Ռուս ժողովրդի երաժշտական ​​ավանդույթները. 19-րդ դարի ռուսական երաժշտական ​​մշակույթը և դրա համաշխարհային նշանակությունը. Օգնության կարիք ունի թեմայի շուրջ

Ներածություն

1. Ռուսաստանի երգարվեստը 19-րդ դարում

2. Ռուսական կոմպոզիտորների դպրոց

2.1 Միխայիլ Իվանովիչ Գլինկա

2.2 Ալեքսանդր Սերգեևիչ Դարգոմիժսկի

2.3 «Հզոր փունջ»

2.4 Պյոտր Իլյիչ Չայկովսկի

3. 20-րդ դարի սկզբի ռուսական երաժշտական ​​մշակույթը.

Եզրակացություն

Մատենագիտություն

Ներածություն

Ռուսաստանը 19-րդ դարում հսկայական թռիչք կատարեց մշակույթի զարգացման գործում, անգնահատելի ներդրում ունեցավ համաշխարհային մշակույթի մեջ։ Սա կանխորոշված ​​էր մի շարք պատճառներով։ Մշակութային վերելքը պայմանավորված էր կապիտալիստական ​​նոր հարաբերությունների անցման ժամանակաշրջանում ռուս ազգի ձևավորման գործընթացով, ազգային ինքնագիտակցության աճով։ Մեկ այլ գործոն, որը նպաստել է ռուսական մշակույթի ինտենսիվ զարգացմանը, սերտ փոխգործակցությունն է այլ երկրների և ժողովուրդների մշակույթների հետ: Արևմտաեվրոպական հասարակական միտքը մեծ ազդեցություն է ունեցել Ռուսաստանի մշակույթի վրա։ Ռուս հասարակությունը ընկալում էր եվրոպական երկրների մշակույթների առաջադեմ նվաճումները՝ պահպանելով իրենց ազգային մշակույթի ինքնատիպությունը։ Մտավորականությունը սկսում է ակտիվորեն մասնակցել ազգային մշակույթի զարգացմանը։ Հասարակության այս շերտը սկզբում ձևավորվել է ազնվականության և հոգևորականության միջից, բայց արդեն 18-րդ դ. հայտնվում են սովորական մարդիկ, իսկ XIX դ. սկզբին. - ճորտ մտավորականություն (դերասաններ, արվեստագետներ, ճարտարապետներ, երաժիշտներ, բանաստեղծներ): 18-րդ - 19-րդ դարի առաջին կեսին մշակութային զարգացման մեջ գլխավոր դերը պատկանում է ազնվական մտավորականությանը, 19-րդ դարի երկրորդ կեսին` ռազնոչինցիներին։ Ռազնոչինցիների մեջ մտնում էին լիբերալ և դեմոկրատական ​​բուրժուազիայի կրթված ներկայացուցիչներ, պաշտոնյաներ, մանր բուրժուաներ, վաճառականներ և գյուղացիներ։ Այդ իսկ պատճառով 19-րդ դ. Ռուսաստանում ընթանում է մշակույթի դեմոկրատացման գործընթաց. Ավելանում է անապահով խավերի գրողների, բանաստեղծների, արվեստագետների, կոմպոզիտորների, գիտնականների թիվը։

Այս էսսեում ես կփորձեմ ընդհանուր նկարագրություն տալ Ռուսաստանի երաժշտական ​​մշակույթին 19-րդ - 20-րդ դարերի սկզբին, հետևել ռուսական երաժշտական ​​արվեստի ակունքներին և շարունակականությանը: Պետք է ընդգծել մշակույթի պատմության ուսումնասիրության կարևորությունը, քանի որ ներկան հիմնված է անցյալի վրա։ Նույնիսկ մեր ժամանակի ամենահեղափոխական երաժշտական ​​ստեղծագործությունները կամ ուղղակի կամ անուղղակիորեն ենթարկվում են անցյալի ազդեցությանը։ Աբստրակտի նպատակն է վերլուծել Ռուսաստանի երաժշտական ​​մշակույթի վիճակը 19-րդ - 20-րդ դարերի սկզբին, բացահայտել դրա առանձնահատկությունները, պատմել այս ժամանակի կոմպոզիտորների և նրանց ստեղծագործությունների մասին, ինչպես նաև պարզել ռուսերենի նշանակությունը: այդ ժամանակաշրջանի երաժշտությունը համաշխարհային մշակույթի համար։

1. Ռուսաստանի երգարվեստը 19-րդ դարում

19-րդ դարում Ռուս կոմպոզիտորները մեծ ուշադրություն էին դարձնում բանահյուսության ուսումնասիրությանը, ժողովրդական երաժշտությունը համարում էին ոգեշնչման աղբյուր։ Նրանք հավաքել են ժողովրդական երգեր և հաճախ օգտագործել դրանք իրենց ստեղծագործություններում։ Երաժշտական ​​նոր ժանրեր են հայտնվում, հին ձևերը (կենցաղային երգեր, թափառական, երգիծական երգեր) նոր կենսապայմանների ազդեցությամբ փոխակերպվում են, փոխվում է պատկերների և ինտոնացիոն-արտահայտիչ միջոցների բնույթը։ Կենցաղային ժողովրդական երգն արտացոլում է հանրապետական ​​նշանակության հասարակական-քաղաքական խոշոր իրադարձությունները։ 1812 թվականի Հայրենական պատերազմը լայնորեն արտացոլվել է ժողովրդական երգում։Մեզ է հասել 1812 թվականի երգերի մի ցիկլ՝ կապված բանավոր ժողովրդական ավանդույթի հետ։ Իրենց բովանդակությամբ եւ երաժշտական ​​ու բանաստեղծական ձեւերով դրանք շատ բազմազան են։ Այս պատերազմը պատճառ հանդիսացավ, որ հայտնվեն քնարական երգեր, որոնք գրավել են խորը մարդկանց վիշտը, վիշտը, Հայրենիքի արհավիրքների, հայրենի հողի կործանման, սիրելիների մահվան պատճառած վիշտը։

Ռուսական ժողովրդական երգը մեծ ժողովրդականություն է ձեռք բերել, տարածվել է բազմաթիվ օրիգինալ մշակումներով՝ երգչախմբի, նվագակցությամբ ձայնի և առանձին գործիքների համար։ 1806-1815 թվականներին Պրախի հավաքածուն մի քանի անգամ վերահրատարակվել է։ Դրա հիման վրա ստեղծվել են հասարակական տեսակի երգերի ժողովածուներ։

Ճորտերի բնիկ Դանիլա Կաշինը մեծ համբավ ձեռք բերեց, ստեղծեց ժողովրդական երգերի բազմաթիվ մշակումներ։ 1833-1834 թթ. լույս է տեսել նրա «Ռուսական ժողովրդական երգեր» ժողովածուն երեք մասից. Քառասունականներին հավաքածուն վերաթողարկվեց, ինչը վկայում է նրա ժողովրդականության մասին։

Իվան Ռուպինը հավաքել է նաև գյուղացիական երգեր, ենթարկել դրանք մշակման, նրա ստեղծագործություններին բնորոշ է ժողովրդական երգերի և քաղաքային ռոմանտիկ ինտոնացիաների սինթեզը։ Նրա ազգանունն արտասանել են իտալական վերջավորությամբ ժամանակակիցները՝ Ռուպինի, ինչը վկայում է նրա համբավի մասին։ 1831 թ հրատարակել է իր երգերի ժողովածուն։ Ժողովրդական երգի առօրյա մշակումների հետ միաժամանակ զարգանում է քնարական սենտիմենտալ սիրավեպ։ Այս ժանրում միջոցների պարզությունը զուգորդվում է արտահայտման անմիջականության և անկեղծության հետ։ 19-րդ դարի ռուսական սիրավեպի էվոլյուցիայի մեջ մեծ նշանակություն ունեցան կոմպոզիտորներ Ալյաբաևը, Վարլամովը, Գուրիլևը, Վերստովսկին։

Ալեքսանդր Ալեքսանդրովիչ Ալյաբաևը (1787-1851) ազնվականությունից էր։ Ծառայել է բանակում, մասնակցել 1812 թվականի Հայրենական պատերազմին։ Թոշակի անցնելուց հետո նա իրեն նվիրել է ստեղծագործությանը։ Ալյաբիևը հանրաճանաչ սիրավեպերի հեղինակ է. «Ես քեզ սիրում էի», «Ձմեռային ճանապարհ» (երկուսն էլ Ա.Ս. Պուշկինի բանաստեղծություններին), «Գիշերը» և այլն: «Nightingale»-ը Ալյաբաևի ամենահայտնի երգերից է։ Դրանում ամեն ինչ պարզ է և միևնույն ժամանակ անկեղծ։ Երգին նախորդում է դաշնամուրային ներածություն։ Վոկալ մասի առաջին իսկ ինտոնացիաներից ծավալվում է գերող սահուն, խոհուն մեղեդի։ Նա անմիջապես գերում է իր ոգեղենությամբ։

Կոմպոզիտոր Ալեքսանդր Եգորովիչ Վարլամով (1801-1848) - հայտնի սիրավեպերի հեղինակ։ Նա ստեղծել է այս ժանրի հարյուրից ավելի գործեր՝ հիմնականում հիմնված ռուս բանաստեղծների բանաստեղծությունների վրա («Կարմիր սևազգեստ», «Փողոցով ձնաբուք է անցնում», «Լուսաբացին նրան չես արթնացնում», «Միայնակ առագաստը սպիտակում է։ », և այլն): Վարլամովն իրեն դրսևորել է նաև որպես երգիչ, դիրիժոր, կիթառահար և ուսուցիչ։ Գրել է դասագիրք երգիչների համար՝ «Երգեցողության ամբողջական դպրոցը» (1840)։

Ալեքսանդր Լվովիչ Գուրիլևը (1803-1858) ճորտ երաժշտի որդի էր։ Կոմպոզիտոր, դաշնակահար, ջութակահար, ջութակահար և ուսուցիչ Գուրիլևը հայտնի է որպես երգերի և ռոմանսների հեղինակ։ Ամենահայտնին նրա «Mother Dove», «Bell», «Sarafan», «The Swallow Curls» երգերն են և «Բաժանում», «Դու չես հասկանում իմ տխրությունը» ռոմանսները։ Բացի վոկալ խոսքերից, կոմպոզիտորն աշխատել է դաշնամուրային երաժշտության ժանրերում, հավաքել և մշակել ժողովրդական երգեր։

Ալյաբևի, Վարլամովի և Գուրիլևի ստեղծագործությունն անգնահատելի ներդրում է ռուսական երաժշտության գանձարանում։ Նրանց երգերն ու սիրավեպերը դեռևս ընդգրկված են երգիչների, երգչախմբերի համերգային երգացանկում և կատարվում են սովորական մարդկանց կողմից։

Ռուսական երաժշտության պատմությունը, ինչպես նաև ռուսական ավանդույթների և սովորույթների պատմությունը երկար, դարավոր էվոլյուցիայի արդյունք է, որի ընթացքում ձևավորվել և զարգացել են անհատական ​​մշակութային նվաճումներ։ Իհարկե, նման ձեռքբերումները ներառում են նաև ռուսական երաժշտական ​​մշակույթի հարուստ ժառանգությունը, որը ներառում է բանահյուսություն, համաշխարհային համբավ ունեցող ռուս կոմպոզիտորների ստեղծագործություններ, բարդերների ազատ ստեղծագործություն, ինչպես նաև ռուսական ռոմանտիկայի հատուկ ազգային ոճ:
Ռուսական երաժշտության պատմությունը սկսվում է Կիևյան Ռուսաստանի հողերում բնակություն հաստատած հին սլավոնական համայնքների ֆոլկլորային մշակույթի զարգացմամբ: Ազգային ստեղծագործության հսկայական ծավալը՝ ժողովրդական երգերի տեսքով, որը հասել է մեր ժամանակներին, քրիստոնեական ավանդույթների հետ մեկտեղ կրում է հեթանոսության բնորոշ երանգ։ Ռուսական ժողովրդական երաժշտության բնորոշ հատկանիշները ծառայեցին որպես հիմնական հիմք, որի վրա ապագայում կառուցվեց ամբողջ ռուսական երաժշտական ​​ստեղծագործությունը:
Ռուսական ժողովրդական երաժշտությունը բաժանված է բազմաթիվ ժանրերի, որոնց թվում ամենահինն է երգի ժանրը։ Երգերը շատ բազմազան էին, օրինակ՝ ծիսական երգ, հարսանեկան-պարերգ, դյուցազներգություն և պատմողական, քնարական և դրամատիկ երգեր։ Եվ գրեթե ամբողջ հնագույն ժողովրդական երաժշտությունը գերակշռում էր երգի երաժշտությունը, որը փորձագետները կապում են եկեղեցում երաժշտական ​​գործիքների առկա արգելքի հետ (հակառակը, կաթոլիկ ժողովուրդների համար եկեղեցին եղել է երաժշտական ​​մշակույթի պատմական զարգացման կենտրոնը): Ուստի երաժշտական ​​գործիքները կենցաղային կամ ժողովրդական բնույթ ունեին։ Հովիվները, ովքեր տավիղ, ծխամորճ և շչակներ էին նվագում, հայտնի արհեստավորներ էին Բալիի երաժշտական ​​արվեստի մեջ։
Բացի այս գործիքներից, հնագույն պատմություններում հիշատակվում են նաև դափեր, բնական որսորդական եղջյուրներ։
Միջնադարի դարաշրջանում հալածվում ու հալածվում էին հասարակական կատարողներն ու երաժիշտները, որոնք կոչվում էին բաֆոններ, ամենուր ոչնչացվում էին նրանց երաժշտական ​​գործիքները, և ոչ միայն նրանք։ Հետեւաբար, բառացիորեն մի քանի միջնադարյան գործիքներ պահպանվել են մինչ օրս: Այնուամենայնիվ, այնպիսի գործիքներ, ինչպիսիք են յոթ լարային կիթառը, մանդոլինը և ակորդեոնը (որը կոչվում է ռուսական ակորդեոն կամ կոճակային ակորդեոն) կապված են ռուսական երաժշտական ​​ստեղծագործության հետ: Բայց դուք պետք է իմանաք, որ հարյուր նման գործիքներ մտել են ռուսական մշակույթ միայն 18-19-րդ դարերում։ Իսկ արդեն 19-րդ դարում ստեղծվեց ռուսական երաժշտության պատմության մեջ առաջին նվագախումբը՝ բաղկացած միայն ռուսական ժողովրդական գործիքներից։ Երաժշտությունը, որը հետագայում հայտնի դարձավ որպես դասական ռուսական երաժշտություն, բնութագրվում էր աշխարհահռչակ կոմպոզիտորների ստեղծագործություններով, ինչպիսիք են՝ Մ. ներառում են ոչ պակաս հայտնի անուններ՝ Խաչատրյան, Պրոկոֆև, Շոստակովիչ, Շնիտկե։ Ի տարբերություն ռուսական երաժշտության, արևմտյան դասականները հակված են հանդես գալ նույն ոճում: Նույնը չի կարելի ասել ռուս հեղինակների մասին. նրանցից յուրաքանչյուրն առանձնանում է յուրահատուկ երաժշտական ​​խարիզմայով և խորը արտահայտված հեղինակային ստեղծագործությամբ։
Օպերային զարմանահրաշ կատարողների շարքում հատկապես կարելի է առանձնացնել Չալիապինին, մի երգչի, ով ուներ այնքան անհավատալի ձայն, որ, ըստ լուրերի, Ղրիմ արձակուրդ գնալուց հետո նրան հաջողվել է կոտրել իրեն առաջարկված շամպայնի բաժակը։ Արքայազն Լև Գոլիցինի տեղական լեռնային քարանձավներից մեկը:
Ցավոք սրտի, ռուսական երաժշտության շատ դասականներ ստիպված եղան արտագաղթել 1917 թվականին խորհրդային իշխանությունների կողմից կազմակերպված պետական ​​հեղաշրջումից հետո։ Սակայն նրանք շարունակեցին ստեղծագործել դրսից։
Արդեն ուշ խորհրդային շրջանում Ռուսաստանում տարածվում էր հայտնի էստրադային ներկայացում, որի ամենավառ ներկայացուցիչներն էին կենդանի Ա.Պուգաչովան, Վ.Լեոնտևը, Ի.Կոբզոնը, Լեշչենկոն, Ռոտարուն և շատ ու շատ ուրիշներ։ Քսաներորդ դարի վերջում ռուսական հանրաճանաչ երաժշտությունը զարգացավ արևմտյան գծերով և հայտնի էր հիմնականում ռուսալեզու բնակչության շրջանում: Արևմտյան երաժշտական ​​դաշտում ռուս երգիչներին հազվադեպ է հաջողվում հասնել համաշխարհային մակարդակի բարձունքների, իսկ ռուսերենում հատուկ հապավում է առաջացել հեշտ մտածված երաժշտական ​​ուղղության հետ կապված, որը հնչում է որպես փոփ երաժշտություն:
Ռուսական երաժշտության պատմությունը, որը մեծ ստեղծագործություններ է կրում, ազգային ժառանգության անբաժանելի մասն է։ Երիտասարդ տաղանդներից փորձառու դաստիարակները միշտ հուսով են, որ նա, անշուշտ, կդառնա մեծ, մտնելով ռուսական երաժշտության պատմություն, ինչպես ժամանակին մեծ կոմպոզիտորները:

