Rembrandt Harmenszoon van Rijn es un pintor y grabador de fama mundial. La biografía de Rembrandt es muy interesante, por lo que no es de extrañar que una gran cantidad de estudios de arte y monografías científicas se dediquen al estudio de su vida y obra.
primeros años
El artista Rembrandt, cuya biografía se considera en este artículo, nació en la familia del molinero Harmen Gerrits en 1606. El nombre de su madre era Neltje Willemsdochter van Rijn.
Debido a que las cosas iban bien con mi padre en ese momento, el futuro pintor recibió una educación bastante buena. Fue asignado a una escuela de latín, pero al joven no le gustaba estudiar allí, por lo que su éxito dejaba mucho que desear. Como resultado, el padre cedió a las peticiones de su hijo y le permitió ir a estudiar al taller de arte de Jacob van Svanenbürch.
La biografía de Rembrandt es interesante porque su primer mentor no tuvo una fuerte influencia en el estilo artístico del pintor. La mayor influencia en el aspirante a artista fue realizada por su segundo maestro, a quien cambió después de tres años de trabajo en Svanenbürch. Fue Peter Lastman, a quien Rembrandt decidió seguir cuando se mudó a vivir a Amsterdam.
Creatividad y biografía del artista.
Una breve biografía de Rembrandt van Rijn no permite una presentación detallada de toda su carrera y vida, pero los puntos principales aún son bastante posibles de distinguir.
En 1623, el artista regresó a su hogar en la ciudad de Leiden, donde en 1628 había adquirido sus propios estudiantes. La información sobre sus primeras obras conocidas se remonta a 1627.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn caminó de manera constante y diligente hacia su éxito creativo: la biografía del talentoso pintor indica que en las primeras etapas de su trabajo trabajó incansablemente.
En ese momento, pintó principalmente a su familia y amigos, así como escenas de la vida de su ciudad natal. La galería Kassel contiene un retrato de un hombre con una doble cadena de oro alrededor del cuello, que se remonta a este período en la vida del artista conocido en todo el mundo como Rembrandt. Incluso entonces, la biografía y obra de este pintor comenzaron a llamar la atención.
Mudarse a Amsterdam
En 1631, el joven se mudó a vivir a la capital, la ciudad de Amsterdam. A partir de ahora, aparece muy raramente en sus países de origen. La biografía de Rembrandt en esta etapa de su vida y obra está repleta de pruebas de que rápidamente ganó fama y éxito creativo en los círculos ricos de Ámsterdam.
Esta es una etapa muy fructífera en la vida de un artista. Rembrandt, cuya breve biografía se expone en nuestro artículo, trabajó muy duro, cumpliendo muchos pedidos y al mismo tiempo sin olvidar mejorar constantemente. El artista dibujó de la vida y grabó interesantes personajes que encontró en la judería de la ciudad.
Luego se pintaron cuadros tan famosos como "Lección de anatomía" (1632), "Retrato de Coppenol" (1631) y muchos otros.
Éxito creativo y financiero
En 1634, Rembrandt se casa con Saskia van Uhlenborch, hija de un exitoso abogado. En muchos sentidos, este marcó el período más exitoso en la vida y obra del artista. Tiene suficiente dinero y muchos pedidos, que cumple de buen grado.
La biografía de Rembrandt de ese período indica que le gustaba mucho pintar a su esposa, y no solo en los retratos, sino que también a menudo su imagen se puede ver en otros cuadros del pintor.
Las pinturas más famosas que representan a la joven esposa del artista son:
- "Retrato de la novia de Rembrandt";
- "Retrato de Saskia";
- "Rembrandt con su esposa".
Rembrandt: una breve biografía tras la muerte de su primera esposa
El feliz matrimonio del joven no duró mucho. Después de siete años de matrimonio, Saskia murió repentinamente en 1642. Y a partir de ese momento, toda la vida del artista comienza a cambiar para peor.
A pesar de que Rembrandt se casó por segunda vez, ya no tenía la misma felicidad que en su primer matrimonio. Su ex sirvienta, Gendrikie Jagers, se convirtió en su compañera de vida.
Durante ese período de vida, el artista experimentó graves dificultades materiales, y no por falta de trabajo y encargos, sino por su propia adicción a coleccionar obras de arte, en las que gastaba la mayor parte de sus ingresos.
Su pasión por el cobro le llevó a que en 1656 fuera declarado deudor incapaz de saldar sus deudas, y en 1658 tuvo que ceder su propia casa para poder pagar las deudas. A partir de ese momento, el artista vivió en un hotel.
Empeoramiento de la situación
Los Hendriki y el hijo de Rembrandt, Titus, fundaron una empresa comercial para la venta de obras de arte. Sin embargo, las cosas aún no iban muy bien y, tras la muerte de Gendrikie en 1661, la situación empeoró aún más. Siete años después, también falleció el hijo que dirigía el negocio de la empresa.
La situación económica del gran artista se vuelve simplemente terrible, pero la pobreza no ha matado su deseo de crear. Continúa pintando cuadros con insistencia, que, sin embargo, ya no gozan del mismo éxito entre sus contemporáneos que antes, porque los gustos del público han cambiado a lo largo de los años.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn murió en octubre de 1669, completamente solo y en la pobreza extrema.
Rembrandt: biografía, pinturas
A diferencia de los contemporáneos del gran pintor, las siguientes generaciones apreciaron mucho no solo la obra temprana del artista, sino también las obras y lienzos posteriores de Rembrandt. Hoy, el maestro es la personificación de la pintura holandesa y uno de sus representantes más destacados.
El leitmotiv principal de toda su obra puede denominarse realismo, que impregna todas las obras del autor. Incluso representando tramas mitológicas, Rembrandt muestra a los antiguos dioses y diosas griegos bajo la apariencia de los habitantes de Holanda en la actualidad. Un ejemplo sorprendente de esto se puede llamar la pintura "Dánae", que se conserva en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo.
Algunas pinturas mitológicas generalmente tienen una imagen de media caricatura de dioses y diosas. Esto se puede rastrear en la obra "El rapto de Ganimedes" (segundo nombre "Ganimedes en las garras de un águila"), conservada en el Museo de Dresde. Aquí las proporciones del cuerpo de Ganímedes no se corresponden con la realidad, lo que no habla del bajo nivel de habilidad del artista de la imagen, sino de su enfoque caricaturizado y decidido para representar al personaje en el lienzo, ya que en muchas pinturas Rembrandt realiza fácilmente incluso elementos complejos que representan partes de la fisiología y la anatomía humanas.
Los retratos del artista se distinguen generalmente por un realismo y una credibilidad sin precedentes para su época, que habla del increíble talento del maestro y la capacidad de transferir lo que vio en la vida al lienzo, así como su conocimiento bastante profundo de la anatomía y fisiología humana. .
El artista trata varias pequeñas cosas y pequeños accesorios con mucho cuidado y precisión para este tipo de trabajo. Esto se puede ver claramente en las imágenes:
- Calígrafo (Ermita del Estado);
- Lección de anatomía (Mauritshuis);
- "Gremio de Tejedores" (Museo de Amsterdam).
Estilo creativo
Para las obras de Rembrandt, es característico que el artista siempre destaque todos los elementos importantes de la imagen, independientemente de las características compositivas. El artista no siempre se esfuerza por mostrar si las personas u objetos representados son correctos desde el punto de vista de la realidad. Se caracteriza por una exageración deliberada.
La principal característica que ha atravesado todas sus obras es la falta de colores vivos y brillantez. Además, esto se puede ver en las primeras obras del artista. Y esto los distingue mucho de las pinturas de maestros italianos o, por ejemplo, de la obra del pintor flamenco Rubens.
Rembrandt hizo el mayor énfasis en el juego de colores con luces y sombras. En esto, su habilidad es reconocida e insuperable hasta el día de hoy. A veces, el juego de luces y sombras de los colores en los lienzos del artista es tan fuerte que los expertos en arte todavía discuten sobre qué hora del día se representa en la imagen.
Uno de los ejemplos más brillantes de la pintura de Rembrandt con una paleta tan magnífica es quizás su cuadro más famoso "La ronda de noche", cuyo debate continúa en la actualidad.
"La Guardia de la Noche"
Esta imagen lleva el nombre oficial "Discurso de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Kock y el teniente Willem van Ruutenbürg", pero en todo el mundo se suele llamar simplemente "Guardia nocturna".
Sin embargo, debido al amor del artista por el juego de colores de luz y sombra descrito anteriormente, las disputas sobre la hora del día representada en la imagen, de día o de noche, aún continúan y no hay una respuesta definitiva.
Este lienzo es un símbolo y la obra más llamativa no solo del propio Rembrandt, sino de toda la escuela de pintura holandesa. Se considera propiedad del Reino de los Países Bajos y del arte mundial en general.
