarareaba mientras trabajaba para facilitar la actividad laboral humana. Es decir, era mucho más fácil para los empleados trabajar con este tipo de canciones. Marcan el ritmo del trabajo. Tales obras musicales reflejan la vida básica de la clase trabajadora. Las exclamaciones laborales se usaban a menudo para el trabajo.
• Cancioneros Es un género de música folclórica muy común. Por lo general, es una pequeña cuarteta con una melodía que se repite. Chastooshkas tenía un gran sentido de la palabra rusa. Expresaron el estado de ánimo básico de la gente.
• Canciones de calendario- utilizado en varios días festivos del calendario. Por ejemplo, en Navidad o Nochevieja. Además, este género musical fue muy utilizado para la adivinación o al cambiar las estaciones.
• Canción de cuna- Canciones suaves, sencillas y cariñosas que las madres cantaban a sus hijos. Como regla general, en tales canciones, las madres presentan a sus hijos el mundo que las rodea.
• Canciones familiares- utilizado en varias vacaciones familiares. Este género quedó muy bien reflejado en las bodas. También se usó para dar a luz a un niño, enviar a un hijo al ejército, etc. Vale la pena decir que tales canciones iban acompañadas de un cierto rito. Todo esto junto ayudó a proteger contra las fuerzas oscuras y varios problemas.
• Composiciones líricas- en tales trabajos, se menciona la mala suerte del pueblo ruso. Por ejemplo, se menciona muy a menudo sobre la dura vida de las mujeres y la dura vida de los campesinos comunes.

Géneros de música contemporánea

Ahora hablemos de los géneros de la música contemporánea. Hay bastantes de ellos. Sin embargo, todos se apartan de las tres direcciones principales de la música moderna. Aquí hablaremos un poco de ellos.

Roca

El rock es popular hoy en día. Incluso si puede que no sea el mismo que antes, pero en nuestro tiempo se ha fortalecido de manera confiable. Por tanto, no se puede dejar de mencionarlo. Y la propia dirección dio impulso al nacimiento de muchos géneros. Éstos son algunos de ellos:

• Folk rock- se utilizan bien los elementos de las canciones populares
• Pop rock- música para una audiencia muy amplia
• Piedra dura- música más pesada con sonido áspero

Música pop

La música popular también abarca muchos géneros que se utilizan a menudo en la música moderna:

• casa- música electrónica reproducida en un sintetizador
• Trance- música electrónica con predominio de melodías tristes y cósmicas
• Disco- música de baile con abundantes secciones rítmicas de batería y bajo

Rap

El rap ha ido ganando impulso en los últimos años. De hecho, esta dirección prácticamente no tiene voces. Básicamente, aquí no cantan, sino como si leyeran. De aquí viene la frase leer rap. Aquí hay una lista de algunos de los géneros:

• Rapcore- una mezcla de rap con música pesada
• Rap alternativo- una mezcla de rap tradicional con otros géneros
• Rap de jazz- una mezcla de rap con jazz

Géneros de música electrónica

Echemos un vistazo más de cerca a los principales géneros de música electrónica. Por supuesto, no tocaremos todo aquí. Sin embargo, analizaremos algunos de ellos. He aquí una lista:

• casa(casa) - apareció en los años 80 del siglo pasado. Tiene su origen en la discoteca de los 70. Apareció gracias a los experimentos de los DJ. Características principales: ritmo de tiempo repetitivo, tamaño 4x4 y muestreo.
• Casa profunda(deep house): música más ligera y atmosférica con un sonido denso y profundo. Incluye jazz y elementos ambientales. La creación utiliza solos de teclado, órgano eléctrico, piano y voces femeninas (en su mayoría). Se viene desarrollando desde finales de los 80. Las voces de este género siempre ocupan un lugar secundario. En el primero hay melodías y sonidos para retratar el estado de ánimo.
• Casa garaje(garage house): lo mismo que deep house, solo las voces se llevan al papel principal.
• Nueva discoteca(nu disco) es un género musical más moderno basado en un resurgimiento del interés por la música disco. Es muy popular ahora volver a las raíces. Por lo tanto, este género se basa en la música de los años 70 y 80. El género en sí apareció a principios de la década de 2000. Utiliza sonidos sintetizados similares a los sonidos de instrumentos reales para crear discos de los años 70 y 80.
• Soul full house(soulful house): la base se toma del house con un patrón rítmico de 4 × 4, así como voces (completas o en forma de samples). Las voces aquí son en su mayoría conmovedoras y muy hermosas. Además del uso de una variedad de instrumentos musicales. Una disponibilidad tan rica de instrumentos anima muy bien la música de este género.

