El baile pomposo en la finca de los Larin ha sido reemplazado por reuniones en casa con pasteles y bailes (bailando Onegin - Mariusz Kvechen y Olga - Margarita Mamsirova) Foto de Pavel Smertin (Kommersant)
	Sergey Khodnev. ... Nuevo "Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi ( Kommersant, 04.09.2006). Julia Bederova. ... Nuevo "Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi ( Vremya Novostei, 09/04/2006). Petr Pospelov. La nueva "Eugene Onegin" resultó ser una ópera un poco familiar ( Vedomosti, 04.09.2006). Maria Babalova. ... Ekaterina Biryukova. ( Izvestia, 04.09.2006). Gulara Sadikh-zade. ... En la apertura de la temporada, el Teatro Bolshoi mostró el estreno de "Eugene Onegin" ( Periódico, 04.09.2006). Marina Gaikovich. ... El Teatro Bolshoi abrió la temporada con el estreno de la ópera de Tchaikovsky "Eugene Onegin". NG, 04.09.2006). Natalia Zimyanina. ... El Teatro Bolshoi abrió la temporada con el nuevo "Eugene Onegin" ( VM, 04.09.2006). Alena Karas. ... "Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi cantó en la mesa ( RG, 05.09.2006). Sergey Biryukov. ... Onegin mató a Lensky en una pelea de borrachos ... ( Laboral, 05.09.2006). Dmitry Morozov. ... "Eugene Onegin" de Dmitry Chernyakov en el nuevo escenario del Teatro Bolshoi ( Cultura, 07.10.2006). Alexey Parin. "Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi se construye como una actuación dramática y, por lo tanto, se convierte en un evento de ópera ( MN, 08.10.2006). Marina Zayonts. "Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi es el primer estreno significativo de la nueva temporada teatral ( Resultados, 11.09.2006). Leila Guchmazova. ... En la nueva función del Teatro Bolshoi, realmente no puede dispararse a sí mismo ( Mensajería rusa, 11.09.2006). Svetlana Savenko. Nuevo "Onegin" en el escenario del Bolshoi ( Novaya Gazeta, 11.09.2006). Elena Tretyakova. ... Estrenos de los Teatros Bolshoi y Mariinsky ( PTZh, 09.2006).

Eugene Onegin. El Teatro Bolshoi. Prensa sobre la actuación

Kommersant, 4 de septiembre de 2006

Beber canciones

Nuevo "Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi

El primer estreno de la temporada tuvo lugar en el Teatro Bolshoi. Para poner en escena "Eugene Onegin" de Tchaikovsky, una de las óperas rusas más importantes, el teatro invitó a Dmitry Chernyakov, un director con reputación de subvertir los cimientos. Sergei Khodnev vio la obra, donde no hay mermelada, ningún jardín con un banco, ningún duelo entre los ventisqueros o, horror del horror, una boina de frambuesa.

"Esto es un ultraje a la cultura rusa", anunció en voz alta la dama sentada a su lado, tan pronto como cayó el telón después del último acorde. "¡Esto ... esto es peor que Sorokin!"

Tales exclamaciones ("¿de dónde lo consigue?") Se escuchaban a menudo entre el público que abandonaba el teatro. Lo que, sin embargo, no hace que esta reacción sea comprensible ni por un segundo. La gente acudió en masa a las funciones de estreno, atraída precisamente por los rumores de que algo terrible estaba a punto de suceder con la ópera de Tchaikovsky. Esperaron el espectáculo de Tatyana enviando SMS a Onegin mientras estaban sentados en el inodoro, o Onegin besando apasionadamente a Lensky en medio del basurero al son de un vals del segundo acto. Entonces, si tales fantasmas se toman como una medida de extravagancia, entonces la actuación real parece bastante vegetariana.

En principio, no hay nada que pueda interpretarse como impactante por escandaloso. Dmitry Chernyakov dijo que el rango visual (en el sentido de vestuario e interiores) en su producción generalmente carece de importancia. Y mentía: los mismos interiores, inventados por el propio director, son minuciosos e hiperrealistas y juegan un papel no tan insignificante. Sí, todo lo que sucede en el escenario tiene poco que ver con la era Pushkin. Pero tampoco se vislumbra el siglo XXI. En términos de características estilísticas, la acción de la actuación se puede atribuir a mediados del siglo XX; No es accidental que para nosotros este sea aproximadamente el mismo grado de antigüedad que los tiempos de Pushkin para los contemporáneos de Tchaikovsky. Pero es completamente irrazonable volcar esta cronología en la historia de Rusia: sí, los años 50, las dachas del Comité Central, la élite del partido, etc., la puesta en escena, afortunadamente, elude una concretización tan banal en todas las formas posibles. Con una abundancia de tonterías cotidianas, sigue siendo solo una generalización, y no una transferencia mecánica del tiempo de acción.

Debe decirse de inmediato que la actuación, a pesar de todo, es más bien de cámara. Como en el caso de "Tristán e Isolda", el director destaca una especie de caja en el espacio del escenario, donde se desarrolla toda la acción. En la primera parte (correspondiente a las cinco primeras escenas de la ópera), esta es una habitación en la casa de los Larin, espaciosa, luminosa, de hecho muy "dacha" en espíritu. En la segunda (las dos últimas imágenes, respectivamente) hay un salón ceremonial en la casa de Gremin con una solemne abundancia de rojo y una araña de cristal gigante. En cualquier caso, hay una gran mesa de comedor en el medio de la habitación.

En la mesa de la primera imagen, los invitados sucios beben té como en verano, para quienes Tatyana y Olga cantan a dúo. Los invitados son invitados a un pastel de Larina Sr. (en la primera composición - Makvala Kasrashvili, en la segunda - Irina Rubtsova): una tonta dama de mediana edad que a veces se ríe, recordando su juventud, luego derrama una lágrima, escuchando a los invitados. que están completamente hinchados cantando el coro "Me duelen las patitas" ... Alrededor de la misma mesa, por supuesto, los eventos se desarrollan durante el onomástico de Tatyana. Finalmente, se lleva a cabo un banquete en casa de los Gremin, solo que bastante elegante, con camareros y vestidos de noche. El tintineo cotidiano de los platos acompaña casi toda la actuación: si el próximo banquete no tiene lugar, las criadas se apresuran alrededor de la mesa, cuyo celo sordo da a los acontecimientos que se desarrollan una especial agudeza, franqueza e indefensión.

Por lo demás, volver a contar la actuación de Dmitry Chernyakov es bastante estúpido: no se puede contar casi nada nuevo y ensordecedor. Bueno, sí, Eugene Onegin es un socialité retraído, algo inquieto, que es rechazado por los invitados de Larin y que es recibido con escepticismo por los Gremins. Lensky es un entusiasta poeta romántico fuera de este mundo, infructuosamente enamorado de la estúpida niña Olga. Tatiana es una chica salvaje, un poco autista y con sentimientos profundos que se convierte en una mujer adulta brillante y arrogante al final. La no trivialidad de la interpretación del director radica más bien en la forma en que se perfilan todos estos personajes. Y estos métodos realmente van más allá del tradicional "Onegin".

En este sentido, hay momentos de especial agudeza en la actuación, que a la vez son casi los más espectaculares. Al principio, Tatyana no escribe su carta, pero habla, y estalla un grado casi catastrófico de estrés psicológico: tira las sillas, salta sobre la mesa y, de repente, la lámpara de araña en el techo se calienta hasta el límite y luego se quema. afuera, y una ráfaga de viento abre las contraventanas cuidadosamente cerradas por la niñera, y la luz natural de la madrugada se precipita a través de la ventana. (La puntuación ligera de la actuación, creada por Gleb Filshtinsky, con toda su pura credibilidad, está bien afectada). Las coplas de Monsieur Triquet son cantadas por el propio Lensky: la desesperación lo lleva al punto que comienza a hacerse el tonto con los carcajadas y los gritos de los invitados, esparciendo confeti y disparando un petardo.

La escena del duelo fue bastante conmovedora. En primer lugar, el director aquí rindió un inesperado homenaje a la tradición, aunque el abatido y aplastado Lensky canta "¿Dónde, dónde has ido?" Cualquier cosa, un ventisquero, se va con sus poemas, que fueron esparcidos por los invitados divididos. No hay duelo como tal. Aunque Lensky lo sacudió con un rifle de caza cargado, nada hubiera pasado, dicen, si no hubiera sido por negligencia. Onegin intenta evitar problemas y desactivar el arma, Lensky intenta arrebatar el arma y luego, inesperadamente, dispara: un absurdo que hace que lo que sucedió sea aún más trágico. Las armas de fuego para la simetría vuelven a aparecer, en la escena final, cuando Onegin intenta dispararse a los pies de Tatyana, y esta vez el arma falla.

Las puestas en escena en todos estos eventos se resuelven con la máxima naturalidad y facilidad: los cantantes rara vez vuelven la cara al público, lo que, lamentablemente, no siempre tiene un buen efecto en la calidad de los conjuntos. Pero esta es quizás la única afirmación que se puede hacer al lado musical de la producción. Tanto el elenco de solistas de estreno (reclutados no solo de la compañía Bolshoi, sino también de otros teatros musicales nacionales, así como la participación de cantantes internacionales) son simplemente extremadamente buenos. La magnífica Tatyana interpretada por Tatyana Monogarova y Ekaterina Shcherbachenko compitió en igualdad de condiciones entre sí. El Onegin de Vladislav Sulimsky perdió ante el primer ministro Onegin del polaco Mariusz Kvechenya solo con una dicción menos distinta.

Fue extremadamente interesante comparar a Lensky interpretado por Andrei Dunaev (el primer elenco) y el joven australiano Andrew Goodwin: a pesar de que vocalmente ambos fueron muy convincentes, el primer héroe resultó no ser tanto un joven entusiasta como un hombre. que vivió y por lo tanto fue más infeliz al final. Olga muy exitosa resultó ser Margarita Mamsirova, que cantó ambas noches, al igual que Alexander Naumenko, que cantó Gremina con elegancia y nobleza. Si a esto le sumamos la excelente calidad de la ejecución orquestal (hermosa y pura, en particular, todos los solos de viento resultaron ser), entonces todos los indignados podrían señalar que dirigir a una buena interpretación no es un obstáculo. Sin embargo, afortunadamente, en este "Onegin" fue posible reconciliar felizmente la calidad musical y la persuasión dramática de tal nivel que, a pesar de todos los temores, esta actuación podría convertirse en el mismo clásico de larga duración que el anterior "Onegin" de 1944 con sus abedules, nieve falsa y boina frambuesa.

Vremya Novostei, 4 de septiembre de 2006

Julia Bederova

La casa amarilla y sus habitantes

Nuevo "Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi

El Teatro Bolshoi abrió una nueva temporada el 1 de septiembre con "Eugene Onegin" dirigida por Dmitry Chernyakov - una actuación fuerte, magistral, controvertida, significativa, hermosa, rota y completa, nerviosa y uniforme.

"La principal ópera rusa del principal compositor ruso en el escenario principal del país", de la cual los directores (además del director, la diseñadora de vestuario Maria Danilova, el diseñador de iluminación Gleb Filshtinsky y el director Alexander Vedernikov), en sus propias palabras, "Se quitó la crema" durante el proceso de ensayo, apareció en forma de un drama de cámara burlón y áspero, tragicómico y molesto.

La escena es una cámara. Habitación. El amarillo espeso, oscuro, pesado con un tinte marrón, el color de las paredes, que personalmente recuerdo de las imágenes del "Libro de comida deliciosa y saludable" de Stalin y que aún evoca asociaciones con el falso bienestar del gusto, parece hermoso. y opresivo. Las enormes ventanas y puertas con panel no niegan la sensación de un espacio catastróficamente cerrado bajo el techo blanco que sobresale. En el diseño y la decoración de este espacio, las entonaciones de Marthaler son notables: nobleza, filisteísmo, alguna imagen atemporal de belleza arquitectónica cubierta de musgo o congelada, habitada por gente común y corriente con los rostros enrojecidos por la ensalada y el vodka o el sufrimiento desesperado natural.

El momento de la acción no es Pushkin, sino Tchaikovsky e incluso Chéjov (las suaves transiciones desde tiempos pre-simbólicos hasta unos 30 del siglo XX no niegan la integridad de la imagen).

En el centro de la acción hay una enorme mesa ovalada, la principal puesta en escena es una fiesta. O lo que queda de él.

La primera imagen con el dúo de azúcar de Olga y Tatiana "¿Escuchaste ...?" Aturde de inmediato, y no solo porque las chicas cantan de espaldas al público y de cara a la mesa (a quienes realmente las escuchan en ese momento). momento). Son estas caras en la mesa las que son impresionantes: falsas, borrachas, vivas, tiernas, aterradoras, masticando, durmiendo. Es inmediatamente evidente que bajo sus ronquidos, chasquidos y carcajadas, aquí sucederán todas las cosas malas. Y Larina no es una madre pálida y fornida, sino una mujer fuerte, un hazmerreír imperioso. Abre la boca junto a sus chicas, lucha por su éxito, rompe a sollozar bajo el lúgubre “Me duelen las patitas” en la mesa y baila con los hombres en el baile hasta que cae al suelo (el papel brillante de Makvala Kasrashvili, sin el cual el rendimiento pierde mucho). Y Olga es solo una perra, su burla se lleva al límite, y “la incapacidad para la tristeza lánguida” parece despertar en ella una envidia negra o una brutalidad estupefacta. "Como una esperanza ventosa / Juguetona, despreocupada, alegre" canta con los puños apretados por la ira (imagen cuidadosamente hecha y voz oscura de Margarita Mamsirova).

Tatiana es el principal tema de polémica entre quienes aceptaron la actuación y quienes la dudaron. Interpretada por la impresionante Tatiana Monogarova, está loca. Como la heroína de Tatiana Drubich en la película "Moscú". Ekaterina Shcherbachenko (voz fresca y hermosa, juego suave) no tiene este matiz, pero de una forma u otra Tatyana está aquí como todos los demás: una muñeca, pero esta es una muñeca con una mueca de indiferencia mortal, amor embotado y sufrimiento silencioso. Lensky (asombrando a Andrey Dunaev, increíblemente conmovedor a Andrew Goodwin) es una muñeca ardiente y amable. Olga no lo ama, lo odia en silencio, lo lamenta con saña. Otros se ríen de él, sin esconderse, Larina llora por él y le da una bofetada en la cara. Intercepta sus incomparables versos de Trike, los canta él mismo, se presenta como un payaso perfecto (que en todo este teatro de marionetas parece una burla total), para deleite de todos se ríe de Tatyana, sobresaliendo entre los payasos como una vela de cumpleaños, sale (sale volando con un estallido) de un formato de marioneta, y ahora lo mataron. Pero cómo.

No hay duelo. Hay una pelea de marionetas entre el miserable Pierrot y el alegre Pinocho, que lamentan lo que les está destinado. Tienen una (¡la de Chejov!) Gun para dos, y después de la pelea, un disparo "accidental" en el vientre, frente a la multitud asombrada ("¡Ahora, adelante!", Canta Zaretsky claramente un minuto antes). Sobre la mesa hay platos sucios y Lensky.

Onegin es diferente para los dos artistas. Un dandy de porcelana brillante para Mariusz Kvechenya y un huraño en mal estado para Vladislav Sulimsky. Pero ambos se convierten en Lensky al final, y el propio Onegin de Sulimsky definitivamente resulta ser un loco infeliz. "¡Qué vergüenza! ... ¡Oh, mi lamentable suerte!" - esto es un fallo de disparo de una pistola, un suicidio fallido, ojos de cristal, volteados después de dejar a Gremina con Tatyana.

Y estos no son todos los personajes e intérpretes: una tía que mastica un pastel contra la pared, una anciana hilarantemente encantadora con rastros de belleza anterior, que escucha el aria agonizante de Lensky, "chicas guapas", sirvientas que escuchan y espían, camareros gelatinosos (solo como el moderno restaurante de Moscú) en el baile de San Petersburgo, el hombre que duerme, la tía que se pone de pie. La actuación está llena de una cantidad tan increíble de detalles, rostros, detalles cáusticos, trazados con precisión y acierto, que con toda la estática del escenario inmutable (solo hay un cambio de color de amarillo a rojo oscuro), todo vive, se mueve, pinchazos, risas y deprimentes.

El amor se vierte aquí. Es decir, su realidad. Aquí todo el mundo es rechazado y rechazado, seducido y seducido, comprado y comprado, concluyendo matrimonios de compromiso o volando fuera del teatro a lo grande, de una convención en la que el amor es una languidez feliz y azucarada, que acaba con lazos dulces y una descendencia azucarada.

Una imagen sombría, precisa y, por lo tanto, incluso conmovedora, sonada por un coro de excelente interpretación y canto, por la ejecución ordenada y no cremosa de la orquesta a un ritmo tranquilo (a menudo quería más aliento, más riqueza de colores y timbres, pero Alexander Vedernikov advirtió de antemano que la primera edición es simple, no espléndida y lacónica, todo lo inusual probablemente se explique por esto) y trabajos vocales brillantes y fuertes, algunos de los cuales son estelares (como Tatyana como Monogarova, no solo a nivel europeo, sino también con sentido - simplemente ya no está en el horizonte).