Millones de turistas de todo el mundo vienen a Amsterdam cada año para visitar el Rijksmuseum y admirar la famosa pintura. Todos ven en él algo propio, todos tienen su propia impresión y opinión sobre este lienzo. Pero el hecho siempre permanece inalterado que esta magnífica obra del famoso creador no deja absolutamente a nadie indiferente.
Conclusión
Hoy, el pintor y grabador Rembrandt, cuya breve biografía y obra se han descrito en este artículo, es el orgullo no solo de su país natal. Es conocido en todo el mundo y sus pinturas son admiradas por conocedores del arte y la pintura de todo el planeta. Las pinturas del artista se compran con entusiasmo por un dinero fabuloso en subastas donde se venden pinturas y obras de arte, y el nombre de Rembrandt es escuchado por cualquiera que tenga la más mínima idea de arte.
Es difícil sobreestimar la contribución creativa de este gran artista a la pintura y la cultura de su país y del mundo entero. No en vano, hoy la escuela holandesa de pintura se asocia principalmente con el nombre de Rembrandt Harmenszoon van Rijn.
Y su trabajo, presentado en el artículo, le presentará a uno de los mejores artistas de todos los tiempos. Rembrandt Harmenszoon van Rijn (años de su vida - 1606-1669) - famoso pintor, grabador y dibujante holandés. Su obra está impregnada del deseo de comprender la esencia de la vida, así como el mundo interior del hombre. Rembrandt estaba interesado en la riqueza de las experiencias emocionales inherentes a las personas. La obra de este artista es el pináculo del arte holandés del siglo XVII. También se considera una de las páginas más importantes de la cultura artística de todo el mundo. Incluso personas alejadas de la pintura conocen sus obras. Rembrandt es un artista increíble cuya vida y obra seguramente te interesarán.
El legado artístico de Rembrandt
El patrimonio artístico que nos dejó es sumamente diverso. Rembrandt pintó retratos, paisajes, naturalezas muertas, escenas de género. Creó pinturas sobre temas mitológicos, bíblicos, históricos, así como otras obras. Rembrandt es un maestro insuperable del grabado y el dibujo.
La vida en Leiden
La vida de Rembrandt en 1620 estuvo marcada por un breve estudio en Entonces decidió dedicar su vida por completo al arte. Con este fin, estudió primero en Leiden con J. van Swanenbürch (aproximadamente en 1620-23), y luego en Amsterdam con P. Lastmann (en 1623). Entre 1625 y 1631, el artista trabajó en Leiden. Aquí Rembrandt creó sus primeras obras.
Cabe señalar que sus obras relacionadas con el período de Leiden se caracterizan por la búsqueda de la independencia creativa del autor, a pesar de que en ellas se nota la influencia de Lastman, así como de representantes del caravaggismo holandés. Un ejemplo es la obra "Traer al templo", realizada hacia 1628-29. En "El apóstol Pablo" (hacia 1629-30), así como en "Simeón en el templo" (1631), el artista recurrió primero al claroscuro como un medio diseñado para realzar la expresividad emocional y la espiritualidad de las imágenes. Al mismo tiempo, Rembrandt trabajó duro en el retrato. Estudió las expresiones faciales.
1630 años en la vida de Rembrandt
Un acontecimiento importante en la vida del maestro tuvo lugar en 1632. Mudarse a Amsterdam marcó la biografía del artista Rembrandt. Su biografía que se remonta a esta época es la siguiente.
En Amsterdam, el artista que nos interesa pronto se casó. Su elegida fue Saskia van Eilenburch, una rica patricia (su retrato se presenta arriba). Esta mujer era una huérfana total. Su padre era concejal en Frisia, un burgomaestre de Leverden. Los dos hermanos de Saskia eran abogados. Entre los familiares de esta mujer hay muchos funcionarios gubernamentales y científicos. Ella trajo un rayo de felicidad a la solitaria vivienda del artista. Rembrandt amuebló su casa con muchos artículos raros, como resultado de lo cual se convirtió en un verdadero museo. El maestro pasaba mucho tiempo en chatarrerías, rebajas y subastas. Compró grabados y pinturas, tallas indias y chinas, armas antiguas, estatuas, cristal y porcelana preciosos. Todas estas cosas sirvieron de fondo para las pinturas que creó. Ellos inspiraron al artista. A Rembrandt le encantaba vestir a su esposa con terciopelo, brocado y seda. La colmó de perlas y diamantes. Su vida fue fácil y alegre, llena de creatividad, trabajo y amor. En general, la década de 1630 es una época de felicidad familiar y gran éxito artístico.
Retratos de la década de 1630
Todos los retratos que datan de la década de 1630 demuestran la sutileza y la observación de Rembrandt. Esto lo acerca a Keisser, van der Helst, Rubens y Van Dyck. Estas pinturas suelen estar realizadas sobre un fondo plano gris claro. A menudo, sus obras están en formato ovalado. Rembrandt creó retratos que asombran por su enorme poder plástico. Se consigue simplificando el claroscuro y la armonía del blanco y negro, así como la mirada directa al modelo. Todas las obras están llenas de dignidad, atraen la atención con composición y facilidad dinámica. En las pinturas del período de Amsterdam, en comparación con las de Leyden, la textura es más suave. El ritmo de las manos tiene un significado simbólico (el artista deliberadamente no muestra una mano). Esto, así como el giro de la cabeza de la figura, recuerda la variabilidad y fugacidad del barroco.
Características de algunos retratos de la década de 1630
Al describir la vida y obra de Rembrandt de este período, uno no puede dejar de referirse a los retratos que creó. Son bastante numerosos. La lección de anatomía de Rembrandt del Dr. Tulp (en la foto de arriba) fue creada en 1632. En él, el autor abordó de manera innovadora la solución del problema del retrato grupal, como resultado de lo cual la composición resultó ser relajada. Rembrandt unió a todas las personas representadas en la imagen con una sola acción. Este trabajo le trajo gran fama.
En otros retratos, creados en numerosos pedidos, el artista transmitió cuidadosamente la ropa, los rasgos faciales y las joyas. Un ejemplo es la obra "Retrato de un burgrave", que fue pintado en 1636 por Rembrandt Garmens van Rijn. La vida y obra de cualquier artista están estrechamente relacionadas. Por ejemplo, los retratos de personas cercanas a Rembrandt, así como sus autorretratos, son más diversos y libres en composición (uno de ellos, creado en 1634, se presenta arriba). En ellos, el artista no tuvo miedo de experimentar, esforzándose por la expresividad psicológica. Aquí también debemos mencionar el autorretrato, creado en 1634, y "Smiling Saskia", escrito en 1633.
La famosa pintura "Merry Society", o "Autorretrato con Saskia" (la foto de este trabajo se presenta arriba), completó la búsqueda para este período. Fue escrito hacia 1635. La vida y obra del artista se revelan de manera especial en esta obra. En él, rompe audazmente con los cánones que existían en ese momento. El cuadro destaca por su forma libre de pintar, la viva espontaneidad de la composición, así como su escala llena de luz, mayor y colorido.
Composiciones bíblicas y escenas mitológicas 1630
En la década de 1630, el artista también creó composiciones bíblicas. Uno de los más famosos es el "Sacrificio de Abraham". Data de 1635. Las composiciones bíblicas de esta época están marcadas por la influencia de la pintura barroca italiana. Su efecto se manifiesta en la dinámica de la composición (algo forzada), contrastes de corte y sombra, nitidez de escorzos.
En la obra de Rembrandt de esta época, un lugar especial pertenece a las escenas mitológicas. En ellos, el artista no siguió las tradiciones y los cánones clásicos, lanzándoles un desafío audaz. Una de las obras que se pueden destacar aquí es "El rapto de Ganimedes" (1635).
"Danae"
La monumental composición titulada "Dánae" encarna plenamente las opiniones estéticas de Rembrandt. En esta obra, parece entrar en discusión con los grandes artistas del Renacimiento. La figura desnuda de Dánae representada por Rembrandt no se corresponde con los ideales clásicos. El artista realizó esta obra con una inmediatez realista, muy atrevida para esa época. Contrastó la belleza ideal, corporal sensual de las imágenes creadas por maestros italianos, la belleza espiritual, así como la calidez del sentimiento humano.
Otros trabajos
También en la década de 1630, Rembrandt dedicó mucho tiempo a trabajar en la técnica del grabado y el aguafuerte. Se pueden observar obras suyas como "La pareja errante" y "El vendedor de veneno para ratas". El artista también creó dibujos a lápiz de estilo generalizado y bastante atrevidos.