Géneros de rap

Pasemos a considerar los principales géneros del rap. Esta área también se está desarrollando activamente. Por lo tanto, sería bueno tocarlo también. Aquí hay una breve lista de géneros:

• Rap de comedia- Música inteligente y divertida para entretenerse. Tiene una mezcla de hip-hop real y humor casual. El rap de comedia apareció en los años 80.
• Rap sucio- rap sucio, caracterizado por graves fuertes pronunciados. En su mayoría, esta música está destinada a plantar al público en varias fiestas.
• Gangsta rap- música con un sonido muy fuerte. El género musical apareció a finales de los 80. Los elementos del rap hardcore se tomaron como base paterna para esta dirección.
• Rap duro- Música agresiva con samples ruidosos y ritmos pesados. Apareció a finales de los 80.

Géneros de música clásica

Hay obras divididas en muchos géneros de música clásica. Estuvieron especialmente extendidos en el siglo XVIII. Aquí hay una lista parcial de destinos:

• Obertura- una breve introducción instrumental a una actuación, obra de teatro u obra.
• Sonata- una pieza para intérpretes de cámara, que se utiliza como solista o dúo. Consta de tres partes conectadas entre sí.
• Ejercicio musical- una pequeña pieza instrumental diseñada para perfeccionar la técnica de la interpretación musical.
• Scherzo- el comienzo de la música con un ritmo vivo y rápido. Básicamente, transmite al oyente momentos cómicos e inesperados en la obra.
• Ópera, sinfonía, oratorio- fueron mencionados anteriormente.

Géneros de la música rock

Ahora echemos un vistazo a algunos géneros de música rock distintos a los ya mencionados anteriormente. Aquí hay una breve lista con una descripción:

• Rock gótico- Música rock con una dirección gótica y oscura. Apareció a principios de la década de 1980.
• Grunge- Música con un sonido de guitarra sólido y letras oscuras y deprimentes. Apareció en algún lugar a mediados de la década de 1980.
• Folk rock- formado como resultado de la mezcla de rock con música folclórica. Apareció a mediados de la década de 1960.
• Roca vikinga- punk rock con elementos de la música folclórica. Tales obras revelan la historia de Escandinavia y los propios vikingos.
• Trashcore- hardcore más rápido. Las piezas suelen ser pequeñas.

Géneros de música sacra y profana

Echemos un vistazo a algunos de los géneros de música sacra y secular. Para empezar, definamos estas dos direcciones. Aprenderás qué es y cuál es la diferencia. Después de eso, repasemos algunos géneros.

Musica espiritual

La música sacra está destinada a curar el alma. Tales obras se utilizan principalmente en servicios en iglesias. Por lo tanto, algunas personas también lo llaman música de iglesia. Aquí hay una pequeña lista de sus géneros:

• Liturgia- Servicio de Semana Santa o Navidad. Lo realiza un coro y también puede involucrar a solistas individuales. Como regla, se insertaron varias escenas de eventos de las Escrituras en el drama litúrgico. A menudo se utilizaron elementos de teatralización.
• Antífona- Música repetitiva interpretada alternando varios grupos corales. Por ejemplo, los mismos versos se pueden cantar alternativamente entre dos caras. Las antífonas son de varios tipos. Por ejemplo, festivos (festivos), tranquilo (domingo), diario, etc.
• Rondel- fue creado con la melodía original en forma de una forma especial con la siguiente introducción vocal al mismo motivo.
• Propio- parte de la misa, que varía según el calendario de la iglesia.
• Ordinario- parte inalterada de la masa.

Musica secular

La música secular es reconocida por mostrar el carácter nacional de varias culturas. Se describió principalmente la imagen principal y la vida de una persona común. Este tipo de música era muy común entre los músicos itinerantes en la Edad Media.