Երգելը, որը մեկնաբանվում է որպես երաժշտական ​​արվեստի հնագույն տեսակներից մեկը, անմիջապես չդարձավ այդպիսին։ Այն միշտ եղել և մնում է կապված էմոցիոնալ արտահայտման մարդու առաջնային և օրգանական կարիքի հետ: Եվ այս սկզբնական մարդկային կարիքը, ոչ պակաս, քան ուղղակի սոցիալական կարիքը, որոշում է այն բացառիկ տեղը, որը զբաղեցնում է երգը մարդկության մշակույթում։

Ուսումնասիրելով երգարվեստի առաջացման պատճառները՝ Ն.Չերնիշևսկին գրել է. «Երգելը ի սկզբանե և ըստ էության, ինչպես խոսելը, մարդկային բնության գործ է, ոչ թե արվեստի գործ»: Այս դիտողությունը ճիշտ է այն առումով, որ բնությունից մարդու ստացած առաջին և գլխավոր երաժշտական ​​գործիքը նրա ձայնն է։ Եվ նա երգեցողություն դարձավ զգացմունքի ազդեցության տակ, ինքնաբերաբար, ակամա ինքնարտահայտման արդյունքում, որը որոշվում և ձևավորվում է որոշակի դարաշրջանի ընդհանուր ինտոնացիոն մթնոլորտով։ Եվ այս առումով ցանկացած երգեցողություն ուսուցանվող վարքագիծ է, որպես բանահյուսական ավանդույթի մաս՝ երգելը կարող է լինել և՛ արվեստ, և՛ ոչ արվեստ: Բանահյուսության մեջ ամեն ինչ առաջանում, զարգանում և գործում է օրգանական հարաբերություններում ժողովրդի կյանքի բոլոր տարրերի հետ՝ իր պատմական, սոցիալական և աշխատանքային փորձով, իր կենցաղով, բարքերով, սովորույթներով, իր աշխարհայացքով, էթիկական և գեղագիտական ​​պատկերացումներով։

Քանի որ բանահյուսությունը և՛ արվեստ է, և՛ ոչ արվեստ, դրա կրողների շփումն իրականացվում է և՛ գեղագիտական, և՛ ոչ գեղագիտական ​​կապերի տեսքով, թեև նրանց հավասարակշռությունը բանահյուսության պատմության տարբեր փուլերում և տարբեր տեսակների, բանահյուսության ժանրերում չկա։ նույնը. Այս կոլեկտիվ ստեղծագործությունն ինքնին սերտորեն կապված է աշխատանքի և առօրյա կյանքի, մարդկանց ողջ կենսագործունեության հետ և կազմում է հարաբերությունների սոցիալականացված նորմերի ինտեգրալ համալիրի մի մասը։ Նրանց իմանալը հնարավորություն է տալիս ներսից լսել ավանդույթը և գնահատել այն իր իսկ օրենքներով։

Երգի ստեղծման գործընթացում ձևավորված կապերի բնույթի և գործառույթների սահմանման հիման վրա բանահյուսության մեջ առաջարկվում է հաղորդակցության ձևերի հետևյալ տիպաբանությունը.

1. Հաղորդակցություն գեղարվեստական ​​ստեղծագործության գործընթացում, որն անմիջականորեն կապված է աշխատանքային գործունեության հետ: Մարդկանց, ովքեր միաժամանակ երգում և աշխատում են, միավորվում են ընդհանուր դրական հույզերը և աշխատանքի նկատմամբ հավաքական գեղագիտական ​​վերաբերմունքը:
2. Հաղորդակցություն գեղարվեստական ​​ստեղծագործության գործընթացում, որն անուղղակիորեն կապված է աշխատանքային գործունեության հետ առասպելաբանական մտածողության ձևերով և աշխատանքային գործընթացի համապատասխան ծիսական վերարտադրմամբ կամ բնության ուժերի վրա այլ կախարդական ազդեցության: Հաղորդակցության այս տեսակը, որը միավորում է մեկ ամբողջության մեջ հասկացությունների մի համալիր՝ մարդ-աշխատանք-բնություն, օրացուցային-ծիսական բանահյուսության մեջ իրականացվում է երեք հիմնական ձևերով. ա) որպես ուղղակի ծիսական հաղորդակցություն բնության ուժերի հետ. բ) որպես հաղորդակցություն խորհրդանշական ծիսական գործիչների հետ, ինչպիսիք են Կոլյադան, Շրովետիդը. գ) որպես հաղորդակցություն կենդանի միջնորդի, քահանայի օգնությամբ.

Երգի ֆոլկլորը մնում է կենդանի, ընթացակարգային երևույթ, քանի դեռ պահպանվում են նրան բնորոշ հաղորդակցության ձևերը այն ստեղծող կոլեկտիվի ներսում, և դադարում է այդպիսին լինել, հենց որ այդ ձևերը իրենց տեղը զիջեն ուրիշներին։ Այն դադարում է լինել արտադրական գործընթաց և դառնում է ժողովրդական արվեստի հիանալի հուշարձան, նյութ մասնագետների համար։

Ելնելով վերոգրյալից՝ ժողովրդական կատարողականության օրենքների իմացությունը, բանահյուսության բնույթի ըմբռնումը, որոնք անհրաժեշտ են երգացանկի նրբանկատ, ողջամիտ ընտրության և մեկնաբանման համար, ինչպես նաև բեմում դրա գեղարվեստական ​​արդարացված հարմարեցման օպտիմալ չափը որոշելու համար. առանձնահատուկ նշանակություն ունի։

Կատարողների համար կարևոր է բանահյուսությունը հասկանալ ոչ միայն որպես գեղարվեստական ​​տեքստ, այլև որպես կենդանի կատարողական գործընթաց՝ առանց տեքստային հաղորդակցության, գեղարվեստական ​​հյուսվածքի և կատարողական ժանրերի իր բոլոր առանձնահատկություններով:

Ժողովրդական կյանքում երգն ու երգը միշտ բաց են բոլորի համար։ Նման «կարողությունը», «երգչի կարգավիճակը չառանձնացնելը» տալիս է ավանդույթի զարմանալի ճկունությունը։ Մեկ երգարվեստի հանդիպման ժամանակ տարբեր տաղանդի ու վարպետության տարբեր աստիճանի մարդիկ իրենց հարմարավետ են զգում: Ամեն մարդ երգում է առաջին հերթին իր համար՝ գիտակցելով իր «ես»-ը։ Միևնույն ժամանակ, գեղարվեստական ​​համաստեղծումը դառնում է հաղորդակցության նպատակ, կոլեկտիվ երգեցողություն՝ ակտ ոչ միայն երաժշտական, այլև վարքային, բազմաձայն երգ՝ բացահայտելով ոչ միայն երաժշտական ​​ինտոնացիան, այլև մարդկային հարաբերությունները։

Երգի ավանդույթների կրողների համար համատեղ երաժշտության իմաստը ոչ միայն վոկալ մասերի համադրման մեջ է, այլ ավելին, երգող մարդկանց խորը հարաբերությունների մեջ, որոնց համար հստակ սահման չկա «երաժշտական» և «ոչ»: -երաժշտական», էսթետիկ և ոչ էսթետիկ, բնական և պատահական:

Ուստի բանահյուսությունը միշտ ստեղծվում է, ասես, նորովի։ Ինքնաբուխությունն առկա է նույնիսկ այն ժամանակ, երբ մարդիկ երգում են իրենց լավ իմացած երգը: Այս դեպքում անխուսափելիորեն առաջացող «անակնկալները» ոչ թե երգարվեստի թերություններն են, այլ նրա բնական հատկությունը, ներքին կյանքը, իմաստը։

Լ.Վ. Շամինա

«Ժողովրդական երգի մանկավարժության հիմունքներ»

Կրթության դաշնային գործակալություն

Ուֆայի պետական ​​տնտեսագիտության և ծառայության ակադեմիա

Զբոսաշրջության և հյուրընկալության վարչություն

ԴԱՍԸՆԹԱՑ ԱՇԽԱՏԱՆՔ

«Համաշխարհային մշակույթ և արվեստ» առարկան

19-րդ դարի ռուսական երաժշտական ​​մշակույթը և դրա համաշխարհային նշանակությունը թեմայով

ավարտված՝ ուսանողական գր. SD-21

Միխայլովա Ի.Վ.

ստուգված՝ պատմական գիտությունների թեկնածու, դոց

Կոտովա Թ.Պ.

Ներածություն

պատմական նախապատմություն

Ռուսական երգարվեստի զարգացումը 19-րդ դարում

Ռուս կոմպոզիտորական դպրոց

Միխայիլ Իվանովիչ Գլինկա

Ալեքսանդր Սերգեևիչ Դարգոմիժսկի

«Հզոր փունջ»

Փայլուն Պյոտր Իլյիչ Չայկովսկի

Եզրակացություն

Մատենագիտություն

Դիմումներ

Ներածություն

Առանց երաժշտությունկյանքը սխալ կլիներ: (Ֆրիդրիխ Նիցշե)

Երաժշտությունմիտքն է մարմնավորված գեղեցիկ հնչյուններով: (Իվան Սերգեևիչ Տուրգենև)

Երաժշտությունմիջնորդ մտքի և զգայարանների կյանքի միջև: (Լյուդվիգ վան Բեթհովեն)

Ռուսերեն «երաժշտություն» բառը հունական ծագում ունի։ Բոլոր արվեստներից երաժշտությունն ամենաուղղակիորեն ազդում է մարդու ընկալման վրա, «վարակում է զգացմունքներով»։ Հոգու լեզուն, ինչպես ընդունված է խոսել երաժշտության մասին, հենց այն պատճառով, որ այն ուժեղ ազդեցություն է ունենում ենթագիտակցական մակարդակի վրա մարդու զգացմունքների վրա, բայց չի կարելի բացառել ազդեցությունը տարածքի վրա: մտքի. Անհնար է «երաժշտություն» կոչվող երեւույթի (կամ նյութի) սպառիչ հստակ սահմանում տալ։

Ռուսական երաժշտության հարստությունն անչափելի է. Ավելի քան տասը դար նրա ավանդույթները ձևավորվել և զարգացել են այլ երկրների երաժշտական ​​մշակույթի հետ սերտ շփման և գեղարվեստական ​​ստեղծագործության այլ տեսակների հետ մշտական ​​փոխազդեցության մեջ:

Ռուսական երաժշտությունը ռուսական մշակույթի ամենակարևոր մասն է։ Ինչպես ռուս գրականությունը, պոեզիան, գեղանկարչությունը, թատրոնը, այն վառ կերպով արտացոլում է հասարակական կյանքի բոլոր փուլերը, ռուսական փիլիսոփայական և գեղագիտական ​​մտքի ձևավորումը։ Իր բազմազան ժանրերով և ձևերով իրենց մարմնավորումն են գտել ժողովրդի պատմությունը, նրա ազատագրական պայքարը, ռուս մարդու բնավորությունը, ռուսական բնության և կյանքի ինքնատիպությունը։

Իմ կուրսային աշխատանքում ես որոշեցի ցույց տալ 19-րդ դարի Ռուսաստանի երաժշտական ​​զարգացումը, որը տեղի ունեցավ պատմական կարևորագույն իրադարձությունների ֆոնին՝ Հայրենական պատերազմ, դեկաբրիստական ​​ապստամբություն, ճորտատիրության վերացում և այլն։

Աշխատանքի խնդիրն է վերլուծել 19-րդ դարի Ռուսաստանի երաժշտական ​​մշակույթի վիճակը, բացահայտել դրա առանձնահատկությունները, պատմել այս դարի կոմպոզիտորների և նրանց ստեղծագործությունների մասին, ինչպես նաև բացահայտել 19-րդ դարի ռուսական երաժշտության նշանակությունը: դար համաշխարհային մշակույթի համար։

Նրա կուրսային աշխատանքում կներառվեն այնպիսի հետազոտական ​​մեթոդներ, ինչպիսիք են գրականության և փաստաթղթերի ուսումնասիրությունն ու վերլուծությունը, ընդհանրացումը, գործունեության արտադրանքի վերլուծությունը, նկարագրությունը:

Այս թեման ուսումնասիրելիս կօգտվեմ գրականությունից՝ Հանրագիտարան «Աշխարհի շուրջը», Ռուսական երաժշտական ​​գրականություն Է.Սմիրնովայի, Նիկիտինա Լ.Դ. Ռուսական երաժշտության պատմություն և այլն։

պատմական նախապատմություն

երաժշտական ​​երգ մշակույթի կոմպոզիտոր

Ռուսաստանում 19-րդ դարը կապված է քաղաքական և սոցիալական խոշոր փոփոխությունների հետ, և դրանում մեծ դեր են խաղացել 1812 թվականի պատերազմը և ճորտատիրության վերացումը։ Գրականության, պոեզիայի, երաժշտության և նկարչության մեջ սոցիալական անհավասարության թեման ավելի սրվեց։

Արդեն 19-րդ դարի առաջին կեսին ռուսական մշակույթը հասավ փայլուն, շլացուցիչ պայծառ ծաղկման: Ազատվելով իմիտացիայի տարրերից՝ այն գտնում է ինքնատիպ և օրիգինալ արտահայտման ձևեր ամենատարբեր, լայնածավալ բովանդակության համար և ստեղծում համամարդկային նշանակության մեծ մնայուն արժեքներ: Այնպիսի փայլուն ներկայացուցիչների աշխատանքը, ինչպիսիք են Պուշկինը, Լերմոնտովը, Գոգոլը գրականության մեջ, Գլինկան երաժշտության մեջ, ամենաբարձր գագաթներից է ոչ միայն ռուսական, այլև համաշխարհային արվեստում։

1812 թվականի Հայրենական պատերազմը ուժեղ խթան հաղորդեց հասարակական նախաձեռնության վերելքին: Ռուս ժողովրդի հայրենասիրությունը դրսևորվում է ընդհանուր բարօրության նկատմամբ աճող անհանգստության, ազգի ընդհանուր շահերի լայն գիտակցման, բարձրացնելու ցանկության մեջ: ազգային մշակույթի և բարեկեցության մակարդակը։

Դեկաբրիստների ապստամբությունը զգալի ազդեցություն ունեցավ 19-րդ դարում ռուսական մշակույթի զարգացման վրա։ Բոլոր հույզերը, մտքերը, ապրումներն արտացոլված են այն ժամանակվա բազմաթիվ երաժշտական ​​ստեղծագործություններում։ Դեկաբրիստների դարաշրջանը նշանավորեց Ռուսաստանում հեղափոխական երգի զարգացման սկիզբը։ Այս առումով մեծ վաստակ ունեն դեկաբրիստական ​​շարժման գործիչները՝ Ռիլևը և Բեստուժևը։ Հեղափոխական երգի ավանդույթները, որոնք դրվել են դեկաբրիստ բանաստեղծների կողմից, վերցվել և զարգացել են նրանց ժամանակակիցները։ Ազատության և բողոքի սիրո թեմաները, սոցիալական կեղեքման դեմ պայքարը խորապես ներթափանցեցին առօրյա երգի մեջ։