La obra de Rembrandt en la década de 1640
Estos años estuvieron marcados por un conflicto entre las obras pioneras de Rembrandt y las muy limitadas exigencias de sus contemporáneos. Este conflicto se manifestó claramente en 1642. Luego, la obra de Rembrandt "Night Watch" provocó violentas protestas de los clientes. No aceptaron la idea principal del artista. En lugar del retrato de grupo habitual, Rembrandt representó una composición heroicamente elevada, en la que, tras una señal de alarma, el gremio de fusileros da un paso al frente. Es decir, fue, se podría decir, que despertó los recuerdos de los contemporáneos sobre la guerra de liberación librada por el pueblo holandés.
Después de este trabajo, la afluencia de pedidos de Rembrandt disminuyó. Su vida también se vio ensombrecida por la muerte de Saskia. En la década de 1640, la obra del artista perdió su efecto externo. Las notas mayoritarias, características de él antes, también desaparecieron. Rembrandt comienza a escribir un género tranquilo y escenas bíblicas, llenas de intimidad y calidez. En ellos, revela los matices más sutiles de experiencias, sentimientos de afinidad, cercanía espiritual. Entre estas obras cabe destacar la "Sagrada Familia" de 1645, así como el cuadro "David y Jonatán" (1642).
Tanto en los gráficos como en la pintura de Rembrandt, un juego de claroscuro muy sutil cobra cada vez más importancia. Crea una atmósfera especial: emocionalmente tensa, dramática. Es de destacar la hoja gráfica monumental de Rembrandt "Cristo que cura a los enfermos", así como la "hoja de cien florines", creada hacia 1642-46. También es necesario nombrar el paisaje de 1643 "Tres árboles", lleno de dinámica de luz y aire.
1650 años en la obra de Rembrandt
Esta vez estuvo marcada por las difíciles pruebas de la vida que atravesó el artista. Fue en 1650 cuando comenzó el período de su madurez creativa. Rembrandt comenzó a referirse cada vez más al retrato. Retrata a las personas más cercanas a él. Entre estas obras, cabe destacar los numerosos retratos de Hendrickje Stoffels, la segunda esposa del artista. También es muy notable el "Retrato de una anciana" creado en 1654. En 1657, el artista escribió otra famosa obra suya: "El hijo de Tito leyendo".
Imágenes de gente común y anciana.
Las imágenes de gente corriente, especialmente de personas mayores, atraen cada vez más al artista. En sus obras, son la personificación de la riqueza espiritual y la sabiduría de la vida. En 1654, Rembrandt creó "Retrato de la esposa del hermano del artista", y en 1652-1654, "Retrato de un anciano vestido de rojo" (en la foto de arriba). El pintor se interesa por las manos y el rostro, que se iluminan con una luz suave. Parecen ser arrebatados de la oscuridad. Los rostros de las figuras se caracterizan por expresiones faciales apenas perceptibles. Esto muestra el intrincado movimiento de sus sentimientos y pensamientos. Rembrandt alterna entre trazos ligeros y pastosos, lo que vuelve iridiscente la superficie del cuadro con luces y sombras y matices de colores.
Situación financiera difícil
En 1656, el artista fue declarado deudor insolvente, por lo que todos sus bienes pasaron a ser martillados. Rembrandt se vio obligado a trasladarse al barrio judío de la ciudad de Amsterdam. Aquí pasó el resto de su vida en condiciones de hacinamiento.
La obra de Rembrandt Harmenszoon van Rijn 1660
Las composiciones bíblicas creadas en la década de 1660 resumen las reflexiones de Rembrandt sobre el significado de la vida. En su obra de esta época, hay pinturas dedicadas al choque de principios claros y oscuros en el alma humana. Varias obras sobre este tema fueron creadas por Rembrandt Harmenszoon van Rijn, cuya biografía y lista de pinturas nos interesan. Entre tales obras cabe destacar la obra "Assur, Amán y Ester", creada en 1660; y también David y Urías, o La caída de Amán (1665). Se caracterizan por una manera flexible de escribir, colores cálidos y ricos, textura superficial compleja, juego intenso de luces y sombras. Todo esto es necesario para que el artista revele experiencias y colisiones emocionales complejas, para afirmar la victoria del bien sobre el mal.
La pintura histórica de Rembrandt llamada "La conspiración de Julius Civilis", también conocida como "La conspiración de Batavia", fue creada en 1661. Ella está imbuida de heroísmo y drama severo.
"El regreso del hijo pródigo"
En el último año de su vida, el artista creó la obra "El regreso del hijo pródigo". Data de 1668-69. Esta pintura monumental es la principal obra maestra de Rembrandt. Encarna todos los problemas morales, estéticos y artísticos característicos del período posterior de su obra. El artista con la mayor habilidad recrea en este cuadro toda una gama de sentimientos humanos profundos y complejos. Subordina los medios artísticos a la revelación de la belleza del perdón, la compasión, la comprensión. La culminación de la transición de la tensión de los sentimientos a la resolución exitosa de las pasiones se materializa en gestos tacaños y poses expresivas. En la foto de arriba, puedes ver esta última pieza de Rembrandt.
Muerte de Rembrandt, el significado de su obra
El famoso pintor, grabador y dibujante holandés murió en Amsterdam el 4 de octubre de 1669. Harmenszoon van Rijn Rembrandt, cuyas obras son conocidas y amadas por muchos, tuvo una tremenda influencia en el desarrollo posterior de la pintura. Esto se nota no solo en el trabajo de sus alumnos, de los cuales Karel Fabricius llegó a comprender de cerca a Rembrandt, sino también en las obras de todos los artistas holandeses, más o menos significativos. Las pinturas de muchos maestros reflejan la influencia de un artista como Rembrandt van Rijn. La obra "Swamp" de Jacob van Ruisdael es probablemente una de esas obras. Representa una parte desértica del bosque cubierta de agua. Esta imagen tiene un significado simbólico.
Más tarde, el gran Rembrandt tuvo una fuerte influencia en el desarrollo del arte realista en su conjunto. Sus pinturas y biografía son de interés para muchas personas hasta el día de hoy. Esto sugiere que su trabajo es realmente muy valioso. Las obras maestras de Rembrandt, muchas de las cuales se han descrito en este artículo, todavía inspiran a los artistas de hoy.
Rembrandt harmenszoon van rijn
El mayor representante de la edad de oro, artista, grabador, gran maestro del claroscuro, y todo esto en un solo nombre, Rembrandt.
Rembrandt nació el 15 de julio de 1606 en Leiden. Este gran artista holandés supo plasmar en sus obras todo el espectro de vivencias humanas con una intensidad tan emotiva que las artes visuales no conocían antes que él.
Una vida
Creció en la gran familia de un adinerado propietario de un molino, Harmen Gerritzon van Rijn. Entre otras cosas, había dos casas más en la finca de los baños del Rin, y también recibió una importante dote de su esposa Cornelia Neltier. La madre del futuro artista era hija de un panadero y era experta en cocina, la familia de la madre, incluso después de la revolución holandesa, se mantuvo fiel a la fe católica.
En Leiden, Rembrandt asistió a una escuela de latín en la universidad, pero no le gustaban las ciencias exactas, mostró el mayor interés por la pintura. Al darse cuenta de este hecho, a la edad de 13 años, sus padres enviaron a Rembrandt a estudiar bellas artes con el pintor histórico de Leiden Jacob van Swanenbürch, quien era católico. Las obras de Rembrandt, diversas en géneros y temas, están imbuidas de las ideas de moralidad, belleza espiritual y dignidad de una persona común, una comprensión de la incomprensible complejidad de su mundo interior, la versatilidad de su riqueza intelectual, la profundidad de sus emociones. experiencias. Nos ha llegado muy poca información sobre Jacob, por lo que los historiadores y críticos de arte no pueden decir con certeza acerca de la influencia de Svanenberch en la forma creativa de Rembrandt.
Luego en 1623 estudió en Amsterdam con el entonces pintor de moda Peter Lastman, tras lo cual, al regresar a Leiden, en 1625, junto con su compatriota Jan Lievens, abrió su propio taller.
Peter Lastman realizó una pasantía en Italia y se especializó en temas históricos, mitológicos y bíblicos. Cuando Rembrandt abrió un taller y comenzó a reclutar aprendices, en poco tiempo se hizo significativamente famoso. Si observa las primeras obras del artista, puede comprender de inmediato que el estilo de Lastman, una pasión por la variedad y la mezquindad de la ejecución, tuvo un gran impacto en el joven artista. Por ejemplo, su obra "The Stoning of St. Stephen "(1629)," Una escena de la historia antigua "(1626) y" El bautismo del eunuco "(1626), muy brillante, inusualmente colorido, Rembrandt busca escribir cuidadosamente cada detalle del mundo material. Casi todos los héroes aparecen ante el espectador vestidos con elegantes trajes orientales, relucientes con joyas, lo que crea una atmósfera de majestuosidad, esplendor, festividad.