MÚSICA DE CÁMARA (del siglo medio Lat. Camera - room; Italian musica de camera; French musique de chambre; English Chamber Music; German Kammermusik) - un tipo de arte musical, destinado a la interpretación en salas pequeñas o para tocar música en casa. Se caracteriza por composiciones instrumentales específicas (desde un solista hasta varios, combinados en un conjunto) y características de presentación musical: detalle de medios expresivos melódicos, entonacionales, rítmicos y dinámicos. Tiene grandes capacidades para transmitir emociones y las gradaciones más sutiles de los estados mentales humanos. Si bien los orígenes de la Música de Cámara se remontan a la Edad Media, el término echó raíces en los siglos XVI y XVII. Durante este período, la música de cámara, en contraste con la música de iglesia y teatral, significaba música secular destinada a ser interpretada en el hogar o en las cortes de los monarcas. K ser. siglo 18 la distinción entre música de cámara y música de concierto (orquestal y coral) se hace cada vez más clara.

Un género especial son las MINIATURAS INSTRUMENTALES DE CÁMARA. En los siglos XIX y XX. a menudo se combinan en ciclos. Entre ellos: "canciones sin palabras" de Mendelssohn, obras de R. Schumann, valses, nocturnos, preludios y estudios de F. Chopin, obras de pequeño formato de A. N. Scriabin, S. V. Rachmaninoff, "Fleetingness" y "Sarcasm". S Prokofiev, preludios de DD Shostakovich, "Marginalia" de J. Rääts, skr. obras de teatro como "Melodías" y "Scherzo" de P. I. Tchaikovsky, preludios de Tsintsadze, etc.

Desde el final. siglo 18 y especialmente en el siglo XIX. Un lugar destacado en el arte lo ocupó la MÚSICA DE CÁMARA VOCAL (en los géneros de la canción y el romance). Los compositores románticos le prestaron especial atención. Introdujeron el género de las miniaturas vocales, así como los ciclos vocales y de canciones unidos por una idea ("The Winter Way" de F. Schubert, "Love and the Life of a Woman" de R. Schumann, etc.). Los géneros de la canción y el romance se desarrollaron ampliamente en Rusia (desde el siglo XVIII); alturas artísticas M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, P. I. Tchaikovsky, A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, I. A. Rimsky-Korsakov, S. V. Rachmaninov.

SONATA (sonata italiana, de sonare - to sound) es uno de los principales géneros de la música instrumental. En el siglo 16. Se estableció el concepto de la Sonata como una composición destinada a la interpretación instrumental, en contraposición a una cantata para la interpretación vocal. La sonata tomó forma durante el siglo XVIII. El estilo es clásico. Sonatas vienesas: en las obras de J. Haydn, W. A. ​​Mozart, M. Clementi S. es una sonata-sinfonía de 3 partes. ciclo e involucra a no más de dos artistas.

TRIO (trío italiano, del latín tres, tria - tres) - 1) un conjunto de artistas de tres personas; ver también Tercet. 2) Producción musical. para tres instrumentos o voces cantantes. L. Beethoven, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, P. I. Tchaikovsky, S. I. Taneev, S. V. Rachmaninov, D. D. Shostakovich crearon ejemplos sobresalientes del trío de piano.

QUARTET (cuarteto italiano, del latin quartus - el cuarto; cuarteto francés; cuarteto alemán; cuarteto inglés) - 1) un conjunto de 4 intérpretes (instrumentistas o vocalistas). En la música instrumental de cámara, pueden ser homogéneos (4 con arco, 4 instrumentos de viento, 4 metales, etc.) o mixtos. Las cuerdas (arqueadas) se generalizaron (2 violines, viola, violonchelo).

PRELUDE, preludio (Medio siglo lat. Praeludium, del lat. Praeludo - toco preliminarmente, hago una introducción), es una pequeña pieza instrumental. Originalmente de carácter improvisado, la introducción a la pieza principal (normalmente una fuga) de un ciclo de 2 partes (P. y fuga de D. Buxtehude, "HTK" de JS Bach) o a una obra cíclica de varias partes. En los siglos XVI-18. el género se configura como una obra de teatro independiente, según la naturaleza y el tipo de presentación de una fantasía cercana. En el siglo 19. se convierte en uno de los géneros de pequeñas formas más difundidos en la obra de los compositores románticos (ciclos de preludios de F. Chopin, A. N. Scriabin, y otros). En las obras de compositores del siglo XX. interpretado de manera multifacética: puede realizar una función introductoria (D. D. Shostakovich, R. K. Shchedrin), ser una pieza independiente (S. V. Rachmaninov, Shostakovich) o una composición ampliada (Preludio op. 44 de Schoenberg, "Preludios" para orco. Debussy) .

