Sarah Bernhardt, Vivien Leigh, Jean-Louis Trintignan, Elizabeth Taylor, Clark Gable, Vanessa Redgrave, Laurence Olivier, Innokenty Smoktunovsky, John Gielgud, Michelle Pfeiffer, Mel Gibson, Leonardo DiCaprio, Anthony Hopachinson, Imron Pachinson, Emron Pachino ... La lista sigue y sigue, porque no hay actor que no soñaría con interpretar una obra de Shakespeare. Y no hay director que no se le ocurra poner en escena a Shakespeare.
Hay cientos de adaptaciones de Shakespeare. Se trata de adaptaciones cinematográficas directas y versiones libres y modernizadas, y diversas alteraciones, parodias, películas "basadas en" y películas que le deben a Shakespeare sólo el nombre. La primera "película" fue estrenada por Fono-Cinema-Theatre en 1900 y duró tres minutos. Por supuesto, fue Hamlet, y Sarah Bernhardt protagonizó.
Poco después de sus inicios, el cine, en busca de tramas, se adentró en la literatura sin pasar por alto la atención del Gran Bardo. Dicen que las razones decisivas para volver a los temas de Shakespeare en ese momento fueron consideraciones de derechos de autor: habiendo pasado a la categoría de "patrimonio mundial de toda la humanidad", Shakespeare dio historias completamente gratis, sin requerir regalías, así como consideraciones de censura: ¡cuántas atrocidades terribles, crímenes sangrientos y sensaciones fascinantes había en sus dramas! Y todo esto bajo la apariencia de los clásicos, ¡porque Shakespeare está más allá de toda sospecha! .. Quizás sea así, pero quiero creer que el amor por el "arte puro" también llevó a quienes en distintas épocas se volvieron hacia Shakespeare. Sin embargo, veamos ...
Joe Macbeth es un gángster. Ya es de mediana edad, influyente, se casó recientemente con la ambiciosa belleza Lily. Pero el trabajo que Big Duk (Duncan) le ha acumulado está más allá de su poder, especialmente porque ya es hora de que se convierta en el "chico n. ° 1", así que adivinó Lily, la vendedora de castañas en un club nocturno ... ( Macbeth en género de gángsters, película "Joe Macbeth", dirigida por Ken Hughes, Inglaterra, 1955.)
O así: un músico de jazz negro está casado con un cantante blanco que, obedeciendo a la demanda de su celoso esposo, ya no actúa en el escenario. El baterista Johnny decide una intriga malvada: si este matrimonio se destruye, entonces una chica dulce seguramente aceptará cantar en una banda de jazz que él organiza ... (Otelo en la película musical All Night Long, dirigida por Basil Dearden, Inglaterra 1961 .)
O esto: Bianca y Kat, dos hermanas del instituto, van a la misma universidad. Todos aman al primero, odian al otro, porque ella es obstinada e independiente. Deciden enseñarle una lección persuadiendo a un matón local para que haga el papel de admirador ... ("The Taming of the Shrew" en la comedia juvenil "Ten Reasons of My Hate", dirigida por Jill Junger, EE. UU., 1999 .)
Sobre el intento de filmar "Tempest" de Shakespeare en el género de la ciencia ficción (la película "Forbidden Planet", dirigida por Fred McLeod Wilcox, EE. UU., 1956), el famoso escritor de ciencia ficción Stanislav Lem dijo: “Esto está al nivel del engaño. Y por debajo de cualquier crítica, porque se hace deliberadamente según el principio: Dios no permita que el espectador piense al menos un minuto ”.
¿La afirmación "Shakespeare es relevante en todo momento" se toma a veces de forma demasiado literal? ¿Es obligatorio vestir a sus héroes con jeans para que sean comprensibles para la generación de MTV? ¿Necesito reemplazar la espada por un "cañón" de calibre 25? Esto se ha debatido tanto en el teatro como en el cine durante décadas. Pero quizás la forma no sea importante si se transmite el espíritu de las obras inmortales de Shakespeare, si su mensaje se lee con claridad. Después de todo, el Gran Bardo, quienquiera que fuera en realidad, quería que pensáramos y aprendiéramos a pensar, a amar y “trepar por las ventanas hacia nuestras amadas mujeres”, soñar y luchar por nuestros sueños. Si una película basada en su obra deja un rastro similar, significa que la esencia ha sido capturada y transmitida. Y siempre discutirán sobre la forma ...
Andrey Tarkovsky, quien, ay, no estaba destinado a filmar a Shakespeare, aunque siempre soñó con ello, en una de sus entrevistas compartió sus pensamientos: problemas modernos, y si no estallar, colgar, como en una percha, informe. Hay bastantes de sus pensamientos, que son inmortales hasta el día de hoy. Solo necesitas poder leerlos ... En mi opinión, nunca ha existido un "Hamlet" como el que escribió Shakespeare. Cuando tomas obras clásicas, obras maestras que están llenas de significado durante millones de años, para siempre, para siempre, solo necesitas ser capaz de transmitirlo ".
Muchos directores, una vez que pusieron a Shakespeare en el escenario, ya no pudieron detenerse. Con su entusiasmo encendieron a los actores que, como si se convirtieran en una compañía teatral del Renacimiento, vagaban con ellos de escenario en escenario. Para cada uno de ellos, el Gran Bardo se convirtió en el amor de su vida.
Akira Kurosawa
“No sé si las obras de Shakespeare en el cine pueden ser tan buenas como en el teatro. En principio, nadie tuvo éxito, excepto Kurosawa. El Macbeth japonés es el mejor Shakespeare que he visto en una película ", una respuesta tan halagadora del maestro de Shakespeare, Peter Brook, merecía la película" Trono en sangre "(1957) de Akira Kurosawa.