Ազատագրական գաղափարների աճին ու տարածմանը զուգահեռ՝ իշխանության հակազդեցությունը նրանց նկատմամբ: Արդեն Ալեքսանդր I-ի գահակալության երկրորդ կեսին որոշվեց այս ռեակցիոն ընթացքը՝ արտահայտված համալսարանների ավերումով, գրաքննության ուժեղացմամբ։ Աննախադեպ դաժան, ձանձրալի և անողոք արձագանքի երկար շարանը տիրում է ռուսական կյանքում դեկաբրիստական ​​ապստամբության ճնշումից հետո, Նիկոլայ I-ի գահին բարձրանալուն զուգընթաց: Ժողովրդավարական լրագրության և առավել եւս գործնական հեղափոխություն իրականացնող քաղաքական կազմակերպությունների առկայությունը: գործունեությունը Ռուսաստանում անհնար էր։

Այս պայմաններում հատկապես կարևորվում է գրականությունը, Պուշկինի, Գոգոլի, Լերմոնտովի ստեղծագործությունները դառնում են էմանսիպացիոն մտքի հիմնական խոսափողը։

Վերը նշված բոլորը նախադրյալներ են ստեղծում ռուս ազգային գրականության և արվեստի դասական դպրոցների ձևավորման համար։

Գլինկան դեր է խաղացել ռուսական երաժշտության զարգացման գործում, շատ առումներով նման է Պուշկինին ռուսական գրականության զարգացման գործում: Ինչպես Պուշկինը, այնպես էլ Գլինկան լայնորեն ընդունեց և իրագործեց ժամանակակից գեղարվեստական ​​մշակույթի տարբեր տարրեր: Ձուլելով իր նախորդների ժառանգությունից ամեն արժեքավոր և կենսունակ՝ Գլինկան հաղթահարում է դրանց սահմանափակումները և հասնում հսկայական հարստության, բովանդակության ամբողջականության և գեղարվեստական ​​արտահայտչության կատարելության։ Իր ներքին հավասարակշռության, իդեալական ներդաշնակ ամբողջականության և ամբողջականության առումով Գլինկայի ստեղծագործությունը պարզվեց, որ այն նույն անհերքելի մոդելն ու դասական նորմն է հետագա սերունդների համար, ինչպես Պուշկինի պոեզիան։ Գլինկան իր աշխատանքով նշանավորեց իր համաշխարհային ազդեցության սկիզբը։ Դարգոմիժսկին իր ստեղծագործության մեջ գնում է Գլինկայի ճանապարհով։ Նա ռուսական երաժշտության մեջ ներմուծում է ավելի մեծ սոցիալական սրության, առօրյա և հոգեբանական բնութագրման, երգիծանքի և հումորի տարրեր՝ պատրաստելով այն, ինչը հստակ ձև է ստանալու 60-ականների երիտասարդ ազգային դպրոցի աշխատանքում: Գլինկան իր աշխատանքով նշանավորեց իր համաշխարհային ազդեցության սկիզբը։

Այդ ժամանակվանից արտասահմանյան մամուլում ավելի ու ավելի հաճախ սկսեցին հայտնվել ռուսական երաժշտության մասին հաղորդագրությունները։ Գլինկայի մասին Բեռլիոզի հոդվածների հայտնվելուց մի քանի ամիս առաջ հայտնի ֆրանսիացի երաժշտագետ Ֆետիսը գրում էր դեռ երիտասարդ Դարգոմիժսկու մասին՝ որպես Ռուսաստանում բնօրինակ խոստումնալից երաժշտական ​​տաղանդի:

Պատմական շրջան 60-80 տարի. 19-րդ դարը սովորաբար կոչվում է հետբարեփոխում. 1861 թվականին ճորտատիրությունը վերացվեց թագավորական հրամանագրով, ինչը հանգեցրեց ռուսական հասարակական կյանքի ազատականացմանը: Այս փուլը նշանավորվում է գեղարվեստական ​​մշակույթի՝ որպես անբաժանելի և ինքնատիպ երևույթի բարձր ծաղկումով։ Հենց այդ ժամանակ էլ արվեստում ձևավորվեց հոգևոր և գեղագիտական ​​արժեքների որոշակի համակարգ, որոնք մարմնավորված էին գրականության և թատրոնի, նկարչության և երաժշտության մեջ։

Ռուսական երգարվեստի զարգացումը 19-րդ դարում

«Երգերի դարն էր», - ահա թե ինչպես է բանաստեղծ Գ.Ռ. Դերժավին. Այն ժամանակվա երգարվեստի պատկերը անսովոր բազմազան էր և նույնիսկ բազմալեզու։ Ռուսական և ֆրանսիական երգերը, գնչուական և գերմանական, գյուղացիական և քաղաքային, սիրողական և պրոֆեսիոնալ երգերը միահյուսված են առօրյա կյանքում: Երգը հնչում էր գրական ստեղծագործությունների էջերից և տպագրվում հատուկ ժողովածուներում՝ «ի ուրախություն բազում սիրահարների», որոնք կատարվում էին արիստոկրատների տներում։

19-րդ դարում մեծ ուշադրություն է դարձվել բանահյուսության ուսումնասիրությանը։ Ռուս կոմպոզիտորները ժողովրդական երաժշտությունը համարում էին ոգեշնչման աղբյուր։ Նրանք հավաքել են ժողովրդական երգեր և հաճախ օգտագործել դրանք իրենց ստեղծագործություններում՝ չկորցնելով սեփական երաժշտական ​​լեզվի ինքնատիպությունը։

Որոշ նոր ժանրեր են առաջանում, հին ձևերը (կենցաղային երգեր, թափառական, երգիծական երգեր) զարգանում են կյանքի նոր բովանդակության ազդեցությամբ, փոխվում են պատկերների և ինտոնացիոն-արտահայտիչ միջոցների բնույթը։ Ամենօրյա ժողովրդական երգն արձագանքում է ազգային կարևորություն ունեցող քաղաքական և հասարակական կարևոր իրադարձություններին:

Նրանում լայնորեն արտացոլված է 1812 թվականի Հայրենական պատերազմը, մեզ է հասել տասներկուերորդ տարվա մասին երգերի մի ամբողջ ցիկլ՝ կապված բանավոր ժողովրդական ավանդույթի հետ։ Իրենց բովանդակությամբ եւ երաժշտական ​​ու բանաստեղծական ձեւերով դրանք շատ բազմազան են։ Երբեմն օգտագործում են ժողովրդական երգարվեստի հին ավանդական տեսակների տեխնիկան։

Հայրենական պատերազմն առաջացրել է նաև արտահայտիչ քնարերգության տեսք

երգեր, որոնք արտացոլում են հայրենի երկրի ծանր աղետների, հայրենի հողի ավերածությունների, սիրելիների կորստի պատճառած ազգային խոր վիշտը, վիշտն ու վիշտը։

Ռուսական ժողովրդական երգը սկսեց բացառիկ լայն ժողովրդականություն վայելել՝ տարածվելով բազմաթիվ տարբեր մշակումներով՝ երգչախմբի, նվագակցությամբ ձայնի և առանձին գործիքների համար։ 1806 - 1815 թվականներին Պրախի ժողովածուն լույս է տեսել երկրորդ և երրորդ հրատարակություններով։ Դրա հիման վրա ստեղծվել են հասարակական տեսակի երգերի ժողովածուներ։

Դանիլա Կաշինը, տաղանդավոր ռուս երաժիշտ, որը սերֆերից էր, լայնորեն հայտնի էր ժողովրդական երգերի մշակումներով։ 1833-1834 թթ. լույս է տեսել նրա «Ռուսական ժողովրդական երգեր» ժողովածուն երեք մասից. Իր ժամանակի համար այն նույնքան բնորոշ է, որքան Պրախի «Ժողովածուն» 18-19-րդ դարերի վերջին։ 40-ականների սկզբին հայտնվեց Kashin հավաքածուի երկրորդ հրատարակությունը, որը վկայում էր նրա հանրաճանաչության և դրա նկատմամբ մեծ պահանջարկի մասին։ Կաշինի մշակման տեխնիկայում կարելի է հստակ տեսնել ընդգծված զգայունության ցանկությունը, երբեմն որոշ չափով հիստերիկ:

Կաշինի հետ նույն ճանապարհով ժողովրդական երգի և քաղաքային սիրավեպի ինտոնացիաների փոխներթափանցման ճանապարհին հետևում էր երգերի մեկ այլ հայտնի հավաքորդ, ծագումով ճորտ Իվան Ռուպինը, որը նույնպես տաղանդավոր երգիչ-կատարող էր (նրա ազգանունը արտասանվում էր. իր ժամանակակիցների կողմից իտալական վերջաբանով՝ Ռուպինի) և հանրաճանաչ երգերի ժողովածուի կազմողը, որը հրատարակվել է 1831 թ.

Ռուսական ժողովրդական երգի զանազան առօրյա ռեֆրակցիաների հետ մեկտեղ զարգանում է քնարական սենտիմենտալ ռոմանտիկա, որը նույնպես բացառիկ լայն ժողովրդականություն է վայելում հասարակության ամենատարբեր շերտերում։ Ինչպես 18-րդ դարի «ռուսական երգը», ռուսական ռոմանտիկան իր գերակշռող մասում կապված էր տնային երաժշտության ոլորտի հետ: Առօրյա ռոմանտիկ երաժշտական ​​լեզվով միջոցների պարզությունը զուգորդվում է անկեղծ անմիջականության և արտահայտման անկեղծության հետ: 19-րդ դարում ռուսական ռոմանտիկայի զարգացման գործում մեծ դեր են խաղացել կոմպոզիտորներ Ալյաբևը, Վարլամովը, Գուրիլևը, Վերստովսկին (տես Հավելված 1)։

Ալեքսանդր Ալեքսանդրովիչ Ալյաբիև(1787-1851) ծնվել է հին ազնվական ընտանիքում։ Երիտասարդ տարիներին ծառայել է բանակում, մասնակցել 1812 թվականի Հայրենական պատերազմին։ Այնուհետև նա թողել է զինվորական ծառայությունը և իրեն նվիրել ստեղծագործական գործունեությանը։ Ալյաբևը հայտնի սիրավեպերի հեղինակ է՝ «Ես քեզ սիրում էի», «Ձմեռային ճանապարհ» (երկուսն էլ՝ Ալեքսանդր Սերգեևիչ Պուշկինի բանաստեղծություններին), «Գիշերը» և այլն։ « Nightingale«- Ալյաբևի ամենասիրելի և ամենատարածված երգերից մեկը։ Դրանում ամեն ինչ համեստ է ու պարզ։ Երգին նախորդում է դաշնամուրային աշխույժ ներածություն՝ կիթառի մեղեդու ոգով։ Վոկալ մասի առաջին իսկ ինտոնացիաներից ծավալվում է գերող մեղմ, խոհուն մեղեդի։ Լայն և սահուն կլորացված, այն անմիջապես գրավում և նվաճում է իր խիստ գեղեցկությամբ։

Կոմպոզիտոր Ալեքսանդր Եգորովիչ Վարլամով(1801-1848) - հայտնի սիրավեպերի հեղինակ։ Ընդհանուր առմամբ, նա ստեղծել է այս ժանրի մոտ երկու հարյուր ստեղծագործություն՝ հիմնականում հիմնված ռուս բանաստեղծների բանաստեղծությունների վրա («Կարմիր սևազգեստ», «Փողոցով ձնաբուք է անցնում», «Լուսաբացին նրան չես արթնացնում», «Միայնակ առագաստ։ դառնում է սպիտակ» և այլն): Վարլամովը հայտնի էր նաև որպես երգիչ, կիթառահար, դիրիժոր և ուսուցիչ։ Գրել է վոկալիստների համար ռուսերեն առաջին դասագրքերից մեկը՝ «Երգեցողության ամբողջական դպրոցը» (1840)։

Ալեքսանդր Լվովիչ Գուրիլև(1803-1858) ճորտ երաժշտի որդի էր (1831-ին հոր հետ ազատություն ստացավ)։ Կոմպոզիտոր, դաշնակահար, ջութակահար, ջութակահար և ուսուցիչ Գուրիլևը հայտնի դարձավ որպես երգերի և ռոմանսների հեղինակ։ Ամենահայտնին նրա «Mother Dove», «Bell», «Sarafan», «The Swallow Curls» երգերն են և «Բաժանում», «Դու չես հասկանում իմ տխրությունը» ռոմանսները։ Բացի վոկալ խոսքերից, կոմպոզիտորն աշխատել է դաշնամուրային երաժշտության ժանրերում, հավաքել և մշակել ժողովրդական երգեր։

Ալյաբևի, Վարլամովի և Գուրիլևի ստեղծագործությունը արժեքավոր ներդրում է ռուսական երաժշտության գանձարանում։ Նրանց լավագույն երգերն ու ռոմանսները ներառված են երգիչների և երգչախմբերի համերգային երգացանկում, մեր ժամանակներում սիրով երգվում են ժողովրդի մեջ։

19-րդ դարի ռուս կոմպոզիտորական դպրոց

Միխայիլ Իվանովիչ Գլինկա

Անկասկած, 19-րդ դարի առաջին կեսի կոմպոզիտորական դպրոցի ամենաակնառու ներկայացուցիչն է. Միխայիլ Իվանովիչ Գլինկա(1804-1857): Միխայիլ Իվանովիչ Գլինկայի ստեղծագործությունը կանգնած է ռուսական կոմպոզիտորական դպրոցի ակունքներում, և նրա ստեղծագործությունները, աշխատանքի մեթոդները, վերաբերմունքը երաժշտական ​​ժանրերի և ավանդույթների նկատմամբ 19-րդ դարում ընկալվել են որպես օրինակելի: Երաժշտական ​​լուրջ կրթություն ստանալով Եվրոպայում՝ Գլինկան առաջինն էր, ով խորապես հասկացավ ռուսական ազգային երաժշտության առանձնահատկությունները, և մեծապես հենց այս վարպետի շնորհիվ էր, որ եվրոպական ժանրերը Ռուսաստանում օրիգինալ մեկնաբանություն ստացան։ Գլինկայի մանկության տպավորություններն արտացոլվել են նրա ստեղծագործության մեջ։ Նրա կյանքի առաջին տարիներն անց են կացրել Սմոլենսկի երկրամասի գյուղական բնության մեջ գտնվող հայրական կալվածքում։ Այնտեղ նա սովորեց ու սիրահարվեց ժողովրդական երգերին, լսեց դրանք։ Ճորտ դայակ Ավդոտյա Իվանովնայի հեքիաթները, ով քնքշորեն և նվիրվածությամբ սիրում էր նրան, խորապես ընկղմվեցին փոքրիկ Գլինկայի տպավորիչ մանկական հոգու մեջ:

1812 թվականի իրադարձությունները հսկայական տպավորություն թողեցին Գլինկայի վրա։ Փախչելով Նապոլեոնյան բանակի ներխուժումից՝ Գլինկա ընտանիքը լքեց կալվածքը։ Տղան լսեց բազմաթիվ պատմություններ պարտիզանների հերոսության մասին և հավերժ տոգորվեց ռուս ժողովրդի հանդեպ սիրով և հարգանքով, նրա հզոր ուժով և հոգևոր գեղեցկությամբ:

Գլինկայի հարազատների տնային կյանքում երաժշտություն հաճախ էր հնչում։ Մոտակայքում ապրող հորեղբայրս լավ նվագախումբ ուներ՝ բաղկացած ճորտ երաժիշտներից։ Երաժշտությունը զարմանալի տպավորություն է թողել տղայի վրա, համերգներից հետո նա քայլել է անտարբեր։ «Երաժշտությունն իմ հոգին է», - ասաց նա մի անգամ: Հորեղբոր բերդ նվագախումբը կատարել է տարբեր ստեղծագործություններ, որոնց թվում են եղել ժողովրդական երգեր։ Հիշելով իր մանկության տպավորությունները՝ Գլինկան գրել է. «... Միգուցե այս երգերը, որոնք ես լսել էի իմ մանկության տարիներին, առաջին պատճառն էին, որ հետագայում սկսեցի զարգացնել հիմնականում ռուսական ժողովրդական երաժշտությունը»։

