ОРНАМЕНТИ ОТ РАЗЛИЧНИ ЕПОХИ И СТИЛОВЕ
Орнаментацията е развита в древния свят. Изкуството на Египет и Западна Азия успя да извлече специални декоративни изображения от формите на външния свят и да ги използва за художествена обработка на различни равнини.
Древните гърци, внимателно подбрани и преработени египетски и ориенталски орнаментални мотиви, въз основа на тяхната логична интерпретация и конструктивно разбиране, създадоха свой собствен декоративен стил, който намери класически израз предимно в архитектурния декор.
Средновековното изкуство на Изтока, ограничено от исляма в изобразяването на живи същества, фокусира цялото си внимание върху декоративните модели. Древните майстори създават истински шедьоври от геометрични и флорални шарки, базирани на сложни, често гениални математически конструкции. Разпръснатото разположение на орнаменталните мотиви отстъпи място на непрекъсната арабеска, където един мотив директно се трансформира в друг, създавайки най-богатите ритмични структури на линейна и цветна композиция.
Всички следващи епохи в по-голяма или по-малка степен са участвали в развитието на декоративното изкуство, използвайки народното декоративно творчество и наследството на цялата човешка култура.
ОРНАМЕНТ НА ПРИМИТИВНИТЕ ХОРА
От примитивни времена хората са се стремили да украсяват домовете и предметите на бита си. От епохата на палеолита са останали много неща от камък, кост, глина, рисунки и резби по стените на пещерите - всичко, което дава възможност наистина да се почувства и да се запознае с онази част от изчезналия художествен свят, който се нарича свят на изкуство.
В епохата на палеолита може да се проследи стремежът на първобитния човек да възпроизведе света около себе си в точни и видими образи. Следователно първата и основна тема на палеолитното изкуство беше темата за звяра, темата за лова, която беше основата за съществуването на хората от ледниковата епоха. Основното съдържание на пещерните рисунки са изображения на животни: мамути, носорози, бикове, коне, пещерни лъвове и мечки.
Изобразяването на ловуващи, убити и ранени животни или просто животински фигури винаги е имало за цел да гарантира успеха на лова. Второ място след ловните сцени заемат изображения на обреди на възкресение и размножаване на животни, олицетворяващи магията на плодородието. В допълнение към животните, хората често са били изобразявани по време на извършването на обреди за плодородие. Това са били предимно женски фигурки.
Такива изображения бяха оцветени в интензивни цветове: черно, червено, жълто, кафяво.
Наред с реалистичните изображения на животни, първобитният човек започва да използва конвенционални знаци и комбинации от линии, подобни на геометрични фигури, за да предаде света около себе си. Така се полагат основите на магическата семантика. Схематизирането на реалистичните образи постепенно води до абстрактни геометрични изображения на тези символи, които формират основата за създаване като метод на декорация.
Палеолитният художник украсява инструменти и оръжия, домашни и домакински съдове с орнаменти, като правило, с орнаменти от геометричен характер. Понякога тези предмети са били украсени с издълбани или скулптурни изображения на животни: коне, мамути, бикове, елени.
Две категории битови предмети се отличават с оригиналност на декорацията и чувство за развит художествен вкус: копиехвъргачи и „щабове на вождове“. В тях формата на нещо и неговата декоративна украса или скулптурни детайли не си противоречат, а образуват едно художествено цяло.
Същите характеристики характеризират и бижутата, които заемат важно място в живота на палеолитния човек. Палеолитните гривни се отличават особено с деликатността на работата и оригиналността на орнаменталната композиция. Тези истински шедьоври на изкуството на косторезбата са изненадващи и с това, че са направени с каменни инструменти, без струг, без метални свредла и длета, украсяващи ги с най-фина шарка под формата на меандърни ивици, разделени от успоредни зигзаги или шарка „рибена кост“, която е разчленена от меандър-ромби .
През бронзовата епоха (в края на 3-то хилядолетие пр. н. е.), когато цивилизацията на Старото царство се развива успешно в Египет, а шумерската цивилизация се развива в Месопатамия, Европа все още не е излязла от неолита. Следователно тук, както и в предишната епоха, продължава да преобладава геометричната орнаментика. Така характерните шарки на изделията от художествен метал остават криволинейни, вълнообразни, лентовидни или спирални. Керамичните съдове често са украсени със спирала с издигната точка в центъра.