Pero este "mejor Shakespeare", al parecer, está terriblemente lejos del verdadero Shakespeare. La acción de "Macbeth" se trasladó al Japón del siglo XVI, desgarrado por las luchas feudales, los personajes se volvieron diferentes, en lugar del texto de Shakespeare, apareció un nuevo, más modesto en volumen, apareció una gran carga de la imagen. Pero, habiendo dejado la letra de la obra de Shakespeare, Kurosawa se mantuvo fiel a lo principal en ella: la tragedia de los personajes, brillantemente encarnados por los actores, cuya actuación sorprende con una fuerza y una plasticidad desconocidas para el teatro y el cine europeos. Las expresiones faciales y el maquillaje de los actores fueron copiadas de las máscaras del clásico teatro japonés No. Es difícil olvidar estos rostros, ahora distorsionados por la ira, ahora sobrenaturalmente tensos, ahora casi locos.
La actriz, que interpretó el papel de Lady Macbeth, interpretó la escena de la locura según estas tradiciones teatrales. Vestida con un kimono blanco, con una mascarilla blanca, se sentó junto a una vasija de bronce, lavándose interminablemente la sangre invisible de sus dedos, solo sus manos se movían, como una danza siniestra de polillas blancas.
Akira Kurosawa nombra a Shakespeare como uno de sus autores favoritos. También recurrió a King Lear en su película posterior Ran (1985). Y aunque la interpretación de la tragedia es exótica, logró transmitir el espíritu de la tragedia. Según los críticos, algunas escenas, "a pesar del silencio, suenan como el texto original de Shakespeare".
Pocos han dirigido tantas obras del gran dramaturgo como el director del Royal Shakespeare Theatre, Peter Brook. Es el creador de las famosas actuaciones "Los inútiles esfuerzos del amor", "Cuento de invierno", "Medida por medida", "Sueño de una noche de verano", "Hamlet", "Romeo y Julieta", "Titus Andronicus". Quizás alguien recuerde cómo llegó su compañía a Moscú con el Rey Lear. El trabajo de Brook en el teatro es un esfuerzo por liberar a Shakespeare del polvo de museo, del literalismo académico. Cree que los clásicos solo están vivos cuando evocan una respuesta del espectador, cuando le cuentan los problemas que le preocupan. En todas las producciones teatrales del director, se puede sentir la influencia del drama y la filosofía moderna, la política. Por eso están condenados a ser objeto de una controversia sin fin.
Para su única adaptación de Shakespeare, Brooke eligió la tragedia King Lear (1970). Y aunque la adaptación cinematográfica fue preparada por toda la experiencia en el teatro, fue un serio desafío para el director. “El Rey Lear es una montaña cuya cumbre aún no se ha alcanzado”, escribió Brooke. - Subiendo, te encuentras con los cuerpos estrellados de predecesores temerarios: aquí Olivier, allá Lawton. ¡Aterrador! "
El éxito de la película se debe mucho al amigo y socio de Brook, el famoso actor inglés Paul Scofield, quien interpretó el papel principal. Su Lear se convirtió en una de las encarnaciones actoral más importantes del siglo. Scofield logró combinar grandeza y mediocridad, sabiduría y ceguera, fuerza e impotencia en su héroe, rasgos tan necesarios para comprender su carácter.
Grigory Kozintsev
Sergei Gerasimov recordó cómo Grigory Kozintsev, de 18 años, tenía la intención de modernizar Hamlet. El asesinato del rey no se llevaría a cabo con la ayuda de un veneno anticuado, sino con una descarga eléctrica de alto voltaje dirigida al auricular del teléfono. Es muy vanguardista, sobre todo si recordamos las palabras de Peter Brook, que dijo 40 años después sobre Hamlet de Kozintsev: “Se ataca la película de Kozintsev, diciendo que es académica; él es, él es académico ".
Las investigaciones y reflexiones de Grigory Mikhailovich dieron como resultado los libros "Nuestro contemporáneo William Shakespeare" y "El espacio de la tragedia", en las películas "Hamlet" (1964) y "El rey Lear" (1970).
A juzgar por los diarios y cartas del período de trabajo de las películas, las ideas de Shakespeare dominaron por completo el pensamiento del director, sus dotes de observación se agudizaron hasta el límite, pensaba constantemente en la solución de tal o cual escena, por encima de los gestos de los actores. También es curioso que Kozintsev buscara paralelismos entre Shakespeare y los clásicos rusos: recurría constantemente a la poesía de Pushkin, Blok, Baratynsky, Lermontov, a las reflexiones de Dostoievski, Gogol. Grigory Mikhailovich consideró que Boris Pasternak no era el autor de la traducción, sino de la versión rusa de la tragedia. Mantuvo correspondencia con él, le consultó a menudo y compartió sus pensamientos. Y cuando su "Hamlet" se mostró en inglés, Koznitsev insistió en que en algunos lugares se hiciera una traducción "de Pasternak", ya que el texto original no transmitía las ideas concebidas por el director.
En la nota a Hamlet, Kozintsev escribió: “Lo que menos intentamos fue adaptar la famosa tragedia al cine. De lo contrario, para nosotros era importante lo contrario: enseñarle a la pantalla la escala de pensamientos y sentimientos. Ésta es la única razón por la que vale la pena sentarse en los pupitres de la escuela de Shakespeare en estos días ".
Todos los que trabajaron con Grigory Mikhailovich se unieron en una verdadera unión creativa: el compositor Dmitry Shostakovich, los actores Nikolai Cherkasov y Yuri Tolubeev, que vinieron con Kozintsev al cine desde el Teatro Dramático de Leningrado; parecía haber redescubierto el genio de Innokenty Smoktunovsky en Hamlet y Yuri Yarvet en Lear.
Franco Zeffirelli
¿Quién no ha sido conquistado por Romeo y Julieta, visto por Franco Zeffirelli? Su película ganó dos premios Oscar (1968), dos Globos de Oro, el David de Donatello (Oscar italiano) y muchos otros premios. Recientemente, tras superar la prueba del tiempo, fue nombrada la mejor adaptación cinematográfica de Romeo y Julieta.
Después de revisar a muchos aspirantes a los papeles principales (800 jóvenes actrices esperaban interpretar a Julieta y 300 actores, ¡Romeo!), El director eligió a Olivia Hussey, de 16 años, y Leonard Whiting, de 17, quienes se convirtieron en los intérpretes más jóvenes de los papeles de los amantes de Shakespeare en la historia del cine. “Los actores le dieron a la película lo que esperaba de ellos: todas las perfecciones e imperfecciones de la juventud”, dijo Zeffirelli.