Գլինկայի կոմպոզիտորական հմտությունն առավել հստակ դրսևորվեց երկու օպերաներում. Կյանքը թագավորի համար«(«Իվան Սուսանին») և « Ռուսլան և Լյուդմիլա«. Նա ստեղծել է ազգային ռուսական օպերայի նմուշներ՝ հերոսական-էպիկական օպերան և հեքիաթային օպերան։ Այս ժանրերի հետագա զարգացումը կապված է Գլինկայի դրած սկզբունքների հետ։

«Կյանք ցարի համար» օպերան (ԽՍՀՄ-ում 30-80-ական թվականներին ընդունվել է Իվան Սուսանինի անունը. 1836 թ.) գրվել է պատմահայրենասիրական սյուժեի վրա։ Կոմպոզիտորն անդրադարձել է 17-րդ դարի սկզբի իրադարձություններին։ - ռուս ժողովրդի պայքարը լեհ նվաճողների դեմ. Ստեղծագործության սյուժեն՝ Իվան Սուսանինի սխրանքը, Գլինկային առաջարկել է բանաստեղծ Վասիլի Անդրեևիչ Ժուկովսկին։

«Կյանքը ցարի համար» առաջին ռուսական օպերան է՝ առանց խոսակցական երկխոսության. այն հիմնված է շարունակական երաժշտական ​​զարգացման վրա։ Ստեղծագործության երաժշտական ​​հյուսվածքը ներծծված է խմբերգային տեսարաններով։ Մասնավորապես բացում են («Իմ հայրենիք» երգչախումբը) և ավարտում են աշխատանքը (վերջնական ցնծալի հաղթական «Փառք» երգչախումբը):

Օպերայի կենտրոնում ռուս գյուղացի Իվան Սուսանինի կերպարն է։ Կոմպոզիտորն ընդգծում է հերոսի բարոյական ուժը. Իր երաժշտական ​​բնութագրերի համար օգտագործվում են ժողովրդական մեղեդիների ինտոնացիաները։ Անտոնիդան՝ Սուսանինի դուստրը, ռուս աղջկա վառ ու բանաստեղծական («նուրբ-նրբագեղ», Գլինկայի բնորոշմամբ) կերպար է։ Սոբինինը, Անտոնիդայի նշանածը, միլիցա է, համարձակ, անվախ մարդ, Վանյան Սուսանինի որդեգրած որդին է, «պարզ սրտով», ըստ Գլինկայի, տասներեք տարեկան տղայի: Սուսանինների ընտանիքի երիտասարդ անդամների՝ Վանյայի, Անտոնիդայի, Սոբինինի կերպարները գծված են սիրավեպի ամենօրյա երգի ավանդույթներով և ինտոնացիաներով։

Ռուսական կերպարներին հակադրվում է լեհերի թշնամական ճամբարը. Մանրամասն խորեոգրաֆիկ պատկերը ներկայացնում է օպերայի «լեհական ակտը»՝ հոյակապ գնդակ հին ամրոցում։ Այս սիմֆոնիկ ստեղծագործությունը փոխանցում է ազնվականության՝ լեհ ազնվականության փայլը, շնորհքն ու հպարտությունը։ Պոլոնեզի, Մազուրկայի, Կրակովյակի մեղեդիներն ու ռիթմերը։ Երաժշտության գեղեցկությունը հետաքրքրաշարժ է, բայց ընդհանուր առմամբ «ռուսական» տեսարանների պարզությունն ու անկեղծությունը հակադրվում են «լեհական ակտի» ցուցադրական շքեղությանը։

Ի վերջո, երկու ճամբարները ուղղակիորեն բախվում են. լեհական ջոկատը գալիս է Դոմնինո գյուղ Սուսանինի մոտ և պահանջում, որ նա առաջնորդի նրանց դեպի այն վայրը, որտեղ գտնվում է ցար Միխայիլ Ռոմանովը: Սուսանինի տեսարանը լեհերի հետ թավուտում, որտեղ նա նրանց մահվան տարավ, օպերայի գագաթնակետն է: Ավարտը ողբերգական է. գլխավոր հերոսն իր կյանքը տալիս է հանուն Ռուսաստանի: Գիշերը անտառում Սուսանինը կատարում է իր մահամերձ մենախոսությունը՝ «Նրանք ճշմարտության հոտ են գալիս»՝ վերածվելով «Դու բարձրանում ես, իմ արշալույս» արիա աղոթքի, որում հերոսը Աստծուց ուժ է խնդրում՝ վերջին ժամը հանդիպելու համար: Այն պարունակում է և՛ խորը վիշտ, և՛ հույս: Երաժշտությունը՝ դանդաղ տեմպերով, խիստ և կենտրոնացված տրամադրությամբ, հիշեցնում է եկեղեցական շարականներ։

«Կյանք ցարի համար» օպերան մեծ հաջողությամբ ներկայացվել է 1836 թվականի նոյեմբերի 27-ին Սանկտ Պետերբուրգի Մեծ թատրոնում։ Ռուս հասարակության առաջադեմ մարդիկ նրան բարձր են գնահատել։

Ստեղծագործական հաղթանակի գիտակցությունը կոմպոզիտորին ներշնչեց նոր գաղափարների, իսկ մի քանի տարի անց օպերային հեքիաթը »: Ռուսլան և Լյուդմիլա» (1842). Այն գրվել է Ա.Ս.Պուշկինի համանուն բանաստեղծության սյուժեի վրա։ Երաժշտական ​​գործողությունների անշտապ զարգացումը հիշեցնում է հնագույն էպոսներն ու լեգենդները: Օպերան պարունակում է ժողովրդական ծիսական տեսարաններ, բնության գունեղ պատկերներ և ֆանտաստիկ պատկերներ։ Ռուս հերոսների աշխարհին (Ռուսլան, Ռատմիր), երգիչ Բոյան, արքայազն Վլադիմիրին հակադրվում է հրաշագործների առասպելական աշխարհը՝ Չեռնոմորը և Նաինան։ Հերոսները ցուցադրվում են էպիկական լրջությամբ ու էպիկական վեհությամբ։ Չեռնոմորն ու Նաինան (ինչպես նաև Ռուսլանի անհաջող մրցակիցը՝ Ֆարլաֆը) նկարվում են հումորի անկասկած չափով. հեղինակը, ասես, լսողին ասում է. սրանք պարզապես հեքիաթային կերպարներ են, ավելի շուտ զավեշտական, քան չար։ Կախարդական ամրոցի տիրակալ Չեռնոմորի գլխավոր բնութագիրը կեսկատակ երթն է։ Նվագախումբը կարևոր դեր է խաղում պատկերներ ստեղծելու գործում։ Նկարելով Չեռնոմորի թագավորությունը՝ կոմպոզիտորն օգտագործում է Արևելքի երաժշտության ինտոնացիաները։ Լսողի առաջ թուրքական և արաբական պարերն են՝ լեզգինկան։ Ռուսլան և Լյուդմիլա օպերան, ինչպես ցանկացած հեքիաթ, ավարտվում է չարի նկատմամբ բարու հաղթանակով և սիրո հաղթանակով։

Ռոմանտիկա և երգեր Գլինկա- ռուս դասականների հպարտությունը: Կոմպոզիտորը դրանք գրել է իր ողջ կյանքի ընթացքում։ Գլինկայի լիրիկական ռոմանսները նրա հոգու մի տեսակ խոստովանություն են։ Դրանցից մի քանիսը պատկերում են ռուսական բնության և կյանքի նկարներ: Սիրավեպերում Գլինկան ընդհանրացրել և զարգացրել է այն ամենը, ինչ ստեղծել են իր նախորդներն ու ժամանակակիցները՝ ամենօրյա սիրավեպի հեղինակները: Շատ հայտնի սիրավեպեր, օրինակ՝ «Ես այստեղ եմ, Ինեզիլա», «Հիշում եմ մի հրաշալի պահ», գրվել են Ա. Ս. Պուշկինի հատվածներին։ Գլինկան անդրադարձավ նաև Վ.Ա.Ժուկովսկու, Ա.Ա.Դելվիգի և այլ ռուս բանաստեղծների ստեղծագործությանը։ Այն ժամանակ հայտնի բանաստեղծ Նեստոր Վասիլևիչ Կուկոլնիկի խոսքերով, կոմպոզիտորը ստեղծել է տասներկու ռոմանսների ցիկլ «Հրաժեշտ Սանկտ Պետերբուրգին» (1838), ինչպես նաև հայտնի «Կասկած» ռոմանսը, որը հավանել է ռուս նշանավոր երգիչ Ֆյոդոր Իվանովիչ Չալյապինը։ կատարել.

Նվագախմբի համար Գլինկան գրել է մեկ մասնավոր սիմֆոնիկ ֆանտաստիկ նախերգանք։ Այս ժանրում նրա լավագույն գործերն են՝ «Կամարինսկայա» (1848), «Արագոնի յոտա» (1845) և «Գիշերը Մադրիդում» (1851 թ.)։ «Կամարինսկայան», ռուս կոմպոզիտորների ընդհանուր կարծիքով, հիմք է դրել ռուսական սիմֆոնիկ երաժշտությանը։ «Իսպանական» նախերգանքները «Jota of Aragon» և «A Night in Madrid»-ը Գլինկայի կողմից իսպանական երաժշտության ինտոնացիաներին և ոճին տիրապետելու փայլուն օրինակ են: Նվագախմբի համար «Վալս ֆանտազիա» (1856) ստեղծագործությունը պատրաստեց Պ.Ի.Չայկովսկու սիմֆոնիկ վալսերի տեսքը։

Միխայիլ Իվանովիչ Գլինկայի աշխատանքի շնորհիվ ռուսական երաժշտական ​​դպրոցը ճանաչման է հասել Եվրոպայում։ Կոմպոզիտորների հետագա սերունդները և պարզապես երաժշտասերները միշտ բարձր են գնահատել վարպետի ներդրումը Ռուսաստանի մշակույթի մեջ։

Ալեքսանդր Սերգեևիչ Դարգոմիժսկի (1813-1869)

Դարգոմիժսկին Գլինկայի ավելի երիտասարդ ժամանակակիցն է և հետևորդը։ Նա ռուսական երաժշտության պատմության մեջ մտավ որպես «երաժշտական ​​ճշմարտության մեծ ուսուցիչ», համարձակ նորարար։

Դարգոմիժսկու հայացքները ձևավորվել են 1930-1940-ական թվականներին։ XIX դար, ռուսական մշակույթի բուռն զարգացման ժամանակ. Նա նրբանկատորեն արձագանքում էր ռուսական արվեստում առաջադեմ, առաջադեմ ամեն ինչին։ Իր ստեղծագործության մեջ մտերիմ է եղել Ռուսաստանի դեմոկրատ գրողների և արվեստագետների հետ։ Հատկապես սերտ են կապերը Դարգոմիժսկու վոկալ երաժշտության և Պուշկինի, Գոգոլի և Լերմոնտովի միջև։ Պատահական չէ, որ Դարգոմիժսկու լավագույն ստեղծագործությունները գրվել են Պուշկինի և Լերմոնտովի ոտանավորներին։

Դարգոմիժսկու աշխատության մեջ կենտրոնական տեղը զբաղեցնում են ռոմանսներն ու օպերաները. Կոմպոզիտորն իր ողջ կյանքի ընթացքում ստեղծել է կամերային վոկալ երաժշտություն. գրել է հարյուրից ավելի ռոմանսներ, երգեր, վոկալ համույթներ։ Այս ժանրերը Դարգոմիժսկու համար յուրատեսակ ստեղծագործական լաբորատորիա էին. դրանցում ձևավորվեց նրա երաժշտական ​​լեզուն։ Ամենահայտնի ռոմանսներն են «Ես քեզ սիրում էի» (Ա. Ս. Պուշկինի բանաստեղծություններին), «Ե՛վ ձանձրալի է, և՛ տխուր», «Ես տխուր եմ» (Միխայիլ Յուրիևիչ Լերմոնտովի բանաստեղծություններից): Դրանք տոգորված են նուրբ քնարականությամբ, տրամադրությամբ։ մենակության.

Ա. Ս. Դարգոմիժսկու ստեղծագործության մեջ հայտնվեց վոկալ բառերի նոր ժանր. երգիծական երգ. Նման ստեղծագործությունների վառ օրինակներ են «Worm» և «Titular Advisor» (երկուսն էլ 50-ական թթ.) երգերը։ Կոմպոզիտորը, օգտագործելով ռեսիտացիոն մոտեցող բնական խոսք, նկարել է արտահայտիչ սոցիալական դիմանկարներ։

Դարգոմիժսկու լավագույն ստեղծագործությունները ներառում են «Ջրահարս» օպերա(1855)։ Ա.Ս. Պուշկինի համանուն անավարտ պիեսի տեքստի հիման վրա կոմպոզիտորն ինքն է գրել լիբրետոն։ Ջրահարսը առաջին ռուսական օպերան է՝ հոգեբանական առօրյա երաժշտական ​​դրամայի բնույթով։ Կոմպոզիտորի առջեւ դրված հիմնական խնդիրն է արտացոլել հերոսների հոգևոր աշխարհը, նրանց փորձառությունները և կերպարները։

60-ական թթ. Դարգոմիժսկին լայն հասարակական ճանաչում է ստացել։ Նրա օպերաների պրեմիերաները մեծ հաջողությամբ են կայացել, կոմպոզիտորն ընտրվել է Ռուսաստանի երաժշտական ​​ընկերության Սանկտ Պետերբուրգի մասնաճյուղի կոմիտեի անդամ։

«Հզոր փունջ»

XIX դարի երկրորդ կես - հետբարեփոխման շրջան, ճորտատիրության վերացում, հասարակական կյանքի ազատականացում, հեղափոխական տրամադրությունների ծաղկում ռուսական հասարակության մեջ: Այս փուլը նշանավորվում է գեղարվեստական ​​մշակույթի՝ որպես անբաժանելի և ինքնատիպ երևույթի բարձր ծաղկումով։ Հենց այդ ժամանակ էլ արվեստում ձևավորվեց հոգևոր և գեղագիտական ​​արժեքների որոշակի համակարգ, որոնք մարմնավորված էին գրականության և թատրոնի, նկարչության և երաժշտության մեջ։

Երաժշտական ​​արվեստը անմասն չի մնացել մեր ժամանակների այրվող խնդիրներից։ Պոպուլիստական ​​դիրքերը բնորոշ են բազմաթիվ կոմպոզիտորների աշխարհայացքին, ովքեր հավատում էին ռուս ժողովրդի մեսիական դերին, նրա պատմական հոգևոր սխրանքի հաղթանակին: Երաժշտությունն արտացոլում էր այդ տարիների ռուս մտավորականության ինտենսիվ բարոյական որոնումների ողջ սպեկտրը, երաժշտական ​​պատկերներում մարմնավորում էր ժամանակից ոգեշնչված իդեալները։ Որոշ վարպետներ իդեալականացնում էին ռուսական պատմությունը, ժողովրդական կյանքի մաքրությունը, մյուսները հավատում էին անհատի ինքնակատարելագործմանը ժողովրդական էթիկայի օրենքների հիման վրա, իսկ մյուսները ձգտում էին իրենց ստեղծագործություններում մարմնավորել ժողովրդական մշակույթի որոշակի նախատիպ, որը ծնվել է հավերժ կենդանի աղբյուր՝ նախնադարյան բնություն։

Ռուսական երաժշտության ժանրային ինքնատիպությունը սերտորեն կապված է հետբարեփոխման դարաշրջանի գեղարվեստական ​​մշակույթին բնորոշ «գրական ցենտրիզմի» հետ։ Ռեալիզմի գեղագիտությամբ գեներացված՝ այն արտահայտվել է բառի առաջնահերթ դերում՝ գեղարվեստական ​​և լրագրողական։ Այս ժամանակաշրջանում երաժշտության առաջատար ժանրը օպերան է՝ պատմական, էպիկական, քնարական, դրամատիկական։ Շարունակում են զարգանալ այլ սինթետիկ երաժշտական ​​ժանրեր՝ ռոմանտիկա, երգ։ Վոկալ երաժշտությունն ամբողջացնում է ռուսական պոեզիայի «երաժշտական ​​հանրագիտարանը»՝ հարստացնելով այն սոցիալապես մեղադրական և քնարական-հոգեբանական պատկերներով։

19-րդ դարի երկրորդ կեսը գործընկերության առաջացման ժամանակն է, որը թեթեւ ձեռք է ստացել քննադատ Վ.Վ. Ստասովա, անուն «Հզոր փունջ». Այն ներառում էր Մ.Ա. Բալակիրև, Ց.Ա. Կուի, Մ.Պ. Մուսորգսկին, Ն.Ա. Ռիմսկի-Կորսակով, Ա.Պ. Բորոդին.