ETUDE (del francés etude - literalmente enseñar, estudiar) es una pieza musical instructiva originalmente destinada solo a mejorar las habilidades técnicas para tocar el instrumento. El desarrollo del género se asocia principalmente con el florecimiento del siglo XIX. interpretación virtuosa en el piano. Posteriormente apareció para violín (R. Kreutzer, P. Rode), para violonchelo (D. Popper) y otros instrumentos. Entre los compositores románticos (N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin, R. Schumann, F. Mendelssohn, I. Brahms, etc.) se convierte en una obra artísticamente significativa, interpretada como una brillante pieza de concierto o como una miniatura como un preludio ... Más tarde en las obras de los rusos (A.K. Lyadov, A.S. Arensky, S.V. Rachmaninov, A.N. Scriabin, I.F. Stravinsky), soviéticos (S.S.Prokofiev, D.D.Shostakovich, NP Rakov, DDKabalevsky, etc.) y compositores extranjeros (K. Debussy, O. Messiaen, B. Bartok, K. Shimanovsky, etc.) mientras desarrolla una cierta habilidad interpretativa, conserva el valor de una composición artística.

SONG (cantus latino, cantio; canzona italiana; chanson francés; canción inglesa; Lied alemán) es el género más común de música vocal, así como una designación general de una obra poética destinada al canto o recitación. La clasificación de género se puede hacer según varios criterios: contenido verbal y musical (revolucionario, patriótico, lírico, satírico, marchante, danza, etc.), funcionamiento social (campesino, urbano, doméstico, combatiente militar, etc.), texturas, etc. . intérpretes (solteros y polifónicos, solistas y corales, con o sin acompañamiento instrumental). La forma musical está asociada a la estructura y contenido del texto poético. La forma más común es la forma de verso; la canción del autor es creada por el compositor (no el folclore). Entre los principales compositores: F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, H. Wolf, G. Mahler, R. Strauss (Austria y Alemania); G. Berlioz, C. Gounod, F; Massenet, G. Fauré (Francia); L. A. Alyabyev, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky, A. P. Borodin, M. P. Mussorgsky, P. I. Tchaikovsky, S. V. Rachmaninov (Rusia).

Sin embargo, al principio. siglo 20 el concepto de Canción del autor adquirió un doble significado: la Canción (romance) es un género "alto" de música seria compuesta por el compositor principalmente para interpretación profesional, y la Canción "popular" (incluyendo pop y masas), a menudo creada sin fijación escrita por los propios intérpretes (en Francia - chansonnier, en los EE. UU., Gran Bretaña y otros países - músicos de rock, en la URSS - los llamados bardos.

ROMANCE (romance español) es una pieza vocal de cámara para voz con un instrumento. El término se originó en España y originalmente denotaba un poema en español ("Romance"), destinado a la interpretación musical. Se diferencia de la canción en el mayor detalle de la melodía y su conexión con la letra, el papel expresivo del acompañamiento instrumental. Los romances se subdividen en variedades de género: balada, elegía, barcarola y otros. R. se convierte en uno de los géneros principales, lo que refleja la tendencia característica de la era del romanticismo: la reproducción del mundo interior del hombre en toda la psicología, matices (las obras de F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, H. Wolf y otros). se están formando escuelas nacionales en Rusia (M.I. Glinka, A.S.Dargomyzhsky, M.A. Balakirev, Ts.A. Cui, M.P. PI Tchaikovsky, SV Rachmaninov), en Francia (C. Gounod, J. Bizet, J. Massenet), en la República Checa Republic (B. Smetana, A. Dvorak), en Polonia (M. Karlovich, K. Shimanovsky), en Noruega (H. Hjerulf, E. Grieg), y otros. el problema de la síntesis de música y poesía se plantea de una manera nueva: aparecen poemas con música (S.I.Taneev, Rachmaninov, N.K. Medtner, S.S. Prokofiev, K. Debussy), verso libre e incluso prosa; se utilizan nuevos métodos de recitación (A. Schoenberg); la música folclórica y los géneros del habla (I.F.Stravinsky) penetran en el Romance. La tradición del romance fue desarrollada creativamente por compositores soviéticos (Prokofiev, Shostakovich, N. Ya. Myaskovsky, AN. A. Aleksandrov, Yu. A. Shaporin, Sviridov).