En la creación de la película participaron reconocidos maestros de su oficio: el trabajo de cámara de Pasquale de Santis mereció un Oscar, la música fue escrita por Nino Rota; También fue muy apreciado el trabajo de directores de danzas antiguas, especialistas en esgrima, decoradores. Sin embargo, la propia Italia se convirtió en escenario. Zeffirelli llevó a cabo la acción sobre una auténtica naturaleza renacentista: la Verona de Shakespeare cobró vida en las calles de Florencia y la pequeña Pienza, el escenario en el balcón - en el Palazzo Borghese cerca de Roma, los interiores de la casa de los Capuleto - en el antiguo palacio de Piccolomini!
Las otras dos películas de Zeffirelli tienen el mismo mérito: su debut en The Taming of the Shrew (1967), protagonizada magníficamente por Elizabeth Taylor y Richard Burton, y la posterior Hamlet (1991) con Mel Gibson. Las películas de Zeffirelli son siempre hermosas: se refleja su estilo sutil, desarrollado durante su trabajo como artista de teatro, director de ópera y teatro dramático. En el teatro dirigió Otelo, Hamlet, Mucho ruido y pocas nueces, Antonio y Cleopatra ...
El año pasado, el título de caballero se agregó a los numerosos títulos creativos de Franco Zeffirelli: la reina inglesa lo nombró caballero por las numerosas actuaciones que realizó en los escenarios de Londres.
Kenneth Branagh
Si encuentra las películas de Kozintsev y Brook demasiado parecidas a un museo, Kurosawa demasiado exótica y Zeffirelli clásica, asegúrese de ver las películas de Kenneth Branagh. Filmó Henry V (1989), Much Ado About Nothing (1993), Hamlet (1996), Love's Labour's Lost (1999) y protagonizó todas estas películas. Mucho para un director joven, ¿no? No los aburriré con una lista de los papeles de Shakespeare que interpretó en el teatro y el cine, y las obras que representó en el escenario, no lo haré. También es profesor de literatura inglesa y le gusta especialmente Shakespeare.
A los 35 años, Branagh decidió hacer realidad su sueño: filmar Hamlet. Por primera vez, el actor se sintió lo suficientemente maduro para este desafiante papel. La mayor virtud de la producción de Brana es que no se eliminó ni una sola palabra de Shakespeare del guión. ¡Nadie ha hecho esto antes!
Hamlet de cuatro horas de Kenneth Branagh fue nominado al Oscar a la Mejor Adaptación de Guión y recibió una variedad de premios. Sin embargo, hubo otra recompensa importante. Durante el rodaje, el actor Derek Jacobi le entregó solemnemente a Kenneth un volumen rodante de William Shakespeare. Según la tradición establecida, el mejor Hamlet de cada generación regala este volumen a quien considera su digno sucesor. Y Jacobi, cuyo Hamlet inspiró a Brana a convertirse en actor hace muchos años, reconoció a su alumno como el mejor Hamlet de la próxima generación.
Kenneth Branu puede ser llamado un innovador: a menudo transfiere la acción de las obras de Shakespeare en el tiempo y el espacio. Pero sin duda quedará cautivado por la actuación asombrosamente precisa, especialmente desde que Shakespeare, Bran está seguro, no tiene personajes secundarios.
Las películas de Branagh reúnen a toda una constelación de actores famosos: Derek Jacobi, Julie Christie, Emma Thompson, Gerard Depardieu; los veteranos Judy Dench, Sir John Mills y Sir John Gielgud hacen cameos en Hamlet sin palabras. Las excelentes bandas sonoras están compuestas por Patrick Doyle, mientras que Plácido Domingo cantó el tema principal en Hamlet.
Para concluir, quiero recordar una vez más las palabras de Andrei Tarkovsky: Shakespeare solo necesita poder transmitir a través del cine. Después de todo, parecía venir en ayuda del Gran Bardo, quien una vez apeló a la imaginación de la audiencia (prólogo de "Enrique V"):
Oh, si la musa ascendiera, ardiendo,
En el brillante firmamento de la imaginación
Insinuando que esta escena es un reino.
¡Los actores son príncipes, los espectadores son monarcas!
* Compensa nuestras imperfecciones,
Crea cientos a partir de una cara
Y conviértete en un ejército por el poder del pensamiento.
Cuando empezamos a hablar de caballos,
Imagínese su paso orgulloso;
Debes vestir de grandeza a los reyes,
Transfiérelos a diferentes lugares,
Elevándose con el tiempo, espesando los años
En una hora corta ...
Shakespearianismos
Las obras de Shakespeare son una fuente inagotable de palabras y expresiones aladas, no solo en inglés, sino también en ruso. Que solo hay un "El mundo entero es un teatro, en él mujeres, hombres, todos actores" ("Todo el mundo es un escenario, y todos los hombres y mujeres meramente actores").
Es interesante que algunas frases que todos conocen aquí, incluso aquellos que nunca han leído a Shakespeare, no tocaron el inglés por alguna razón, por ejemplo: "¿Rezaste por la noche, Desdemona?" o "Hay muchas cosas así en el mundo, amigo de Horacio". ¿Quizás se trata de las peculiaridades del carácter nacional?
Los traductores también contribuyeron al surgimiento de frases shakesperianas aladas. En la línea frecuentemente citada “¡Caballo! ¡Caballo! ¡Mi reino por un caballo! " Por los "esfuerzos" del traductor Ya.G. Bryanskiy, apareció una molesta inexactitud. En Shakespeare, el rey Ricardo III es mucho más generoso: ofrece todo el reino por un caballo.
¡Y el autor de uno de los shakespearismos que se ha arraigado en el idioma ruso no es Shakespeare en absoluto! N. Polevoy (1837) agregó la frase "Por un hombre tengo miedo", traduciendo Hamlet, y, como dicen, acertó: la amaban en Rusia.