Հզոր բուռը ռուսական արվեստի նշանավոր երևույթ է։ Նա խոր հետք է թողել Ռուսաստանի մշակութային կյանքի շատ ոլորտներում, և ոչ միայն Ռուսաստանում: Երաժիշտների հաջորդ սերունդներում՝ մինչև մեր օրերը, շատ են Մուսորգսկու, Բորոդինի, Ռիմսկի-Կորսակովի, Բալակիրևի անմիջական ժառանգորդները։ Միավորելով նրանց գաղափարները՝ նրանց առաջադեմ հայացքները երկար տարիներ մոդել էին առաջադեմ արվեստագետների համար։

«Հզոր բուռ»-ի ղեկավարն ու առաջնորդն էր Միլի Ալեքսեևիչ Բալակիրև(1836/37-1910). Ազատ երաժշտական ​​դպրոցի հիմնադիրներից է (1862) և ղեկավարը (1868–73 և 1881–1908)։ 1867 - 1869 թվականներին եղել է Ռուսական երաժշտական ​​ընկերության դիրիժորը, 1883 - 1894 թվականներին՝ պալատական ​​երգչախմբի ղեկավարը։ Նրա ամենահայտնի գործերն են «Օվերտուրա երեք ռուսական երգերի թեմաներով» (1858), «Թամարա» (1882 թ.), «Ռուս» (1887 թ.), «Չեխիայում» (1905 թ.), արևելյան ֆանտազիա դաշնամուրի համար» սիմֆոնիկ պոեմները: Իսլամեյ» ( 1869 ), ռոմանսներ, ռուսական ժողովրդական երգերի մշակումներ և այլն։

«Հզոր բուռ»-ի կոմպոզիտորներից. Համեստ Պետրովիչ Մուսորգսկի(1839-1881) երաժշտության ամենահայտնի խոսնակն էր հեղափոխական դեմոկրատական ​​գաղափարներ60-ական թթ. gg. XIX դ. Մուսորգսկին էր, ով, ինչպես երբեք, կարողացավ երաժշտության մեջ բացահայտել ռուս ժողովրդի կյանքի դաժան ճշմարտությունը, մեղադրական մեծ ուժով, վերստեղծել, ինչպես ասում էր Վ.Վ. Ստասովը, «ռուս ժողովրդի ողջ օվկիանոսը, կյանքը, կերպարները. , հարաբերություններ, դժբախտություն, անտանելի բեռ, նվաստացում» . Ինչ էլ որ գրի Մուսորգսկին` օպերաներ, երգեր, երգչախմբեր, ամենուր նա հանդես է գալիս որպես սոցիալական անարդարության բարկացած և կրքոտ դատապարտող:

1863 թվականին կոմպոզիտորը սկսեց ստեղծել «Salammbault» օպերան (հիմնված ֆրանսիացի գրող Գուստավ Ֆլոբերի համանուն վեպի վրա), իսկ 1868 թվականին՝ «Ամուսնություն» օպերան (հիմնված Ն. Վ. Գոգոլի կատակերգության անփոփոխ տեքստի վրա)։ Երկու գործերն էլ մնացին անավարտ, բայց Մուսորգսկուն պատրաստեցին Բորիս Գոդունով օպերայի ստեղծմանը (1869), որը նշանակալից երևույթ դարձավ ռուսական երաժշտության մեջ։

Մուսորգսկու տաղանդի ողջ ուժը բացահայտվեց «Բորիս Գոդունով» օպերաՊուշկինի ողբերգությունից հետո։ Այս ողբերգության մեջ Մուսորգսկուն գրավել է օպերայում ժողովրդի ուժի զարթոնքը ցույց տալու հնարավորությունը, որի արդյունքում առաջանում է բացահայտ դժգոհություն, իսկ ի վերջո՝ ինքնաբուխ ընդվզում։ Օպերայի հիմնական գաղափարը հանցագործ ցար Բորիսի և ժողովրդի միջև հակամարտությունն է, որը հանգեցնում է ապստամբության: Կոմպոզիտորի ուշադրությունը կենտրոնացած էր գլխավոր գաղափարի բացահայտման վրա՝ թագավորի ու ժողովրդի բախումը։ Մուսորգսկու օպերայի մարդիկ են գլխավոր հերոսը։ Չնայած զանգվածային տեսարանների մեծ կարևորությանը, օպերայում հիմնական ուշադրությունը հատկացվում է հերոսների ներաշխարհի բնութագրմանը։ Առաջին պլանում, իհարկե, Բորիսի կերպարն է, որը բացահայտվում է ընդլայնված մենախոսական տեսարանների միջոցով։ Փայլուն կերպով տիրապետելով ասմունքի տեխնիկային` Մուսորգսկին երաժշտության մեջ փոխանցում է հերոսի հոգեվիճակը` անորոշ անհանգստություն, վիշտ և դեպրեսիա, տանջող խիղճ, վախ և նույնիսկ հալյուցինացիաներ: Օպերայում շատ դժվար է նվագախմբի մասը։ Նա ճկուն կերպով հետեւում է ձայնին, վոկալային հատվածին ավելացնելով հոգեբանական կարեւոր նրբերանգներ։ Այս օպերան ոգով մոտ է այն հեղափոխական-դեմոկրատական ​​տրամադրություններին, որոնք կային ռուս հասարակության մեջ 60-70-ականներին։ XIX դ.

1872 թվականին կոմպոզիտորը սկսեց աշխատել «Խովանշչինա» օպերայի վրա, որն ինքն էլ անվանեց «ժողովրդական երաժշտական ​​դրամա»։ Միևնույն ժամանակ նա գրել է բոլորովին այլ պլանի գործ՝ «Սորոչինսկի տոնավաճառ» քնարական-կատակերգական օպերան՝ Ն.Վ.Գոգոլի վեպի հիման վրա (մնաց անավարտ)։

Ըստ ժամանակակիցների՝ Մուսորգսկին հիանալի դաշնակահար էր։ Որպես հարգանքի տուրք իր սիրելի գործիքին, նա ստեղծեց տասը կտորից բաղկացած դաշնամուրի մեծ սյուիտ: «Նկարներ ցուցահանդեսում»(1874)։ Սյուիտի գաղափարը ոգեշնչվել է նրա ընկեր, նկարիչ և ճարտարապետ Վիկտոր Ալեքսանդրովիչ Հարթմանի աշխատանքների հետմահու ցուցադրությունից։ Ցիկլը սկսվում է ներածությունից, որը դառնում է աշխատանքի լեյտմոտիվը։ Հեղինակն այն ոչ պատահական է անվանել «Զբոսանք». այն այցելուի շարժումն է փոխանցում ցուցահանդեսի սրահներով։ Դրան հաջորդում են առանձին «նկարներ»՝ «Թզուկ», «Հին ամրոց», «Թյուիլերի այգի», «Խոշոր եղջերավոր անասուններ», «Անցած ճտերի բալետ» և այլն։ Ներածության երաժշտությունը պարբերաբար կրկնվում է, և դրա շնորհիվ՝ ցիկլը ձեռք է բերում միասնություն և ընկալվում որպես անբաժանելի կոմպոզիցիա։

Մուսորգսկին հայտնի երգերի և ռոմանսների հեղինակ է։ Առաջին հրատարակված «Որտե՞ղ ես, փոքրիկ աստղ ...» երգը (բանաստեղծ և թարգմանիչ Նիկոլայ Պորֆիրիևիչ Գրեկովի խոսքերը) կոմպոզիտորի վոկալ ստեղծագործության մեջ լիրիկական թեմա առաջացրեց, որն իր գագաթնակետին հասավ «Գիշեր» ֆանտաստիկ սիրավեպում ( բառերը ՝ A. S. Պուշկին): Ռուսական ընտանեկան կյանքի զվարճալի էսքիզները ներկայացված են «Բայց եթե կարողանայի հանդիպել քեզ» (բանաստեղծ Վասիլի Ստեփանովիչ Կուրոչկինի խոսքեր) և «Սվետիկ Սավիշնա» և «Սեմինարիստ» (կոմպոզիտորի խոսքեր) ռոմանսներում:

Մուսորգսկին իսկապես ժողովրդական կոմպոզիտոր է, ով իր ամբողջ ստեղծագործությունը նվիրել է ռուս ժողովրդի կյանքի, վշտերի և հույսերի պատմությանը: Նրա գործն այդպես էր օրիգինալ և նորարար, որը մինչ օրս մեծ ազդեցություն ունի տարբեր երկրների կոմպոզիտորների վրա։

Ալեքսանդր Պորֆիրիևիչ Բորոդին (1833-1887) -եզակի կոմպոզիտոր. Երաժշտության մեջ նա շատ առումներով շարունակեց Գլինկայի ավանդույթները։ Իր երաժշտության մեջ Բորոդինը մարմնավորում էր ռուս ժողովրդի մեծությունն ու հզորությունը, ռուս ժողովրդի հերոսական բնավորության գծերը, ազգային էպոսի վեհ պատկերները։ Եվ սրա հետ մեկտեղ Բորոդինի ստեղծագործության մեջ կան կերպարներ լիրիկական, անկեղծ, կրքով ու քնքշությամբ լի։

Բորոդինը ռուս դասական սիմֆոնիա(2-րդ, Բոգատիրսկայա», 1876, որը բացեց հերոսական-էպիկական ուղղությունը ռուսական սիմֆոնիայում. Սիմֆոնիկ նկար «Կենտրոնական Ասիայում», 1980), ռուսական դասական լարային քառյակ։ Վոկալ խոսքերի վարպետ («Հեռավոր հայրենիքի ափերի համար»); ռոմանսի մեջ մտցրեց հերոսական էպոսի կերպարներ, մարմնավորեց 60-ականների ազատագրական գաղափարները։ 19 - րդ դար («Քնած արքայադուստր», «Մութ անտառի երգը»):

12-րդ դարի հին ռուս գրականության մի ուշագրավ ստեղծագործություն՝ «Իգորի արշավի հեքիաթը», գերել է Բորոդինին, գերել նրան և ոգեշնչել նրան օպերա ստեղծելու համար։ Լեյը պատմել է քաջարի իշխան Իգորի անհաջող արշավի մասին պոլովցիների դեմ։ Հեղինակը կոչ է արել իշխաններին միավորվել, և ստեղծագործության այս հայրենասիրական ուղղվածության մեջ եղել է նրա առաջադեմ դերը։ Այս սյուժեի վրա Բորոդինը ստեղծեց իր վիթխարի օպերան «Արքայազն Իգոր»(ավարտել է Ռիմսկի-Կորսակովը 1890 թ.)։

Իշխան Իգորը քնարական-էպիկական օպերա է 4 գործողությամբ՝ նախաբանով։ Օպերայի երաժշտությունը հիմնականում հիմնված է ժողովրդական երգերի ինտոնացիաների վրա՝ ռուսերեն և արևելյան։ Ժողովրդական տեսարանները՝ թե՛ ռուսական, թե՛ արևելյան, ներկված են վառ գույներով։ Դրանում Բորոդինը Գլինկայի հետևորդն էր, ով նաև գեղարվեստորեն համոզիչ բնութագրում գտավ թշնամիների ճամբարը պատկերելու համար։

Նիկոլայ Անդրեևիչ Ռիմսկի-Կորսակով (1844-1908):The Mighty Handful-ի կոմպոզիտորների մեջ առանձնահատուկ տեղ է գրավում Ռիմսկի-Կորսակովը։ Նրա ստեղծագործությամբ վերելք ապրեց ռուսական երաժշտության մեջ պատմություն. Նրա ողջ կյանքը անշահախնդիր ու անշահախնդիր ծառայություն է արվեստին, հավատարմությունն իր իդեալներին։

Ռիմսկի-Կորսակովի մարմնավորած թեմաների և սյուժեների շրջանակը լայն է և բազմազան։ Ինչպես բոլոր «կուչկիստները», կոմպոզիտորն անդրադարձել է ռուսական պատմությանը, ժողովրդական կյանքի նկարներին, արևելքի պատկերներին, նա նաև անդրադարձել է առօրյա դրամատուրգիայի և քնարական և հոգեբանական ոլորտին: Բայց մեծագույն ամբողջականությամբ Ռիմսկի-Կորսակովի տաղանդը բացահայտվեց ֆանտաստիկայի աշխարհին և ռուսական ժողովրդական արվեստի տարբեր ձևերին առնչվող ստեղծագործություններում։ Հեքիաթը, լեգենդը, էպոսը, առասպելը, ծեսը որոշում են նրա ստեղծագործությունների մեծ մասի ոչ միայն թեմատիկան, այլև գաղափարական իմաստը։ Բացահայտելով բանահյուսության ժանրերի փիլիսոփայական երանգը, Ռիմսկի-Կորսակովը բացահայտում է մարդկանց աշխարհայացքը. նրանց հավերժական երազանքը ավելի լավ կյանքի, երջանկության մասին, որը մարմնավորված է պայծառ հեքիաթային երկրների և քաղաքների պատկերներով (Բերենդեևոյի թագավորություն «Ձյունանուշում», քաղաք. Լեդենեցը «Ցար Սալթանի հեքիաթում»); նրա բարոյական և գեղագիտական ​​իդեալները, որոնք մարմնավորվել են մի կողմից՝ օպերաների գրավիչ մաքուր և նուրբ հերոսուհիներով (Արքայադուստրը Կաշչեյում Անմահ), մյուս կողմից՝ լեգենդար երգիչները (Լել, Սադկո), այս սիմվոլները։ չմարող ժողովրդական արվեստ; նրա հիացմունքը կենարար ուժի և բնության հավերժական գեղեցկության նկատմամբ. վերջապես, ժողովրդի անխորտակելի հավատը լույսի, արդարության և բարության ուժերի հաղթանակի նկատմամբ՝ Ռիմսկի-Կորսակովի աշխատանքին բնորոշ լավատեսության աղբյուր:

Կոմպոզիտորի ոճի և գեղարվեստական ​​մեթոդի առանձնահատկությունները առավելագույնս բացահայտվել են մ օպերա. Ռիմսկի-Կորսակովի 15 օպերաները ներկայացնում են ժանրային, դրամատիկական, կոմպոզիցիոն և ոճական լուծումների արտասովոր բազմազանություն։ Դրանց թվում կան կոմպոզիցիաներ, որոնք ձգվում են դեպի համարակալված կառույց («Մայիսի գիշեր», «Ձյունանուշ», «Ցարի հարսնացուն») և դեպի շարունակական զարգացում («Մոցարտ և Սալիերի», «Կաշչեյ անմահը», «Լեգենդը լեգենդների մասին»: Անտեսանելի քաղաք Կիտեժ», «Ոսկե աքլոր»); օպերաներ լայն ամբոխի տեսարաններով (Պսկովի աղջիկը, մայիսի գիշերը, Ձյունանուշը, Մլադա, Սադկո, Կիտեժ) և առանց դրանց (Մոցարտ և Սալիերի, Վերա Շելոգա, Կաշչեյ Անմահ) ընդլայնված ամբողջական անսամբլներով («Ցարի հարսնացուն») և առանց անսամբլների («Մոցարտ և Սալիերի», «Ոսկե աքլոր») Յուրաքանչյուր կոնկրետ դեպքում (ժանրի ընտրությունը, դրամատիկական և ոճական որոշումների սկզբունքները որոշվում են սյուժետային նախադրյալներով): Ես երբեք չեմ հավատացել և չեմ հավատում, - ընդգծեց Ռիմսկի-Կորսակովը, - մեկ իրական օպերային ձևի մեջ, հավատալով, որ որքան պատմություն կա աշխարհում, այնքան (գրեթե այնքան) համապատասխան անկախ օպերային ձևեր պետք է լինեն։. Ձևավորելով օպերայի՝ որպես հիմնականում երաժշտական ​​ստեղծագործության տեսակետը, Ռիմսկի-Կորսակովը միևնույն ժամանակ բարձր պահանջներ դրեց նրա բանաստեղծական հիմքի, գրական ոճի միասնության և հետևողականության վրա։ Նա ակտիվորեն ղեկավարել է լիբրետիստների աշխատանքը։ Մի շարք օպերային լիբրետոներ գրել է հենց ինքը՝ կոմպոզիտորը։

Ռիմսկի-Կորսակովի սիմֆոնիկ ստեղծագործությունն այնքան էլ մասշտաբային ու բազմազան չէ օպերայի համեմատ։ Այնուամենայնիվ, նա նաև ակնառու և ինքնատիպ ներդրում ունեցավ այս ոլորտում։ Կոմպոզիտորի երաժշտական ​​մտածողության փոխաբերական կոնկրետությունը որոշեց նրա հակումը դեպի ծրագրային (հիմնականում պատկերագրական, պատկերագրական) և ժանրային (կապված ժողովրդական երգի ու պարի թեմաների հետ) սիմֆոնիզմի նկատմամբ։ Այստեղից էլ ժանրերի և ձևերի բնորոշ ընտրությունը՝ նախերգանք (ֆանտաստիկա), սիմֆոնիկ նկար, սյուիտ և ոճի որոշակի ուղղություն՝ հակում դեպի փոփոխականություն, նյութի մշակման ձևավորում, հատուկ ուշադրություն ներդաշնակության գունագեղ հնարավորություններին և նվագախումբ.