El día del primer espectáculo, se supo que el intendente de la Ópera de París Gerard Mortier (con la condición de participación de Andrei Dunaev y Mariusz Kvechenya) se interesó por la actuación, y también la van a mostrar en el Letonia. National Opera y otros teatros, pero hasta ahora estos son planes. Ahora es obvio que la interpretación de Chernyakov, con todos sus matices controvertidos y su dibujo esbelto y casi impecable, es un texto teatral extremadamente real y un verdadero éxito del Teatro Bolshoi posterior a la reforma en el repertorio ruso.

Vedomosti, 4 de septiembre de 2006

Peter Pospelov

¿Quieres un pastel?

La nueva "Eugene Onegin" resultó ser una ópera un poco familiar

El Teatro Bolshoi, cuyo escenario principal ha estado cerrado durante mucho tiempo, ha comenzado a revisar los clásicos de la ópera rusa en su Nuevo Escenario. La temporada se abrió con el estreno de “Eugene Onegin” de Tchaikovsky, dirigida por Dmitry Chernyakov. La actuación es moderna, pero evita el radicalismo y el escándalo. Por el contrario, en él se tienen en cuenta muchas de las expectativas de la audiencia. Además, fueron ellos quienes se convirtieron en el tema artístico de la actuación.

Sería muy difícil para el Bolshoi ofrecer una producción poco convencional de cualquier ópera rusa conocida en el escenario principal: el hábito del espectador de las imágenes de ópera rusa de libros de texto es demasiado fuerte. Ahora que el edificio histórico está en reconstrucción, es hora de arriesgarse. Un poco al margen, en el New Stage, no avivado por las tradiciones, puedes probar otras opciones. Si no son aceptados por la audiencia, todo se puede atribuir a un experimento. Y la suerte, como ve, sacará al teatro del cautiverio de las tradiciones de una época profundamente soviética y le permitirá volver al escenario principal completamente armado con una estética renovada.

La pregunta es: ¿los nuevos directores deberían empezar de cero o construir sus versiones en diálogo o en polémicas con modelos antiguos? No se sabe si el director del nuevo "Boris Godunov", Alexander Sokurov, o el director no anunciado de la nueva "Reina de espadas", de alguna manera mirará hacia atrás en los cimientos. Pero Dmitry Chernyakov, con su sofisticado conocimiento de las tradiciones de la ópera rusa, no solo hizo a Eugene Onegin, sino a Eugene Onegin en el Teatro Bolshoi. El lugar obliga: después de todo, no es un sitio experimental neutral, sino el escenario del Bolshoi, aunque nuevo.

No, en la obra de Chernyakov hay, por supuesto, varios pasajes deliberadamente inventados al azar. Por ejemplo, hay coplas muy exitosas de Monsieur Triquet, que no son cantadas por Monsieur, sino por Lensky, presa de la histeria juvenil (la sutil obra vocal y actoral de Andrei Dunaev). O la "escena de duelo" completamente fallida, donde los rivales tienen un arma para dos y Lensky muere (en el medio de la sala de estar) como resultado de un manejo descuidado de él. Pero en general, la interpretación de la trama no da motivos para ofenderse por la fuente original. Tatyana realmente está escribiendo una carta, las niñas están jugando a las escondidas, Onegin (el majestuoso y sonoro Mariusz Kvecheni) da todas las razones para cantar “¡Qué lástima por Tanyusha!”. Y la imagen del escenario parece querida y acogedora: una sala de estar en una casa señorial con una enorme mesa hospitalaria, taquillas antiguas que inspiran confianza e incluso una sensación de aire, que es indispensable para la escenografía de años anteriores: la vegetación se balancea fuera de la ventana y en la culminación de las confesiones de Tatyana (el personaje principal de la obra es Tatyana Monogarova nerviosa y exaltada) se abren enormes ventanas que dejan entrar un viento refrescante.

Sin embargo, el respeto de Chernyakov por las tradiciones no es orgánico (y no está centrado en el estudiante), sino que es parte de la técnica, como si el director cumpliera obedientemente las expectativas: ¿quieres lindas fiestas de té y pastel con velas? - aquí están. En lugares calculados con precisión, el respeto se reemplaza por una cita irónica. ¿Quieres a Lensky con un sombrero de piel? - ¡con su permiso! El sombrero, por supuesto, es más delgado que en Lemeshev, pero los ricos son los más felices. Durante el aria agonizante, el director pone a un oyente hilarante junto a Lensky, que camina en silencio y lágrimas. ¿No es este un retrato de esa anciana que durante décadas fue al Teatro Bolshoi a escuchar a todos los Lensky, desde Sobinov hasta Baskov?

No revelaré todos los movimientos de la intriga posmoderna. ¿Dónde tiene lugar el acto final? En la capital". Y dónde exactamente en la capital, adivina tú mismo. Seguramente…

El Teatro Bolshoi ha aprendido a hacer un producto de calidad. No solo los trajes de Maria Danilova y la luz de Gleb Filshtinsky se concibieron exactamente de acuerdo con la escenografía de Chernyakov, sino que también se hicieron. El director no solo construyó magistralmente, por ejemplo, la escena del baile de los Larin, repleta de una miríada de divertidos tipos provincianos, sino que también la ensayó brillantemente con los actores y el coro. La primera alineación de solistas es pareja y buena, a los nombrados agregaré el elegante y hábil Alexander Naumenko (Gremin), el colorido Valery Gilmanov (Zaretsky), el ligeramente descolorido (en parte debido a la imagen inventada unilateralmente) ) Margarita Mamsirova (Olga) y - ¡especialmente! - Deliciosos papeles de género interpretados por las ex prima donnas de Moscú, Makvala Kasrashvili (Larina) y Emma Sargsyan (Niñera). Solo por su bien, vale la pena ver la actuación. Y me gustaría mencionar a muchos de los personajes “sin discursos”.

Alexander Vedernikov dirige la ópera con sensibilidad, ayudando a los solistas, la orquesta es buena, el coro es impecable. Por cierto, hay (desde la primera edición) un excelente coro de invitados en la imagen “metropolitana”: nunca antes habíamos escuchado esta música de Tchaikovsky en el Bolshoi.

Hay errores de cálculo. La misma imagen de las primeras cinco partes se cansa (los manteles y la luz diferentes no ayudan). Hay muchas inconsistencias: apenas valía la pena que Onegin, habiendo apenas logrado llamar la atención, comenzara el brindis con las palabras “¡Y me aburro aquí!”. Y no siempre entiendes al director cuando el escenario está lleno de gente, y alguien solo, agotado entre la multitud, interpreta un aria. Pero a la actuación no se le puede negar la energía: las “escenas líricas” están llenas de pasiones operísticas. Falsos o genuinos, quién sabe cómo. Para una categoría de oyentes, las efusiones de amor de Onegin parecerán sinceras, mientras que otra verá en ellos una parodia del patetismo de cartón del antiguo Teatro Bolshoi, donde ni siquiera saben cómo dispararse.

En cualquier caso, ganaron los creadores de la obra. Vieron la ópera "Eugene Onegin" al mismo tiempo a quemarropa y desde la distancia. Y tenemos derecho a elegir nuestra óptica a nuestro gusto.

Izvestia, 4 de septiembre de 2006

Sin knixens ni crinolines

Se suponía que "Eugene Onegin" nacería en junio y apareció solo en septiembre. Se asumió que la puesta en escena de la moda y, como se cree, el director principal, Dmitry Chernyakov, desharía la actuación de los museos habituales y sentaría las bases de una nueva tradición en la interpretación de una de las óperas rusas más importantes. Izvestia asistió al estreno y se dividió diametralmente en sus valoraciones.

María Babalova

Exportación de delirium tremens

Dmitry Chernyakov es un director que, en torno a cada una de sus obras, interpreta hábilmente otra actuación, mediática. Oculta deliberadamente su plan, elevando el secreto casi al nivel de secretos de estado. La emoción se genera automáticamente. Rumores increíbles, a veces descaradamente escandalosos, generalmente lanzados por el propio director, llenan rápidamente un vacío de información hábilmente creado. Entonces, por ejemplo, ahora se discutió con entusiasmo: ¿Tatiana envía sms a Onegin? Pero provocar grandes expectativas es mucho más fácil que satisfacerlas.

La quintaesencia de este "Onegin" está en dos escenas: el baile de Larinsky y la escena del duelo, que no existe. Y los personajes principales no son Tatyana y Onegin en absoluto. Lensky (obra maravillosa de Andrey Dunaev y el australiano Andrew Goodwin, más modesto pero guapo) es el único que realmente le interesa al director. Es un verdadero genio y, por lo tanto, una persona que nadie entiende en absoluto y que se siente sola. Sobre la traición de Olga (una hermosa niña con una voz aterciopelada de Margarita Mamsirova), responde con solo un triste cómic, interpretando su divertida canción para Trick. Pero cuando los invitados borrachos comienzan a jugar con su manuscrito, cuyas hojas están esparcidas en todas direcciones, Lensky no puede soportar esta indignación y quiere disparar con Onegin. Nunca se trata de un duelo. En una pelea, el arma se dispara y el poeta muere en un accidente.

En cuanto a Tatiana, es una marginada en su propia casa. Sucia, descuidada, se tambalea sonámbulamente de esquina en esquina durante todo el día. La escena de la escritura, que solía ser clave en la ópera, ya no tiene ese aspecto. "... Estoy aquí sola, nadie me entiende", canta Tatiana, encaramada en la mesa. La audiencia en el salón se ahoga silenciosamente de risa. Es difícil lograr que las personas se identifiquen con las emociones que se transmiten en el apogeo de una enfermedad mental o en un estupor ebrio.

Todo el mundo está enfermo de holgazanería y alcoholismo en Rusia. La gente pasa su tiempo en fiestas interminables. Beben, cantan, lloran, ríen. Makvala Kasrashvili interpretó el papel fenomenal de la madre Larina, creando una imagen tragicómica muy fuerte de una anciana a la que le encanta derribar un vaso. El coro se ríe permanentemente, como en las comedias de situación más vulgares.

En general, no había lugar para el personaje principal en el concepto de Chernyakov. Al principio, la imagen es simplemente indistinta, pero al final resulta que Onegin es una completa insignificancia. Se une al banquete de otra persona sin invitación y torpemente hace un brindis: "Matar a un amigo en un duelo ..." (esta es la única discrepancia significativa entre el concepto del director y el texto del autor). Y en los últimos acordes, su intento de dispararse a sí mismo maravillosamente casi frente a los ojos de Tatiana y Gremin (Alexander Naumenko) falla.

Con la música de Tchaikovsky -el teatro enfatizó con patetismo que habían salvado la partitura del compositor de la edición por parte del director Napravnik, quien fue el primero en representar Onegin en 1881- la situación no fue tan ventajosa como a uno le hubiera gustado. Los cantantes son exiliados por el director al fondo del escenario y no ven no solo al público, sino también al director. Alexander Vedernikov constantemente se pone al día con los solistas, y parece que la orquesta suena deliberadamente fuerte.

Tatyana Monogarova no se escucha en absoluto. Uno solo puede adivinar lo que canta. Ekaterina Shcherbachenko (Tatiana del segundo reparto) canta mucho mejor, pero mucho menos orgánica en la locura exigida por el director. Solo hay una decoración vocal en la obra: el polaco Mariusz Kwiechen en la parte de Onegin. Canta muy bellamente, al nivel de los mejores ejemplos del mundo, pero claramente no acepta el personaje propuesto, por lo que realiza el papel dibujando de manera formal, razón por la cual a veces le da a su héroe rasgos cómicos no planeados por el director, que es especialmente llamativo en las dos últimas escenas. Y luego la audiencia se ríe de nuevo, lo que no sucede cuando Vladislav Sulimsky sale con Onegin. Es orgánico en su carácter, pero es simplemente indecente cantar esta parte para un barítono ruso tan pésimo.

Habiendo librado a "Onegin" de knixens, crinolines y abanicos, Dmitry Chernyakov, por supuesto, se convirtió en el autor de un precedente históricamente importante: liberó la actuación en el Teatro Bolshoi (aunque en el Nuevo, no en el escenario histórico) de la parafernalia sin sentido. Pero, ¿se puede llamar a esto la revolución esperada? Los rusos que aman el vodka, se beben el alma y mueren en delirium tremens no son originales. Pero corresponde plenamente a las ideas de Europa occidental sobre Rusia. Onegin se ha "enganchado" a más de una producción extranjera. Sin embargo, tal autoflagelación ciertamente tendrá una gran demanda entre los productores, y este "Onegin" no atravesará el Teatro Bolshoi ni siquiera como una ventana, sino como una puerta a los mejores escenarios de ópera del mundo.

Ekaterina Biryukova

Los absurdos del amor

El Teatro Bolshoi dio el paso más atrevido en su historia reciente: representó la ópera "Eugene Onegin" de Tchaikovsky. Y Dmitry Chernyakov, a quien se le confió esto, logró lo imposible: explicó que, resulta que nosotros no sabíamos casi nada sobre sus héroes de libros de texto.

Exteriormente, no hay provocación. Chernyakov, quien, como de costumbre, es tanto el director como el artista de su actuación, sorteó magistralmente el problema del lugar y el tiempo de la acción, que, cuando se aplica a esta ópera, se considera especialmente doloroso. Vestidos - largos (diseñadora de vestuario - Maria Danilova), muebles - no de "IKEA", sin mensaje de texto (el rumor principal en la víspera del estreno) Tatiana no escribe su carta. La imagen de una gracia increíble, cuyo epicentro toda la actuación es una enorme mesa ovalada con un candelabro de cristal encima (en las dos últimas pinturas de "Petersburgo" hay un candelabro más grande, y las paredes están pintadas de rojo) - esto es tal una tradición que se convierte en convención, que rápidamente hace que se olviden de dónde y cuándo y se centren en el por qué.

Y aquí estamos atrapados por un montón de revelaciones inesperadas, a veces impactantes, escritas por el director con meticulosidad cinematográfica y sombreadas por la orquesta uniforme y máximamente contenida de Alexander Vedernikov. Chernyakov explora de la manera más detallada no tanto el mundo emocional de los héroes, que a todos les parece comprensible desde la infancia, como sus cerebros, donde, ¡oh, cuántas cosas interesantes se encuentran! Además, no da un descanso: los interludios de género de esta ópera, que se acostumbra esperar pacientemente, mirando al techo, para él también resultan fascinantes hojas del diario de un psicoanalista.

Entonces, las canciones de bebida de los invitados borrachos de Larin, en las que se han convertido los coros de los aldeanos, demuestran la extrañeza del personaje principal (Tatyana Monogarova experimentada en el papel de Tatyana sobornada con su temperamento, la joven Ekaterina Shcherbachenko con voz fresca y buena dicción) al acogedor y vulgar modo familiar de su madre (de dos composiciones, la irresistible Makvala Kasrashvili estuvo en esta fiesta). La polonesa de la alta sociedad con la que San Petersburgo se encuentra con Onegin (el refinado polaco Mariusz Kvecheni decoró la actuación con su magnífico barítono, pero Vladislav Sulimsky explicó mejor el concepto del director), revela burlonamente su incertidumbre, pérdida y piedad, después de lo cual no es sorprendiendo su suicidio fallido en el final. Y las coplas del francés Triquet generalmente se convierten en uno de los episodios significativos en la construcción general, porque no son cantadas frente a una Tatiana pensativa por ninguna Triquet, sino por el desesperado y payaso Lensky (Andrei Dunaev fue un descubrimiento aquí, aunque El joven australiano Andrew Goodwin también aportó mucha frescura a esta parte principal del tenor ruso).

En general, en esta producción sería más correcto llamar a la ópera "Vladimir Lensky". Es claramente más comprensivo con el director, le da la ironía y el dolor de una de sus mejores escenas, con el aria "Dónde, dónde" (el criado retira los platos de la mesa, Margarita Mamsirova mientras Olga busca un pendiente que ha caído al suelo, la edad recuerda a la época de Lemeshev), y después de él, debo decir, después de Tchaikovsky, señala a Tatyana. El resultado es una historia impresionante de delirios humanos, donde todos aman a la persona equivocada y a la persona equivocada, y generalmente no está claro si lo aman o no, y dónde, en el contexto del alboroto diario, la risa idiota de una multitud de Gente curiosa y el tintineo continuo de los platos, suceden cosas terribles como la muerte accidental de Lensky de - por el manejo descuidado de un rifle de caza.

Por supuesto, las oraciones extáticas de Tatyana en la escena de la carta no se llevan bien con el Onegin real, quien cuenta en detalle su "cuando la vida está en casa". ¿Qué diablos es el "círculo de la casa" cuando ve un "ángel de la guarda"? El curso más fuerte de la final, donde Tatyana no se esconde de su esposo (en el papel de Gremin positivo, seguro de sí mismo y completamente poco romántico, Alexander Naumenko fue muy bueno), sus tormentos y doble vida, muestra que en Onegin está buscando no solo para otro hombre, sino algo mucho más imposible. Por esto, Chernyakov premia a su personaje principal con un breve momento de felicidad: cuando la niñera que comprende y sufre por todo este mundo equivocado (solo puede ser Emma Sargsyan en esta producción) se va para enviar una carta, la luz de la mañana está saliendo a raudales. la ventana (Gleb Filshtinsky hizo milagros de luz), y es bastante obvio que los sueños son más reales que la vida.

Periódico, 4 de septiembre de 2006

Gyulara Sadikh-zade

Onegin no quería matar

El estreno de "Eugene Onegin" se mostró en la inauguración de la temporada en el Teatro Bolshoi.

"Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi es definitivamente un evento. El director Dmitry Chernyakov no moderniza la ópera, trasladando la acción a otra época. Simplemente devuelve la obra maestra de Tchaikovsky a su significado original, degradado a lo largo de los años de vida escénica.

No son personajes los que aparecen en el escenario, sino personas reales. Torpe, a veces divertido, en cuyos rostros y hábitos reconocemos a amigos y familiares.

El propio Onegin (Mariusz Kvecheni), aparentemente, es el alter ego del autor de la obra. Se parece a Chernyakov, y el parecido se enfatiza deliberadamente. La imagen salió bastante agradable, no en absoluto un león social irónico y distante, pero amable, sobresaliente y, en general, no un mal tipo: no quería matar a un amigo, no quería ofender a Tatiana e incluso hizo intentos. para hacer las paces con la chica, pero ella se congeló, se quedó atónita ante la forma de Eugene con un ramo de rosas en sus manos. El arrebato de desesperación de Onegin en el final y su torpeza en una cena secular, donde es deliberadamente ignorado, evitando como un leproso, son interpretados y cantados por el cantante polaco de manera muy orgánica.

En general, la producción de Chernyakov parece una pieza de vida: sincera y patriarcal en las escenas de las mansiones, fría y ritualizada en las escenas de San Petersburgo. Pero tanto en el pueblo como en la capital, la sociedad persigue al poeta y se burla de los excéntricos.

Tatyana (Tatyana Monogarova) es una niña despeinada con un vestido informe con una flor descolorida. Ella siempre tiene la culpa: vacila, sale al comedor, y más todo está parado, acurrucado en un rincón junto al aparador. Solo ella se da cuenta de que algo anda mal con Lensky (Andrey Dunaev), solo ella siente compasión por él. Sólo su voz perfora un coro de burla de Lensky: "¡Duele, qué cruel!"

La actuación de Chernyakov debería desarmarse. Se inventaron muchas cosas de manera interesante, inesperada: la escena de escritura en el comedor oscuro y vacío, la escena de baile dinámica y deliberadamente agitada y, por supuesto, la escena de duelo. Y, sin embargo, lo principal de la obra no es la originalidad de los ingeniosos movimientos del director, sino el impacto emocional.

La escenografía de la obra es tacaña y lacónica. El tono pastel de las paredes en las escenas señoriales, rojo ladrillo en las de San Petersburgo. El detalle dominante, la mesa del comedor, simboliza la comodidad y la solidez del orden del hogar en la casa de los Larin, y en las escenas de San Petersburgo personifica la idea del rango de la sociedad. Toda la acción, de hecho, tiene lugar alrededor de la mesa, debajo de ella e incluso sobre ella. La fiesta rusa dura eternamente. Y ya no se sorprende cuando los invitados achispados, después de hacer una pausa, de repente dicen: "Me duelen las piernas por la caminata". La actuación comienza con un animado tintineo de tenedores y cuchillos: mañana, desayuno, sirvientas corriendo alrededor de la mesa, cafeteras haciendo alarde de la mesa, y la matrona Larina (Makvala Kasrashvili) se sienta a la cabeza de la fiesta y observa atentamente que los invitados los platos no están vacíos. Fue fascinantemente interesante verla: cómo se sienta, camina, baila, da órdenes a las sirvientas. Todos los sentimientos y pensamientos se mostraban en su rostro: ansiedad por su hija Tatyana, orgullo por la vivaz Olga (Margarita Mamsirova). Casi de inmediato, se revela el carácter malicioso de Olga: odia a su hermana, desprecia al novio, no le importa armar un truco ofensivo a Tatyana, coqueteando imprudentemente con Onegin.

Lensky llama a la muerte con todas las fuerzas de su alma. “Ven, ven, soy tu marido”, cantará su famosa aria, sentado en una silla en la casa vacía de los Larin. Pero no está llamando a Olga. Él llama a la muerte, la novia.

NG, 4 de septiembre de 2006

Marina Gaikovich

Él es

El Teatro Bolshoi abrió la temporada con el estreno de la ópera de Tchaikovsky "Eugene Onegin".

“Regresó y pasó, como Chatsky, del barco al baile”, como el Onegin de Pushkin, el Teatro Bolshoi, al regresar de una gira triunfal en el Covent Garden de Londres, se sumergió en el emocionante bullicio de la temporada inaugural 231. Comenzó con el mencionado "Eugene Onegin" de Tchaikovsky. Anticipándose a esta producción, el público ha languidecido durante más de un año, con el corazón hundido por la admiración y el horror: la "vaca sagrada" de la ópera rusa está siendo puesta en escena para el Bolshoi por uno de los directores más atrevidos e intransigentes de nuestro tiempo. Conscientes del escandaloso "Kitezh" e "Ivan Susanin" (producción del Teatro Mariinsky), los conservadores intentaron prepararse para lo peor (qué decir, en esta obra de Tchaikovsky, el vuelo de la fantasía puede ser arbitrariamente valiente), Los admiradores entusiastas de Dmitry Chernyakov (él es el autor del nuevo "Onegin") no pudieron esperar hasta que "los grilletes de la tumba (durante más de sesenta años ya se han convertido en una momia de la antigua producción), finalmente, caigan" y el la audiencia verá una actuación musical en vivo.

El observador NG tenía más probabilidades de pertenecer al primer grupo, pero como resultado, estaba totalmente fascinada por la actuación, que desde el primer hasta el último gesto no deja ir al espectador, le da la oportunidad de revivir realmente los dos de Pushkin. novela y la famosa ópera hasta la última nota. Sin embargo, en vísperas del estreno, la situación en torno a Chernyakov y "Eugene Onegin" se puso al límite. Entre los intrigados se encontraban la dirección y los miembros del Patronato del Teatro Bolshoi, la élite musical y teatral. Teodor Currentzis vino a apoyar a su amigo, Nikolai Baskov, para aprender a cantar Lensky, Galina Vishnevskaya cuando la reina marchó a la primera fila y salió primero, tan pronto como cayó el telón.

Aunque, en realidad, el telón no estaba aquí: las siete imágenes estaban separadas por un telón negro, como si siete escenas de noticieros pasaran frente a nosotros. Chernyakov descuidó la división del autor de la ópera en tres actos. Para encarnar su propio plan, se apartó del tiempo y los momentos situacionales. Entonces, las primeras cinco imágenes tienen lugar en la finca de Larin (primer acto), las dos últimas, en San Petersburgo. Al mismo tiempo, no hay tina de mermelada, Tanya está en la cama y un duelo en ventisqueros: la acción se desarrolla en el comedor y todo el movimiento gira alrededor de una gran mesa de comedor, diseñada para unir, separar y oponerse. , reemplaza la mesa de noche para Tatyana, conviértete en el lecho de muerte de Lensky ... El director, por supuesto, acercó la escena del duelo al espectador moderno. Después de todo, debes admitir que hoy en día pocas personas entienden por qué los amigos que ya están sobrios deberían pegarse un tiro. Lensky muere en una pelea, tratando de arrebatar el arma de las manos de Onegin. En la segunda mitad, la misma mesa: solo los colores pastel de los muebles y trajes de los Larin y sus vecinos se reemplazan por elegantes paredes burdeos, vestidos plateados de mujer y frac negros de representantes de la alta sociedad (diseñador de producción Dmitry Chernyakov, diseñadora de vestuario Maria Danilova).

Siete pinturas líricas (definición del autor) se convirtieron en un verdadero drama psicológico para Chernyakov. Tratando de acercarse unos milímetros al significado de la novela y la ópera, reveló de una manera completamente nueva los personajes de los personajes que llevaron al drama y la tragedia de los personajes principales. A Olga no le gusta Lensky y, siguiendo el ejemplo de su actitud condescendiente hacia él, la Sociedad (un personaje colectivo) se burla del poeta ardiente. Llevado hasta el último borde de la desesperación, Lensky juega una farsa en el espíritu de los días de los nombres estadounidenses (con gorras y globos) a las coplas de Triquet (el propio Sr. Triquet es un general de bodas silencioso) casi enloquecido. Onegin, aunque difiere en el color de su traje del resto, sigue siendo uno de ellos: terratenientes crueles y cobardes. Y al regresar después de vagar, está tratando con todas sus fuerzas de unirse al mundo superior, pero, como en el mundo moderno, una vez que se salga del clip nunca caerá en él: incluso los camareros no notan a Onegin. Frágil y tierna, capaz de una pasión salvaje, Tatiana se abrió a su marido y, apoyada por él, incluso encuentra la fuerza para burlarse de Onegin en la última imagen.

La parte musical de la producción está en su mejor momento en el Teatro Bolshoi como nunca antes: el timbre lírico puro de Tatyana Monogarova se combina perfectamente con el barítono ricamente coloreado de Mariusz Kvechenya, y en espíritu, el tenor de Lemeshev Andrey Dunaev ha estado admirando desde la época de la producción tradicional.

Evening Moscú, 4 de septiembre de 2006

Natalia Zimyanina

Lensky expuesto

El Teatro Bolshoi abrió la temporada con el nuevo "Eugene Onegin"

¿Cómo devolver la frescura a una obra maestra de ópera gastada? En la actualidad, la forma más sencilla es trasladar la acción a un manicomio oa Marte, o atar a los héroes con los lazos de un amor no convencional, o ... Pero ¿por qué fantasear? Las obras maestras con su margen de seguridad inherente no resisten tanto. mucho. Pero el ahora más famoso hooligan de ópera, el director Dmitry Chernyakov, no tuvo otra opción.

Dada la disposición extremadamente extraña de Chernyakov, que a veces se convierte en extravagancia, por supuesto, no se trataba de una producción tradicional. Sin embargo, fue lo suficientemente inteligente como para comprender que la impactante producción del Teatro Bolshoi al comienzo de la temporada no es adecuada.

De modo que en su "Onegin", que todavía es anecdótico en algunos lugares (en el sentido de que las nociones del director ya están deambulando oralmente por la Moscú musical y teatral con gusto), Onegin no está asociado con Lensky en una relación íntima. El personaje principal tampoco se sintió halagado por la madre Larina. La niñera no es un vampiro que bombea sangre de hermanas que no se quejan por la noche. Y aunque Tatiana es una soñadora, todavía no martilla porros a la sombra de los robledales.

¡Uf, gracias a Dios! Por otro lado, se hizo evidente que mucho de lo que se sigue del texto literario o musical. La terrateniente Larina ( Makvala Kasrashvili) - la dama no es demasiado delicada: durante el suave canto de Tatiana y Olga "¿Has oído?" ella en voz alta, con una voz, no muy insípidamente se entrega a sus propios pensamientos en voz alta con la niñera que está de acuerdo con ella ( Emma Sargsyan) - así se interpreta un dúo, convirtiéndose en cuarteto.

Olga tiene algo que no es del todo color de rosa en su alma. Pero es cierto, en su aria despreocupada, la última frase “Soy despreocupada y juguetona, todos me llaman niño”, por la extraña voluntad de Tchaikovsky, se convierte en tal bajo que siempre te preguntas: ¡el bebé es bueno! Organizado por Olga Chernyakova ( Margarita Mamsirova) en estas palabras entierra su rostro en sus palmas, como si los sollozos la ahogaran.

Entonces hay algo de: su amigo del corazón Lensky pertenece al número de esos aburridos a los que siempre se les asigna el papel de maestro de ceremonias.

Buen tipo Lensky, es un pecado rechazarlo, pero Dios mío, qué aburrimiento, ¡escuchar todos sus poemas en la ocasión! Al principio, parece un joven arquitecto enérgico y modestamente vestido con un bolso al hombro de alguna película soviética de los años 60. Y en la escena del duelo, justo en el celador sombrío: con un abrigo de piel de oveja, un kurguz con orejeras (no es en vano que el director Vedernikov con sarcasmo en la conferencia de prensa: “¿Por qué estás preocupado? ¡Qué gotinga y rizos negros hasta los hombros! Sería interesante saber qué pensaba la persona sentada en el pasillo de tal Lensky Nikolay Baskov, que tuvo la oportunidad de cantar "¿Dónde, dónde has ido?" en el antiguo escenario de los sables de Lemeshev.

Note en el margen que Yuri Lotman Demostró de manera convincente que la elegía agonizante de Lensky "tiene un carácter completamente de cita", de hecho, es una parodia de la poesía promedio de la época de Pushkin. ¿Venía Chernyakov de aquí? Paradójicamente, fue Lensky ( Andrey Dunaev) resultó ser el héroe más brillante de la nueva producción. Chernyakov incluso lo presionó, pasándole los versos a Triquet y agregando así otro solo inesperado. Resultó que Lensky, anticipándose a la muerte, está haciendo payasadas desesperadamente. Incluso se pone a cuatro patas, imitando a un caniche mecánico. Todo esto es controvertido y desafiante, pero lógico y conmovedor.

El personaje principal es, por supuesto, Tatiana. Esta es una fiesta para una belleza Tatiana Monogarova! También es una actriz delicada, que, hasta el final de la actuación, mantuvo la característica principal de su heroína: ¡la indefensión, que las mujeres no tapan con nada! E incluso en la escena de escritura dolorosa de este director, la heroína no se sentará como una estatua en la mesa y crujirá lenta, falsa y lentamente con un bolígrafo falso, cantando líneas de libros de texto. Monogarova realizó una pequeña actuación aquí. Maeta está en busca de las primeras palabras: literalmente sientes cómo Tatiana busca la entonación (¡esto es tan apropiado en una ópera!).

De rodillas ante un icono imaginario: "¿Quién eres, eres mi ángel de la guarda?" Confesión imprudente y sin censura en la cara de Onegin, como si estuviera de pie frente a ella ... Por cierto, ya en la obertura, entra en escena el sereno tintineo de cucharas contra tazas y platillos de invitados conduciendo tés en la hospitalaria casa de los Larin. una interesante contradicción con la música perturbadora y sería más como una actuación dramática, pero no en absoluto molesta. Donde huele a teatro genuino, lo perdonas todo.

Un solo inesperado fue inventado por la madre Larina, o mejor dicho, fue Makvale Kasrashvili, quien, al ritmo frenético de un vals de Onegin, comienza a dar vueltas con uno u otro anciano, en el pleno sentido de la palabra, finalmente cayendo. , exhausta ... ¡no en vano amaba a Richardson! Pero, ¿qué pasa con Onegin? Buena persona, claro, Lensky, pero, como dicen los amantes de las frases bonitas como él, respetan sus méritos y aman sus defectos. Así que aquí te enamorarás de Onegin. Sí, duele demasiado para que lo traigan. Mariusz Kwiechen, con una pequeña barba a la moda, presenta a su héroe como una persona explosiva y desenfrenada, que no puede ocultarse con ningún artículo inventado ni moralizar mesuradamente.
Al final de la jugada, Onegin es tan ridículo en el baile, donde nadie se preocupa por él. Y en el final ("¡Oh, lamentable suerte!") Intenta dispararse, pero salió un ridículo fallo de encendido ... (Tchaikovsky no vulgarizó su ópera con la muerte de Onegin, aunque pensó en un giro tan obsequioso de eventos).

Chernyakov trabajó en detalle con los artistas. Su escenografía es, a grandes rasgos, una gran mesa ovalada alrededor de la cual gira todo. Los estadísticos, alternando con los héroes de los invitados, ya sea en la casa de los Larin o en el baile de San Petersburgo, trabajan no solo como extras. Parecen estar bajo el ojo de una cámara de cine, amenazando con capturar un primer plano peligroso en cualquier momento. (Futuros espectadores, ¡tomen sus prismáticos!) Y detrás de cada protagonista hay una sombra de su vida pasada y futura.

De los disfraces, gracias a Dios, ella fue la responsable María Danilova, porque todo lo que el propio Chernyakov ha inventado hasta ahora en sus actuaciones siempre ha tenido rastros de severo mal gusto. En su "Onegin" no se indica claramente el siglo XIX, aunque es evidente allí. La unidad no está en la realidad, sino en el color. Se toman todos los tonos de gris y beige, que juntos dan una imagen de la vida rusa ideal, refinada, como en la película del joven Konchalovsky. Solo el advenedizo Onegin puede aparecer con una chaqueta dorada de alguna caja de rapé.

La música original de Tchaikovsky, aún no corregida por asistentes atentos, como se prometió, sonaba transparente, a veces a ritmos inusuales, pero orgánicamente a la acción.

Amplia experiencia del director Alexandra Vedernikova le permitió conservar el espíritu familiar de Tchaikovsky y no entrar en una originalidad impactante. Después de todo, esto sucede a menudo con Theodor Currentzis, con quien Chernyakov representó "Aida" en el teatro Novosibirsk (hubo una actuación en el escenario, otra paralela en la orquesta).

Otro compañero eterno Chernyakova, diseñador de iluminación Gleb Filshtinsky, el gran maestro del espacio aéreo, creó todos estos rayos de luz a partir de puertas entreabiertas en una casa solariega nocturna, candelabros parpadeantes y destellantes, vibraciones visibles e invisibles del verano y el invierno.