Pero Shakespeare no debería tener ningún derecho a Polevoy, porque él mismo hizo una falsificación histórica. Las famosas palabras "¿Y tú, Brutus?" se hizo inmortal, y hoy poca gente sabe que de hecho, más precisamente según el testimonio del historiador romano Suetonio, César antes de su muerte pronunció en griego: "¿Y tú, hijo mío?"
Y en diferentes traducciones de Hamlet las famosas palabras "Algo está podrido en el estado de Dinamarca" suenan así: "Algo está sucio en el reino danés", "Todo está podrido en el reino danés", "Preveo los desastres del Patria ”,“ Sabes, algo malo ha sucedido aquí ”.
Escritores sobre Shakespeare
La primera página de Shakespeare, que leí, me conquistó por el resto de mi vida, y habiendo superado su primera cosa, ¡permanecí como un hombre ciego de nacimiento, a quien una mano milagrosa de repente le concedió la vista! Lo supe, sentí vívidamente que mi existencia se había multiplicado hasta el infinito; todo era nuevo para mí, desconocido, y la luz desconocida me lastimaba los ojos. Hora tras hora aprendí a ver.
I.V. Goethe
Recuerdo la sorpresa que experimenté cuando leí por primera vez a Shakespeare. Esperaba recibir un gran placer estético. Pero, leyendo uno tras otro sus mejores obras: El rey Lear, Romeo y Julia, Hamlet, Macbeth, no solo no experimenté placer, sino que sentí un disgusto, aburrimiento y desconcierto irresistibles * Creo que Shakespeare no puede ser reconocido no solo como un genial, brillante, pero hasta el escritor más mediocre.
L.N. Tolstói
Pero, ¿qué clase de hombre es este Shakespeare? ¡No puedo volver a mis sentidos! ¡Qué superficial comparado con él, Byron el trágico! Me siento mareado después de leer a Shakespeare. Parece que estoy mirando hacia el abismo.
COMO. Pushkin
Como un dramaturgo, Shakespeare está muerto como el clavo de una puerta. Shakespeare para mí es uno de los baluartes de la Bastilla, y debe caer.
B. Shaw
Shakespeare toma sus imágenes de todas partes - del cielo, de la tierra - no hay prohibición para él, nada puede escapar a su mirada omnipresente, tiembla con el poder titánico de la inspiración victoriosa, suprime con la riqueza y el poder de su imaginación, el brillantez de la más alta poesía, la profundidad y amplitud de una mente enorme.
ES. Turgenev
Existe la sensación de que la naturaleza ha mezclado el poder de la razón y la grandeza inalcanzable en la mente de Shakespeare con la tosquedad y la vulgaridad insoportable característica de la chusma.
Voltaire
Shakespeare hizo posible que toda una generación se sintiera como un ser pensante, capaz de comprender.
F.M. Dostoievski
para la revista "Hombre sin Fronteras"
Junto con el desarrollo de la poesía dramática en Inglaterra, la producción escénica de obras también mejoró. Gran valor El drama de Shakespeare despierta interés por la estructura del teatro en su época. El conocimiento de la puesta en escena es esencial para comprender los dramas de Shakespeare, así como los dramas de Sófocles y Eurípides se vuelven comprensibles solo con el conocimiento de la estructura del teatro griego. El drama inglés, como el drama griego, tiene su origen en el drama religioso. La Iglesia Católica permitió un elemento cómico en los misterios y la moral; la reforma no lo toleró. Inglaterra adoptó el calvinismo en una forma suavizada que le dio el gobierno. El rey y la aristocracia, según cuyos conceptos se establecieron las instituciones de la Iglesia Anglicana, no tenían nada en contra del teatro, incluso lo patrocinaban; gracias a su disposición a gastar dinero en representaciones, los antiguos grupos de aficionados fueron reemplazados por cadáveres de artistas profesionales. Los cantantes de la capilla real ofrecieron actuaciones en la corte de Isabel. Bajo los auspicios de los nobles, se formaron otras comparsas de actores, que ofrecían representaciones en las grandes ciudades y en los palacios rurales de los aristócratas; algunas compañías recibieron el derecho a ser llamadas reales; dieron actuaciones en hoteles, alegando que se les permitía hacerlo por el privilegio de su título. Gente de vida desordenada se reunió alrededor de los actores en hoteles; constituyeron una gran parte de la audiencia, especialmente en los teatros de Londres. Londres incluso entonces superó a todas las ciudades de Europa en población y riqueza; contenía miles de personas solteras que no tenían escasez de ocio o dinero para entretenerse. Artesanos, trabajadores de astilleros y fábricas llenaron el patio que albergaba el escenario del teatro inglés de esa época. Un público de una clase aún más pobre ocupaba la galería; eran marineros, sirvientes, mujeres de la calle.
El teatro fue un lugar de encuentro para todas las clases de la sociedad inglesa. Para la gente común, había muchos malos teatros en Londres. Pero además de ellos, había varios otros para las clases altas, allí, en la primera fila de la orquesta, frente a los actores que estaban libres de tocar esa noche, poetas y críticos, eran notables mecenas del arte dramático, en su mayoría jóvenes solteros. nobles que venían a ver sobre el escenario lo que les ocupaba en la vida: hazañas militares, amores, intrigas cortesanas. Estos jóvenes nobles no estaban interesados en las obras de la historia de la Reforma, que amaban a la clase media. Eran amigos de los actores, sin olvidar en su círculo su superioridad sobre ellos en estatus social. Shakespeare también tuvo tales patrocinadores. Se comportaron con insolencia no solo con los actores, a quienes honraron con su amistad, sino también con el público teatral. Para muchos de ellos, las sillas se colocaron en el propio escenario y entre las alas; algunos no se sentaron allí en sillones, sino que se tumbaron en las alfombras que se les extendieron. El público fumaba, bebía cerveza, comía manzanas, roía nueces, jugaba a las cartas durante los intermedios y se divertía con la burocracia. En la parte inferior de las dos galerías del Globe Theatre estaban sentadas aquellas mujeres de fácil virtud que eran apoyadas por la gente rica y noble; estas damas se comportaron sin ceremonias. Detrás de ellos estaban sentadas algunas de las esposas de fabricantes y comerciantes, pero cubriéndose la cara con máscaras. En general, se consideró indecente ir al teatro para mujeres honradas. No hubo actrices, los papeles femeninos fueron interpretados por adolescentes. Es necesario saber esto para comprender por qué en Shakespeare, incluso las heroínas de los dramas utilizan a menudo expresiones indecentes; y muchos rasgos del contenido de sus dramas se explican por la ausencia de mujeres modestas. Para el público noble, trae al escenario a soberanos, emperatrices, nobles caballeros y damas, hablando en un lenguaje elegante; y para la masa del público, en sus dramas se insertan toscas escenas cómicas. Las personas de la clase media (burgomaestres, maestros, científicos, sacerdotes, médicos) generalmente se muestran en Shakespeare solo en escenas cómicas, sirven como bromas para personajes nobles.