En 1628, el artista de veintidós años fue reconocido como un maestro "eminentemente famoso", un retratista de renombre.
El cuadro "Judas devuelve los plateros" (1629) - despertó una entusiasta respuesta del famoso conocedor de arte Konstantin Huygens, el secretario de Stadtholder Frederick Hendrik de Orange: "... este cuerpo temblando de patético temblor es lo que prefiero al buen gusto de todos veces."
Gracias a las conexiones de Constantino, Rembrandt pronto adquirió ricos admiradores del arte: debido a la mediación de Hagens, el Príncipe de Orange encargó al artista varias obras religiosas, como Cristo ante Pilato (1636).
El verdadero éxito del artista llega en Ámsterdam. 8 de junio de 1633 Rembrandt conoce a la hija de un rico burgués Saskia van Eilenbürch y gana una posición sólida en la sociedad. El artista pintó la mayoría de los lienzos mientras se encontraba en la capital de los Países Bajos.
Ámsterdam: un puerto bullicioso y una ciudad industrial, donde se congregaron bienes y maravillas de todo el mundo, donde la gente se enriqueció con acuerdos comerciales y bancarios, donde los forajidos de la Europa feudal se apresuraron en busca de refugio y donde coexistió el bienestar de los burgueses ricos. con pobreza deprimente, une fuertes lazos con el artista ...
El período de Amsterdam de la obra de Rembrandt comenzó con un éxito abrumador, lo que le trajo "La lección de anatomía del Dr. Tulpa" (1632, La Haya, Mauritshuis), que cambió la tradición del retrato grupal holandés. Rembrandt contrastó la demostración habitual de personas de la profesión general posando para el artista con el drama de una escena libremente decidida, cuyos participantes, miembros del gremio de cirujanos, que escuchan a su colega, están unidos intelectual y espiritualmente por una participación activa en el proceso de investigación científica.
Rembrandt se inspira en la belleza de su amada, por lo que a menudo pinta sus retratos. Tres días después de la boda, van Rijn pintó a una mujer con un lápiz plateado con un sombrero de ala ancha. Saskia apareció en las pinturas del holandés en un ambiente hogareño acogedor. La imagen de esta mujer regordeta aparece en muchos lienzos, por ejemplo, la misteriosa niña en la pintura "La ronda de noche" se parece mucho a la amada del artista.
Los años treinta en la vida de Rembrandt fueron un período de fama, riqueza y felicidad familiar. Recibió muchos encargos, estuvo rodeado de estudiantes, fue un apasionado de coleccionar obras de pintores italianos, flamencos y holandeses, esculturas antiguas, minerales, plantas marinas, armas antiguas, objetos de arte oriental; al trabajar en pinturas, las exhibiciones de la colección a menudo le servían al artista como apoyo.
Las obras de Rembrandt de este período son extremadamente variadas; dan testimonio de la búsqueda incansable, a veces dolorosa, de la comprensión artística de la esencia espiritual y social del hombre y de la naturaleza y demuestran tendencias que, sin descanso, paso a paso, ponen al artista en conflicto con la sociedad.
En retratos "para sí mismo" y autorretratos, el artista experimenta libremente con la composición y los efectos del claroscuro, cambia la tonalidad de los colores, viste a sus modelos con ropas fantásticas o exóticas, varía poses, gestos, complementos ("Flora", 1634, San Petersburgo, Museo Estatal del Hermitage).
En 1635 se pintó el famoso cuadro basado en el tema bíblico "El sacrificio de Abraham", que fue apreciado en la sociedad secular.
En 1642, van Rijn recibió un pedido de la Shooting Society para un retrato de grupo para decorar un nuevo edificio con lienzos. La pintura se llamó erróneamente "Ronda de noche". Estaba manchado de hollín, y solo en el siglo XVII los investigadores llegaron a la conclusión de que la acción que se desarrolla en el lienzo tiene lugar durante el día.
Rembrandt retrató minuciosamente cada detalle de los mosqueteros en movimiento: como si en un momento determinado el tiempo se detuviera cuando los milicianos abandonaron el patio oscuro para que van Rijn los plasmara en un lienzo.
A los clientes no les gustó que el pintor holandés se apartara de los cánones que se desarrollaron en el siglo XVII. Luego, los retratos grupales fueron ceremoniales y los participantes fueron retratados de frente sin ninguna estática.
Según los científicos, este cuadro fue el motivo de la quiebra del artista en 1653, ya que asustó a posibles clientes.
Los trágicos cambios en el destino personal de Rembrandt (la muerte de los niños recién nacidos, la madre, en 1642 - la enfermedad y muerte de Saskia, que lo dejó con un hijo Titus de nueve meses), el deterioro de su situación financiera debido a su La obstinada falta de voluntad para sacrificar la libertad de espíritu y la creatividad para complacer los gustos cambiantes de los burgueses, exacerbó y expuso el conflicto que se estaba gestando gradualmente entre el artista y la sociedad.
Información sobre la vida privada de Rembrandt en la década de 1640. pocos han sobrevivido en los documentos. De los estudiantes de este período, solo se conoce a Nicholas Mas de Dordrecht. Al parecer, el artista siguió viviendo a gran escala, como antes. La familia del difunto Saskia expresó su preocupación por cómo se deshizo de su dote. La niñera de Titus, Gertier Diercks, lo demandó por romper una promesa de matrimonio; para resolver este incidente, el artista tuvo que desembolsar.
A finales de la década de 1640, Rembrandt se hizo amigo de su joven sirviente, Hendrickje Stoffels, cuya imagen aparece en muchos retratos de este período: (Flora (1654), Mujer bañándose (1654), Hendrickje en la ventana (1655)). El consejo parroquial condenó a Hendrickje por "convivencia pecaminosa" cuando, en 1654, nació su hija Cornelia con el artista. Durante estos años, Rembrandt se apartó de temas que tenían un grandioso sonido nacional o universal.
El artista trabajó durante mucho tiempo en retratos grabados del burgomaestre Jan Six (1647) y otros burgueses influyentes. Todas las técnicas y técnicas de grabado que conocía se utilizaron en la fabricación del elaborado grabado Cristo curando a los enfermos, más conocido como la hoja de cien florines, por un precio tan alto para el siglo XVII que una vez se vendió. Trabajó en este aguafuerte, impactando con la sutileza del juego de cortar y pegar, durante siete años, de 1643 a 1649.
En 1653, atravesando dificultades económicas, el artista transfirió casi toda su propiedad a su hijo Titus, tras lo cual se declaró en quiebra en 1656. Después de la venta en 1657-58. casas y propiedades (se conserva un interesante catálogo de la colección de arte de Rembrandt), el artista se trasladó a las afueras de Ámsterdam, al barrio judío, donde pasó el resto de su vida.
La muerte de Tito en 1668 fue uno de los últimos golpes del destino para el artista; él mismo falleció un año después.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn murió en octubre de 1669. Tenía 63 años. Era viejo, enfermo y pobre. El notario no tuvo que dedicar mucho tiempo a compilar un inventario de la propiedad del artista. El inventario era breve: "tres sudaderas raídas, ocho pañuelos, diez boinas, útiles para pintar, una Biblia".
Pinturas
Regreso del hijo pródigo
El famoso cuadro "El regreso del hijo pródigo", una de las últimas obras de Rembrandt. Fue escrito en el año de su muerte y se convirtió en el pináculo de la manifestación de su talento.
Esta es la pintura más grande de Rembrandt sobre un tema religioso. Pintura de Rembrandt sobre la trama de la parábola del hijo pródigo del Nuevo Testamento.
Encontramos la parábola del hijo pródigo en el evangelio de Lucas. Cuenta la historia de un joven que dejó la casa de su padre y dilapidó su herencia. En la ociosidad, el desenfreno y la borrachera, pasó sus días hasta encontrarse en el corral, donde comía del mismo comedero con los cerdos. En una situación desesperada y de absoluta pobreza, el joven regresa con su padre, dispuesto a convertirse en su último esclavo. Pero en lugar de desprecio, encuentra una bienvenida real, en lugar de ira: un amor paterno profundo y tierno que perdona todo.