Ahora llevemos los deseos de Tchaikovsky a los primeros directores de ópera al actor del Teatro Maly. I. V. Samarin y el director Nikolai Rubinstein. Temiendo la pompa y la rutina, el compositor los formuló de la siguiente manera: “... 1) los cantantes son medios, pero bien formados y firmes; 2) cantantes que, al mismo tiempo, tocarán con sencillez pero bien; 3) la producción no es lujosa, sino que corresponde muy estrictamente a la época; sin duda, el vestuario debe ser de la época en que se desarrolla la ópera (años 20); 4) los coros no deben ser un rebaño de ovejas, como en el escenario imperial, sino personas que participan en la ópera; 5) el director debe ser ... un verdadero líder de la orquesta ”.

En la nueva representación del Teatro Bolshoi, de cinco condiciones, la primera se cumple en exceso y solo la tercera no se cumple, e incluso entonces solo parcialmente.

El resto va al grano.

Pero, a pesar de las garantías del director, la conmoción siguió ocurriendo. Además, la audiencia misma se sorprendió por el estreno, desde Petra Fomenko al final del parterre a Galina Vishnevskaya, mirando aterradoramente a los cantantes de la primera fila.

No nombraré obras vocales sobresalientes, es difícil, porque los actores no cantaron para el público, ya que fue beneficioso para ellos, sino que se movieron de acuerdo con la lógica de la actuación dramática. Pero si eliges entre ritual y teatro, ¿cuál elegirías? ¿Y la audiencia? Una parte de ella estaba abiertamente indignada: "¡Carpa de circo!" Los amantes de la música se agruparon rápidamente por intereses. Bueno, el director de la Ópera de París se apresuró entre bastidores para negociar con Chernyakov. Es agradable. Jadeamos, dejamos que Paris jadeara.

RG, 5 de septiembre de 2006

Alena Karas

Periodo de la mesa

"Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi cantó en la mesa

El estreno de Eugene Onegin es un hito para el camino completamente nuevo del Teatro Bolshoi, que declara cada vez más sus derechos como pionero de la moda de la ópera en el panorama teatral ruso.

La intrepidez es la característica principal de este nuevo camino. Confiar "Eugene Onegin" - el santo de los santos del repertorio nacional - a Dmitry Chernyakov, quien resueltamente ha reelaborado más de una ópera clásica, fue realmente audaz. El público del estreno estaba claramente dividido entre los que esperaban ansiosamente lo mejor y los fanáticos de la ópera que compararon cada paso escénico y musical con una conocida tradición operística. Mi vecina, al ver la ausencia de frac, levita y vestidos de mujer imperio a la moda del primer cuarto del siglo XIX, comentó todo más como una ausencia total.

De hecho, a la actuación de Chernyakov le falta todo lo que se asocia habitualmente con los accesorios de Onegin: pistolas y la niebla matutina de un duelo, chicas con vestidos de verano en el bosque, cantando canciones, elegantes mazurcas e incluso el famoso Monsieur Triquet, cuyos versos se volvieron casi los más populares en la época de Tchaikovsky, una melodía operística. En su producción, Triquet parodia al angustiado y rechazado Lensky, que, como Mercucio en la tragedia de Shakespeare, aparece aquí como un poeta y un bufón trágico, anticipando su destino y celebrando la proximidad de la muerte.

Chernyakov empujó la ópera hacia la misma visión que Stanislavsky una vez profesó cuando la ensayó en su estudio de ópera en una gran mesa ovalada. La idea de una gran mesa, en la que se realiza un "trabajo detallado sobre la estructura dramática de la ópera, se exploran nuevas motivaciones psicológicas, se limpian los tópicos de la ópera, se convirtió en lo principal y todo para él". la ópera con corrientes dramáticas en vivo, convirtiendo a los extras en personajes detallados y variados, destruyendo la división en solistas y extras, habiendo enseñado a cada uno de los participantes en la obra a respirar un solo sentimiento de conjunto.

Una sala enorme con una mesa enorme, esos son todos los efectos del escenario. Más precisamente: dos habitaciones y dos mesas. Uno y uno, en la finca de los Larin, en tonos grises y blancos apagados, el otro y el otro, en la casa de Gremin en San Petersburgo en un color rojo ceremonial, solemne y trágico.

Como puedes imaginar, la famosa escena del duelo se desarrolla sobre la mesa. En esta mesa acogedora y hogareña, dos duelistas convergen, y Lensky, disparado por casualidad, cae sobre ella de un arma.

Sobre esta mesa, retorciéndose las manos y temblando con fiebre de amor, Tatyana compone su carta en una brillante, apasionada y estricta interpretación de Tatyana Monogarova, preguntando a un interlocutor invisible, un amante imaginario, que intenta discernir su silueta de Childegarold en los rincones oscuros de la habitación.

En esta mesa se cantarán todos los coros y dúos de chicas de la ópera, todo "¿has oído?" Y "chicas, bellezas". En esta mesa susurrarán todos sus vientos y tormentas, aquí convergerán todos los senderos y callejones del encuentro fatal.

De todas las posibilidades de la solución escénica, Chernyakov se decidió por la más ascética, convirtiendo todo en un "período de bebida": así es como se han llamado los análisis de la obra en la mesa en el teatro desde el Teatro de Arte de Moscú, cuando el El juego se calienta y se discute en todos los sentidos, cuando cada personaje más pequeño se inventa en detalle la biografía, el destino personal.

Es por eso que su gente no se viste según la moda Onegin, sino según la moda de principios o mediados del siglo XX, casi para concierto: mujeres con vestidos largos, hombres con chaqueta.

¿Es que Onegin, un héroe demoníaco brillante (el acento polaco y el propio intérprete le dan una sofisticación romántica especial, Mariusz Kwiechen nació en Cracovia, cantó en el Metropolitan y en los principales escenarios del mundo), vestido con un levita negra, y Lensky (Andrey Dunaev) en una escena de duelo se encuentra con un abrigo de piel de oveja de invierno, casi el mismo en el que Lemeshev cantó esta escena. Esta coincidencia no es accidental: en la actuación de Chernyakov, es a través de la maravillosa voz de Dunaev, tan cercana al timbre de Lemeshev, que se establece una conexión, un recordatorio de la tradición legendaria. Quiero escribir sobre este papel y la fiesta en detalle y durante mucho tiempo, sobre cómo de repente un niño inocente con una chaqueta gris se convierte en un poeta loco, abrasado por la pasión, cómo se convierte en Monsieur Triquet, como Mercucio, en todos los casos. forma de representar su breve romance con la vida, como se precipita hacia su destino como el propio Pushkin, con desprecio por las intrigas insignificantes, con horror y humildad antes del final inevitable.

Todo esto es atestiguado por los invitados a la abundante fiesta del pueblo. Hace mucho que se han acostumbrado a las costumbres locales y las estamos siguiendo por primera vez. Para Larina, a quien Makvala Kasrashvili convierte en la señorial dueña del salón del pueblo, quien enterró su corazón en él. Después de pasar un vaso o dos, se ríe histérica e inapropiadamente, y luego solloza (después de todo, su amada Tatyana aún no ha visto, como ella, que "no hay héroes en la vida").

Olga tampoco es ajena a la histeria. En la interpretación impecablemente precisa de Margarita Mamsirova, es una chica bastante rencorosa y práctica que envidia francamente la elección de su hermana. Sobre el hecho de que "no es capaz de soñar en silencio", le canta a Tatiana con un desafío franco y poco amistoso.

Y toda esta neurastenia familiar, acumulada por años de trauma y frustración familiar, con leve indiferencia, es observada de manera vecinal por los invitados que beben en una acogedora mesa ovalada, y las criadas, que de vez en cuando corren hacia el pasillo para mirar. cómo el bar baila y canta canciones populares rusas ...

Chernyakov esboza aquí un bosquejo suave de la historia teatral, refiriéndose ahora a una, ahora a otra trama teatral. Aquí, al igual que en las obras de Chéjov, no ocurren acontecimientos menos importantes en la periferia de la acción principal. Aquí miras con inquietud lo lánguida y pálida que es Tatyana, lo ajena a toda la casa, cómo absorbe nerviosamente a Onegin, que ha entrado. Y cómo entonces, en la sala roja de otra mesa de San Petersburgo, Onegin se sentirá como ella, no a gusto, como Chatsky, después de haber bajado del barco hacia el baile.

Aquí, en la sala roja, tendrá lugar su dueto de espejos. Dos, separados por una mesa enorme. "Y la felicidad era tan posible, tan cercana". En realidad, aquí resulta que Chernyakov continúa con su tema principal: el destino de los sentimientos en el mundo moderno, sujeto a todo tipo de juegos y sin atreverse a amar. Bajo la dirección de Alexander Vedernikov, la orquesta de estreno fue, quizás, demasiado nerviosa y ruidosa, ahogando de vez en cuando la más vociferante y sonora. Pero hay esperanza de que en unas pocas actuaciones se fusionará con un conjunto suave, estricto y preciso de intérpretes-vocalistas.

Labor, 5 de septiembre de 2006

Sergey Biryukov

Ópera para ópera

Onegin mató a Lensky en una pelea de borrachos ...

No se puede confiar en los rumores y son teatrales, incluso más. De hecho, ¡qué no se ha dicho sobre el estreno de la ópera "Eugene Onegin", puesta en escena por el joven director escandaloso Dmitry Chernyakov, que se está preparando en el Nuevo Escenario del Teatro Bolshoi! Que la acción se pospuso durante los años de represión estalinista. O que la escena representa un set de filmación en el que se está trabajando en una película del mismo nombre ...

Por supuesto, Chernyakov en sus trabajos anteriores trató mucho de convertirlo en un "director hooligan": o hará de Aida una víctima del totalitarismo, luego Tristan e Isolde serán colocados en un rascacielos en el medio de la ciudad, donde hay una guerra civil ... Pero no hay nada como esto en la nueva producción ... Por supuesto, no encontraremos aquí una recreación museística de la época de Pushkin: el director entiende que no vale la pena competir con las versiones clásicas de los teatros académicos, “no es su territorio”. Pero esta vez manejó el libro de texto con más delicadeza que antes. No hay un anacronismo evidente: los héroes están vestidos con trajes estilizados como el siglo XIX. Y el mobiliario de la casa de los Larin es bastante esperado, sencillo, modesto.

Pero Chernyakov no habría sido él mismo si no hubiera inventado "algo así". Especialmente la fantasía se jugó en la escena del baile en casa de los Larin. Aquí Lensky no se muerde el labio en silencio, viendo a Onegin golpear a Olga por aburrimiento y diversión por el simple hecho de hacerlo. Hace una ruidosa gestión: hace a un lado al anciano Trike, que ya está listo para gritarle a Tatyana sus versos "Vi rose, belle Tatiana", se pone las gorras de bufón en la cabeza, haciendo muecas, ¡canta estos versos él mismo! Dicen: te vas a llevar a mi novia, así que golpearé a tu novia ...

Bueno, ingenioso y orgánico. Pero Chernyakov no siempre combina adecuadamente estas cualidades. Por ejemplo, entiendo el deseo del director de alejarse del zanco romántico en la película del duelo. Sí, su duelo, según Chernyakov, no existió en absoluto: solo los héroes después de la fiesta y la libación no se fueron a casa, sino que se quedaron con los Larin. Por la mañana, Lensky, atormentado por los celos y la resaca, agarra un arma que ha aparecido de manera inapropiada, Onegin intenta razonar con él, se arma un escándalo, truena un disparo accidental, que se ha vuelto fatal ...

También divertido a su manera. Pero aún así, el texto habla claramente del duelo. En cambio, bajo el mando de Zaretsky, "¡Venid juntos ahora!" una sangrienta "vida cotidiana" se desarrolla con el espíritu de los dramas cinematográficos criminales. Resulta que el director, alejándose de los clichés que se han vuelto absurdos, crea un absurdo nuevo, aún mayor.

¿Y por qué Tatiana haría una mueca tan neurótica durante la actuación? El pensamiento del director es transparente: en una sociedad secular, enferma de vulgaridad, una persona cuyos sentimientos son fuertes y sinceros parece enfermarse él mismo. Pero el director y la actriz claramente fueron demasiado lejos, y las interminables sonrisas esquizofrénicas de Tatiana son más molestas que comprensivas.

Es aún más insultante que para el tocayo de la heroína, la cantante Tatyana Monogarova, este papel podría convertirse en un hito. Fue con su actuación que la joven Tanya encantó al musical Moscú en el escenario del Teatro Stanislavsky y Nemirovich-Danchenko hace una década y media. Fue una maravillosa producción del propio Stanislavsky, recreada a partir de las notas supervivientes del gran director. Hoy, al regresar al gran escenario metropolitano después de un largo descanso (por razones personales, Monogarova casi no cantó durante varios años, luego actuó en el extranjero), la talentosa intérprete no apareció en la versión teatral más ventajosa para ella ...

El público recibió al tenor Andrey Dunaev (Lensky), mezzosoprano Margarita Mamsyrova (Olga), el bajo Alexander Naumenko (Gremin) e incluso al barítono polaco Mariusz Kvechenya (Onegin), que cantaba con tanta expresividad que su acento dejó de "rascarse la oreja". ...

Pero la "vieja guardia" recibió una verdadera ovación de pie. Me refiero a la legendaria Emma Sargsyan (hace cuarenta años, increíble en el papel de Carmen) en el papel de la niñera, y especialmente a la inmaculada Makvala Kasrashvili en el papel de la vieja Larina, no solo cantando maravillosamente, sino también bailando un vals en tacones enormes!

El director Alexander Vedernikov, quien trató de restaurar la transparencia de cámara del sonido de la primera versión de la ópera, que originalmente fue pensada por Tchaikovsky, como se sabe, no para el escenario imperial, sino para la modesta clase de ópera del conservatorio, rompió su parte de aplausos.

Para aquellos que no piensan en "Onegin" fuera de la producción académica de hace 60 años, prometieron mantenerlo en el escenario del Palacio Estatal del Kremlin. Creo que esto es correcto: el trabajo de los clásicos, el director Boris Pokrovsky y el artista Pyotr Williams, lo vale. Es cierto que el irónico Gerard Mortier, director de la Ópera de París, que pasó estos días en Moscú (y, por cierto, encantado con la producción de Chernyakov), remarcó con una sonrisa que en ninguna parte del mundo las actuaciones "viven tanto". Pero detrás de la entonación burlona escuché en sus palabras una admiración oculta por la fuerza del espíritu del antiguo teatro ruso.

Cultura, 7 de septiembre de 2006

Dmitry Morozov

Duelo de dirección y música

"Eugene Onegin" de Dmitry Chernyakov en el nuevo escenario del Teatro Bolshoi

"Si hay una discusión sobre Onegin, entonces todo está en orden", dijo Gerard Mortier, uno de los más celosos apologistas y defensores del teatro del director radical, en una conferencia dedicada a los problemas de la ópera rusa, que se inauguró al día siguiente. el estreno del Bolshoi. La actuación de Dmitry Chernyakov realmente tiene todas las posibilidades de convertirse en uno de los eventos más controvertidos de la actual temporada de ópera de Moscú. Es cierto que las disputas a su alrededor son demasiado unilaterales, tocando casi exclusivamente los matices del concepto del director, el significado de ciertas puestas en escena. La pregunta principal, cómo se relaciona todo esto con la ópera de Tchaikovsky, parece ser de poca importancia para nadie.

Estamos casi acostumbrados a que con la difusión de la práctica de realizar óperas en el idioma original, muchos directores, sintiendo una extraordinaria libertad de manos, dejaron de contar con el texto, poniéndolo además o incluso cruzado, ya que pocas personas lea los créditos con atención. Pero aquí tenemos una situación aparentemente diferente: un director ruso presenta una ópera rusa en un teatro ruso y, mientras tanto, el texto que suena contradice con tanta frecuencia lo que está sucediendo en el escenario que uno se sorprende. ¡Sí, aunque solo sea el texto!

Después de haber expresado en una de las entrevistas previas al estreno absoluta confianza en que podría decir algo nuevo en la ópera de Tchaikovsky, Dmitry Chernyakov inmediatamente hizo un proverbio característico, "según Freud": lo principal para él es lidiar consigo mismo. . Y, como ya sucedió en "Tristan", llevó sus propios complejos al escenario bajo los nombres de los héroes de Pushkin - Tchaikovsky. En la conferencia de prensa, sin embargo, repudió decisivamente a Pushkin (por no hablar del libreto de K. Shilovsky).

Sin embargo, tanto si alguien lo quiere como si no, Pushkin todavía no se puede dejar en Onegin. A diferencia, por ejemplo, de La reina de espadas, las "escenas líricas" de Tchaikovsky con la "novela en verso" de Pushkin, con todas sus diferencias, están unidas por lazos inseparables. Por lo tanto, al repudiar a Pushkin, el director esencialmente también repudió a Tchaikovsky, ofreciendo al público, en lugar de "escenas líricas", un híbrido de la sátira de Griboyedov, la comedia humana de Chéjov, el drama social de Gorki y el teatro del absurdo. Todo esto existe en la ejecución de su propia vida, independientemente de la partitura, tocándola sólo en raras ocasiones.

Muchos directores ya han intentado alejarse de las "escenas líricas". Algunos, en nombre de un mayor acercamiento con Pushkin. Otros buscan leer a Onegin a través del trágico prisma de las últimas sinfonías de Tchaikovsky y su La reina de espadas. "Onegin" de Chernyakov está igualmente lejos de la letra y de la tragedia. Y en lugar del historicismo rechazado por el director (al que llama desdeñosamente el estilo "matryoshka"), el histerismo florece en la obra.