William Shakespeare
La clase media entonces rehuía el teatro, incluso le era hostil, estos vecinos respetables y acomodados, devotos de la Reforma, dispuestos a la dureza. puritano perspectiva de la vida, padres de héroes del Parlamento Largo y republicanos, no visitó el teatro y Shakespeare los dejó desatendidos. Y, sin embargo, esta clase de sociedad era la más importante en la vida política de Inglaterra y la más respetable; su energía estaba preparando el gran futuro de la nación inglesa. Estaba formado por comerciantes e industriales, sacerdotes, personas en puestos administrativos y judiciales secundarios, desde terratenientes que no pertenecían a la aristocracia, desde agricultores adinerados; ya comenzaba a dominar los asuntos públicos. En la década de 1580, los puritanos ya eran mayoría en la Cámara de los Comunes; la gestión de los asuntos de la ciudad ya les pertenecía. Entre los personajes de los dramas de esa época, casi no hay tales personas y, en general, hay pocas personas de moralidad impecable.
No les gustaba el teatro, exigían la restricción de su libertad, incluso la prohibición total de las representaciones. Durante el reinado de la primera Stewarts que amaba el teatro casi incluso más que Tudor, fue un tema constante de controversia entre los reyes y la clase media; Las disputas por él parecían preparar los preparativos para una lucha política. En la época de Elizabeth, la aversión de la masa de gente respetable de clase media por el teatro era tan grande que, a pesar del patrocinio de la Reina, Leicester, Southampton, Pembroke, Rotland, la clase de actores ingleses fue descuidada: un honesto la sociedad la separaba de sí misma por una barrera infranqueable. Esto lo confirman muchos lugares. Sonetos de Shakespeare... Las leyes de esa época pusieron a los actores en la misma línea que los magos, los bailarines de cuerda, los vagabundos. Los derechos que el gobierno quería darles, los compró mediante una dura lucha con el prejuicio dominante. Isabel, al comienzo de su reinado, prohibió las representaciones públicas; más tarde, cuando se enamoró de las representaciones alegóricas y, según algunos, de los dramas de Shakespeare, aún tuvo que someter al teatro a medidas tímidas para complacer el murmullo en su contra. Los obispos cedían a las predilecciones de la reina, pero los sacerdotes del pueblo predicaban constantemente contra el amor impío por el teatro. Aún más obstinadamente se rebelaron contra el teatro, el Lord Mayor y los Mayores de la City de Londres, que actuaron no según el deseo personal, sino a petición de los ciudadanos que les presentaban solicitudes y direcciones. Cerraron los teatros que habían surgido en la Ciudad; grupos de actores se vieron obligados a trasladar sus actuaciones a las afueras. Tampoco se les prohibió tocar allí los domingos, se les ordenó comenzar las funciones a las tres de la tarde. Por lo tanto, solo las personas que no tenían ocupación podían asistir al teatro, y la parte trabajadora de la población se vio privada de la oportunidad de disfrutar de un entretenimiento vano, y el domingo se libró de la profanación del placer pecaminoso. Estas medidas tímidas fueron una manifestación de una visión puritana de la vida que se extendía constantemente en la clase media y, bajo Carlos I, alcanzó tal fuerza que las representaciones estaban completamente prohibidas.
El Ayuntamiento de la City de Londres se rebeló no solo contra lo malo de los dramas y comedias de la época, sino contra el propio teatro, llamando a las representaciones al servicio del diablo. Cuando comenzaron a construirse teatros permanentes en Londres, el Ayuntamiento sometió a los actores que no estaban en la nobleza a los castigos asignados a los vagabundos. En 1572 negó el permiso al conde de Sussex para construir un teatro, y en 1573 obligó a la compañía del conde de Leicester a retirarse de la ciudad. Comenzó a dar representaciones fuera de la Ciudad, montó un teatro en el antiguo monasterio de los Dominicos, o, como se les llamaba en Inglaterra, los Monjes Negros, Frailes Negros (tras la destrucción del monaquismo durante la Reforma, sirvió como un almacén de coches). Richard Burbage actuó en este teatro; Shakespeare también jugó en él al principio. Los asuntos del teatro de Blackfriars fueron brillantes contra la enemistad de los puritanos. En 1589, la compañía que actuaba en él recibió el permiso para ser llamada real; en 1594 construyó otro Globe Theatre (al sur de London Bridge). Además de esta compañía, que estaba bajo el patrocinio de Leicester, estaba la compañía del Lord Almirante; Las actuaciones fueron dirigidas por Philip Henslowe y Edward Ellen. Sus actuaciones en teatros abiertos al público se consideraron ensayos para actuaciones en el palacio de la Reina, y bajo este pretexto fueron eximidos de la prohibición. Debido a los disturbios de 1579 por parte de la compañía del Lord Almirante, el consejo privado ordenó la destrucción de los teatros; pero esta orden se hizo sólo para la forma y quedó sin cumplirse; el consejo privado protegió a los teatros de la enemistad del ayuntamiento.