1669 año. Rembrandt interpreta un drama humano frente al espectador. Las pinturas yacen sobre el lienzo con trazos gruesos. Son oscuros. Al artista no le importan los personajes secundarios, aunque haya muchos de ellos. La atención vuelve a centrarse en el padre y el hijo. El anciano padre, encorvado de dolor, se enfrenta al espectador. En ese rostro hay dolor, ojos cansados de llorar y la alegría de un encuentro tan esperado. El hijo nos ha dado la espalda. Se enterró de niño con la túnica real de su padre. No sabemos qué expresa su rostro. Pero los tacones agrietados, el cráneo desnudo de un vagabundo, el atuendo pobre dicen basta. Así como las manos del padre, apretando los hombros del joven. A través de la paz de estas manos, que perdonan y apoyan, Rembrandt le cuenta al mundo por última vez una parábola universal sobre la riqueza, las pasiones y los vicios, el arrepentimiento y el perdón. “… Me levantaré, iré a mi padre y le diré: ¡Padre! He pecado contra el cielo y contra ti, y ya no soy digno de ser llamado hijo tuyo; aceptame como tu mercenario. Se levantó y fue hacia su padre. Y estando aún lejos, su padre lo vio y se compadeció; y corriendo, se postró sobre su cuello y lo besó ".
Además del padre y el hijo, en la imagen se representan 4 personajes más. Se trata de siluetas oscuras que apenas se distinguen sobre un fondo oscuro, pero quiénes son sigue siendo un misterio. Algunos los llamaron "hermanos y hermanas" del protagonista. Es característico que Rembrandt evite el conflicto: la parábola habla de los celos de un hijo obediente, y la armonía del cuadro no se ve perturbada por nada.
Van Gogh dijo con mucha precisión sobre Rembrandt: “Hay que morir varias veces para pintar así ... Rembrandt penetra tan profundamente en el secreto que habla de objetos para los que no hay palabras en ningún idioma. Por eso se llama a Rembrandt: mago. Y este no es un oficio fácil ".
La Guardia de la Noche
El título con el que se conoce tradicionalmente al retrato de grupo de Rembrandt "Discurso de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Kok y el teniente Willem van Ruutenbürg", escrito en 1642.
El lienzo del maestro holandés está plagado de muchas "sorpresas". Comencemos con el hecho de que el nombre habitual de la imagen no corresponde a la realidad: la patrulla representada en ella no es en absoluto de noche, sino de día. Es solo que la obra de Rembrandt fue barnizada varias veces, por eso se oscureció mucho. Además, durante casi 100 años (desde principios del siglo XVIII hasta principios del XIX), el lienzo adornó uno de los pasillos del Ayuntamiento de Ámsterdam, donde colgó justo enfrente de la chimenea, cubierto de hollín. despues del año. No es de extrañar que a principios del siglo XIX el nombre "Night Watch" estuviera firmemente establecido detrás de la pintura: en ese momento la historia de su creación se había olvidado por completo, y todos estaban seguros de que el maestro había representado precisamente la oscuridad. hora del día. Solo en 1947, durante la restauración en el Rijksmuseum de Amsterdam, donde se encuentra la pintura hasta el día de hoy, resultó que su color es incomparablemente más claro de lo que comúnmente se creía. Además, las breves sombras que proyectan los personajes indican que la aventura se desarrolla entre el mediodía y las 2 de la tarde. Sin embargo, los restauradores no quitaron todas las capas de barniz oscuro, por temor a dañar la pintura, por lo que incluso ahora la "Ronda de noche" es bastante tenue.
El nombre real de la pintura es "Discurso de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Kok y el teniente Wilhem van Reitenburg". Este es un retrato grupal de una milicia mosquetera en uno de los distritos de Amsterdam. De 1618 a 1648, la Guerra de los Treinta Años se desarrolló en Europa, y los habitantes de las ciudades holandesas tomaron las armas para defender sus hogares. Se suponía que la creación de Rembrandt, junto con los retratos de otras compañías de fusileros, decoraría la sala principal de Kloveniersdolen, la sede de los fusileros de la ciudad. Pero los clientes se sintieron decepcionados: Rembrandt no consiguió un monumental retrato ceremonial, sino una pintura de género en la que apenas podían encontrar sus propios rostros, a menudo medio ocultos por otros personajes. ¡Todavía lo haría! Después de todo, el artista, además de 18 clientes (cada uno de los cuales ofreció alrededor de 100 florines de oro para su retrato, una cantidad muy impresionante en ese momento) ¡apretó a 16 personas más en el lienzo! Se desconoce quiénes son.
Museo - Museo de Historia de Ámsterdam?
Tres cruces
Uno de los grabados más famosos de Rembrandt, tiene cinco estados. Solo el tercero estaba firmado y fechado, por lo que Rembrandt consideró que el resto era intermedio. La quinta condición es muy rara, solo se conocen cinco.
El grabado representa el momento dramático de la muerte de Cristo en la cruz del Calvario, descrito en los evangelios. En este grabado, Rembrandt utilizó la técnica del cincel y la aguja seca a una escala sin precedentes, lo que aumentó el contraste de la imagen.
El 2 de diciembre de 2008, en la subasta de Christie's, este grabado (IV estado) se vendió por 421.250 libras esterlinas.
Descenso de la cruz
En 1814, Alejandro I de la emperatriz Josefina adquirió la Galería Malmaison, que le pertenecía. Algunas de las pinturas provienen de la famosa Galería Kassel, incluido El Descenso de la Cruz. Anteriormente, estos lienzos eran propiedad de Madame de Roover en Delft y, junto con otras pinturas de su colección, fueron comprados por el Landgrave de Hesse-Kassel Ludwig VII. En 1806, su galería fue confiscada por Napoleón y donada a Josephine.
El sucesor del Landgrave de Hesse-Kassel Ludwig VII, un antiguo aliado de Alejandro I, presentó una demanda al emperador en 1815 para la devolución de las pinturas capturadas por Napoleón. Esta demanda fue rechazada resueltamente por Alejandro I, quien pagó dinero por las pinturas y mostró de todas las formas posibles la atención de Josephine hacia su hija Hortense. En 1829, Hortense, que en ese momento ostentaba el título de duquesa de Saint-Leu, compró treinta cuadros de la Galería Malmaison.
El tema “Descenso de la Cruz” tuvo una gran tradición iconográfica en el arte europeo. Su mayor logro fue considerado un retablo de pintura de Rubens en la catedral de Amberes, ampliamente conocido por el grabado de Worsterman.
El pensamiento creativo de Rembrandt deambula por algún lugar cercano a esta tradición, usándola y al mismo tiempo eligiendo constantemente otros caminos. Inusuales para el desarrollo anterior del arte europeo, son muy característicos de la manera creativa personal de Rembrandt, y no en vano "Descenso de la Cruz" exteriormente se parece tanto a "La incredulidad del apóstol Tomás".
Rubens retrató el sublime dolor de un grupo de personas majestuosas y hermosas por un héroe majestuoso y hermoso; Rembrandt tiene una agitada escena nocturna de masas. Numerosas figuras se retiran alternativamente a la oscuridad, luego caen en un rayo de luz, y parece que la multitud se mueve, vive, llorando al crucificado y compadeciéndose de su madre. No hay nada perfecto en la apariencia de las personas, muchas de ellas son groseras, feas. Sus sentimientos son muy fuertes, pero estos son los sentimientos de la gente corriente, no iluminados por la sublime catarsis que hay en la pintura de Rubens.
El Cristo muerto es un hombre como ellos; es por el poder de su dolor que su sufrimiento y muerte adquieren un significado especial. La clave del contenido de la imagen es, tal vez, no tanto Cristo como la persona que lo sostiene y presiona su mejilla contra él.
Desde el punto de vista artístico, la composición fraccionada e inquieta es inferior a la famosa pintura de Rubens, y a algunas de las obras del propio Rembrandt, ejecutadas en los mismos años. Por ejemplo, el menos significativo en su contenido "La incredulidad del apóstol Tomás" parece ser exteriormente más armonioso y holístico. Sin embargo, en El descenso de la cruz, la comprensión de Rembrandt de los temas bíblicos y evangélicos es más clara.
La obra del joven Rembrandt se diferencia de su prototipo en los rasgos más básicos. En primer lugar, no fue creado ni formal ni esencialmente como una imagen de altar de oración. El tamaño de su gabinete no está dirigido a la percepción de la multitud, sino a la experiencia individual. Esta apelación a los sentimientos y la conciencia de una persona, el establecimiento de un estrecho contacto emocional con el espectador obligó al artista a crear un sistema completamente nuevo de medios y técnicas artísticas. Rembrandt vio la escena de la leyenda del Evangelio como un acontecimiento real trágico, privándola fundamentalmente del patetismo místico y heroico.
Luchando por la máxima sinceridad y veracidad de la imagen, Rembrandt mostró a una multitud cercana de personas cerca de la cruz, conmocionados por el dolor, buscando la unidad de parentesco entre ellos ante una muerte terrible. La coloración tonal marrón oliva unió toda la composición, y el flujo luminoso resaltó dramáticamente su principal centro semántico. La mayor profundidad del sufrimiento está encarnada en la imagen de la Madre de Dios, que ha perdido el conocimiento con su rostro delgado y ojeroso de trabajador. El segundo grupo de dolientes se encuentra en el extremo izquierdo de la diagonal espacial: las mujeres colocan el sudario con reverencia, cumpliendo con su deber directo hacia el difunto. Apoyado por el anciano, el cuerpo caído de Cristo, encarnación de la carne humana torturada, evoca, sobre todo, un sentimiento de profunda compasión.