Ռիմսկի-Կորսակովը ստեղծագործական հսկայական ժառանգություն է թողել գրեթե բոլոր երաժշտական ​​ժանրերում։ Նրա ստեղծագործությունները բովանդակությամբ բազմազան են, սակայն դրանց հիմնական հատկանիշը խորը ներթափանցումն է ժողովրդի կյանք ու կյանք, նրա մտքերն ու ձգտումները։

Փայլուն Պյոտր Իլյիչ Չայկովսկի (1840-1893)

Ռուս դասական կոմպոզիտորների մեջ առանձնանում է Չայկովսկու անունը։ Այն թանկ է ամբողջ աշխարհի երաժշտասերներին։ Նրա ստեղծագործությունները հավասարապես գրավում և հուզում են բոլոր մարդկանց՝ պրոֆեսիոնալ երաժիշտներին և լայն հանրությանը։ Չայկովսկին իր աշխատանքը նվիրել է մարդուն, իր սերը դեպի հայրենիքը և ռուսական բնությունը, երջանկության ձգտումը և իր խիզախ պայքարը չարի մութ ուժերի դեմ։ Կոմպոզիտորի երաժշտության մեջ՝ մարդու ողջ կյանքը՝ իր ուրախությամբ, տխրությամբ, հույսերով, պայքարով, հուսահատությամբ։ Եվ ինչ էլ որ Չայկովսկին ասի, նա միշտ ճշմարտախոս է ու անկեղծ։

Չայկովսկու երաժշտության ոճը զարգացել է ազգային ինքնության բնույթի մասին կոմպոզիտորի ոչ ավանդական պատկերացումների համատեքստում։ «Ազգային» և «ժողովրդական» մեկնաբանությամբ նա գնաց այլ ճանապարհով, քան «քուչքիզմի» կողմնակիցները։ Ռուսական բանահյուսությունը նրա համար համընդհանուր աղբյուր չէր, երաժշտական ​​լեզվի հիմնարար սկզբունքը։ Ընդհանրացված, անուղղակի ժողովրդական երգի ինտոնացիաների օգնությամբ Չայկովսկին իր ժամանակակից բազմակողմանիությամբ մարմնավորեց «ռուսականության», Ռուսաստանի, ռուսական իրականության ազգային կերպարը։ Հետևաբար, կոմպոզիտորն իր առաջ խնդիր չի դրել օգտագործել իսկական գյուղացիական բանահյուսության հատուկ ժանրերը երաժշտության մեջ, այլ դիմել է իրեն շրջապատող քաղաքային երաժշտական ​​կյանքի «ինտոնացիոն բառարանին»։ Սովորական քաղաքային ինտոնացիաները՝ զուգորդված հուզական բացության, անկեղծության և մեղեդայնության հետ, Չայկովսկու երաժշտությունը դարձրեցին հասկանալի և հասանելի ամենալայն լսարանի համար ինչպես Ռուսաստանում, այնպես էլ արտերկրում։ Այդ իսկ պատճառով Չայկովսկու ստեղծագործությունները շատ արագ արժանացան եվրոպացիների համակրանքին, նպաստեցին ռուսական երաժշտության միջազգային ճանաչմանը ողջ աշխարհում։

Չայկովսկին գրել է գրեթե բոլոր ժանրերում, որոնցից յուրաքանչյուրում ասել է իր նոր խոսքը՝ որպես փայլուն արտիստ։ Բայց երեւի նրա սիրելի ժանրն էր օպերա.Դրանում Չայկովսկին իսկական բարեփոխիչ էր։ Կոմպոզիտորը օպերան պատկերացնում էր որպես ամենաժողովրդավարական ժանր։ «Օպերան,- գրում է նա,- և միայն օպերան է, որ քեզ ավելի է մտերմացնում մարդկանց հետ, քո երաժշտությունը կապում է իրական հանդիսատեսի հետ…»: Օպերային գործողությունը հիմնված է մարդկային ուժեղ զգացմունքների և փորձի վրա: Չայկովսկին մեծ ուշադրություն է դարձրել իր օպերաների բովանդակությանը, միշտ նախապատվությունը տալով ռուսական կյանքի սյուժեին, քանի որ հենց ռուս մարդն է նա իսկապես ճանաչում և լավ հասկանում։

Չայկովսկու լավագույն գործերից մեկը օպերա Եվգենի Օնեգին.Եվգենի Օնեգինի սյուժեի հիման վրա օպերա գրելու որոշումից շատ առաջ Չայկովսկին կրքոտ տարվել էր Պուշկինի բանաստեղծություններով։ Բանաստեղծական վեպում նրա ամենասիրած վայրերից մեկը Տատյանայի նամակն էր Օնեգինին, և կոմպոզիտորը երազում էր երաժշտություն ստեղծել այս խոսքերի վրա: Օպերայի առաջին ներկայացումը, կոմպոզիտորի խնդրանքով, կայացել է Մոսկվայի կոնսերվատորիայի ուսանողների կողմից Ն.Ռուբինշտեյնի ղեկավարությամբ 1879 թվականի մարտի 17-ին։

Չայկովսկին իր օպերան անվանել է «լիրիկական տեսարաններ»։ Կոմպոզիտորն իր ողջ ուշադրությունը կենտրոնացրել է իր կերպարների ներքին, հոգեւոր աշխարհի բացահայտման վրա։

«Եվգենի Օնեգին» օպերան ռուսական օպերային արվեստի բարձրագույն նվաճումներից է։ Պուշկինի վեպի ճշմարտացի պատկերներն օգնեցին լուծել «ինտիմ, բայց հզոր դրամայի» ստեղծման խնդիրը, որի հերոսները «իսկական կենդանի մարդիկ» էին։ Հերոսների անձնական դրաման ծավալվում է առօրյա տեսարանների ֆոնին։ Կենցաղային բազմազան տեսարանները օպերային հատուկ հմայք են հաղորդում։

«Կարապի լճի» նորամուծությունը՝ նրա անսովորությունն ու տարբերությունը նախորդող ամեն ինչի հետ, եթե այն անմիջապես չհասկացվեց, անմիջապես նկատվեց հանրության և քննադատության կողմից, թեև երբեմն դա առաջացնում էր լուսավոր երաժշտասերների տարակուսանքը։ Ոմանք կշտամբում էին կոմպոզիտորին ստեղծագործական երևակայության աղքատության, թեմաների և մեղեդիների միօրինակության և որոշակի միապաղաղության համար։ Մյուսները կարծում էին, որ երաժշտությունը գեղեցիկ է, ավելին, նույնիսկ չափազանց լավ բալետի համար։ Այնուամենայնիվ, բալետի պրեմիերան Մոսկվայի Մեծ թատրոնում (1877 թ. փետրվարի 20) հաջողությամբ պսակվեց, և ներկայացումը խաղացանկում մնաց մինչև 1883 թվականը, երբ այս բեմադրության դեկորացիան քայքայվեց։

Մամուլում առաջին գրախոսությունը, որտեղ գնահատվել է նոր բալետի ստեղծումը, պատկանում էր Գ.Ա. Լարոշ. «Երաժշտության առումով Կարապի լիճը լավագույն բալետն է, որը ես երբևէ լսել եմ... Մեղեդիները, մեկը մյուսին ավելի պլաստիկ, մեղեդային և ավելի հուզիչ, հոսում են ինչպես եղջյուրից. վալսի ռիթմը, որը գերակշռում է պարային համարների միջև, մարմնավորված է նրբագեղ և գրավիչ գծագրերի այնպիսի բազմազանությամբ, որ շնորհալի և բազմակողմանի կոմպոզիտորի մեղեդիական կերպարը երբեք ավելի փայլուն փորձության չի ենթարկվել ...»:

Միաժամանակ Չայկովսկու ստեղծագործության մեջ կարևոր տեղ է գրավում նաև սիմֆոնիկ երաժշտությունը։ Գրել է 6 սիմֆոնիա և «Մանֆրեդ» ծրագրային սիմֆոնիան, երեք կոնցերտ դաշնամուրի և նվագախմբի համար, մեկը՝ ջութակի և մի շարք նվագախմբային սյուիտներ։ Սիմֆոնիկ մեկ շարժման ստեղծագործություններից առանձնանում են ֆանտաստիկ «Ֆրանչեսկա դա Ռիմինի» և Շեքսպիրի սյուժեների հիման վրա ստեղծված ծրագրային ստեղծագործությունները («Ռոմեո և Ջուլիետ» նախերգանք-ֆանտաստիկ, «Փոթորիկը» ֆանտաստիկ):

Կոմպոզիտորի ստեղծագործական հետաքրքրությունների շրջանակն անսովոր լայն է. Նրա ժառանգությունը ներառում է տասը օպերա (Եվգենի Օնեգին, Օնդին, Դարբին Վակուլա, Բահերի թագուհին և այլն), երեք բալետ (Կարապի լիճ, Քնած գեղեցկուհին, Շչելկունչիկը), յոթ սիմֆոնիա, ավելի քան տասը նվագախմբային ստեղծագործություններ, գործիքային համերգներ, երգչախմբային։ և դաշնամուրային երաժշտություն, կամերային և վոկալ ստեղծագործություններ։ Չայկովսկին բոլոր բնագավառներում նորարար էր, թեև երբեք ռեֆորմիզմի չէր ձգտում։ Օգտագործելով ավանդական ժանրերը՝ կոմպոզիտորը դրանք թարմացնելու հնարավորություններ է գտել։

«Կցանկանայի հոգուս ողջ ուժով,- գրել է Չայկովսկին,- որ իմ երաժշտությունը տարածվի, այն սիրողների թիվը, մխիթարությունն ու աջակցությունը գտնեն դրանում»:. Կոմպոզիտորի ցանկությունն իրականացավ.

Չայկովսկու ստեղծագործությունը 19-րդ դարի համաշխարհային երաժշտական ​​մշակույթի գագաթնակետն է, հավերժ կենդանի և թանկարժեք աղբյուր, որից 20-րդ դարի կոմպոզիտորներն ու մեր ժամանակակիցները չեն դադարում ոգեշնչվել:

Եզրակացություն

19-րդ դարը ուշագրավ ստեղծագործություններ է տվել ռուսական և համաշխարհային երաժշտությանը։ «Ռուսլանն ու Լյուդմիլան» և «Իվան Սուսանինը», «Եվգենի Օնեգինը» և «Կարապի լիճը» ռուսական մշակույթի հպարտությունն են։ Ռուսական երաժշտության ոսկե ֆոնդում ընդգրկված են Բորոդինի ստեղծագործությունները, Բալակիրևի, Ռիմսկի-Կորսակովի, Բորոդինի, Կուի ռոմանսները։

Ռուս կոմպոզիտորները սկսեցին մեկնել արտասահման։ Այնտեղ նրանք շփվեցին երաժշտական ​​արվեստի նշանավոր վարպետների հետ, և որ ամենակարեւորն է՝ ստացան եվրոպական երաժշտական ​​կրթություն։ Ռուսաստանը փոխադարձ հետաքրքրություն առաջացրեց Եվրոպայում, և մեկ դարի ընթացքում շատ նշանավոր երաժիշտներ հյուրախաղերով շրջագայեցին Մոսկվա և Սանկտ Պետերբուրգ: Եվրոպական մշակույթին ծանոթանալը ոչ միայն բարձրացրեց ռուս կոմպոզիտորների և կատարողների ինտելեկտուալ և պրոֆեսիոնալ մակարդակը, այլև օգնեց նրանց ավելի լավ հասկանալ ազգային երաժշտության ավանդույթները, ավելի լավ ճանաչել իրենց:

Ո՞վ է այս օրերին Ամերիկայի ամենասիրված ռուս կոմպոզիտորը։ Իհարկե, Չայկովսկին։ Շատ ամերիկացիներ նույնիսկ Պյոտր Իլյիչին համարում են ամերիկացի կոմպոզիտոր։ Նա իր ստեղծագործությունները վարել է Ամերիկայում, երբ նրան հրավիրել են Նյու Յորքի հայտնի Քարնեգի Հոլի բացմանը։ Նրա երաժշտությունը գրեթե ամեն օր հնչում է Ամերիկայում ռադիոյով, հատկապես 4-րդ և 6-րդ սիմֆոնիաները և 1-ին դաշնամուրի կոնցերտը։ The Nutcracker-ը Ամերիկայի սիրելի բալետն է:

Դասական կոմպոզիտորներ Գլինկայի, Դարգոմիժսկու, Բորոդինի, Ռիմսկի-Կորսակովի, Չայկովսկու ստեղծագործությունը 19-րդ դարի ռուսական մշակույթի իսկական գանձ է։ Նրանց ավանդույթները ներդրվել և զարգացել են 19-րդ դարի վերջի և 20-րդ դարի սկզբի կոմպոզիտորների՝ Տանեևի և Գլազունովի, Լյադովի և Արենսկու, Կալինիկովի, Սկրյաբինի և Ռախմանինովի ստեղծագործություններում։ Նրանք բոլորն էլ իրենց մեծ նախորդների արժանի շարունակողներն են։

Իմ կուրսային աշխատանքում ես ցույց տվեցի Ռուսաստանի երաժշտական ​​զարգացումը 19-րդ դարում, վերլուծեցի երաժշտական ​​մշակույթի վիճակը, բացահայտեցի դրա առանձնահատկությունները, խոսեցի այս դարի կոմպոզիտորների և նրանց ստեղծագործությունների մասին, ինչպես նաև բացահայտեցի 19-րդ դարի ռուսական երաժշտության նշանակությունը: դար համաշխարհային մշակույթի համար։

19-րդ դարի ռուսական երաժշտական ​​մշակույթը եվրոպական մշակույթի հետ միաձուլվելով, նրա փոխակերպմամբ ձեռք բերեց ինքնատիպ առանձնահատուկ հատկանիշներ և, իր հերթին, սկսեց զգալի ազդեցություն ունենալ նրա վրա՝ զարգանալով մինչ օրս։

Մատենագիտություն

1. Խորհրդային մեծ հանրագիտարան

2. Լևաշովա Օ., Կելդիշ Յու.Ռուսական երաժշտության պատմություն-Մ., 1980 թ.