Ya hemos hablado de la disposición de los teatros de Londres en ese momento. Nuestra descripción se refería en particular al Teatro Globus, uno de los mejores. Hasta principios de la década de 1570, no había teatros permanentes en Londres; para las representaciones, se instaló apresuradamente un escenario al aire libre o en el vestíbulo del hotel; al final de una serie de representaciones, este edificio, hecho de tablones, se rompió. Los patios de los grandes hoteles de la City de Londres fueron los primeros teatros. Las fachadas del hotel, que daban al patio, tenían galerías que servían de local para el público, como ahora las gradas de palcos. Cuando comenzaron a construirse los teatros permanentes, estos edificios recibieron el nombre de "cortina"; también se les llamó teatros. Cada teatro, por supuesto, tenía su propio nombre especial: "Swan", "Rose", "Fortuna" ... Bajo Elizabeth el número de teatros llegó a once, bajo Jacob I hasta diecisiete. Su dinero iba bien; bastantes empresarios y actores han hecho buenas fortunas, incluso riquezas, como Edward Ellen (muerto en 1626), Richard Burbage (muerto el mismo año) y el propio Shakespeare. Esto era posible entonces solo en una ciudad como Londres, que sobrepasaba a todas las demás capitales de Europa en población y riqueza, tenía miles de personas adineradas que amaban el entretenimiento. El círculo de influencia de las representaciones en Inglaterra se limitó a Londres y, de hecho, solo a ciertas clases de la población del mismo Londres.
Teatro Globe de Shakespeare. En 1642 fue cerrado por los revolucionarios puritanos. En 1997 recreado en su forma original
El momento del inicio de la función estuvo indicado, como ahora en los teatros de feria, por el hecho de que se colgó el estandarte y los músicos trompetearon. Cuando el público convergió, los músicos en el balcón superior tocaron nuevamente, anunciando que el espectáculo estaba por comenzar; después del tercer ritornelle, apareció un actor con un vestido de terciopelo negro y recitó el prólogo; a intervalos y al final de la obra, los bufones jugaban pequeñas farsas y cantaban. Pero el final real de la actuación fue la oración de los actores por la reina, que sirvió como prueba de su piedad y sentimientos leales. Los trajes eran bastante lujosos; los actores se enorgullecían de su riqueza; pero la puesta en escena era muy pobre. Un tablero con una inscripción indicaba dónde se estaba llevando a cabo la acción. Se dejó la imaginación del público para pintar este paisaje o esta plaza, este salón; cuando la acción se trasladaba a otro lugar, se mostraba un tablero con una inscripción diferente. Así, sin ningún cambio en el aspecto del escenario, la acción teatral se trasladó de un país a otro. Esto explica el movimiento frecuente de acciones en los dramas de Shakespeare: no requirió ningún problema. Una protuberancia en el medio de la pared trasera del escenario significaba, según la necesidad, una ventana o una torre, un balcón, una muralla, un barco. Las alfombras celestes suspendidas del techo del escenario significaban que la acción se desarrollaba durante el día, y las alfombras oscuras descendían para indicar la noche. Sólo en el escenario de la cancha la situación fue menos dispersa; bajo Jacob I, ya tenía decoraciones conmovedoras.
Tal fue la producción teatral de las obras de los predecesores y contemporáneos de Shakespeare. Ben Johnson, que condenó la irregularidad de la forma de los dramas ingleses, quiso introducir en la poesía dramática inglesa la unidad clásica de tiempo y lugar. La compañía de la corte, formada por los cantantes de la capilla real, representó sus dramas, escritos según la teoría clásica. Pero sólo el repertorio que correspondía al gusto nacional tenía vitalidad; continuaron apareciendo nuevas obras de teatro de forma nacional en Blackfrey, Globe, Fortuna y otros teatros privados; había muchos de ellos. Es cierto, casi todos fueron trabajos de fábrica. El autor, o a menudo dos colaboradores, juntos, incluso tres, cuatro, escribieron apresuradamente un drama, cuyo principal atractivo era la imagen de algún evento moderno que interesaba al público. Los dramas anteriores se volvieron a montar sin tener en cuenta los derechos del autor; sin embargo, los autores generalmente no tenían derecho a argumentar, porque vendieron sus manuscritos a la propiedad de empresarios o compañías; Shakespeare también. Por lo general, las obras se escribían por encargo, exclusivamente para la compañía que las ponía en escena. Había muy pocos dramas impresos que pudieran presentarse en todos los teatros. Casi todo el repertorio de cada teatro estaba formado por manuscritos que le pertenecían; no los imprimió para que otros teatros no pudieran usarlos. Así, en cada gran teatro inglés de esa época, había una pequeña sociedad de escritores que trabajaban sólo para él; su principal tarea era asegurarse de que la compañía no tuviera escasez de nuevas obras. Uno de los escritores satíricos de esa época, Thomas Nash, dice: “Los escritores de tales obras hacen su trabajo fácilmente: roban de todas partes, donde encuentran para robar, traducir, alterar, dar el cielo, la tierra al escenario, en un palabra, todo lo que se les presente: incidentes de ayer, crónicas antiguas, cuentos de hadas, novelas ”. La competencia entre teatros y dramaturgos no era tímida en nada: uno quería superar al otro. Los jóvenes nobles, que constituían la parte más atenta y educada del público, alababan lo bueno, exigían constantemente algo nuevo, que sería aún mejor. Está claro que esta competencia, con todos sus lados dañinos, tuvo una buena competencia; La poesía dramática, gracias a ella, alcanzó rápidamente tal desarrollo que el genio de Shakespeare recibió todo el alcance de sus actividades. Está claro que ella no pudo mantenerse a la altura a la que él la crió, porque raras veces nacen genios iguales a él. Su declive después de él se aceleró por un cambio en el curso de la vida social.
Shakespeare sale del teatro
Shakespeare tenía cuarenta y ocho años cuando las circunstancias lo llevaron a decidir abandonar el teatro.
Ni él ni sus amigos dejaron ninguna explicación al respecto. Al igual que en otros momentos importantes de su vida, aquí nos quedamos con las conjeturas.