Novia judía
Una de las últimas y más misteriosas pinturas de Rembrandt. El nombre le fue dado en 1825 por el coleccionista de Amsterdam Van der Hope. Creyó erróneamente que mostraba a un padre dándole a su hija judía un collar para su boda. Quizás este sea un retrato hecho a medida, pero la ropa de los personajes es claramente similar a los antiguos y bíblicos, por lo que los nombres se sugirieron como "Artajerjes y Ester", "Jacob y Raquel", "Abram y Sara", " Booz y Rut ”.
Saskia como Flora
Un cuadro de Rembrandt, pintado en 1634, que probablemente representa a la esposa del artista Saskia van Eilenbuch en la imagen de la antigua diosa italiana de las flores, la flor, la primavera y los frutos del campo Flora.
En 1633, Saskia van Eilenbürch se convirtió en la novia de Rembrandt van Rijn. Un encantador retrato de la joven Saskia vestida de Flora es un testimonio mudo pero elocuente de esta “época de primavera y amor” del genial pintor.
El rostro pensativo, pero sin duda feliz, de la niña es bastante acorde con los sentimientos de la novia. Ya no es una niña juguetona que mira descuidadamente el mundo de Dios. Tiene una gran tarea por delante: ha elegido un nuevo camino y tiene que cambiar de opinión y sentir mucho, mucho antes de entrar en la edad adulta. El tocado y la varita, entrelazados con flores, indican sin duda a Flora, la antigua diosa romana de la primavera. El atuendo de la diosa está pintado con asombrosa habilidad, pero la verdadera grandeza del talento de Rembrandt se manifiesta en la expresión de ternura que la artista le dio a su rostro.
La amada esposa trajo la luz de la felicidad y la alegría sincera a la solitaria vivienda de un modesto artista. A Rembrandt le encantaba vestir a Saskia de terciopelo, seda y brocado, según la costumbre de esa época, se bañaba con diamantes y perlas, observando con cariño su rostro joven y encantador triunfar de un atuendo brillante.
Museo - Museo Estatal del Hermitage
Estilo
Profundamente humanista en su esencia y perfecta en su forma artística única, la obra de Rembrandt se ha convertido en una de las cumbres del desarrollo de la civilización humana. Las obras de Rembrandt, diversas en géneros y temas, están imbuidas de las ideas de moralidad, belleza espiritual y dignidad de una persona común, una comprensión de la incomprensible complejidad de su mundo interior, la versatilidad de su riqueza intelectual, la profundidad de sus emociones. experiencias. Con muchos misterios sin resolver, las pinturas, dibujos y grabados de este notable artista conquistan con perspicaces características psicológicas de los personajes, aceptación filosófica de la realidad, justificación convincente de decisiones artísticas inesperadas. Su interpretación de las tramas de la Biblia, los mitos antiguos, las leyendas antiguas y el pasado de su país natal como eventos realmente significativos en la historia del hombre y la sociedad, colisiones profundamente sentidas de la vida de personas específicas abrieron el camino para una vida libre y valiosa. interpretación de imágenes y temas tradicionales.
L jubov Rembrandt
La famosa musa de Rembrandt Saskia era la hija menor del alcalde de Leeuwarden. Esta belleza pelirroja de piel blanca creció en una familia numerosa y muy rica. Cuando la niña tenía 12 años, murió la madre de la familia. Pero la niña aún no sabía nada sobre la negativa, y cuando llegó el momento, se convirtió en una novia muy envidiable.
En la casa de la prima de la niña, la artista Hendrike van Eilenburg, que también era anticuaria, tuvo lugar un encuentro significativo entre el artista y la joven. Rembrandt queda literalmente impresionado por la niña: piel delicada y resplandeciente, cabello dorado ... Añádase a esto la capacidad de mantener una conversación informal. En broma, invitó a un pintor famoso a pintar su retrato. Y eso es todo lo que se necesita: Saskia es un modelo ideal para las historias de Rembrandt en colores oscuros y apagados.
Rembrandt comienza a pintar un retrato. Se encuentra con Saskia no solo en sesiones. Cambiando sus principios, intenta estar en paseos y fiestas de placer. Cuando se completó el trabajo en el retrato y se interrumpieron las reuniones frecuentes, Rembrandt se da cuenta: este es el que quiere casarse. En 1633, Saskia van Eulenburg se convirtió en la novia del artista, y el 22 de julio de 1634 tuvo lugar la tan esperada boda.
El matrimonio con Saskia abre el camino del artista a la alta sociedad. El padre del burgomaestre dejó a su amada una herencia colosal: 40.000 florines. Incluso por una pequeña parte de esta cantidad, era posible vivir cómodamente durante muchos, muchos años.
Los esposos felices y amorosos comenzaron a equipar la casa común. Pronto comenzó a parecerse a un museo. Las paredes estaban decoradas con grabados de Miguel Ángel y pinturas de Rafael. Saskia estuvo de acuerdo con todo, amaba mucho a su esposo. Y él, a su vez, la colmó de joyas, pagó los inodoros más exquisitos. Y, por supuesto, intentó capturar su imagen favorita. Se podría decir que Rembrandt se convirtió en el cronista de su vida familiar. En los primeros días de la luna de miel de la pareja se escribió el famoso "Autorretrato con Saskia de rodillas".
En 1635, nació el primer hijo en la familia, pero vivió muy poco tiempo, y esto fue un golpe terrible para la joven madre.
Durante mucho tiempo no quiso separarse del cuerpo de su hijo, alejó a todos de sí misma, sin soltar al niño muerto. La infeliz madre caminaba con él por la casa, acunándolo y llamándolo con todos los tiernos nombres que ella y su esposo llamaban Rembrantus en los primeros días felices.
Rembrandt sabía que, a excepción de las horas que pasaba en el caballete, solo podía vivir cerca de Saskia. Solo con ella se siente un hombre: el amor es la fuente de la vida, y él ama solo a Saskia y a nadie más.
Después de la muerte de Rembrantus, Saskia perdió a sus hijos dos veces más al nacer. Solo el cuarto hijo, Titus, nacido en 1641, pudo sobrevivir a los difíciles años de la infancia. El niño recibió su nombre de la fallecida Titia, la hermana de Saskia.
Sin embargo, el constante parto tuvo un efecto perjudicial en la salud de Saskia. La aparición de imágenes puramente paisajísticas a finales de la década de 1630 se explica en ocasiones por el hecho de que en ese momento, debido a la enfermedad de su esposa, Rembrandt había estado mucho con ella fuera de la ciudad. El artista pintó relativamente pocos retratos en la década de 1640.
Saskia van Eulenburg murió en 1642. Ella solo tenía treinta años. En el ataúd, parecía que vivía ...
En este momento, Rembrandt estaba trabajando en el famoso cuadro "La ronda de noche".
Casa-Museo de Rembrandt
Museo de arte en la calle Jodenbreestraat en el barrio judío de Ámsterdam. El museo abrió en 1911 en la casa que Rembrandt adquirió en el apogeo de su fama en 1639 y donde vivió hasta su quiebra en 1656.
Durante casi 20 años de su vida (de 1639 a 1658) en la calle Jodenbrestrat, Rembrandt logró crear muchas obras maravillosas, hacerse famoso, recopilar una colección única de pinturas y rarezas de todo el mundo, adquirir estudiantes, desperdiciar la fortuna de su primera esposa, perder clientes principales, incurrir en grandes deudas y poner la casa bajo el martillo.
Rembrandt también tuvo que vender gran parte de su opulenta colección de pinturas y antigüedades, incluidas obras de grandes artistas europeos, bustos romanos de emperadores e incluso armaduras de batalla japonesas, y mudarse a una casa más modesta. Habiendo sobrevivido a ambas esposas e incluso a su propio hijo, Rembrandt murió en la pobreza y la soledad.
Dos siglos y medio después, en 1911, por orden de Korlev Wilhelmina, la casa se convirtió en un museo que, a diferencia de, por ejemplo, el Museo Van Gogh, no es, en primer lugar, una galería de arte, sino el restaurado apartamentos del gran artista: una gran cocina en el primer piso, la sala de recepción, el dormitorio principal y el dormitorio de invitados están en el segundo, la habitación más grande de la mansión, el estudio, está en el tercero y en el ático. son los talleres de sus alumnos.
Fue posible restaurar el interior con la ayuda de un inventario de propiedad elaborado por un notario durante la venta de todos los bienes del artista en una subasta, y dibujos del propio artista, en los que exhibió su vivienda.