La histeria es el estado en el que todos los miembros de la familia Larin se encuentran casi continuamente. La anfitriona de la casa (excelente trabajo de Makvala Kasrashvili) la tiene como consecuencia del abuso del alcohol. En las hijas, parece ser congénito. Incluso el aria de Olga "Soy incapaz de una tristeza lánguida" eventualmente se convierte en pura histeria. Al borde (y a veces más allá) de un ataque de nervios, tiene lugar casi toda la escena de la escritura de Tatyana, durante la cual la heroína se retuerce en el suelo, como si se estuviera rompiendo, luego derriba las sillas con estrépito y luego salta. en la mesa. Sin atreverse a asociar el destino con tal Tatiana, Onegin se guía claramente por el instinto de autoconservación, que, sin embargo, lo traiciona al final, cuando él mismo revela una tendencia a la histeria, blandiendo una pistola frente a Tatiana e incluso intentando suicidio ...

La actuación de Chernyakov también se puede llamar "fiesta". Las siete imágenes de la ópera tienen lugar detrás de una gran mesa que ocupa todo el escenario. El primero comienza justo en la fiesta, y en el contexto del carácter casi de duelo del sonido de la introducción orquestal, es fácil asumir que se trata de una conmemoración. Las hermanas de Larina interpretan su dúo "¿Alguna vez has escuchado?" Como un número de concierto abierto para la diversión de los invitados borrachos. Éstos, a su vez, cantan la canción de baile de los campesinos, sin siquiera levantarse de la mesa. Posteriormente, Lensky interpretará públicamente los versos recién esbozados "Te amo, Olga" con el acompañamiento de la risa generalizada. El poeta como el hazmerreír de la multitud: esta es la esencia de la interpretación que hace el director de esta imagen. No es casualidad que en el baile de la cuarta escena, sea Lensky quien cante las coplas de Triquet, mientras se pone una gorra de bufón. El relincho borracho de los invitados, sin embargo, sirve de acompañamiento a la escena de su pelea con Onegin. Al final, empujado hacia el mango, Lensky saca un arma de dos cañones de algún lugar y comienza a disparar al aire (como en "Aida" de Chernyakov, donde Radamés en la escena de iniciación disparó en todas direcciones con una ametralladora).

Luego viene el surrealismo más puro. Al son de la introducción al escenario del duelo, volvemos a regresar al mismo salón, donde permanecen algunos de los invitados. Lensky, con sombrero de piel y abrigo de piel de oveja, se sienta en una silla, mientras que Zaretsky, dormido de la borrachera, nota, asomando la cabeza por debajo de la manta, que "el enemigo no ha aparecido" y "la hora séptima", después de lo cual se apaga de nuevo para el aria "¿Dónde has ido?" ... Larina, Nyanya y otros se acercan a Lensky, como si ya estuviera muerto, se despiden alternativamente, y una anciana bendita se sienta a su lado, escucha con reverencia y se despide supersticiosamente cuando comienza a hablar de las "tumbas ... la sombra misteriosa "... Aparece Onegin, Lensky le arroja una escopeta, la arroja hacia atrás, y luego, cuando Lensky comienza a balancearla de nuevo, intenta quitársela y ella dispara. En general, no es Onegin quien mata a Lensky, sino el director ...

La sexta escena también comienza con una fiesta, desde los primeros sonidos de la polonesa. Solo el interior ya no es provincial, sino bastante metropolitano, pero no San Petersburgo, sino Moscú. Un salón de banquetes en tonos rojos (que recuerda un poco al Salón Beethoven del Teatro Bolshoi, que recientemente ha desempeñado la función de buffet) para la nueva élite rusa, donde Onegin deambula y donde nadie se preocupa por él. Los vagabundeos del héroe alrededor de la mesa en busca de un lugar (al final se trae él mismo una silla), tropezando con una superficie plana, volcando instrumentos, no sin ingenio, una miniatura pop de valor propio interpretada, aunque algo superficial, sin embargo, la imagen. Cuando entonces Onegin, con un vaso en la mano, como si arrojara su monólogo "Y aquí me aburro" en la cara de la audiencia como un desafío atrevido y los invitados, escandalizados, comienzan a levantarse y dejar la mesa uno a uno. uno, el pensamiento que ya había surgido antes de que el director, rechazando a Pushkin, se guió a veces por "Ay de Wit" de Griboyedov. Al menos, tanto el espectáculo de invitados en ambos bailes, como "arrojar cuentas delante de los cerdos" son todos de allí, y de ninguna manera de "Onegin" ...

El malestar interno experimentado en esta actuación podría haberse resuelto, probablemente, solo de una de dos formas radicales: mirar con los oídos cerrados o escuchar con los ojos cerrados. Musicalmente, todo fue hecho por Alexander Vedernikov bastante bien, a veces, se podría decir, simplemente bien. Salvo algunas pequeñas cosas, la orquesta toca bastante bien. Vedernikov con cuidado, no sin siquiera alguna sutileza, resolvió los matices y, en general, este trabajo suyo resultó ser mucho más alto de lo esperado. Es cierto que no contiene revelaciones, y difícilmente tenía sentido esperarlo. En cuanto al maestro ampliamente declarado para volver al ritmo del autor, muchos ya lo han hecho antes que él.

El casting para las partes principales debe reconocerse como un éxito esta vez. Tatiana Monogarova en los años 90 fue la decoración principal de la legendaria producción de Stanislavsky en el teatro que lleva su nombre. Si ahora su Tatiana deja una impresión ambigua, entonces la razón está en el dibujo del actor que le sugirió el director. Ekaterina Shcherbachenko es buena, tiene, quizás, una personalidad menos viva, pero logró suavizar la dureza del dibujo del director, introduciendo de contrabando en él un poco de letras prohibidas.

Mariusz Kvecheni fue una Onegin fenomenal en la famosa producción de Varsovia de Mariusz Trelinsky (la llevaron a Moscú sin él). En esa actuación, es cierto, su trabajo fue más interesante y profundo, sin embargo, aquí Kvechen 'demostró no solo como un cantante de primera, sino también como un actor fuerte que sabe preservar su "yo" en cualquier condición. . Vladislav Sulimsky del Teatro Mariinsky (por alguna razón no encontró su Onegins en el Bolshoi) tiene un dibujo de actor menos distinto, y vocalmente, por supuesto, está lejos de Kvechenya, aunque en general cantó bastante decentemente.

En el marco de la interpretación propuesta, Andrey Dunaev es muy bueno, que ya ha demostrado ser el mejor Lensky del Bolshoi. Actoral, pero no vocalmente, es algo inferior al australiano Andrew Goodwin (estudió en el Conservatorio de San Petersburgo y canta casi sin acento).

Lo más sorprendente es que una de las principales óperas rusas en la mente de la mayoría de quienes hablan de esta actuación, incluso en las páginas de la prensa, está asociada por algún motivo casi exclusivamente a la antigua producción del Teatro Bolshoi, que Ha perdido hace mucho tiempo sus signos de vida. Mirando los ejercicios del director provocador de moda, otros neófitos exclaman: resulta que Tchaikovsky escribió, sinceramente sin entender o sin querer “notar la diferencia” entre el propio Onegin y lo que Chernyakov creó a partir de él.

Por cierto, en los últimos diez o quince años, "Onegin" se ha representado en el extranjero como nunca antes. Entre las actuaciones allí, por supuesto, hubo escandalosas, que no se pueden llamar otra cosa que burla. En el contexto de esas versiones en las que a Tatiana la colocaron en una jaula, la metieron en un árbol o la obligaron a escribir mensajes de texto a Onegin, lo que hace Chernyakov parece casi inofensivo. Sin embargo, en las obras de los mejores directores occidentales, vemos algo completamente diferente: el deseo de acercarse realmente, y no con palabras, a Tchaikovsky, de comprender su intención y combinar esto con el enfoque actual hacia él. Entre las versiones escénicas más significativas de Onegin se encuentran las actuaciones de Graham Wick en Glyndebourne, Mariusz Trelinski en Varsovia, Irina Brook en Aix-en-Provence. Las producciones de Nicholas Lehnhof en Baden-Baden y Willy Decker en París también son interesantes a su manera. Otra pregunta es que alguien logró obtener resultados más convincentes, alguien más controvertido, pero la tendencia en sí es importante. Mientras tanto, el director ruso en el principal teatro ruso tomó un camino completamente diferente. Esa es la paradoja ...

Algunos de los exaltados partidarios de Chernyakov ya se han apresurado a declarar que esta actuación es una victoria del Teatro Bolshoi en el dominio de los clásicos rusos. Sin embargo, si usamos terminología militar, toda victoria presupone la presencia de los vencidos. En este caso, solo podemos hablar de la victoria obtenida en el escenario del Teatro Bolshoi (aunque sea su Nuevo Escenario) por la rama radical del teatro del director y personalmente por Dmitry Chernyakov sobre el compositor Tchaikovsky. Pero las victorias de este tipo suelen ser pírricas.

MN, 8 de septiembre de 2006

Alexey Parin

¡Ven ahora!

"Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi se construye como una actuación dramática y, por lo tanto, se convierte en un evento de ópera

Se abre el telón y todos los que esperaban que Dmitry Chernyakov hiciera algo "así" dejan escapar un suspiro de desconcierto. En el escenario hay un amplio y luminoso salón de la casa señorial, sin cuadros en las paredes, en el centro hay una larga mesa de comedor, en la que comen la gente de la "vieja época". El diseñador de escenarios Dmitry Chernyakov nos decepciona de antemano, porque el director Dmitry Chernyakov hace estallar los estereotipos de percepción de "Eugene Onegin" desde el interior durante la actuación. Se apartó de todos los clichés de la Ópera Ivanovna y, mediante un esfuerzo volitivo sin precedentes, sacudiéndose todas las imágenes visuales osificadas de sus pensamientos, recrea un mundo vivo y tembloroso a partir de la música.

En las primeras cinco películas, sin interrupciones, nos encontramos en el mundo alegre y bullicioso de una gran familia, que recuerda la atmósfera de la familia Rostov de "Guerra y paz" de Tolstoi, y en términos de colapso interno: "Tío Vanya "de Chéjov. La música resulta suficiente para desarrollar los personajes de los personajes principales y extras en todos los detalles "sabrosos" o dolorosos, cinematográficamente destacados.

Larina interpretada por Makvala Kasrashvili es la clave para comprender la intención de todo el director. De una figura menor del "hábitat" se convirtió en una brillante personalidad que crea el ambiente de esta cálida casa con su talento de vida. Larina se ríe y solloza de sí misma, no deja a nadie desatendido, se queja, acomoda y arregla todo, molesta a todos y se “enciende”. En el cumpleaños de Tatyana, baila con un brío sin precedentes, cambia de caballero e incluso se cae. Emma Sargsyan es una niñera, pero de ninguna manera una de pueblo, es más una maestra orientadora, la confidente de Larina, que conoce todos los "esqueletos en los armarios" de esta casa y está atenta a los cambios de humor.

Andrei Dunaev es un Lensky enfáticamente "raznochinin", más un grafómano ardiente que un verdadero poeta, pero un forastero tan obvio, absurdo y extraño que el camino hacia su muerte resulta ser una cadena de accidentes absurdos. Dos maravillosos episodios están asociados con Lensky. El primero son los versos de Triquet: un señor mayor entra al escenario, y el veloz Lensky intercepta su texto y, haciéndose payaso, canta una famosa canción en torpe ruso. El segundo es el aria antes del duelo. Chernyakov no cambia la escena de las cinco pinturas de "Larinsky", y Lensky canta sus estrofas en la misma sala con el telón de fondo de los invitados retrasados. Una de las damas, con empatía, escucha sus "murmullos" y les reacciona con las más dulces "payasadas". Mientras tanto, Olga (Margarita Mamsirova), sobria y práctica, busca un pendiente perdido por todo el salón. Nadie se toma en serio la franqueza de Lensky y, por lo tanto, es fatal.

Pero Onegin, interpretado por el cantante polaco de hermosa voz Mariusz Kvechenya, es sacado de la sociedad precisamente por su cercanía. Señorial y noble, discordante con la compañía de los habitantes dulces y cordiales, lo empuja fuera de sí con risas y burlas, como el corcho de una botella. La quintaesencia de la metatrama es Tatiana interpretada por la mejor Tatiana Monogarova. Todo lo que sabemos de Tatiana, de su idealismo y obra visionaria, lo cuenta el director y la cantante con ternura, claridad y sin piedad. Y las cortinas ondeando al viento al final de la escena de la letra son solo una franja de la conocida imagen de ópera de Tatyana en producciones anteriores. La nueva actuación parece cerrar la tradición, iniciando una nueva cuenta regresiva teatral.

Las escenas de San Petersburgo tienen lugar en una sala con paneles de caoba que golpean agresivamente los ojos. Las personas vestidas como aristócratas, pero que tratan a Onegin no solo como los trabajadores del partido de los años 30, no como los nuevos rusos andrajosos, se ven obligadas a ampliar el marco temporal de acción. Y es comprensible por qué Onegin se ve tan ridículo e incluso estúpido entre ellos. Chernyakov parece carecer un poco de la música de Tchaikovsky para completar la historia iniciada por los Larin en todos los detalles. Sentimos claramente la imperfección del libreto, del que se ha hablado mucho.

Chernyakov sigue exactamente el espíritu, la música y las palabras de Onegin. Y solo cambia las palabras una vez. En lugar de "¡Venid juntos!" en el escenario del duelo, Zaretsky exclama: "¡Ahora entra!", y una multitud curiosa irrumpe en la sala. El Teatro Bolshoi tiene todo el derecho a decirnos: "¡Entren ahora!"

Resultados, 11 de septiembre de 2006

Marina Zayonts

¿Es realmente la misma Tatiana?

"Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi - el primer estreno significativo de la nueva temporada teatral

Este estreno fue esperado de alguna manera con especial emoción. Había rumores ridículos en Moscú de que Tatyana escribiría a Onegin a través de SMS y todo ese jazz. En general, no es de extrañar: el director Dmitry Chernyakov, que siempre recibe todo tipo de "Máscaras de oro", es considerado un innovador en nuestro país y la principal esperanza para la renovación del escenario de la ópera. Y, sin embargo, no lo envidiarás, qué carga de responsabilidad tuvo que afrontar. Pushkin, como saben, ha sido durante mucho tiempo nuestro todo, y Tchaikovsky no se quedó atrás de él en términos de afecto universal, la ópera "Eugene Onegin" es familiar desde la infancia, incluso no para los operativos más ávidos, pero Lensky con un sombrero de piel con un pastel que canta "¿Dónde, dónde se retiró?", invariablemente trae lágrimas de alegría a las mujeres sensibles de todas las edades. Era necesario hacer algo con todo este doloroso sello, por lo que esperaban un escándalo de Chernyakov.

El director radical trató con delicadeza la ópera favorita de todos, que finalmente se convirtió en el estilo de la nueva producción. Por supuesto, no reprodujeron la era Pushkin en el escenario, pero incluso hoy la acción no ha sido reprogramada (el diseñador de producción es el mismo Dmitry Chernyakov). El momento de la acción es bastante abstracto: vestidos largos (trajes de Maria Danilova), muebles elegantes, candelabros de cristal. Pero más exactamente, este es el tiempo de Chéjov, e incluso la forma de contar historias aquí es absolutamente la de Chéjov. En la obra de Chernyakov, la gente cena, solo cena, y en este momento sus destinos están destrozados. Las imágenes de sorprendente belleza inventadas por el director (el diseñador de iluminación Gleb Filshtinsky fue el verdadero coautor aquí), de hecho, fueron suficientes para toda la actuación. En el centro de la cámara, en un austero interior, se encuentra una gran mesa ovalada alrededor de la cual se desarrolla la ópera. El coro de los aldeanos y la famosa elaboración de mermeladas se convierten en una fiesta ruidosa y abarrotada, donde todos gritan unos sobre otros, de vez en cuando chillan y, en esencia, no escuchan a nadie. Tatiana y Olga, sentadas de espaldas al público, cantan dócilmente su dueto dirigido a los invitados. La madre Larina (interpretada con excelente humor por Makvala Kasrashvili) y la anciana niñera (Emma Sargsyan), sin prestar atención a las niñas, repiten de vez en cuando: "El hábito nos es dado desde arriba". Y esta extraña, casi aterradora cacofonía en la primera escena revela vivir la vida en lugar de la habitual dulce ópera wampuki, que todavía es para algunas personas. Chernyakov se esforzó mucho para asegurarse de que la multitud, casi constantemente presente en el escenario, no fuera una masa homogénea y sin rostro de extras, aquí (exactamente según Stanislavsky) casi todos tienen su propio papel y su propia apariencia, a veces grotesca.

Todo este público (en el primer acto, los sirvientes e invitados de los Larin, en el segundo, la multitud secular de la capital) está terriblemente interesado en lo que está sucediendo, espía a los héroes, susurra, responde, ríe histéricamente, mastica y mastica sin cesar. bebe algo. Es decir, de alguna manera está claro de inmediato: no terminará bien. En este contexto, se desarrolla una historia en la que, exactamente según Chéjov, "cinco libras de amor", infeliz y apasionado. Aquí Tatyana (Tatyana Monogarova) es una naturaleza salvaje, cerrada y desenfrenada, simplemente dicen que están con saludos. Esto es exactamente lo que Olga (Margarita Mamsirova) está tratando de decirle, tirando irritada de la mano de su hermana: "¡Ah, Tanya, Tanya! ¡Siempre sueñas!" Tatiana no solo sueña, sueña frenéticamente. Escribe la célebre carta en un estado de histeria creciente, se arrodilla frente a una silla vacía, salta, despeinado, sobre la mesa con las palabras: "Mi mente está agotada". Y en ellos está la verdad verdadera, y no la imagen poéticamente bella y familiar para todos.