Seguramente podemos decir que la fuente de su pensamiento creativo no se ha secado. Esto no pudo haber sucedido con Shakespeare, quien tenía una tremenda energía creativa. Las últimas jugadas no contienen rastros de que su talento se haya empobrecido. Por el contrario, como hemos visto, el genio de Shakespeare fue capaz de encontrar nuevas fuentes de inspiración.
Más probablemente una enfermedad. No fue casualidad que el Dr. Hall apareciera en la casa de Shakespeare. Mantuvo registros de las citas de los pacientes, pero sus diarios no se conservaron por completo. Atrás quedaron los cuadernos que guardaba durante los años en que Shakespeare vivió en Stratford. (¡Tal es nuestra felicidad shakesperiana!) Sin embargo, la suposición sobre la enfermedad es bastante plausible: Shakespeare trabajó tan duro que podía sobreesfuerzo.
En cualquier caso, poco después de 1613 Shakespeare transfirió su participación en la compañía a alguien y liquidó todas las propiedades y asuntos financieros que tenía en Londres. También dejó de escribir para el teatro.
Además de la enfermedad, otras circunstancias pueden haberlo afectado.
A los biógrafos de Shakespeare en el siglo XIX les encantaba pintar tal cuadro. Shakespeare logró el éxito, la fama y la fortuna. No tenía nada más de qué preocuparse. Todo lo que quedaba era cosechar los frutos de su trabajo, y se fue a la tranquila Stratford para disfrutar de la paz. Así imaginaba el crítico inglés Edward Dowden el final de la vida de Shakespeare.
Georg Brandes, en su biografía de Shakespeare, se inclina en parte a esto: “Shakespeare ha hecho bastante trabajo en su vida. Su jornada laboral ha llegado a su fin ". Pero el crítico danés también cree que Shakespeare estaba poseído no solo por el cansancio, sino también por la decepción: “Ahora incluso la idea de tomar una pluma no le sonreía. ¿Para quién crear? ¿Para quién escenificar obras de teatro? La nueva generación que asistía al teatro le era completamente ajena. Y en Londres nadie prestó atención al hecho de que se fue de la ciudad ".
El escritor inglés sobre temas históricos, Lytton Strachey, habló de manera aún más decisiva. Releyendo las últimas obras de Shakespeare, encontró en ellas muchos signos de fatiga, molestia por el mundo, disgusto por toda la mezquindad, que tanto había.
Incluso un investigador tan reservado y extremadamente objetivo como Edmund Chambers llegó a la conclusión de que la salida de Shakespeare del teatro se debió a profundas razones internas. Si Lytton Strachey creía que la insatisfacción de Shakespeare se debía a razones sociales, Chambers los ve en las condiciones profesionales de la creatividad. Shakespeare está cansado de satisfacer los gustos caprichosos del público; estaba especialmente insatisfecho con el hecho de que sus obras, cuando se representaban en el teatro, eran invariablemente destrozadas, taladas y desechadas al mismo tiempo que lo que él, como autor, era más querido.
Es difícil decir de qué lado está la verdad. Lo más probable es que cada una de las circunstancias haya influido: fatiga, enfermedad, insatisfacción ...
Debe tenerse en cuenta una circunstancia más importante. Shakespeare no podría haber tenido la ambición de un escritor. Si lo tuvo en su juventud, cuando, no sin orgullo, publicó los “primogénitos de su imaginación”, los poemas “Venus y Adonis” y “Lucrecia”, luego se negó a publicar obras poéticas. "Sonetos", como recordará el lector, llegó a la prensa contra su voluntad.
En cuanto a las obras, el teatro las frenaba para que no pudieran ser utilizadas por comparsas rivales y para que la lectura no sustituyera a la visita al teatro de espectadores educados.
Desde que la compañía Burbage-Shakespeare se convirtió en la propia compañía del Rey, parece haber tenido la oportunidad de interferir con las publicaciones "piratas" de obras de teatro. Después de 1605, como hemos visto, los editores se vieron obligados en gran medida a limitarse a reimprimir obras antiguas. De los nuevos, solo se publicaron Troilus y Cressida, que no aparecieron en el escenario, y King Lear, cuyo texto fue estenografiado durante la actuación.
Al salir del escenario, Shakespeare pensó que gran parte de lo que había hecho nunca llegaría a la posteridad. Al parecer, tampoco creía que las obras impresas fueran de interés para nadie después de que abandonaran el escenario.
Todo lo que sabemos sobre Shakespeare nos convence de que veía sus obras como parte de una actuación, sin darse cuenta de que sus tragedias y comedias podían tener un significado independiente del teatro. Estaba convencido de ello por la entonces teoría literaria, que no reconocía el mérito artístico en obras en las que no se observaban las reglas de Aristóteles y Horacio respecto a las tres unidades. Shakespeare los interpretó solo dos veces: la primera vez en su juventud, después de haber escrito su "Comedia de errores" basada en la comedia de Plauto, la segunda vez al atardecer, en "La tempestad". Es posible que mientras creaba The Tempest, él, por cierto, quisiera finalmente demostrarle a Ben Johnson que él también puede hacer esto. Pero Ben, como ya sabemos, no apreció esta hazaña de Shakespeare e incluso ridiculizó a La tempestad.
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ESCUELA - BIBLIOTECA: FORMAS ACTIVAS DE INTERACCIÓN
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2 "En las páginas de los libros, décadas, momentos,Acontecimientos, destinos, homenaje a la vida variopinta.
Deja que los libros se multipliquen, vivan, se fortalezcan -
Tejido conectivo durante siglos ".
(
V. Sikorsky)¿Por qué existe la necesidad de una interacción más estrecha entre el bibliotecario y el profesor de asignaturas de los escolares de hoy?
El problema de la escuela moderna
es inculcar la alfabetización informacional en el lector como la habilidad humana más importante. Un egresado de la escuela debe poder obtener información de diversas fuentes, procesarla con la ayuda de operaciones lógicas y aplicarla en diversas situaciones de la vida; y un lector adulto para poseer información y cultura bibliográfica.Diapositiva
3 La biblioteca escolar es hoy un vínculo necesario en el entorno educativo, es decir. y ella misma es ese entorno material y espiritual capaz de activar la actividad creativa de niños y adultos.la tarea principal
cualquier biblioteca escolar como centro de información es para ayudar a los estudiantes y maestros en el proceso educativo. Sin una buena biblioteca, una escuela no podrá cumplir con sus funciones educativas y educativas a un alto nivel.La biblioteca de la escuela proporciona la información que necesita para prosperar en la sociedad de la información actual, donde el conocimiento es esencial.