Հանրագիտարան ամբողջ աշխարհում

Smirnova E. Ռուս երաժշտական ​​գրականություն - Մ., 2001 թ

Նիկիտինա Լ.Դ. Ռուսական երաժշտության պատմություն-Մ., 1999

Ռապացկայա Լ.Ա. Ռուսական երաժշտության պատմություն. Հին Ռուսաստանից մինչև «Արծաթե դար» - Մ., 2001 թ.

www.rimskykorsakov.ru

Հավելված 1

Գուրիլև, Վարլամով, Ալյաբիև, Վերստովսկի

Ֆեդոր Իվանովիչ Գլինկա

Dawnlight զգեստների դիզայն. «Ռուսլան և Լյուդմիլա» օպերա

Հավելված 2

Պյոտր Իլյիչ Չայկովսկի

Բալետ «Շչելկունչիկը»՝ Մեծ թատրոնի դերասանների մասնակցությամբ

կրկնուսուցում

Թեմա սովորելու օգնության կարիք ունե՞ք:

Մեր փորձագետները խորհուրդ կտան կամ կտրամադրեն կրկնուսուցման ծառայություններ ձեզ հետաքրքրող թեմաներով:
Հայտ ներկայացնելնշելով թեման հենց հիմա՝ խորհրդատվություն ստանալու հնարավորության մասին պարզելու համար:

Պատմական զարգացման առանձնահատկությունները

17-րդ դարը առանձնանում է որպես ռուսական պետության պատմության զարգացման կարևորագույն փուլերից մեկը։ 17-րդ դարում Ռուսաստանի հասարակական կյանքում և մշակույթում լուրջ փոփոխություններ և վերափոխումներ են տեղի ունենում: Այս փոխակերպումները պայմանավորված էին միջնադարյան Ռուսաստանի զարգացման ավարտով և արևմտաեվրոպական մշակույթի հետ կապված նոր դարաշրջանի սկզբով, ինչը հանգեցրեց երկու տարբեր մտքի համակարգերի բախման և հետագա հակամարտությունների: Փոփոխությունները ազդեցին 17-րդ դարի ռուսական կյանքի բոլոր ասպեկտների վրա, այդ թվում՝ մշակույթի և արվեստի: Ռուսական մշակույթի զարգացման ուղին XVII դարում. անցել է Արևմտյան Եվրոպայի հետ։ Ռուսական արվեստում, որը զարգացել է մեկուսացված ողջ միջնադարում մինչև 17-րդ դարի երկրորդ կեսը, ի հայտ են եկել արևմտաեվրոպական արվեստի նոր ձևեր։ Ռուսական կյանքի ուղին աստիճանաբար փոխվում է.

Պատմական զարգացման գործընթացները XVII դ. բնութագրվում է սոցիալական հակամարտություններով. XVII դարի կեսերին։ Ռուսական պետությունը հզորանում ու ընդլայնվում է, բայց դրան զուգահեռ աստիճանաբար տեղի է ունենում գյուղացիների ստրկացումը, որի արդյունքում հաստատվում է ճորտատիրություն, որը երկար տարիներ ծանր բեռ է դնում ռուս գյուղացիության վրա։ Դա առաջացրել է դժգոհություն, անկարգություններ, գյուղացիական պատերազմներ։

17-րդ դար դարձավ Ռուսաստանի պատմության ամենադրամատիկ էջերից մեկը: Դրա սկիզբն ուղեկցվել է արտաքին քաղաքական անբարենպաստ իրադարձություններով 1. «Դժվարությունների ժամանակ»՝ ծանր ժամանակների տարիներ, որոնք ուղեկցվել են շարունակական պատերազմներով, որոնք երկիրը տանում են դեպի կործանում։ Սովը և բերքի ձախողումները, ներքին հակասությունները, քաղաքային ցածր խավերի ապստամբությունները, Իվան Բոլոտնիկովի գլխավորած գյուղացիական պատերազմը (1606), պայքարը լեհական միջամտության դեմ, բնութագրում են դարասկզբի իրավիճակը։

Ոչ պակաս դրամատիկ իրադարձությունները կապված են 17-րդ դարի երկրորդ կեսի հետ, որը նշանավորվել է ռուսական եկեղեցու պառակտմամբ և հին հավատացյալների շարժումով, Ստեփան Ռազինի գլխավորած գյուղացիական պատերազմով և նետաձիգների խռովություններով։

Պետրոս I-ի բարեփոխումները ամենամեծ փոփոխությունները բերեցին ռուսական կյանքի սովորական ձևին: Հաջողակ պատերազմներն ամրապնդեցին ռուսական պետությունը, նպաստեցին ռուս ժողովրդի ազգային ինքնագիտակցության բարձրացմանը և առաջնորդեցին 17-րդ դարի կեսերին։ ամրապնդել Ռուսաստանի իշխանությունը։ Այդ ժամանակ Ուկրաինան, Վոլգայի շրջանը, Սիբիրի մի զգալի մասը և Հեռավոր Արևելքը մտան Ռուսաստանի կազմում։ XVII դարի բազմաթիվ իրադարձություններ. արտացոլում գտավ ժողովրդական արվեստում, պատմական երգերում՝ ազատների երգեր, որոնք կազմված էին գյուղացիների առաջնորդ Ստեփան Ռազինի հիշատակին, կային բազմաթիվ երգեր Երմակի, Գրիշկա Օտրեպիևի և սպանված Ցարևիչ Դիմիտրիի, Պետրոս I-ի մասին։

Ռուսաստան, 17-րդ դար ապրեց երկարատև պատերազմներ, ավերածություններ և լուրջ պետական ​​վերափոխումներ։ Նմանատիպ իրավիճակ այս պահին ստեղծվում է ամենուր. 17-րդ դարում պայքար է ընթանում հակառեֆորմացիայի դեմ, եվրոպական շատ երկրներում ազգային-ազատագրական պայքարում մեծանում է համաժողովրդական շարժումը։ Այն Ուկրաինայում ձեռք է բերել հատուկ շրջանակ, որի գագաթնակետն է 1654 թվականին Ուկրաինայի վերամիավորումը Ռուսաստանին։

Երաժշտական ​​կյանքը 17-րդ դարում

Այս ժամանակի երաժշտական ​​կյանքը բազմաբնույթ է ու հակասական։ Այն միահյուսվում ու պայքարում է նոր ու հին երեւույթների, միջնադարյան դոգմատիկ գաղափարների դեմ՝ նոր եվրոպականների հետ։ Այսպիսով, 1648-ին ցար Ալեքսեյ Միխայլովիչը հրամանագիր արձակեց բուֆոններին վտարելու և նույնիսկ նրանց երաժշտական ​​գործիքները ոչնչացնելու մասին. «Այրե՛ք արյունատար անոթները»: (Իշխանները նման հրահանգներ չէին տալիս նույնիսկ խոր միջնադարում:) Բայց շուտով նույն Ալեքսեյ Միխայլովիչի թելադրանքով Մոսկվայում բացվեց առաջին պալատական ​​թատրոնը, որը տևեց չորս տարի (1672-1676):

Երաժշտական ​​գործիքները Ռուսաստան են բերվում Արեւմուտքից։ Արդեն ոչ միայն արքունիքում, այլեւ բոյարները երաժշտություն են սկսում «գերմանական ձեւով», լուսավոր արեւմտյաններն ունեն երգեհոն, կլավիկորդներ, ֆլեյտաներ, թավջութակներ։ 17-րդ դարում մոսկվական Ռուսաստանում սկսեցին զարգանալ տնային երաժշտության ոչ պաշտամունքային ձևեր՝ սաղմոսներ և երգեր։

17-րդ դարի սկզբից ակտիվանում է ռուս երգիչների ստեղծագործական գործունեությունը, հայտնվում են բազմաթիվ հեղինակային երգեր, տեղական ավանդույթի երգեր, տարածվում են հյուսիսային մեղեդիներ՝ Սոլովեցկի, Տիխվին, Նովգորոդ, Ուսոլսկի և հարավային՝ Կիև, բուլղարերեն, հունարեն: Հետագա զարգացումը XVII դ. գտնում է znamenny notation-ի տեսությունը, որը հանգեցրել է բարեփոխումների, որոնք ձեռնարկել են սկզբում Իվան Շայդուրը, իսկ հետո Ալեքսանդր Մեզենեցը։ Նրանք երկուսն էլ աշխատել են ցուցանակների բարձրության մակարդակի ճշգրտման վրա. Շայդուրը ներմուծել է ցինեբարի գծանշումներ, Մեզենեցները՝ նշաններ, որոնք հնարավորություն են տվել վերծանել Զնամենի նշումը մեր ժամանակներում:

17-րդ դարի երաժշտության պատմություն. բաժանված է երկու կեսի; առաջինը դեռևս կապված է միջնադարի ավանդույթների հետ, սակայն այս պահին արդեն ներմուծվում են տարրեր, որոնք համապատասխանում են ժամանակի նոր ոգուն։ XVII դարի երկրորդ կեսից։ (1652 թվականին ուկրաինացի երգիչների Մոսկվա ժամանումով) սկսվում է ռուսական երաժշտության զարգացման նոր փուլ, որը նշանավորվում է ներդաշնակ եվրոպական տիպի հնգգծային (կիևյան) նոտագրությամբ և բազմաձայնությամբ։

XVII դարի երկրորդ կեսին։ Ռուս երաժիշտները ծանոթանում են արևմտաեվրոպական երաժշտական ​​մշակույթին, նրա տեսության և պրակտիկայի, կոմպոզիցիայի տեխնիկայի, երաժշտական ​​նոր ժանրերի հետ։ Թեժ բանավեճերում ձեւավորվում է արվեստի նոր գեղագիտություն։ Ծնվում են հին ու նոր արվեստի կողմնակիցների վիճաբանության տրակտատները։

Նոր ոճի ձևավորումը տեղի է ունեցել եկեղեցական երաժշտության շրջանակներում։ Պարզվեց, որ նրա հավանությունն ուղղակիորեն կապված է Նիկոնի պատրիարքի բարեփոխումների հետ։ Արևմտյան ոճի նոր արվեստը հին ծեսերի կողմնակիցների համար օտար, օտար մշակույթ էր, այն հակասում էր հին ռուսական կանոնին:

17-րդ դարը շրջադարձային է. ինչպես բոլոր կրիտիկական դարաշրջանները, դա հակամարտություն է: Արվեստի նոր գեղագիտությունը 17-րդ դարում. հակադրվում է հինին. Այս հակամարտությունն արտահայտվում է արվեստում և նույնիսկ լեզվով։ Աստվածաբանական, լեզվական, լեզվական խնդիրները՝ Նիկոն պատրիարքի օրոք արված սուրբ գրքերի նոր թարգմանությունների շուրջ վեճերը, հիմքում ընկած են հին (Հին հավատացյալներ, հին հավատացյալներ) և նոր ծեսի կողմնակիցների միջև հակամարտությունը: Նրանց է միացել հին ու նոր արվեստի բախման հետեւանքով առաջացած հակամարտությունը։ Հին ծեսի ջատագովները, որոնք հաստատում էին հին իդեալները, partes երաժշտության մեջ տեսնում էին գաղափարական թշնամու՝ կաթոլիկության - կաթոլիկ ազդեցության ընդլայնումը 2: Նոր արվեստի կողմնակիցները պնդում են գեղագիտական ​​նոր չափանիշ։ Արևմտյան արվեստը դառնում է նաև 17-րդ դարավերջի ռուս երաժիշտների հղման կետ։ Արեւմուտքը սկսում է տարբեր կերպ ընկալվել՝ նոր արվեստի չեմպիոնների համար (Ն. Դիլեցկի, Ի. Կորենեւ, Ս. Պոլոցկի, Ի. Վլադիմիրով) արեւմտյան մշակույթը դառնում է չափանիշ։ Նրանք ձգտում են օգտագործել, կրկնել, պատճենել լավագույն արեւմտյան նմուշները։ Հին մշակույթի կողմնակիցների, «հին բարեպաշտության մոլեռանդների» համար խորթ է արևմտյան ամեն ինչ, այն դառնում է ժխտման և մերժման առարկա (քահանա Ավվակում, Ալեքսանդր Մեզենեց և ուրիշներ):

Արևմտյան ուղղության երաժիշտների և տեսաբանների գեղագիտության և հայացքների համակարգում զարգացած են բարոկկո ոճի սկզբունքները։ Մերկացնելով իրենց հակառակորդներին անտեղյակության մեջ, մերժելով Զնամենիի երգեցողությունը, դրա տեսությունն ու նշումը, Դիլեցկին և Կորենևը հաստատում են նոր արժեքային կողմնորոշում։ Միջնադարի համեմատ սկզբունքորեն նոր էր երաժշտություն (երաժշտություն) հասկացությունը, որը հավասարապես օգտագործվում էր ինչպես գործիքային, այնպես էլ վոկալ երաժշտության առնչությամբ։ Դիլեցկին և Կորենևը գիտակցում են երգեհոնի օգտագործման անհրաժեշտությունը երաժիշտների, հատկապես կոմպոզիտորների ուսուցման մեջ:

Այս մշակույթների հակադրությունը և նրանց բացահայտ բախումը անհաշտ բախման պատճառ դարձավ, որը շուտով հաջորդեց։ Դարաշրջանի այս հակամարտությունը, որն արտացոլված է Հին հավատացյալների մեջ, ցնցեց 17-րդ դարի երկրորդ կեսի ողջ ռուսական մշակույթը: Նրանում առաջացած բացը դրսևորվեց ինչպես երաժշտության, այնպես էլ գրականության, կերպարվեստի, պատարագի և ապրելակերպի մեջ։

Նոր երաժշտությունը նոր կրոնական գիտակցության խորհրդանիշ էր, բայց պայքարը ծավալվեց ոչ միայն գաղափարախոսության, աստվածաբանական վեճերի ոլորտում, այն օբյեկտիվորեն արտահայտվեց գեղարվեստական ​​ստեղծագործության մեջ, երաժշտական ​​հակասության մեջ։ Պարտեսի երաժշտությունը կապված էր արևմտյան, կաթոլիկ մշակույթի հետ։ «Մոսկվայում երգեր են երգում, ոչ թե աստվածային երգեր, լատիներեն, և նրանց օրենքներն ու կանոնադրությունները լատիներեն են. ձեռքերը շարժում են, գլխով անում, ոտքերը տրորում, ինչպես ընդունված է լատինների մոտ օրգանների վրա» 3, - սա: այսպես է Ավվակում վարդապետը դատապարտում լատիներեն, արևմտյան ոճի նոր երգեցողությունը, որը տարածվել է 17-րդ դարի մոսկովյան եկեղեցիներում։ «Լսելու բան չկա. լատինատառ երգում են բաֆոնների պարողները»,- դժգոհում է նա 4 ։

Հին ժամանակի մշակույթը պահպանելու և պահպանելու ցանկությունն ընդհանուր առմամբ բնորոշ է 17-րդ դարի շատ գործիչների, որոնք հավատարիմ են եղել պահպանողական-պաշտպանական միտումներին։ Դ.Ս.Լիխաչովը նման «վերականգնողական» գործունեության մեջ տեսնում է նոր ժամանակի նշան։ Այս տեսակի «վերականգնման» երևույթները ներառում են նաև ABC-ներում znamenny նշումների նշանների նոր համակարգում: Օրինակ, Երեց Մեզենեցու «Առավել համաձայնող նշանների մասին հայտարարությունում» ոչ միայն նշաններ են ներմուծվել, այլև նշաններ, որոնք հեշտացնում են կեռիկները կարդալը: Նույն տիպի երևույթներին են պատկանում նաև «խոսքի համար» գրքերի և երգարվեստի տեքստերի ուղղումը և բազմաձայնության դեմ պայքարը։

XVII դարի ռուսական արվեստի զարգացման առանձնահատկությունները. և հենց մշակույթի երկխոսական զարգացման մեջ է։ Հինը, առանց մեռնելու, գոյակցում է նորի հետ։ Գեղարվեստական ​​և պատմական գործընթացների կայունացմամբ այն ապագայում շարունակում է զարգանալ երկու ճանապարհով՝ մեկը արևմտաեվրոպական մշակույթի հետ լայն շփումների ճանապարհն է՝ համընթաց եվրոպական արվեստի ոճերի զարգացմանը, մյուսը՝ պահպանության ուղին։ հնագույն ավանդույթը հին հավատացյալների համայնքներում, ովքեր երեք դարերի ընթացքում պաշտպանել են իրենց արվեստը և հին ավանդույթները արտաքին ազդեցություններից 5: Այս ժամանակ նրանք հայտնվեցին բացառիկ դիրքում՝ լինելով հին հավատքի ու հին մշակույթի կրողներ, շրջապատված արագ զարգացող նոր արվեստով, նրանք հնության պահապաններն էին։