En realidad, a lo largo de toda la actuación, Chernyakov solo hace lo que se abre camino hacia el contenido real a través de los siglos de clichés acumulados. Esto se hizo mejor con Lensky, a quien cantó perfectamente, y lo más importante, Andrei Dunaev tocó con mucha precisión. Tímido niño provinciano, poeta, siempre llevando consigo sus obras, sigue escribiendo poesía cuando visita a los Larin. Escribió e inmediatamente cantó con ingenuidad: "Te amo, te amo, Olga". Nadie lo toma en serio, Olga gira la nariz con irritación, Onegin se burla de él con saña. Lo único que le queda al pobre poeta es ponerse alguna gorra de bufón de Pierrot. El director entregó las coplas enérgicas a Monsieur Tricket a Lensky, quien estaba haciendo payasadas desesperadamente, los invitados, felices de estar entretenidos, arrojaron al aire hojas de poesía cuidadosamente guardadas, por lo que todo terminó con un desafío a duelo. El duelo le pareció al director un anacronismo, y lo anuló. No, no, no te preocupes, Lensky, como era de esperar, salió con ropa de invierno (un abrigo de piel de oveja blanca y un sombrero con orejeras), cantó "¿Dónde, dónde has ido?" Junto a él en una silla, y esperó. para el enemigo con segundos. Aparecieron, sin creer en absoluto en la gravedad de la situación, riendo y haciendo muecas. Zaretsky abrió las puertas de par en par y cantó: "Ahora entra" (en lugar de "ahora vamos juntos"). Una multitud se apresuró a entrar, y frente a la multitud curiosa, Lensky agarró un rifle de caza, se lo arrojó a Onegin, se produjo una pelea y el rifle disparó. "Muerto", - afirma el segundo que se ha sometido en un instante.

En el segundo acto, la misma mesa, sillas y una gran lámpara de araña iluminando el espacio, solo las paredes cambiaron de color y se volvieron rojas, capital-imperial. Onegin (cantado con fuerza por el polaco Mariusz Kvechenem), levantando su copa, canta desafiante: "Y estoy aburrido aquí ..." Chernyakov guardó una sorpresa más para la final: Tatyana le contó todo a su esposo, tanto sobre el pasado amor loco como sobre el sufrimiento mental actual. "¡Oh, qué difícil es para mí! ¡Otra vez Onegin se interpuso en mi camino como un fantasma despiadado!" - canta en presencia de Gremin, dirigiéndose a él. Y al final, reaparecen las armas de fuego, esta vez el Onegin rechazado intenta dispararse con un revólver. Surgió un fallo de encendido - "¡Qué vergüenza! .. ¡Anhelo! .. ¡Oh, mi lamentable suerte!" Una cortina. En una palabra, si miras lo que estaba sucediendo sin ira y adicción, entonces puedes ver que Chernyakov no iba a sorprender en absoluto a la audiencia, simplemente leyó el texto (el libreto, notamos, no Pushkin) y escuchó la música, la construcción viva y humana, y no condicionalmente la historia de la ópera. Y, digas lo que digas, lo consiguió.

Correo ruso, 11 de septiembre de 2006

Leila Guchmazova

Onegin-2006

En la nueva función del Teatro Bolshoi, realmente no puede dispararse a sí mismo.

El Teatro Bolshoi abrió la temporada con el estreno de Eugene Onegin de Tchaikovsky. Fue confiada a Dmitry Chernyakov, un conocido alborotador y el director de ópera ruso más popular de la actualidad.

Como director de ópera, Chernyakov se hizo famoso hace siete años, cuando trajo de Novosibirsk al festival Golden Mask una obra del compositor contemporáneo Vladimir Kobekin "Young David". El ágil Teatro Mariinsky tomó inmediatamente las manos de Chernyakov: la escandalosa "La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh" apareció en San Petersburgo (tenía trineos y tártaros en el espíritu de "Star Wars") y la grandiosa "Tristán e Isolda" ( el director aplicó al psicoanálisis de la saga de Wagner, y se convirtió en una historia de amor conmovedora y desgarradora).

Mientras trabajaba en Novosibirsk, continuó violando los cánones operísticos: convirtió "Ivan Susanin" en un grabado popular, transfirió la acción de "Aida" a los Balcanes durante las guerras recientes oa la Rusia de Yeltsin. En el Bolshoi, Chernyakov representó Las aventuras de un libertino de Igor Stravinsky, una interpretación ligera, elegante e inteligente.

Ahora el Teatro Bolshoi le regaló la principal ópera rusa. La audiencia estaba esperando la profanación de los santuarios, y Chernyakov concedió entrevistas ágiles, donde, sin traicionar ninguna idea, repitió sobre la encantadora inocencia de la ópera de Tchaikovsky y sus recuerdos de infancia del viejo Onegin.

Pero ni siquiera hay un rastro de inocencia en la nueva actuación, no cuente los trajes y la escenografía tradicionalmente resueltos como tal. Pero la cantidad de ideas del director por unidad de tiempo escénico convierte al espectador en un niño que apenas puede seguir el ritmo del mago. Solo Chernyakov no está involucrado en trucos, sino en un juego virtuoso con significados, asociaciones, observaciones tenaces de las personas. Aquí Tatiana y Olga cantan para los invitados de espaldas al público; Luego de hacer una pausa cortés, los invitados continuarán su té interrumpido bebiendo con sonrisas pegadas a sus bocas masticadoras. El quisquilloso e indefenso Lensky (el maravilloso tenor Andrey Dunaev) intenta integrarse en la sociedad local y es derrotado. Mama Larina (muy natural en su antinaturalidad Makvala Kasrashvili) finalmente abofeteará a Lensky en la cara. Tatyana (Tatyana Monogarova) tiene su propia historia: una salvaje casi neurótica que, por exceso de sentimientos, salta a la mesa y, en presencia de Onegin, se congela. El intérprete de Onegin, Mariusz Kwiechen, dotó a su héroe de un notable carisma y ambición polaca: los vecinos se rascan la oreja, pero este Onegin es impecable vocalmente. En el final, cuando Tatiana desaparece de la mano de Gremin y Onegin saca una pistola, queda claro que ni siquiera puede dispararse a sí mismo.

El "ingenuo" Dmitry Chernyakov es fiel a sí mismo: dejó el melodrama inherente a la ópera y puso en escena "Eugene Onegin" como un drama social.

Novaya Gazeta, 11 de septiembre de 2006

Svetlana Savenko

Y la felicidad era imposible ...

Nuevo "Onegin" en el escenario del Bolshoi

Eso sí, Tatiana canta en el final de la ópera la frase correcta de Pushkin y Tchaikovsky: "La felicidad era tan posible, tan cerca ...". Pero la actuación, organizada por Dmitry Chernyakov, resultó ser sobre otra cosa. Sobre la impracticabilidad de los impulsos de corazones jóvenes y ardientes, sobre la cruel retribución por un sentimiento que no encaja en el círculo de la costumbre, que sirve como "sustituto de la felicidad".

El "círculo" aquí es bastante material: una gran mesa de comedor, en la que los invitados provinciales de los Larin comen, beben y conversan socialmente, y más tarde, la élite de Petersburgo, entre la que Onegin se encuentra con la Tatiana transformada. El interior de la alta sociedad, sordo, rojo carmesí, no deja esperanza, que todavía brilla en las primeras imágenes con su comodidad chejoviana y los rayos de sol que brotan suavemente de las ventanas (la escenografía también es Chernyakov, disfraces - Maria Danilova, luz - Gleb Filshtinsky). Pero este tranquilo mundo familiar es ajeno a Tatyana: como una sonámbula, vaga de habitación en habitación, encontrando las miradas desconcertadas de los invitados.

Al final de la ópera, Onegin, que ha regresado de un viaje, será igual de ajeno al mundo de Petersburgo. No hay lugar para él en la mesa, los lacayos están sacando comida. El amor que de repente cayó sobre Onegin está condenado, porque no tiene la fuerza para salir del ritual establecido, arrancando la mesa de su lugar habitual, como lo hace Tatyana en la escena de la escritura.

Los cristales de las ventanas vuelan, una lámpara de araña estalla: un impulso desesperado transforma el mundo cotidiano. Pero todo es en vano, y en el final, la propia Tatiana se convierte en parte de este mundo: una majestuosa, cubierta de seda, con un peinado alto de gran dama. Aunque la desesperación la parta por la mitad.

Lensky paga el peor precio. Con Chernyakov, es un aspirante a poeta inepto que lleva carpetas con poemas a todas partes, inmediatamente inscribe nuevas estrofas y declara su amor desde un trozo de papel, provocando burlas tanto de Olga como de todos los que lo rodean. Sus palabras son pomposas y literarias prestadas, pero todavía no hay otras. (Sin embargo, su sentimiento es genuino y, por supuesto, en el futuro encontrará su verso real). Pero el futuro no está entregado a Lensky.

El absurdo de la muerte del joven poeta se ve acentuado por el choque accidental en el que Chernyakov convierte en duelo. Todo sucede en público, al final de la fiesta de cumpleaños, donde los invitados tardíos duermen y el sirviente limpia los platos. Y Lensky con su agonizante "Dónde, dónde has ido", como siempre, nadie escucha, salvo la anciana medio loca que hace muecas.

Ambos Lensky son jóvenes y de diferente calidad. Andrei Dunaev es mucho más ruidoso y construye su patrón de actuación de manera muy natural, evocando una verdadera empatía, una sensación poco frecuente, debo decir, en la ópera de hoy.

Andrew Goodwin (nativo de Australia, que se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo) es más modesto por naturaleza, pero habla su voz a la perfección y se ve muy conmovedor, como un escolar que acaba de escapar a la edad adulta.

Otros miembros de la primera formación también dejan una impresión más vívida como vocalistas que los cantantes de la segunda. Tatiana Monogarova, plástica y temperamental, demuestra el verdadero devenir de la heroína-estreno. Ekaterina Shcherbachenko todavía no suena igual en todas partes, pero le agrada con un timbre fresco. El talentoso barítono polaco Mariusz Kwiecheny esculpe la imagen de Onegin principalmente por medios vocales, pero también es muy convincente como actor. A Tchaikovsky, como saben, no le gustó su personaje principal y le dio la mejor música a Lensky y Tatyana, lo que obligó a Onegin a repetir el tema amoroso de la chica que había rechazado al final de la ópera: una sutil venganza del gran compositor.

Chernyakov, al parecer, este personaje tampoco es muy comprensivo, y en el final lo obliga a realizar un intento de suicidio fallido, que rima extrañamente con la muerte de Lensky. Desafortunadamente, este movimiento todavía huele a melodrama, en el que la obra maestra lírica de Tchaikovsky puede degradarse fácilmente.

Olga Margarita Mamsirova, la única en ambas composiciones, fue concebida polémicamente por el director. Nada de risa juguetona (pero con sonidos bajos amenazantes): en Olga se puede sentir agresión, firmeza e incluso crueldad, cuando, cantando su aria de salida "Soy incapaz de una tristeza lánguida", aparta bruscamente las manos de Tatyana.

Probablemente el mayor mérito "práctico" de Chernyakov es que supo inculcar en los artistas una nueva percepción de la gran ópera lírica, que, sin duda, le fue revelada. Desafortunadamente, el director Alexander Vedernikov, el director musical de la producción, no tuvo mucho éxito.

A lo largo de los años de comunicación con la ópera, la música de Onegin, por supuesto, se atascó en los dientes de los miembros de la orquesta y, probablemente, por eso sonaba a veces con poca precisión, a veces sin la expresión de entonación adecuada, aunque en general. fue bastante exacto. Si trabajamos en esta dirección, Onegin tiene la oportunidad de convertirse en una interpretación cercana a la perfección, digna de un gran escenario y un gran compositor.

Revista de teatro de San Petersburgo, septiembre de 2006

Elena Tretyakova

Pasión por Tchaikovsky

Estrenos de los Teatros Bolshoi y Mariinsky

"Eugene Onegin"

P.I. Tchaikovsky. "Eugene Onegin". El Teatro Bolshoi. Director Alexander Vedernikov, director y artista Dmitry Chernyakov

El estreno de Eugene Onegin dirigido por Dmitry Chernyakov, programado para coincidir con la inauguración de la próxima temporada del Teatro Bolshoi, despertó un gran interés en el mundo teatral. La ópera de Tchaikovsky en el teatro de la capital no ha cambiado de apariencia desde la década de 1940, y el nombre de Chernyakov ha estado actuando en el público durante mucho tiempo como un trapo rojo sobre un toro (aunque, dicen, los toros son daltónicos). Se esperaba una afluencia de personas interesadas - directores, directores de arte, directores y conductores de todas las ciudades y regiones, ministros de cultura de regiones y repúblicas, invitados extranjeros, críticos y periodistas - se invitó a una audiencia tan representativa para hablar sobre temas emocionantes de la vida de los clásicos rusos en el escenario de la ópera. (Alexey Sadovsky, especialista en jefe del Gabinete de Teatros Musicales de la STD, organizado sobre la base del Teatro Bolshoi y el Teatro Musical que lleva el nombre de K. S. Stanislavsky y V. I. Nemirovich-Danchenko, nada menos que un simposio científico y práctico internacional). La acción holística (ver el estreno y la discusión problemática) contaba con casi un centenar de personas. El tono de la discusión lo marcó Gerard Mortier, Director General de la Ópera Nacional de París, quien especialmente encontró tiempo en su complicada agenda para conocer de primera mano el trabajo de Chernyakov.

El complejo de ideas del gran empresario (y Mortier es realmente genial, aunque cree que está lejos de su ídolo Diaghilev) es el siguiente: las creaciones del patrimonio clásico mundial deben presentarse al público en el lenguaje del teatro moderno. , en el lenguaje que es capaz de comprender y percibir. En las creaciones de los brillantes artistas del pasado, los que viven hoy deben escuchar lo que hoy les sintoniza, porque es imposible agotar lo que contiene una novela, una obra de teatro o una partitura. Cualquier interpretación moderna es solo una parte de lo que se ha leído y será leído por generaciones. Cada nueva generación aporta su propia experiencia y actualiza la gama de problemas que padece la sociedad. Monsieur Mortier consideró que la decisión de la ópera de Tchaikovsky por parte del director ruso Chernyakov cumplía absolutamente con estos requisitos. En la obra, seguía exclamando "¡Magnífico!" y se regocijó como un niño.

Todavía no sabía que a principios del siglo XXI todavía hay quienes quieren discutir seriamente si Tchaikovsky es o no Tchaikovsky, Pushkin o no Pushkin, y actuar como gobernadores de los clásicos en la tierra. De alguna manera es vergonzoso repetir que el director Chernyakov, interpretando a Tchaikovsky, por definición, no se convertirá en Tchaikovsky, aunque solo sea porque uno escribió el texto musical y el otro escribió el texto escénico. Trabajaron de acuerdo con diferentes leyes, en diferentes idiomas y en diferentes momentos. Además, la partitura se ha mantenido sin cambios, pero el vocabulario y el sistema imaginativo del propio teatro han cambiado, y en casi ciento treinta años desde el estreno de la ópera, el teatro ha seguido su camino largo e independiente, que el director Chernyakov ha estudiado y dominado bastante bien.

Todos los argumentos sobre quién se acercó a Tchaikovsky, quién está más lejos, del maligno, porque todos tienen sus propias ideas sobre el punto de partida: el puntaje. Y sobre las letras, en ausencia de las cuales se acusa al nuevo director de Onegin, cada uno tiene lo suyo, y sobre el drama, y ​​sobre la psicología, y sobre los límites de la interferencia en la estructura figurativa de la obra ...

El teatro es siempre un diálogo cara a cara o por correspondencia entre el autor de una base literaria o musical y el autor de una obra de teatro. El resultado final depende de la significación del diálogo. No importa cómo este último jure lealtad al plan del primero, no importa cuánto intente "corresponder", no funcionará. Es solo que los contemporáneos de la obra pueden tener una ilusión de proximidad o lejanía de la fuente original, que será destruida por las siguientes ilusiones. Entonces Chernyakov seguirá siendo Chernyakov, y esto es interesante. Y Tchaikovsky, cuyas óperas se representan en todo el mundo, no ha necesitado protección durante mucho tiempo. Todo está en orden con su legado, mejor que durante la vida del compositor. Y aún se desconoce qué le gustaría más: cómo algunas personas lo defienden de Chernyakov o la actuación de Chernyakov. No nos es dado averiguarlo ...