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4 Y el alumno de primer grado, el egresado de la escuela, el maestro y el director de la institución educativa están involucrados en una órbita común, cuyo nombre es educación. Se ha comprobado que la cooperación entre bibliotecarios y docentes contribuye a incrementar el nivel de alfabetización de los estudiantes, promueve el desarrollo de las habilidades de lectura y memorización, así como el desarrollo de la capacidad para utilizar las tecnologías de la información y la comunicación.La interacción entre el bibliotecario y el estudiante-lector se basa en los principios de la pedagogía de la co-creación, donde la biblioteca tiene un papel activo. Esto es principalmente
individual obra construida en forma de diálogo y Extra curricular vida de estudiante .Diapositiva
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6 La biblioteca, al ser un elemento del entorno educativo, puede activar el potencial creativo e intelectual del niño y convertirse en un centro de información en la escuela.De ahí el objetivo principal de las bibliotecas escolares.
Contribuir a la formación de competencias de cultura de la información de alumnos, docentes, padres de familia.Para lograr este objetivo, las escuelas resuelven las siguientes tareas
:Asegurar la diversidad del contenido del proceso educativo de la escuela sobre la base de la adquisición de alta calidad del fondo de la biblioteca.
Organización y diseño intencionados de la biblioteca como un entorno de información temática para los lectores.
Educación de la moral, la formación del gusto estético mediante la familiarización con los valores de la cultura nacional y mundial.
El regreso de los niños a la lectura, que sigue siendo el único medio confiable para preservar la institución de la cultura.
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7 Áreas prioritarias de interacción entre la escuela y la biblioteca de la institución educativa:Formación de bases sólidas de un estilo de vida moral y saludable a través de la organización de actividades extraescolares.
Desarrollo de las capacidades físicas y espirituales del individuo,
Formación lectora,
Una selección de literatura de ficción, científica y metodológica,
Seguimiento constante de los intereses de lectura de los estudiantes utilizando tecnologías reflexivas.
Desarrollo de la educación espiritual - moral y cívico-patriótica de los escolares en el entorno bibliotecario.
Trabajando con niños superdotados.
Asistencia en la enseñanza a los estudiantes del diseño y modelado en el campo de la comunicación a través de la organización de formas activas de actividad;
el estudio de la experiencia histórica de organizar la comunicación entre personas en comunidades humanas,
su papel e implicaciones para las generaciones futuras;
enseñar la manifestación de la empatía, creando situaciones de comunicación positiva;
la formación de habilidades comunicativas analíticas y reflexivas.
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8 formas de trabajoEn las bibliotecas escolares se utilizan diversas formas de trabajo para fomentar una cultura de lectura para niños y adolescentes:
Lecciones de biblioteca;
exposiciones de libros;
revisiones de literatura sobre la cultura de la lectura;
noches temáticas, revistas orales, salones literarios;
concursos, concursos, juegos literarios; actividades de diseño e investigación.
Hoy en día, las nuevas tecnologías de la información han entrado rápidamente en las actividades bibliotecarias y de información.
Pero la misión de la biblioteca escolar, atraer a los niños a la lectura, no ha cambiado, solo ha adquirido una nueva profundidad y contenido, ha recibido un nuevo potencial.
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9 Actualmente, los recursos multimedia se utilizan en casi todos los ámbitos de las actividades educativas y formativas.Es necesario dar preferencia
presentación, interactiva, multimedia formas de información y espacios educativos y culturales y de ocio.Tales formas interactivas se utilizan como:
Presentaciones electrónicas de exposiciones de libros
Lecciones de biblioteca electrónica
Conferencias virtuales,
Revistas orales - Presentaciones
Slide - Películas
Salones literarios con presentaciones electrónicas.
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10 Resumamos- ¿Cuáles son las formas activas de interacción entre “profesor y bibliotecario”?
Provisión del proceso educativo y autoeducación a través de los servicios de información y biblioteca, es decir. Proporcionar información, asistencia metodológica y de consultoría a los empleados.
Los bibliotecarios y profesores combinan la teoría con la práctica.
Los bibliotecarios enseñan a los escolares a evaluar los recursos de Internet, planteando las actitudes deseadas junto con los profesores.
Enseñan conjuntamente la responsabilidad en el uso de los recursos digitales, basados en el pensamiento independiente.
El bibliotecario asesora a los estudiantes en sus habilidades de toma de decisiones basadas en la autoestima, que
- ¿Por qué se unen bibliotecario y profesor?
Compartir la responsabilidad de desarrollar el deseo de aprender en los niños, comprender la información, la capacidad de sacar sus propias conclusiones y crear nuevos conocimientos, compartir
Esta colaboración de la escuela con las bibliotecas públicas y para niños conduce a innovaciones conjuntas en red en la formación y la alfabetización informacional y la cultura de los escolares y sus padres.
Los estudiantes buscan información de forma activa e independiente, utilizando una variedad de fuentes que presentan diferentes puntos de vista.
Promover el desarrollo del interés de los escolares por la lectura a través de la participación en concursos y festivales.
.- ¿Cuál es la base para la interacción entre la escuela y la biblioteca?
Un programa unificado de informatización escolar, aprobado por el consejo de profesores de la escuela (proyectos, programas de formación separados para escolares y profesores, teniendo en cuenta investigaciones independientes, consultas).
Comunidad de personas de ideas afines (escuela, biblioteca, comunidades en línea)
Apoyo a los padres (a través de blogs, wikis, etc.).
Cooperación con bibliotecas públicas e infantiles (sobre la formación de la alfabetización informacional de padres y escolares).
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11 - proverbios Diapositiva 12 - gracias por su atención