իրավիճակը 17-րդ դարի երկրորդ կեսին։ մոտ XI դարի իրավիճակին։ Ինչպես նաև Կիևյան Ռուսիայում X-XI դդ. բախվել են երկու տարբեր մշակույթների՝ հեթանոսական և բյուզանդական, XVII դ. հին ռուսական միջնադարյան մշակույթը բախվում է արևմտաեվրոպականի հետ։ 17-րդ դարում բացահայտված են այս երկու մշակույթների հակասությունները, կա հակադրություն՝ «հին» և «նոր»։ Դարերով օրհնված հին կանոնական միջնադարյան երաժշտական ​​ավանդույթը կապված է «հինի» հետ, իսկ բարոկկո ոճը, արևմտյան տիպի պարտեսկ պոլիֆոնիան՝ «նորին»։ Հին մոնոդիկ, զնամենական երգեցողությունը, ինչպես հնագույն պատկերանկարը, կարծես հարթ, միաչափ, հակադրվում էր բարոկկոյի ծավալուն, բազմաձայն արվեստին: Այն ստեղծում է տարածության նոր զգացողություն: Նրա հյուսվածքը, փարթամ, բազմաշերտ, օդային, փոխանցում է բարոկկո արվեստի բոլոր տեսակներին բնորոշ շարժման զգացողություն։

XVII դ. բոլոր ցնցումների ու փոփոխությունների ազդեցության տակ։ միջնադարյան աշխարհայացքի հիմքերը սկսում են թուլանալ։ Հին ու նոր արվեստի կողմնակիցների հակասության մեջ աստիճանաբար նոր գեղագիտություն է ձևավորվում։ Ոճական մի ուղղության փոխարինումը մյուսով տեղի ունեցավ աշխարհայացքի լուրջ վերակառուցման հետեւանքով առաջացած սուր պայքարում։ Միջնադարի արվեստից բարոկկոյի արվեստին անցումը կապված էր աշխարհիկ սկզբի ամրապնդման, երաժշտական ​​նոր ժանրերի ու ձևերի ակտիվ զարգացման և երաժշտական ​​մտածողության նոր տեսակի հետ։

Ռուսական պոլիֆոնիկ երաժշտության զարգացման ուղին բարոկկոյի դարաշրջանում (17-րդ դարի կեսերից մինչև 18-րդ դարի կեսերը) աչքի է ընկնում իր արագությամբ։ Այն, ինչ արևմտյան արվեստն անցել է 700 տարվա ընթացքում, Ռուսաստանը տիրապետում է հարյուրում. Ռուսաստանում արեւմտաեվրոպական բարոկկոյի ավանդույթներն անմիջապես ներարկվում են, բայց ռուսական տարբերակով։ Երիտասարդ, եռանդուն, թարմ բարոկկո արվեստը գերում է իր գեղեցկությամբ, հարստությամբ, գույների լիությամբ։ Բազմերգչախմբերի համերգները, որոնք տարածվել են նախ Ուկրաինայում, իսկ հետո՝ մուսկովյան Ռուսաստանում, ունկնդիրներին հիացրել են աննախադեպ շքեղությամբ։

17-րդ վերջի բարոկկո արվեստ - 18-րդ դարի առաջին կես։ կապված է կուսակցական համերգների առաջացման հետ (լատիներեն partis - party), այսպես կոչված, քանի որ, ի տարբերություն ռուսական միաձայն երգեցողության, դրանք երգվում էին մաս-մաս: Ռուսաստանում բարոկկոյի դարաշրջանը կապված էր բազմաձայնության ծաղկման հետ: Մոնոդիայի այդքան երկար թագավորությունից հետո, որը տևեց գրեթե 700 տարի, սկսվում է բազմաձայնության գերիշխանության շրջանը։ Partesny պոլիֆոնիկ ստեղծագործությունները 4, 8, 12 - ստեղծվում են մինչև 48 ձայնի համար, իսկ 12 ձայնի համար ստեղծագործությունները դառնում են նորմ: Մշակվում են ներդաշնակ և բազմաձայն գրելու տեխնիկա։ XVII դարի կեսերից։ Հաստատվում է բարոկկոյի դարաշրջանին համապատասխան պարտես երգեցողության նոր ոճ, որն իր մարմնավորումն է գտել հնագույն երգերի, հեղինակային ստեղծագործությունների, երգերի, սաղմոսների և կոնցերտների պարտեսային ներդաշնակություններում։

Ուկրաինայից Ռուսաստան բերված համերգային երգը եվրոպական մշակույթի արդյունք էր։ Գերմանիայից ու Իտալիայից Լեհաստանով թափանցում է Ուկրաինա, իսկ հետո՝ Մոսկվա։ Նման ուղին բնական էր 17-րդ դարի այն ժամանակաշրջանի համար, երբ արվեստում արևմտյան բազմաթիվ ազդեցությունները Ռուսաստան եկան հիմնականում Լեհաստանից՝ Ուկրաինայի միջոցով։

Հարավարևմտյան ազդեցությունը մուսկովյան Ռուսաստանում

XVII դարի կեսերին։ Զգալիորեն ամրապնդվեցին Ռուսաստանի անմիջական կապերը Արևմտյան Եվրոպայի հետ 6, սակայն այդ ժամանակ հատկապես կարևոր էր ուկրաինա-բելառուսական լուսավորության ազդեցությունը, որն ուժեղացել էր Ուկրաինային Ռուսաստանին միացնելուց հետո (1654 թ.)։ Ուկրաինայի միավորումը Ռուսաստանին նպաստեց ռուսական մշակույթի վերափոխմանը։ Լինելով Համագործակցության մաս՝ Ուկրաինան տիրապետում է կաթոլիկ լեհական մշակույթի բազմաթիվ հատկանիշներին: XVII դարի սկզբին։ Ուկրաինայում լեհական մշակույթի ազդեցությամբ ձեւավորվում են գեղարվեստական ​​մտածողության նոր ձեւեր, որոնք անմիջականորեն առնչվում են արեւմտաեվրոպական ազդեցությանը, հատկապես իտալականին։ Լեհական մշակույթը ուկրաինացի երաժիշտների միջոցով 17-րդ դարի կեսերից. սկսում է ակտիվորեն ազդել մուսկովյան Ռուսաստանի մշակույթի վրա:

XVII դարի կեսերին։ Մոսկվա են տեղափոխվել ուկրաինացի և բելառուս գիտնականներ, երգիչներ, գրագիրներ։ Նրանց թվում էին ուկրաինացի բանասեր, թարգմանիչ, ուսուցիչ, բառարանների հեղինակ Եպիֆանի Սլավինեցկին, բելառուս բանաստեղծ և դրամատուրգ Սիմեոն Պոլոցկին, ով նշանավոր դիրք էր զբաղեցնում Մոսկվայի արքունիքում՝ լինելով թագավորական զավակների դաստիարակը։

Այս մանկավարժների գործունեության շնորհիվ բացվում են նոր ուսումնական հաստատություններ՝ դպրոցներ, վարժարաններ 7։ Այդ հաստատություններից էր Սլավոն-հունա-լատինական ակադեմիան (1687), որը ծառայում էր որպես բարձրագույն ուսումնական հաստատություն, որտեղ մեծ ուշադրություն էր դարձվում բանասիրությանը, լեզուներին, պոեզիային։ Ամենամեծ մշակութային կենտրոնը Նիկոն պատրիարքի կողմից հիմնադրված Հարության Նոր Երուսաղեմի վանքն էր։ Ինչպես նշում է Յու. Վ. Կելդիշը, այս վանքի դերը շատ նշանակալից էր, այստեղ «ծնվեցին և աջակցություն գտան պոեզիայի և եկեղեցական երգեցողության նոր ուղղություններ, նոր երաժշտական ​​և բանաստեղծական ժանրեր» 8:

Ուկրաինայում երգին միշտ էլ գլխավոր տեղն է տրվել։ Բնավորությամբ շատ երաժշտական, ուկրաինացի ժողովուրդ XVI-XVII դդ. արագորեն բարելավեց իր երգարվեստը, ինչին նպաստեց ուղղափառության և կաթոլիկության պայքարը: Ուկրաինական երաժշտությունը մեծ ազդեցություն է ունեցել լեհական երաժշտական ​​մշակույթի վրա։ 1596 թվականի 9-րդ միությունը հեշտացրեց լատինական երգեցողությանը հասնել կլիրոսին։ Սա հատկապես ճիշտ էր Ուկրաինայի հարավ-արևմտյան մասում, որտեղ Լեհաստանի քաղաքական գերիշխանությունը, միությունների կրոնական կախվածությունը Հռոմից և Լեհաստանի հետ մշակութային կապերը հնարավորություն ընձեռեցին արևմտաեվրոպական երաժշտության տարածմանը:

Լեհական ազդեցության ներթափանցմանը մեծապես նպաստել են բազմաթիվ հարավ-ռուսական եղբայրություններ, որոնք մրցում էին կաթոլիկական ազդեցության հետ և միմյանց միջև։ Լեհական կաթոլիկների ազդեցության դեմ պայքարը ստիպեց ուկրաինացի երգիչներին սովորել նոր երգեցողություն և օգտագործել իրենց հակառակորդների զենքերը։ Հայտնի է, օրինակ, որ Լվովի եղբայրությունը XVI դարի կեսերին. գործավարներ ուղարկեց Մոլդովա՝ հունարեն և սերբերեն երգեր սովորելու համար, իսկ Գալիսիայի քաղաքները գործավարներ ուղարկեցին Ռումինիայում եկեղեցական երգեցողություն սովորելու համար:

Պոլիֆոնիկ «երգեհոնային», այսինքն՝ երգեհոնի ձայնը նմանակող երգելը Ռուսաստանում ընկալվում էր որպես «լատինական հերետիկոսություն», գայթակղություն 10։ Նախկին հոգևոր տողերի փոխարեն երգում էին սաղմոսներ և երգեր, հաճախ լեհերեն։ Կատարողական գեղագիտությունը փոխվել է. Զնամեննի երգի խիստ զուսպ մեղեդիները փոխարինվեցին արտահայտիչ «քաղցր հնչող» մեղեդիներով։ Լավագույնն այն է, որ ուկրաինական և մոսկովյան երգեցողության ոճի տարբերությունը ցույց է տվել արաբ գրող Պավել Հալեպսկին, ով այցելել է Ուկրաինա և Մոսկվա 1654-1656 թվականներին. հաճելի է, բխում է սրտից և կատարվում է այնպես, ասես մեկ բերանով, նրանք կրքոտ սիրում են երաժշտական ​​երգը, մեղմ քաղցր մեղեդիները: Մոսկովյան «իրմոլոյում»՝ միաձայն երգում, Պ.Հալեպսկին զարմացել է տղամարդկանց ցածր ձայնի նկատմամբ ռուսների հակվածությունից. , այնպես որ նրանք ունեն մեր բարձր մեղեդին համարվում է անպարկեշտ: Նրանք ծաղրում են կազակներին իրենց մեղեդիների համար, ասելով, որ դրանք ֆրանկների և լեհերի մեղեդիներն են» 11:

Ուկրաինայում XVII դ. ձևավորվում է արտահայտիչ երգեցողության նոր ձև, ստեղծվում են մոնոդիկ երգերի նոր տեսակներ։ 17-րդ դարի ուկրաինական երգեցողության ձեռագրեր. -Իրմոլոգիաներ՝ լի տեղական վանկարկումներով։ Նրանց անուններն առավել հաճախ կապված են Ուկրաինայում իրենց ծագման և տարածման վայրի հետ՝ Վոլին, Լվով, Օստրոխ, Սլուցկ, Կրեմենեց, Պոդգորսկի: Երբեմն նրանց երգերը կապված են երգելու տեղական վանական ավանդույթի հետ, ամենից հաճախ մեծ վանքերի հետ՝ Սուպրասլ, Կիև-Պեչերսկ, Մեժիգորսկ, Կուտեյնսկի: Բայց ամենատարածվածները, որոնք լայնորեն հայտնի դարձան Մոսկվայում, երեքն էին` Կիևը, բուլղարականը և հունականը: Նրանց, ըստ երեւույթին, իրենց հետ բերել են 1950-ականներին Մոսկվա եկած ուկրաինացի երգիչները։ XVII դարում և մասնավորապես Կիևի եղբայրական վանքի երգեցողության դպրոցից, որի հիմնադիրն է եղել ուկրաինացի հայտնի մանկավարժ և քաղաքական գործիչ Լազար Բարանովիչը։

Կիևյան, բուլղարական և հունական երգերը ձայնագրվել են Կիևյան նոտագրությամբ, դրանք կապված են եղել օսմոսի համակարգի հետ և ունեցել են որոշ ընդհանուր ոճական առանձնահատկություններ, որոնք տարբերում են Զնամենի երգերից։ Սրանք ստրոֆիկ երգեր էին, որոնք հիմնված էին տարբեր տեքստերով տաղերի մեղեդիների բազմակի կրկնության վրա։ Նոր երգերում ի հայտ է եկել խստորեն սահմանված մետր, ռիթմիկ պարբերականություն, ինչը նրանց մոտեցրել է վանքերին ու սաղմոսներին, որոնք ունեին եվրոպական մեղեդու, քնարական երգի և նույնիսկ պարի առանձնահատկություններ։ Ահա թե ինչպես է աստիճանաբար փոխվում հին ռուսական երգարվեստի գեղագիտությունը։ Անվերջ զարգացող, ասես ճախրող մեղեդիով անվերջ զարգացող խստաշունչ երգի փոխարեն գալիս են մետրային, ավելի պարզ ու երգային, մեղեդային, հեշտ հիշվող մեղեդիներ։

Բուլղարական երգի երգերն առանձնանում են արտահայտչականությամբ և մեղեդայնությամբ 12։ Նրա ռիթմը սիմետրիկ է, սովորաբար տեղավորվում է չորս զարկաչափի մեջ, տեքստը երգվում է չափավոր, թեև հաճախ է հանդիպում մեծ ներվանկային երգեցողություն։

Հունական 13 երգը բնութագրվում է հակիրճությամբ և պարզությամբ: Հունական երգի մեղեդիները մեղեդային են ու ասմունքային՝ համաչափ ռիթմով։ Դրանք միավորվում են երաժշտական ​​ստեղծագործությունների մեջ՝ հիմնված տողերի բազմազան կրկնության վրա.

Կիևյան երգը Զնամեննի երգի հարավ-ռուսական ճյուղն է: Այն հիմնված է ստրոֆիկության վրա, տեքստի տող առ տող վանկարկում: Կիևյան երգի մեղեդու մեջ կան և՛ ասմունքային, և՛ երգական կոնստրուկցիաներ, հաճախ հանդիպում են տեքստի առանձին բառերի և դարձվածքների կրկնություններ, ինչը արգելված էր Զնամենի երգեցողության մեջ։ Կիևյան երգը Մոսկվայում լայն տարածում գտավ 17-րդ դարի երկրորդ կեսից։ Հայտնի է Կիևյան երգի երկու տեսակ՝ մեծ և փոքր (մեծի կրճատ տարբերակը):

Կիևյան և հունական երգեր, Զնամենի երգերի հետ միասին, երգվում էին առօրյա կյանքի կարևորագույն տեքստերում՝ Գիշերային հսկողության և Պատարագի ամենօրյա երգերում։ Նրանցից շատերը կան Հարավային Ռուսաստանի Իրմոլոգիայում: 17-րդ դարի երկրորդ կեսին պարտեսի երգեցողության ներդրմամբ։ Հայտնվեցին կիևյան, բուլղարական և հունական երգերի կուսակցական բազմաձայն ներդաշնակություններ։

Էջ 1 - 1 3-ից
Գլխավոր | Նախորդ | 1 | Հետևել. | Վերջ | Բոլորը
© Բոլոր իրավունքները պաշտպանված են