VOCALISE (vocalización francesa, del latín vocalis - sonido vocal; sonoro, melodioso) - 1) ejercicio realizado sobre un sonido vocal para el desarrollo de la técnica vocal, especialmente compuesto o improvisado por el cantante. 2) Pieza de concierto, más a menudo para soprano con acompañamiento instrumental. La ausencia de palabras y cantilencia, a veces virtuosismo ("Vocalise en forma de habanera" de Ravel) permite mostrar vívidamente la belleza y sofisticación de la voz ("Vocalise" de Rachmaninov). En el siglo 20. V. aborda géneros instrumentales (5 melodías para voz o violín y piano de Prokofiev; estudio de Shimanovsky), incluidos los grandes (sonata-Vocalise, suite-Vocalise de Medtner; concierto para voz y orquesta de Glier).

QUÉ ES MÚSICA DE CÁMARA Música de cámara (del italiano. Sala de cámara, cámara de cámara) música interpretada por un pequeño grupo de músicos yo vocalistas. Al realizar una obra de cámara, solo un instrumento (voz) interpreta cada parte, a diferencia de la música orquestal, donde hay grupos de instrumentos tocando al unísono.

GÉNERO DE MÚSICA DE CÁMARA Según la clasificación aceptada, el concepto de "música de cámara" incluye dúos, tríos, cuartetos, quintetos, septetos, octetos y nulos, con una amplia variedad de instrumentos. Algunos géneros para solo con acompañamiento también pertenecen a la cámara: por ejemplo, romances (cámara - género vocal) o sonatas instrumentales (cámara - género instrumental).

ACTORES Los principales intérpretes de música de cámara: SERGEY VASILIEVICH RACHMANINOV - años. LUDWIG VAN BEETHOVEN - años. JOHANNES BRAMS - años. GEORGES BIZET - años. JOHANN SEBASTIAN BACH - Sres.

ESTILOS La música de cámara se puede escribir en cualquier estilo. Su principal diferencia es que las obras están diseñadas para un número reducido de músicos. De hecho, la "música de cámara" en sí misma ya es un estilo.

ORQUESTA DE CÁMARA También existe el concepto de orquesta de cámara, por regla general, es una composición reducida (no más de una persona) de una orquesta de cuerdas, a veces con la adición de varios instrumentos de viento.

ENSAMBLE DE CÁMARA Un conjunto que interpreta música de cámara se llama conjunto de cámara. Como regla general, un conjunto de cámara incluye de dos a diez músicos, rara vez más. Históricamente, las composiciones instrumentales canónicas de algunos conjuntos de cámara se han desarrollado, por ejemplo, el trío de piano, el cuarteto de cuerdas, etc.

La música de cámara es música instrumental o vocal para un pequeño elenco de intérpretes: composiciones en solitario, varios tipos de conjuntos (dúo, trío, etc.), romances y canciones. La música de cámara se desarrolló junto con la música orquestal del siglo XVI y gravitó más hacia la música instrumental que vocal.

En su significado original, la música de cámara estaba destinada a interpretarse en salas relativamente pequeñas (en su mayoría en el hogar), a diferencia de la música destinada a la interpretación en una iglesia, teatro o sala de conciertos grande, por lo que el número de intérpretes es muy limitado, los instrumentos son no elegido particularmente fuerte en sonido, por ejemplo cuerdas (cuartetos, quintetos, sextetos, octetos), mucho menos a menudo instrumentos de viento de madera (quinteto de Mozart para clarinete con cuerdas, quinteto de Beethoven para piano, oboe, clarinete, fagot, corno francés, su septeto es- dur para piano, violín o viola, violonchelo, contrabajo, clarinete, fagot, trompa).

La interpretación constante de música de cámara en conciertos públicos ha cambiado el significado del término. Desde finales del siglo XVIII, la expresión "música de cámara" se ha aplicado a las obras escritas para su interpretación por un conjunto, en las que cada parte está destinada a un intérprete (y no a grupos, como en un coro y orquesta) y todas las partes. son más o menos iguales (a diferencia de las obras para una voz solista o un instrumento con acompañamiento).

Se pueden rastrear tres períodos en la historia de la música de cámara:

El período de 1450 a 1650 se caracterizó por el desarrollo de la técnica de tocar violas e instrumentos de otras familias, la separación gradual de la música puramente instrumental con el predominio continuado del estilo vocal. Entre las obras supervivientes de este período, escritas especialmente para composiciones instrumentales sin voz, se encuentran las fantasías de Orlando Gibbons y la canzona y sonatas de Giovanni Gabrieli.