Aquí puede ver sus pertenencias personales, muebles del siglo XVII y otras exhibiciones interesantes, como una hermosa máquina de grabado o rarezas en el extranjero.
El museo exhibe casi todos los grandes grabados de Rembrandt: 250 de 280, magníficos autorretratos del artista, dibujos que representan a sus padres, esposa e hijo Titus, maravillosas vistas de Ámsterdam y sus alrededores.
Incluso el baño del museo requiere una atención especial: allí se pueden ver los dibujos de Rembrandt sobre un tema relevante: una mujer agachada entre los arbustos y un hombre de pie en una pose típica de esta institución.
Rembrandt: todo lo que necesita saber sobre el famoso pintor holandés actualizado: 13 de noviembre de 2017 por el autor: sitio
Siempre es difícil hablar de lo que realmente amas. Eliges cuidadosamente las palabras correctas, los turnos de discurso, no sabes por dónde empezar ... Por lo tanto, comenzaré con una pequeña revelación: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- mi artista favorito, y lo conocí durante mucho tiempo.
En la infancia, en el Hermitage, con las historias del profesor-padre. En su juventud, en las lecciones de MHC en el instituto, con viejas diapositivas en un auditorio oscuro en las largas tardes de diciembre. En su juventud, en la asombrosa Amsterdam, riendo alegremente bajo los rayos del sol poniente de agosto. Ya he leído cientos de conferencias sobre Rembrandt, he realizado más de una docena de excursiones, pero todavía tengo la sensación de que ahora hay que sumergirse en algo desconocido, enorme, incomprensible.
Es como saltar de un muelle a las aguas del mar, en el que estás por primera vez. No sabes si el agua está fría allí, cuántas piedras hay en el fondo. Es la anticipación y la duda lo que hace temblar nerviosamente las manos. Solo hay una forma de vencer esto: dar un salto corriendo, sentir cómo tu corazón late con fuerza y cómo en un momento todo el mundo a tu alrededor es llevado a algún lugar en la distancia, y ahora estás solo con algo completamente nuevo ... Bueno, ¿entonces qué? ¡Saltamos, abrimos los ojos y miramos!
A la edad de 27 años, tenía todo lo que un artista podría soñar. Gloria, fama, dinero, mujer amada, cientos de encargos. Fue considerado el mejor maestro de la pintura de retratos en una de las ciudades más ricas de su tiempo, en la perla del norte de Europa: Ámsterdam.
Sí, ¡nunca ha habido un artista en el mundo capaz de crear algo así! El retrato tenía que ser perfecto, tenía que aclarar todos los defectos de una persona, pero Rembrandt pensaba de otra manera. Sus retratos estaban vivos. Transmitían carácter, había un conflicto en ellos. A continuación se muestra un fragmento del retrato del principal recaudador de impuestos de la provincia de Holanda, Jan Vtenbogart.
Casi todo el estado de la república pasó por manos de este hombre. Y su ropa, un cuello de encaje aireado, un abrigo largo hecho de piel de marta rusa, atestigua claramente su condición. Ahora solo mira esos ojos. En ellos se ve tristeza ... Y enseguida recuerdo el lienzo del gran antecesor de Rembrandt -. ¿No mira el apóstol a Cristo con la misma expresión cuando lo llama? Este retrato es la historia de un hombre muy rico, pero muy infeliz, y el pintor holandés pudo mostrarlo en un momento congelado.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn dedicaba todo su tiempo libre a estudiar las expresiones faciales. Se quedó parado durante horas frente al espejo e hizo muecas, que luego transfirió con carboncillo al papel. Para él era importante captar los más mínimos matices de emoción.
El rostro de la persona, según el artista, era un espejo del alma, de esto se dio cuenta mucho antes que Oscar Wilde con su "Retrato de Dorian Gray". Pero los retratos no son lo único en lo que se destacó Rembrandt. Sus grandes lienzos no nos impresionan menos. El juego de claroscuro, que Caravaggio desarrolló en su pintura, adquiere una escala verdaderamente gigantesca con nuestro maestro.
Tenía solo 28 años cuando creó su primera obra maestra absoluta. Esta es la pintura "Descenso de la Cruz". Simplemente no puedes pasar por este cuadro en el Hermitage. En un momento, el artista logró representar toda la esencia del cristianismo, para contar una de las mayores historias humanas de la manera más honesta y conmovedora posible, de una manera que nadie lo hizo ni antes ni después de él.
Jerusalén al fondo se está ahogando en la oscuridad. El Salvador ha muerto. Vemos su cuerpo sin vida en el centro de la imagen. Este es el momento de la mayor desesperación; nadie cree todavía en la resurrección. La gente solo ve el cadáver de un hombre al que amaban y adoraban como a un dios, y la Virgen María se desmaya, su piel está mortalmente pálida, acaba de perder a su único hijo.
Hay un detalle en este lienzo que no llama la atención de inmediato. Esta es la iluminación. La fuente de luz es una linterna en las manos del niño, pero el cuerpo de Cristo y la ropa del apóstol que lo sostiene en sus brazos reflejan la luz como un espejo. Y es a través de la luz que aquí se cuenta la verdadera historia, se revela el significado filosófico de la imagen.
La luz de la linterna es la luz de la fe, y lo que vemos en la imagen es una introducción a su misterio. Se crea el sentimiento de que el mismo cuerpo del Salvador se convierte aquí en la fuente de luz. Destacan entre las tinieblas el rostro de la Madre de Dios y el sudario iluminado por la tenue luz de un cirio, en el que debe envolverse el cuerpo de Cristo. Sobre este lienzo, Rembrandt aplicó por primera vez una técnica que en los últimos años de su vida se convirtió en la principal de su obra.
Y ahora vemos cómo una persona, que dominaba a la perfección la técnica de la escritura, pintaba todas las figuras centrales del lienzo con el más mínimo detalle, pero, a medida que se alejaban de la luz, los rostros de las personas se volvían cada vez más borrosos, casi indistinguible. Todo es muy simple: el misterio de lo que está sucediendo se les escapa.
Sin embargo, hay un personaje más en este lienzo que no se nota a primera vista. A pesar de estar en las sombras, Rembrandt lo retrata con mucha claridad. En la esquina inferior derecha del lienzo, desde el lugar más oscuro, escondido detrás de los tallos de un cardo, el Diablo te mira en forma de perro y como si te hiciera una pregunta:
"¿Te has unido a lo que está pasando?"
Sí, el maestro holandés nunca tuvo suficientes marcos para la imagen, soñó que sus lienzos se convertirían en parte de este mundo y el espectador se convertiría en un participante directo de lo que estaba sucediendo. Pero fue precisamente este deseo el que lo arrojó de las alturas de la gloria al abismo del olvido secular.
La infelicidad y el olvido llegan tan rápido como la suerte y la gloria. Rembrandt Harmenszoon van Rijn experimentó esto de primera mano en 1642. Por supuesto, hubo dolor antes de eso: sus hijos murieron en la infancia. Solo sobrevivió un hijo, Titus, nacido en 1641. Pero un año después, su amada esposa Saskia, con quien vivió durante muchos años, dejó este mundo. Y junto a esta pérdida, la suerte se alejó del artista, se alejó en el momento en que creó una de sus mejores pinturas.
Podemos hablar sin cesar de la "Ronda de noche" de Rembrandt. Este lienzo es tan grande en su contenido, tan único en su composición estructurada que la historia de su creación es bastante digna de un libro aparte, no de un artículo. Pero, como sucede a menudo en la vida, fue esta creación, que posteriormente cambió radicalmente todo el desarrollo de la pintura del mundo, fue rechazada por los contemporáneos.
A los clientes no les gustó la forma en que fueron retratados y muchos de ellos se negaron a pagar por el trabajo del artista. El pintor más famoso de los Países Bajos nunca ha experimentado tal humillación. En un año, Rembrandt perdió a su amada esposa y fracasó con su mejor trabajo. Parecería que esto es suficiente, pero no, esto fue solo el comienzo de la tragedia. Los pedidos se hicieron cada vez menores (el clasicismo y el estilo de los retratos ceremoniales se pusieron de moda), y pronto la propiedad del artista se vendió por deudas. Desde una enorme mansión en el mismo centro de Ámsterdam, se vio obligado a trasladarse a las afueras de la ciudad, al Barrio Judío, donde alquiló varias habitaciones con su amado hijo Titus.
Lo más interesante es que Rembrandt podría adaptarse fácilmente a las últimas tendencias de la moda en el arte y volver a recibir mucho dinero por sus lienzos. Pero el pintor estaba convencido de que tenía que crear un estilo completamente nuevo. Sus retratos ya no eran personas ricas, sino los ciudadanos más comunes de la ciudad de Amsterdam. Tal es, por ejemplo, "Retrato de un anciano judío".