La actuación comienza antes de la introducción orquestal: llega el telón, en el escenario hay una gran sala de la casa de los Larin, una mesa enorme, invitados, platos tintineando, una anfitriona ocupada. El tema de la introducción es la secuencia de Tatiana y esta serie de etapas son conflictivas, como si una vida ajena a ella se entrometiera en el mundo espiritual de la heroína. Si escuchas esto, queda claro por qué ella no quiere salir a los invitados y cantar el dúo "¿Escuchaste?", Aprendido por orden de su hermana, según orden de su madre. Además, la atención de los presentes no alcanza por mucho tiempo, y la propia Larina tiene la menor paciencia: “Ellos cantaban y yo solía ...” - interrumpe literalmente a sus hijas (Makvala Kasrashvili se mostró como una maravillosa actriz de personajes). Olga también se aburrirá rápidamente con la actuación y acudirá a los invitados, Tatyana permanecerá en su lugar, en el atril, como si estuviera clavada; difícilmente estará sentada con sus familiares. Aquí todos los invitados apretarán unánimemente "Me duelen las piernas pequeñas" - el ruso se demora, y luego el baile - "Ya como en un puente-puente". La fiesta cobrará fuerza.

En este primer episodio ya se han declarado todas las relaciones, se han dado características. En música, la exposición aún está en marcha, pero en el escenario, se está produciendo el comienzo del futuro drama. Aquí, la soledad pública de Tatyana (Tatyana Monogarova), una rubia extraña, profunda en sí misma con el cabello descuidado, y la actitud reverente de una niñera comprensiva hacia ella, se yuxtaponen con la vida externa, para mostrar (a falta de más) a Larina y el entorno. Una disputa de larga data se escucha en el aria de Olga "No soy capaz de una tristeza lánguida". Este es un credo, protesta, autoafirmación, advertencia persistente a Tatyana, casi histérica. “Todos me llaman niña”, canta Olga (Margarita Mamsirova) con una presión desesperada, como una sugerencia. No se trata de una coquetería dulce e inocente, sino de la defensa del derecho a vivir de otra manera. Las relaciones se exacerban y son casi hostiles, principalmente desde el lado filisteo-agresivo. Tatiana no responde, literalmente se encoge. Pero las palabras de las niñeras “¡Tanyusha! ¿Qué pasa? ¿Estás enfermo? " tengo toda la razón.

Así es como el director elaboró ​​el texto con tanto detalle, a fondo, con mucho cuidado. Todo lo que parecía un lugar común, un tributo a la exposición que se desarrollaba lentamente, recibió una carga de eficiencia: se ganó la motivación y las implicaciones profundas. Y así, la actuación se construye hasta el final: en detalle de acuerdo con la psicología, relaciones de causa y efecto, con una solución general extremadamente lacónica. La habitación de la casa de los Larin en beige descolorido se convierte en el escenario de los hechos del primer acto (incluye cinco cuadros y finaliza con una escena de duelo). El exuberante comedor de la mansión de los Gremin, de color burdeos, resplandeciente de cristal, es un escenario único de las dos últimas pinturas. El lugar central en ambos casos lo ocupa una enorme mesa. Todo lo demás: la tapicería de las paredes, las lámparas y candelabros, la decoración de la mesa, la ropa de los invitados están en contraste.

Los acontecimientos del primer acto se reflejan, como en un espejo deformante, en el segundo. Cuando Onegin (Mariusz Kvecheni) aparece por primera vez, en la casa de los Larin, en medio del aburrimiento burgués, es el único vestido de negro y es un invitado de honor. Todos están listos para dejarle paso, para moverse, para mostrar una atención servil, exagerada, los hombres se ponen las chaquetas que se tiraron, se enderezan decorosamente en las sillas. Onegin comienza una pequeña charla - "Mi tío tiene las reglas más honestas" - para nada con Tatyana, como si no la notara, dando la oportunidad de escabullirse. Pero en el segundo acto, sentirá plenamente el desdén de la alta asamblea. Nadie volverá la cabeza, ni siquiera los sirvientes, que atienden atentamente a los invitados, que están cenando con el sonido de una polonesa. No le quitarán el abrigo, no moverán una silla, no servirán vino en una copa. Será evitado, y los lugares alrededor se irán vaciando gradualmente. Su brindis "Y estoy aburrido aquí", solo un brindis, y sin pensar "para mí mismo", es deliberadamente inapropiado, como un desafío. Él está aquí no solo en el texto "como Chatsky, del barco a la pelota", sino realmente como Chatsky.

En el baile de Larinsky, es Lensky quien le canta las coplas a Triquet, que permanecerá de pie en la puerta, severo e inteligente, claramente incapaz de bromear. Y Lensky es capaz. Se pone una gorra de payaso, toma una pistola de juguete, rodea a la cumpleañera con regalos; hace todo lo posible para distraer la atención de la llegada inesperada de Onegin (a quien casi trajo a la fuerza, obligado a entregar un ramo y una caja con un arco y se detuvo, dándose cuenta de que estaba listo para darse la vuelta y marcharse) ... Tatyana todavía camina, agarrada a esta caja, y con ella, como una niña, la colocarán en una silla para recibir humorísticas felicitaciones. Esto es inesperado y conmovedor. De estas acciones, reacciones, rasgos fugaces de comportamiento, surge la imagen de un poeta provinciano, abierto y desprotegido, un poco exaltado y confiado, un poco divertido, ahora hay tales personas. En la escena de un duelo, que, de hecho, no existe, él sigue en la misma habitación (solo se mueve la mesa, se limpian los platos, Zaretsky está durmiendo en el sofá), con una orejera absurda y un Abrigo de piel corto, recogiendo del suelo las sábanas esparcidas en el momento de la riña. En uno de ellos - "Lo que el día que viene me está preparando", poesía claramente escrita hace mucho tiempo. Una anciana de los invitados, que aún no ha abandonado el baile, se sentó a su lado para escuchar los siguientes versos. Y escucha, al principio con coquetería y con cariño; después de todo, se vuelven hacia ella, no hay nadie más (Olga pasa con indiferencia en busca de un pendiente perdido, esto es más importante para ella), y luego realmente, en serio, hasta las lágrimas, probándose las últimas líneas: "¿Dónde has ido, días dorados de mi primavera" ...

En lugar de un duelo, hay una pelea. Onegin se niega a disparar, intenta quitarle el arma a Lensky (es el arma, no las pistolas de duelo; difícilmente se pueden encontrar en una casa que no fue en absoluto la época de Pushkin), y el arma dispara. Por casualidad. ¿Te acuerdas en el de Chéjov, sobre la pistola que cuelga en la pared? ... Aquí aparece ya en la imagen anterior, donde Lensky disparó al aire en el fragor de una pelea, y Tatyana selecciona suavemente el arma y golpea a Lensky en el mejilla, comprensiva y tranquilizadora. Entonces, la bala todavía da en el blanco. Involuntariamente. Y esto hace que la situación sea casi más trágica precisamente por su absurdo e irreparabilidad.

Por supuesto, Chernyakov lee el texto de Tchaikovsky a través de Chéjov, a través de un nuevo drama con su tensión interior, cerrado a quienes no pueden escucharlo. Esta tensión se rompe a rachas cuando "la gente está almorzando, solo cenando" ...

El personaje más chejoviano es Tatiana. Ella es reservada, extraña, discreta y, al mismo tiempo, como una cuerda estirada, a punto de romperse. El colapso es el escenario de la carta. No se permitirá una mayor intensidad de emociones cuando las lámparas exploten y las sillas caigan. Después de una explicación con Onegin (la tercera imagen), en diferentes extremos de la mesa, a una distancia que parece enorme, parece congelarla por fuera, como si el alma, despedazada, solo fuera capaz de conservar su caparazón. Cambiará su apariencia por una más estricta e imponente, pero internamente seguirá siendo la misma en la final. Al igual que la niñera antes, Gremin (Alexander Naumenko) la observará aquí, tocándola como un jarrón de cristal. Es a él, su marido, a quien ella lanza nerviosamente: "Otra vez Onegin se interpuso en mi camino, como un fantasma despiadado". Ella no resistirá otra prueba similar de sentimientos y nervios, y Gremin, dándose cuenta de esto perfectamente, se la lleva apresuradamente. Apaga la luz y atrae a Tatiana hacia la puerta entreabierta, que sigue siendo la única iluminada. En este rayo entre la oscuridad, Onegin intentará dispararse a sí mismo: esta es su hora de salpicaduras de emociones abiertas desbordantes. Pero la pistola falla - una, dos veces, lo que hace que el intrusivo texto melodramático y pretencioso sea percibido como completamente orgánico - "¡Qué vergüenza! .. ¡Anhelo! .. ¡Oh, mi lamentable suerte!"

No todas las actuaciones dramáticas dejan tal sensación de volumen, plenitud semántica, precisión psicológica en las relaciones, en la creación de una atmósfera (aquí, la vida de la finca y la capital). Y la sensación de que todo esto fue leído del texto, no inventado, sino extraído, en demanda, finalmente. Y sorpresa, como no se notó antes, que los episodios que pasan, el escenario, el divertimento, toda la acción, todos los eventos, todo el drama. Suele ocurrir que cuando el tiempo de la acción se traslada a otras décadas o siglos, los personajes no sufren cambios, permanecen fijados textualmente, se sumergen mecánicamente en otro entorno y no les pasa nada nuevo. Aquí es diferente. Todos los héroes parecen ser los equivocados. Han adquirido individualidad, concreción y absolutamente propia, nueva materia orgánica. Y encontraron su propio mundo individual, aunque este es el mundo de la actuación, el mundo artístico. Aquí su propia realidad, no naturalista-vital, sino construida consistentemente por la férrea voluntad del artista, pero también vital. Este enfoque debe estar dominado por el principio racional, cargado de frialdad, una cierta distancia del creador del material. Chernyakov siente a sus héroes desde adentro, están vivos, con sus propios personajes y destinos, y al mismo tiempo está por encima de ellos, en la lógica de su propia trama. Es difícil de explicar con palabras, porque el tema de sus actuaciones es siempre complejo, pero la sencillez y la facilidad parecen. No es un fanático de adivinar acertijos para el espectador, todo está claro en el texto del escenario, pero puedes entender mucho, mucho en él, y de diferentes maneras. La claridad de la declaración del director no es lo mismo que la falta de ambigüedad. Por tanto, la idea de la actuación no se puede expresar en una frase, y los temas se multiplican, no queriendo fluir en fórmulas verbales precisas. Si decimos - una obra de teatro sobre la vida con su poesía y prosa; de personas con su inquietud y soledad; sobre el amor fracasado, el tiempo por el que ha llegado para cada uno de los amantes en su propio momento que no coincidió con el otro; de una familia en la que te puedes sentir un extraño; sobre una sociedad que siempre está dispuesta a rechazar a cualquiera que esté organizado de manera diferente: todo será pequeño y de alguna manera cliché. Y la actuación está desprovista de clichés y es más voluminosa que cualquier formulación.

Todas las actuaciones de Chernyakov, y en esta en particular, tienen su propia relación especialmente pensada entre la música y el escenario. La música se percibe de manera diferente aquí, porque se comprende de manera efectiva, dramática, dramática. Cada vez no es solo un trasfondo o una declaración emocional, es una característica de un héroe, una situación y cambios internos. La orquesta de Alexander Vedernikov es algo seca, pero con su ritmo bastante rápido parece estar nerviosamente invertida, trabajando en el tono general, las tareas generales de la interpretación.

La nueva lectura de Eugene Onegin en el Teatro Bolshoi es realmente nueva, no hay radicalismo superficial ni experimentación por el mero hecho de experimentar. En él, la nueva era se articuló a través de la lectura profunda en el material de los libros de texto y realizó sus propios descubrimientos ... Para eso está el arte del teatro.

"Mazepa"

P.I. Tchaikovsky. Mazepa. Director Valery Gergiev, director Yuri Alexandrov, artista Georgy Tsypin

El Teatro Mariinsky abrió la temporada con el estreno de una producción del Mazepa de Tchaikovsky con la Metropolitan Opera. El director Valery Gergiev, el director Yuri Alexandrov y el artista Georgy Tsypin ya han probado su trabajo en Nueva York. Fue el turno de San Petersburgo.

La tarea que tenían ante sí los directores era difícil: crear una actuación para audiencias tan diferentes como estadounidenses y rusos. Tenemos diferentes experiencias culturales e históricas, vivimos en diferentes mundos, diferentes sociedades. Aquí o se necesita un grado muy alto de generalización o, por el contrario, tal verdad psicológica, tal especificidad humana, que estaría cerca de todos, independientemente de la nacionalidad. Además, la propia ópera de Tchaikovsky puede leerse igualmente como material político de actualidad y como drama de amor humano. El artista Tsypin obviamente tomó el primer camino, el director Aleksandrov, aparentemente, trató de combinar ambos enfoques.

VDNKh aparece en el escenario en el primer acto: columnas masivas con figuras de yeso de ucranianos y dos esculturas gigantes de una vaca y un toro en pedestales imperiales ... Las mesas que se rompen con la comida blanca falsa en la escena de la recepción de Mazepa Kochubei recuerdan las películas -Cuentos de hadas como "El cerdo y el pastor" o "Los cosacos de Kuban". Los bailes en tutús de cisne dorado con faldas ucranianas asomando debajo de ellos se leyeron como una parodia de los conciertos del Kremlin. El perfil del líder de todas las naciones, que apareció en el telón de fondo de la escena de la ejecución de Kochubei, resplandecía con bombillas eléctricas y no dejaba dudas sobre de qué trataba toda la historia. Sobre el poder que lleva a la tragedia de su pueblo, sobre la tiranía que rompe los destinos humanos, sobre las ambiciones imperiales, cuya implementación está plagada de la muerte de personas inocentes o la locura. Un tema que ha sido ampliamente explotado por el arte de las últimas décadas, expresado por medios no menos replicados.

Hay algo deliberadamente exagerado, algo deliberado en este lío, en este montón de signos familiares para todos. Como si dos artistas de pensamiento no trivial, Tsypin y Aleksandrov, decidieran sobrealimentar completamente a la audiencia. Hay campos de púas en la supercortina, gavillas de panes dorados demasiado maduros en manos de campesinos benevolentes y una cantidad impensable de oro en los disfraces al comienzo de la actuación. Luego, todo esto se modula gradualmente en grises, y luego en tonos negros y grises. De la luz cegadora a la oscuridad y la penumbra. La cabeza de Kochubei, rodando directamente a las manos de María, no es suficiente para los directores: decenas de cabezas sobresalen del suelo, y cuando se eleva el podio, se ven decenas de cuerpos pertenecientes a estas cabezas. La solución, por supuesto, es espectacular e incluso imaginativa, pero es tan falsa teatralmente que el efecto se difumina. En la escena de la tortura, Kochubey, con las manos ensangrentadas, emerge de una bola de fragmentos de cuerpo humano enredados en un alambre. Al final, el podio está sembrado de cadáveres, como antes las gavillas. Los cadáveres están ennegrecidos, congelados, con las manos en alto o envueltos en celofán. Mad Mary les agrega una bolsa entera de restos humanos (un torso, un brazo, una cabeza) e intenta construir algo con muñones inadecuados. Quizás una lápida. En general, horror, pero en tal cantidad que no toca, como ocurre cuando ves un thriller americano. Un mar de sangre, montañas de cadáveres, y no te importa, la ley del género.

¿No es un intento de resolver este tema, agotarlo hasta el fondo, utilizar todo lo que se ha encontrado, exagerar hasta el absurdo, y cerrarlo? De una vez por todas. Todo este séquito parece dolorosamente falso. Incluso en la oficina de Mazepa hay una impresionante estatua ecuestre: un tirano sobre un caballo encabritado. La importunidad y la franqueza con que se afirma visiblemente la idea del daño de la tiranía en general es incluso impresionante a su manera. ¿No es toda esta ironía, no una parodia? En general, con el patetismo social de la actuación, hubo una obvia exageración.

¿Qué pasa con el drama humano? Surgió esporádicamente. En la primera escena, se enfatizó claramente la prescripción de la amistad entre Mazepa y la familia Kochubei. Los hombres se acomodaron imponentemente sobre almohadas, mantuvieron una conversación confidencial de manera tranquila y habitual; todo indicaba que estaban conectados no solo por relaciones oficiales. Pero ... hasta que la conversación se centró en la hija, a quien Kochubei no pudo presentar como la esposa de Mazepa. Cuando María elige Mazepa, no hay límite para la indignación de los padres, para ellos la sola idea de casarse es una traición, y la vieja amistad llega a su fin. Pero Mazepa todavía aparece en la escena de la ejecución de Kochubei e Iskra, reza con ellos y experimenta profundamente la muerte de un amigo que envió a los verdugos: se sabe que las personas crueles son sentimentales. Al final, una imagen de anteriores reuniones familiares conjuntas surgirá en la mente dolorida de Mary, como un recuerdo de lo que ha sido destruido. Probablemente, este tema resultó ser el más leído de la obra, aunque estaba delineado con líneas de puntos.

Más lejos. Mazepa engaña a Mary, como corresponde a un gobernante depravado (para esto se ha introducido un nuevo personaje: una amante). ¿Se necesita esta pintura de nueva etapa? Ella fundamenta la escena de los celos de María, pero al mismo tiempo es más difícil para ella y para nosotros creer en su amor, tan sentido en el famoso aria. Y dejará a la angustiada María en el campo de batalla en la final, ¡pero cómo! - lo dejará tendido sobre el cadáver de alguien, cubriéndolo con un pañuelo negro de luto. Como resultado, en lugar de la volumétrica deseada de la imagen, se siente más bien su borrosidad.