Musica sinfonica

Música sinfónica: piezas musicales destinadas a ser interpretadas por una orquesta sinfónica. Incluye grandes obras monumentales y pequeñas obras de teatro. Géneros principales: sinfonía, suite, obertura, poema sinfónico. La orquesta sinfónica, un gran grupo de músicos, incluye tres grupos de instrumentos: viento, percusión y cuerdas fritas.

La composición clásica (doble o doble) de la pequeña orquesta sinfónica se formó en las obras de J. Haydn (dobles de metales, timbales y quinteto de cuerdas). Una pequeña orquesta sinfónica moderna puede tener una composición irregular.

En la gran orquesta sinfónica (de principios del siglo XIX) se ampliaron los grupos de vientos, la percusión, se introdujeron arpas, a veces un piano de cola; el grupo de cuerdas arqueadas aumenta numéricamente. El nombre de la composición de la orquesta sinfónica viene determinado por el número de instrumentos de cada familia de vientos (doble, triple, etc.).

Sinfonía (de la sinfonía griega - consonancia) es una pieza musical para una orquesta sinfónica, escrita en forma de sonata cíclica, la forma más alta de música instrumental. Por lo general, consta de 4 partes. El tipo clásico de sinfonía tomó forma a finales del siglo XVIII y principios del XIX. (J. Haydn, W. A. ​​Mozart, L. V. Beethoven). Las sinfonías líricas (F. Schubert, F. Mendelssohn) y las sinfonías programadas (G. Berlioz, F. Liszt) adquirieron gran importancia entre los compositores románticos.

Los compositores de Europa occidental de los siglos XIX y XX hicieron una contribución importante al desarrollo de las sinfonías: I. Brahms, A. Bruckner, G. Mahler, S. Frank, A. Dvořák, J. Sibelius y otros. lugar significativo en la música rusa: A. Borodin, P.I. Tchaikovsky, A.K. Glazunov, A.N. Skryabin, S.V. Rachmaninov, N.Ya. Myaskovsky, S.S. Prokofiev, D.D. Shostakovich, A.I. Khachaturian y otros.

Las formas cíclicas de música instrumental son formas musicales que se componen de varias partes relativamente independientes que juntas revelan un concepto artístico único. La forma cíclica de la sonata, por regla general, consta de cuatro partes: 1ª rápida en forma de sonata, 2ª lírica lenta, 3ª rápida (scherzo o minueto) y 4ª rápida (final). Esta forma es típica de una sinfonía, a veces una sonata, un conjunto de cámara, una forma cíclica abreviada (sin scherzo o minueto) es típica de un concierto, una sonata. Otro tipo de forma cíclica está formada por una suite, a veces variaciones (orquestal, piano), en la que el número y la naturaleza de las partes pueden ser diferentes. También hay ciclos vocales (una serie de canciones, romances, conjuntos o coros), unidos por una trama, palabras de un autor, etc.

Suite (suite francesa, letras - fila, secuencia), pieza musical cíclica instrumental de varias partes contrastantes. La suite se distingue de la sonata y la sinfonía por la ausencia de una regulación estricta del número, el carácter y el orden de las partes, una estrecha conexión con la canción y la danza. Suite 17-18 siglos consistió en allemande, chime, sarabanda, gigi y otros bailes. En los siglos XIX y XX. Se crean suites orquestales sin danza (PI Tchaikovsky), a veces programáticas ("Scheherazade" de N.A. Rimsky-Korsakov). Hay suites compuestas por música de óperas, ballets, así como música para representaciones teatrales.

Obertura (francés ouverture, del latín apertura - apertura, comienzo), una introducción orquestal a una ópera, ballet, actuación dramática, etc. (a menudo en forma de sonata), así como una pieza orquestal independiente, generalmente de naturaleza programática.

El poema sinfónico es un género de música programada sinfónica. Una obra orquestal de un solo movimiento, de acuerdo con la idea romántica de la síntesis de las artes, que admite diversas fuentes del programa (literatura, pintura, menos a menudo filosofía o historia). El creador del género es F. List.

Música programada: piezas musicales que el compositor proporcionó con un programa verbal que concretiza la percepción. Muchas obras programáticas están asociadas con tramas e imágenes de obras literarias destacadas.