Rembrandt no estaba interesado en la descripción detallada de todas las prendas de vestir, se esforzó por lograr una mayor abstracción, buscó mostrar los sentimientos de sus personajes con perfecta precisión. Por su terquedad, solo recibió sufrimiento y bofetadas. Esto sucedió con su cuadro "La conspiración de Julius Civilis".
En lugar de una imagen clásica, pomposa y patriótica, el viejo maestro la presentó al público.
Ante nosotros hay una imagen de una fiesta bárbara, grosera, antiestética. Este lienzo se adelantó casi 300 años a su tiempo, anticipándose a la pintura del expresionismo. Como era de esperar, la obra maestra del maestro fue rechazada y su nombre quedó cubierto de una vergüenza indeleble. Pero son precisamente estos últimos ocho años de su vida, transcurridos en la pobreza absoluta e impenetrable, los que constituyen uno de los períodos más fecundos de la obra de Rembrandt.
Creo que escribiré sobre las pinturas de ese período, incluido su "El regreso del hijo pródigo", en un artículo aparte. Ahora quiero contarte algo más. Siempre me asombró cómo Rembrandt podía trabajar y desarrollar su talento cuando los golpes del destino le llovían de todas partes. Esto no podía durar mucho y el artista lo presintió.
El golpe final siempre se aplica al punto más dolorido. Tenían a su único hijo, Titus, un niño muy enfermizo que se parecía a su madre muerta. Fue a él a quien Rembrandt retrató con mayor frecuencia: tanto en forma de ángel en el cuadro "Mateo y el ángel", como leyendo, y con diversos trajes. Quizás el pintor pensó que con la ayuda de su talento de alguna manera podría posponer lo inevitable ... Falló ...
En mi opinión, "Retrato de Tito con sotana de monje" es una de las pinturas más sentidas de Rembrandt. Mostró todo el amor de su padre, todo el talento de un pintor. En todos estos trazos toscos, en esta oscuridad que avanza sobre el joven de izquierda, en las plantas que ya rodean su cuerpo, se destaca el rostro pálido del hijo del artista con los ojos bajos y llenos de resignación.
Titus murió en 1668, Rembrandt le sobrevivió solo por un año.
Se estaba muriendo en las afueras de Amsterdam, absolutamente solo, habiendo recibido todo en esta vida y habiendo perdido todo. Sus lienzos fueron olvidados durante mucho tiempo ... Pero han pasado 150 años, y otros artistas ya han escuchado lo que el maestro intentaba decirles a sus contemporáneos, que eligieron su propio camino único en lugar de la fama y el dinero.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) - pintor, dibujante y grabador holandés. La creatividad está imbuida del deseo de una comprensión filosófica profunda de la realidad y el mundo interior de una persona con toda la riqueza de sus experiencias emocionales.
Realista y humanista en su esencia, marcó el pináculo del desarrollo del arte holandés en el siglo XVII, encarnando altos ideales morales, fe en la belleza y dignidad de la gente común en una forma artística brillante, individual y perfecta.
Rembrandt. Dibujo "Chozas bajo el cielo presagiando una tormenta" (1635) El patrimonio artístico de Rembrandt se distingue por una variedad excepcional: retratos, naturalezas muertas, paisajes, escenas de género, pinturas sobre temas bíblicos, mitológicos e históricos. Rembrandt fue un maestro insuperable del dibujo y.
Rembrandt. Aguafuerte "Molino" (1641) El futuro gran artista nació en la familia de un molinero. Después de un breve estudio en la Universidad de Leiden en 1620, se dedicó al arte. Estudió pintura con J. van Swanenbürch en Leiden (de 1620 a 1623) y P. Lastman en Amsterdam en 1623. En el período de 1625 a 1631 trabajó en Leiden. Un ejemplo de la influencia de Elastman en la obra del artista es una pintura " Alegoría de la música", Escrito por Rembrandt en 1626.
Rembrandt "Alegoría de la música" En fotos " Apóstol pablo"(1629 - 1630) y" Simeón en el templo"(1631) Rembrandt utilizó por primera vez el claroscuro como un medio para realzar la espiritualidad y la expresividad emocional de las imágenes.
Rembrandt "Apóstol Pablo" Durante estos años, Rembrandt trabajó duro en el retrato, estudiando las expresiones faciales del rostro humano. La búsqueda creativa del artista durante este período se expresa en una serie de autorretratos y retratos de los miembros de la familia del artista. Así se retrató Rembrandt a los 23 años.
Rembrandt "Autorretrato" En 1632, Rembrandt se mudó a Amsterdam, donde pronto se casó con una rica patricia, Saskia van Eilenbruch. Los años 30 del siglo XVII para el artista son años de felicidad familiar y tremendo éxito artístico. La pareja de la familia se muestra en la imagen " El hijo pródigo en la taberna"(1635).
Rembrandt "El hijo pródigo en una taberna" (1635) Al mismo tiempo, el artista pinta un lienzo " Cristo durante una tormenta en el mar de Galilea"(1633). La pintura es única porque es el único paisaje marino del artista.
Rembrandt "Cristo durante una tormenta en el mar de Galilea" Cuadro " Lección de anatomía del Dr. Tulpa”(1632), en el que el artista resolvió el problema del retrato de grupo de una manera nueva, dotando a la composición de una vitalidad vital y uniendo a las personas del retrato en una sola acción, le dio a Rembrandt una gran fama. Recibió muchos encargos, numerosos estudiantes trabajaron en su taller.
Rembrandt "Lección de anatomía Dr. Tulpa" En retratos hechos a medida de burgueses adinerados, el artista transmitió cuidadosamente los rasgos faciales, los detalles más pequeños de la ropa, el brillo de las joyas de lujo. Puedes verlo en el lienzo " Retrato de un burgrave", Escrito en 1633. Al mismo tiempo, los modelos a menudo recibieron una característica social adecuada.
Rembrandt "Retrato de un burgrave" Más libres y diversos en su composición son sus autorretratos y retratos de seres queridos:
- » Auto retrato", Escrito en 1634. Por el momento, el lienzo está expuesto en el Louvre.
Rembrandt "Autorretrato" (1634) - » Saskia sonriente". El retrato fue pintado en 1633. Hoy se encuentra en la Galería de Arte de Dresde.
Rembrandt "Saskia sonriente" Estas obras se distinguen por la viva espontaneidad y la elevación de la composición, el estilo libre de la pintura, mayor, llena de colores claros y dorados.
Un desafío audaz a los cánones y tradiciones clásicos en el trabajo del artista se remonta al ejemplo del lienzo " Secuestro de Ganimedes", Escrito en 1635. Actualmente, la obra se encuentra en la Galería de Arte de Dresde.
Rembrandt "El rapto de Ganimedes" Pintura "Danae"
La composición monumental es una vívida encarnación de las nuevas visiones estéticas del artista ". Dánae"(Escrito en 1636), en el que discute con los grandes maestros del Renacimiento italiano. El artista fue en contra de los cánones generalmente aceptados de la imagen y creó una hermosa pintura que iba más allá de las ideas de entonces sobre la verdadera belleza.
La figura desnuda de Dánae, lejos de los ideales clásicos de la belleza femenina, Rembrandt actuó sobre la inmediatez realista audaz, y el artista contrastó la belleza ideal de las imágenes de los maestros italianos con la belleza sublime de la espiritualidad y la calidez del sentimiento íntimo de una persona.
Rembrandt "Danae" (1636) El pintor expresó sutiles matices de experiencias emocionales en las pinturas " David y Jonatán"(1642) y" Sagrada Familia"(1645). Las reproducciones de alta calidad de las pinturas de Rembrandt se pueden utilizar para la decoración en muchos estilos.
En 1656, Rembrandt fue declarado insolvente y todas sus propiedades se vendieron en una subasta pública. Se vio obligado a trasladarse al barrio judío de Ámsterdam, donde pasó el resto de su vida.
Rembrandt "La Sagrada Familia" (1645) Cuadro "Retorno del hijo pródigo".
Un frío malentendido de los burgueses holandeses rodeó a Rembrandt en los últimos años de su vida. Sin embargo, el artista siguió creando. Un año antes de su muerte, comenzó a crear su brillante lienzo " Regreso del hijo pródigo"(1668 - 1669), que encarnaba todas las cuestiones artísticas y morales - éticas.
En esta pintura, el artista crea toda una gama de sentimientos humanos complejos y profundos. La idea principal de la pintura es la belleza del entendimiento, la compasión y el perdón humanos. El clímax, la tensión de los sentimientos y el momento de resolución de las pasiones que le sigue se plasman en poses expresivas y gestos mezquinos y lacónicos de padre e hijo.
Rembrandt "El regreso del hijo pródigo"