En los momentos adecuados, Andrey sufriente parece interpretar otra aria y desaparece en algún lugar innecesario: como personaje, es imperceptible, la impresión de que no está resuelto, olvidado, nominal.

Los ucranianos con sombreros de goma (que representan cabezas rapadas con largos mechones y bigotes), y algunos sin ellos y con pantalones, que llevaban kilómetros de telas, aún podían hacer una escena de bajorrelieve generalizada en la trama de la conspiración. Pero, ay, muerden su fatídica decisión con tocino de verdad, que Love corta con fiereza, blanden botellas con vodka y, arreglando una revitalización general, convierten todo este episodio en una farsa, porque está estampado, como si fuera de otra actuación.

En general, hay destellos de sentimientos humanos vivos y precisión de características en algunas soluciones de puesta en escena, pero también hay falsedad, exageración. O los ecos de una tragedia antigua: aparecen dolientes con túnicas negras, y luego las columnas de VDNKh se asocian con el Partenón destruido, luego, ante ti, hay una película de terror: montañas de cadáveres, enteros o desmembrados, a los que están acostumbrados y lo hacen. desapercibido. O hay comida de yeso blanco en la mesa, o manteca de cerdo natural, que es consumida por los asociados de Kochubei, que son similares a los mimos. La actuación está estancada en la encrucijada de sus propios caminos: temáticos, de género y estilísticos ...

La orquesta de Valery Gergiev no sufrió nada de eso: viva, respirando, llena de emoción y drama. Entre los intérpretes del primer elenco, solo Nikolai Putilin (Mazepa) y Larisa Dyadkova (Lyubov) demostraron una clase real, en términos de la calidad de las voces, la uniformidad de la voz principal, el fraseo, la cantilencia del canto, la dicción, finalmente. . Es solo un nivel diferente, una escuela diferente. Y estas son sus fiestas de la corona. Por derecho.

Eugene Onegin se ha representado en varias ocasiones en el Teatro Bolshoi. Los espectadores recuerdan bien el destacado trabajo de Dmitry Chernyakov. A lo largo de los 12 años de su historia, se ha representado más de 150 veces en Moscú y prácticamente en todos los principales escenarios del mundo. Sin embargo, este año todavía dará paso a una nueva producción, que se podrá ver muy pronto.

"Eugene Onegin" regresa al escenario del Teatro Bolshoi

La obra fue dirigida por el famoso dramaturgo, director artístico y fundador del teatro israelí "Gesher" Yevgeny Arie. El director de arte Semyon Pastukh y el director musical, director principal del Bolshoi Tugan Sokhiev trabajaron con él en la legendaria obra.

Ópera “Eugene Onegin. Lyric Scenes "será el estreno más esperado de esta temporada teatral, porque esta obra de Tchaikovsky es considerada una de las más famosas del mundo. De la legendaria novela, el brillante compositor tomó todo lo que estaba asociado con el mundo espiritual, los personajes y los destinos personales de los héroes, y llamó a su "creación" "escenas líricas". No es de extrañar que su música emocione tanto a la audiencia, y la ópera en sí se vuelva cercana y comprensible para todos. Por supuesto, el público quiere saber qué vio el famoso director en la novela de Pushkin y las imágenes de los personajes principales. El interés en la producción también se despierta por el hecho de que se convertirá en la segunda obra de ópera de Arie en el escenario del Teatro Bolshoi. No hace mucho, presentó al público la ópera de Weinberg "El idiota", que gustó mucho al público metropolitano.

Entradas para la actuación online

Todo lo relacionado con el nuevo trabajo, los creadores de la obra aún lo mantienen en secreto. Sin embargo, ya es posible con un alto grado de confianza suponer que Eugene Arie ofrecerá una visión completamente diferente de la novela genial, manteniendo el respeto por la fuente original y toda la literatura rusa en su conjunto. La brillante actuación de los actores de ópera del Teatro Bolshoi también adornará indudablemente la actuación.

El estreno de la ópera "Eugene Onegin" tendrá lugar al final de la temporada, el 15 de mayo de 2019. Puede familiarizarse con el cartel y comprobar el número de plazas libres en nuestro sitio web. Es mejor comprar boletos para Eugene Onegin con anticipación. Puede realizar un pedido usted mismo o llamando a nuestros operadores.

¡El ballet es horrible! ¿Cómo supo el teatro principal del país que ni el ballet Onegin, ni la ópera Eugene Onegin dan una idea del verdadero RUSO Eugene Onegin?
Incluso avergonzado frente a los extranjeros y nuestra generación joven. Tales actuaciones forman una idea equivocada de lo que es ruso, nuestro, querido.

Ballet Onegin es la visión de un extranjero de esta historia sin intentar comprender a los personajes y hacer un ballet verdaderamente ruso. Aquí Onegin es un dandy cursi, retorciéndose las manos y asumiendo posturas antinaturales. No hay quejas sobre los artistas (Rodkin y Krysanova). Los vi en otras obras. Son verdaderos maestros y artistas. ¡Pero lo que se le ocurrió al coreógrafo es simplemente horrible!

No hay música a la que estemos acostumbrados de la ópera de Eugene Onegin, hay música diferente de Tchaikovsky, tirada en pedazos y combinada. Por ejemplo, antes del duelo de Lensky, en lugar de "Dónde, dónde, dónde has ido ..." suena la música melancólica "Octubre" de "Las Cuatro Estaciones". Y en el escenario en este momento Olga y Tatiana con vestidos lúgubres y bufandas negras justo en el lugar del duelo disuaden a Lensky de disparar.

Gracias a Dios, hay personas tan educadas como Lantratov. Dice directamente en el video sobre ballet que esto no es ballet ruso. Pero Ovcharenko, por ejemplo, cree que el estilo de vida ruso y el estilo de vida se muestran bien aquí ... Así es como la generación más joven se forma la opinión de que hay ruso, en la opinión de un extranjero (osos, un sombrero con orejeras, una balalaika ...)
http://media.bolshoi.ru/play/#/vod/play/49

En el ballet, por supuesto, lo principal es la coreografía. No me gustó en absoluto su lenguaje de movimientos y sus incomprensibles lanzamientos de bailarinas como en el patinaje artístico. Aquí no hay olor a bailes rusos. Me dediqué a bailar en la escuela y entiendo un poco. No hay nada como los movimientos rusos. La danza de los campesinos es similar a la danza del marinero "Yablochko". Y cómo vestían estos chicos es un tema aparte. En la parte inferior de ellos había pantalones voluminosos con puños, más parecidos a la ropa de los burgueses alemanes, y encima de ellos había blusas en una gran jaula, por ejemplo, de color verde. Este color me recordó a las camisas de Uniqlo, pero no a un traje popular ruso.

Cómo vestían los hombres en el baile del onomástico: frac marrón, de delante hasta la cintura, de espalda casi hasta las rodillas y medias color carne. Parecía que los hombres de abajo estaban simplemente desnudos.
Gremin también estaba vestido: un uniforme militar gris con charreteras doradas y "medias" de color gris claro. ¡Se veía horrible!

En definitiva, es un ballet realizado por un extranjero para extranjeros. Además, fue expresado de manera muy superficial, por una persona que ni siquiera trató de hacer algo confiable y resolverlo.

Y grandes preguntas a la dirección del Teatro Bolshoi: ¿Cómo se podría llevar este ballet mediocre a Rusia en el escenario principal del país? ¿Gastar mucho dinero del presupuesto en esto?
Si el ballet es bien recibido en Europa, esto no significa que tal visión de un "ruso real" deba implantarse en Rusia.

“En la actuación de Chernyakov ... todo lo que se asocia habitualmente con los accesorios de Onegin falta: pistolas y la niebla matutina de un duelo, chicas con vestidos de verano en el bosque, cantando canciones, mazurcas elegantes e incluso el famoso Monsieur Triquet, cuyos versos se convirtieron casi en el la melodía de ópera más popular ". ( Alena Karas, "Rossiyskaya Gazeta", 5.9.2006)
"El director Dmitry Chernyakov ... esquiva todos los clichés de la Ópera Ivanovna y, mediante un esfuerzo volitivo sin precedentes, sacudiendo todas las imágenes visuales osificadas de sus pensamientos, recrea un mundo vivo y tembloroso a partir de la música". ( Alexey Parin, )

"Saturó la ópera con las vivas corrientes del drama, convirtiendo las escenas de la multitud en personajes detallados y variados, destruyendo la división en solistas y extras, y enseñando a cada uno de los participantes en la obra a respirar el mismo sentimiento del conjunto". ( Alena Karas, "Rossiyskaya Gazeta", 5.9.2006)

“Todo lo que parecía un lugar común, un tributo a la exposición que se desarrollaba lentamente, recibió una carga de eficiencia: se ganó la motivación y las implicaciones profundas. Y así, la actuación se construye hasta el final: en detalle de acuerdo con la psicología, relaciones de causa y efecto, con una solución general, extremadamente lacónica ". ( Elena Tretyakova, )

"Eugene Onegin" en el Teatro Bolshoi se construye como una representación dramática y, por lo tanto, se convierte en un evento de ópera ". ( Alexey Parin, "Noticias de Moscú", 8.9.2006).

Incluso “no toda representación dramática deja tal sensación de volumen, plenitud semántica, precisión psicológica en las relaciones, en la creación de una atmósfera (aquí, la vida de la finca y el capital). Y la sensación de que todo esto fue leído del texto, no inventado, sino extraído, en demanda, finalmente. Y sorpresa, como no se había advertido antes, que haya episodios de paso, de ambientación, de diversión: todo es acción, todo son acontecimientos, todo es drama ”. ( Elena Tretyakova, "Petersburg Theatre Journal", Nº 45, 2006)

Fiesta eterna

“Por supuesto, Chernyakov lee el texto de Tchaikovsky a través de Chéjov, a través de un nuevo drama con su tensión interior, cerrado a quienes no pueden escucharlo. Esta tensión estalla en ráfagas cuando "la gente está almorzando, simplemente cenando ...". ( Elena Tretyakova, "Petersburg Theatre Journal", 2006, núm. 45)
En el centro de la acción hay una enorme mesa ovalada, la principal puesta en escena es una fiesta. O lo que queda de él. ( Julia Bederova, "Vremya novostei", 4.9.2006)

“La escena es una cámara. Una habitación ... Las enormes ventanas y puertas con panel no niegan la sensación de un espacio catastróficamente cerrado bajo el techo blanco que sobresale. En el diseño y diseño de este espacio, las entonaciones de Marthaler son notables: nobleza, filisteísmo, alguna imagen atemporal de belleza arquitectónica cubierta de musgo o congelada, habitada por gente común y vulgar con los rostros enrojecidos por la ensalada y el vodka o el sufrimiento desesperado natural ". ( Julia Bederova, "Vremya novostei", 4.9.2006)

"La obra comienza con un animado tintineo de tenedores y cuchillos: la mañana, el desayuno, las sirvientas corren alrededor de la mesa, las cafeteras hacen alarde de la mesa y la matrona Larina (Makvala Kasrashvili) se sienta a la cabeza de la fiesta, asegurándose de que los invitados "Los platos no están vacíos". ( Gyulara Sadikh-zade, "Periódico". 9/4/2006)

“El tema de la introducción es la secuencia de Tatiana y esta serie teatral es conflictiva, como si una vida ajena a ella se entrometiera en el mundo interior de la heroína. Si escuchas esto, queda claro por qué ella no quiere salir y cantar según el orden de su madre el dúo "Has escuchado" que aprendió con su hermana ...
En música, la exposición aún está en marcha, pero en el escenario, se está produciendo el comienzo del futuro drama. Aquí, la soledad pública de Tatyana (Tatyana Monogarova), una rubia extraña, profunda en sí misma con el cabello descuidado, y la actitud reverente de una niñera comprensiva hacia ella, se yuxtaponen con la vida externa, para mostrar (a falta de más) a Larina y el entorno. Una disputa de larga data se escucha en el aria de Olga "Soy incapaz de una tristeza lánguida". Esto es un credo, protesta, autoafirmación, advertencia persistente a Tatyana, casi histérica ...
Cuando Onegin (Mariusz Kvecheni) aparece por primera vez, en la casa de los Larin, en medio del aburrimiento burgués, es el único vestido de negro y es un invitado de honor. Todos están dispuestos a cederle el paso, a moverse, a mostrar una atención servil y exagerada ... ”. ( Elena Tretyakova, "Petersburg Theatre Journal", 2006, núm. 45)

Duelo

“El melancólico y aplastado Lensky canta '¿Dónde, dónde has ido?' Todo en la misma habitación, en medio de los antiestéticos restos matutinos de la fiesta y las mucamas de la limpieza, está vestido como un invierno, y bajo sus pies, si lo desea, hay un ventisquero - hojas con sus poemas, que los invitados divididos esparcieron. No hay duelo como tal ”. ( Sergey Khodnev, Kommersant, 4.9.2006)

“Onegin se niega a disparar, intenta quitarle el arma a Lensky (es el arma, no las pistolas de duelo; difícilmente se pueden encontrar en una casa que no fue en absoluto la época de Pushkin), y el arma dispara. Por casualidad. ¿Recuerdas la de Chéjov sobre la pistola que cuelga en la pared? ... Aquí aparece ya en la imagen anterior, donde Lensky disparó al aire en el fragor de una pelea, y Tatyana le quita suavemente el arma y golpea a Lensky. la mejilla, comprensiva y tranquilizadora. Entonces, la bala todavía da en el blanco. Involuntariamente. Y esto hace que la situación sea casi más trágica precisamente por su absurdo e irreparabilidad ". ( Elena Tretyakova, "Petersburg Theatre Journal", 2006, núm. 45)

Y la felicidad no era tan posible

“La sexta escena también comienza con un festín, desde los primeros sonidos de la polonesa. Sólo que el interior ya no es provinciano, sino bastante metropolitano ... Salón de banquetes en tonos rojos ... donde Onegin deambula y donde nadie se preocupa por él ". ( Dmitry Morozov, "Cultura", 7.9.2006)

"Nadie ni siquiera volverá la cabeza, ni siquiera los sirvientes, cuidando con atención a los invitados ... Su brindis" Y estoy aburrido aquí ", solo un brindis, y sin pensar" para mí mismo ", es deliberadamente inapropiado, como un reto. Él está aquí no solo en el texto "como Chatsky, del barco a la pelota", sino realmente como Chatsky ". ( Elena Tretyakova, "Petersburg Theatre Journal", 2006, núm. 45)

“El curso más fuerte de la final, donde Tatiana no se esconde de su esposo (en el papel de Gremin positivo, seguro de sí mismo y completamente poco romántico, Alexander Naumenko fue muy bueno) sus tormentos y doble vida, muestra que en Onegin está mirando no solo por otro hombre, sino por algo mucho más imposible ”. ( Ekaterina Biryukova, Izvestia, 4.9.2006)
“¡Oh, qué difícil es para mí! ¡Otra vez Onegin se interpuso en mi camino como un fantasma despiadado! ”- canta en presencia de Gremin, dirigiéndose a él. ( Marina Zayonts, "Resultados", 11.9.2006)

“Aquí, en la habitación roja, tendrá lugar su dueto de espejos. Dos, separados por una mesa enorme. "Y la felicidad era tan posible, tan cercana". ( Alena Karas, "Rossiyskaya Gazeta", 5.9.2006)

“Ella no resistirá otra prueba como esa de sentimientos y nervios, y Gremin, dándose cuenta de esto perfectamente, se la lleva apresuradamente. Apaga la luz y atrae a Tatiana hacia la puerta entreabierta, que sigue siendo la única iluminada. En este rayo entre la oscuridad, Onegin intentará dispararse a sí mismo: esta es su hora de salpicaduras de emociones abiertas desbordantes. Pero la pistola falla - una vez, dos veces, lo que hace que el intrusivo texto melodramático y patético sea percibido como completamente orgánico - "¡Qué vergüenza! .. ¡Anhelo! .. ¡Oh, lamentable suerte!" ( Elena Tretyakova, "Petersburg Theatre Journal", 2006, núm. 45)

Veredicto

“Alexander Vedernikov dirige la ópera con sensibilidad, ayudando a los solistas, la orquesta es buena, el coro es impecable. Por cierto, se abrió un excelente coro de invitados (desde la primera edición) en la imagen "capital": esta música de Tchaikovsky nunca antes se había escuchado en el Bolshoi ". ( Peter Pospelov, Vedomosti, 4.9.2006)

“Chernyakov sigue exactamente el espíritu, la música y las palabras de Onegin. Y solo cambia las palabras una vez. En lugar de “¡Venid juntos! “En el escenario del duelo, Zaretsky exclama:“ ¡Ahora entra! “Y una multitud curiosa irrumpe en el pasillo. El Teatro Bolshoi tiene todo el derecho a decirnos: “¡Ahora pasen! ", - porque finalmente apareció una actuación basada en la ópera clásica rusa, que nos abrió las puertas a un nuevo mundo iluminado por el talento". ( Alexey Parin, "Noticias de Moscú". 8.9.2006)

“La nueva lectura de Eugene Onegin en el Teatro Bolshoi es realmente nueva, no hay radicalismo superficial ni experimentación por el simple hecho de experimentar. En él, la nueva era se articuló a través de la lectura profunda en el material de los libros de texto y realizó sus propios descubrimientos ". ( Elena Tretyakova, "Petersburg Theatre Journal", 2006, núm. 45)

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