Подобен орнамент се среща в изкуството на Централна Европа през желязната епоха (култура Халщат, 9-6 в. пр. н. е.).
Латенска култура(V – I в. пр. н. е.), белязана от разцвета на келтската култура, запазва абстрактни мотиви, наред с които се развиват флоралните орнаменти, заимствани от келтите от гърците и етруските. Освен това в келтското декоративно изкуство имаше мотиви, свързани с изобразяването на животинския свят и хората, дошли тук от Изтока. Постепенно от разнообразните и различни елементи на келтския орнамент се формира единен стил с преобладаване на анималистични и флорални елементи, стил, в който декоративността и пристрастието към изящните извити линии стават определящи принципи.
Африка.Народите на Африка са създали образци на декоративно изкуство, които имат истинска оригиналност.
IN Дахомейкерамиката се формова на ръка, без грънчарско колело и се украсява с един единствен орнамент - линии, начертани с пръчка. Тези продукти са червени на цвят. В случаите, когато са с обреден характер (посветени на духовете), съдовете се белят с вар.
Ювелирното изкуство на редица африкански страни се характеризира със зооморфни и антропоморфни орнаменти. Например изображение на лъв с обърната и заплашително ухилена уста върху пръстен, медни месингови тежести за претегляне на златен пясък във формата на диви животни - от слон до антилопа, фигури на танцьорки и жени, носещи вода.
В ритуалните мебели често се използват като опори кариатиди и геометрични фигури. Моделът обхваща ажурни гербове, както и „рекади“ - символи на властта, украсени с ужасяващи мотиви: мълния, ястреб; лъв, който поглъща човек.
Декоративните модели на конгоанските тъкани са доминирани от модели на квадрати, триъгълници и диаманти.
Индонезияизвестен със своите каменни резби. Масите бяха украсени с глави на чудовища, опорните колони бяха украсени с изображения на елени и птицечовки, а саркофазите бяха украсени с фигури на елени.
Океания.Изкуството на народите на Океания е останало непроменено в някои отношения поради стабилните религиозни и социални традиции. Техните религиозни представи са свързани главно с култа към плодородието и предците.
На островите Нова Гвинея папуасите създават керамични изделия, украсени със спирални врязвания; различни дървени прибори във формата на птици или човешки фигури. Бамбуковите съдове обикновено са били украсени с издълбани геометрични рисунки.
Културата на Нова Зеландия е родствена на меланезийската, но има и самостоятелни черти. Сред тях: култът към героите, желанието да се избегне празнотата при декориране на повърхността и по-честото използване на спираловиден мотив в сравнение с други орнаментални мотиви. Спиралата често се използва в дърворезби: в релеф - за декорация на дома, в проход - за кърмата и носа на пая; по модела на кутии за съхранение на пера. Спираловидният мотив се среща не само в ажурните или релефни дърворезби, но и в татуировките на лицето. Въпреки това, поради своята специфика, този вид декоративно творчество почти никога не е достигнал до нас.
Полинезийските острови са известни с производството на тъкани от кора, наречени тапа. Забележителният декоративен ефект на тези тъкани се постигаше с много семпъл орнамент. Най-често шарките се основаваха на ромб или шахматна дъска, като всеки остров внасяше нещо свое в тях. Понякога орнаментът е бил покрит с растителен лак.
Изкуството на татуирането на лицето и тялото е достигнало големи артистични висоти на Маркизките и Марчантските острови. Татуировката може да покрива цялото тяло с геометрични мотиви. Имаше не само магическо, но и социално значение. Например, зигзагообразните шарки на лицето бяха предназначени само за лидери. Изкуството на Хавайските острови е повлияно от изкуството на предколумбово Мексико, но неговите геометрични модели, за разлика от мексиканските, са много прости.
Предколумбова Америка.Взаимосвързани и в същото време много различни по своята идеологическа и художествена ориентация, културите на страните от древна Централна и Южна Америка образуват сложен синтез на изкуството. В него могат да се намерят някои типологични прилики с класическите култури на ранното класово общество на Кипър и робовладелските деспотии на Египет и Древна Месопотамия. Но други етнически и ландшафтни характеристики, както и други пътища на социално-историческо развитие на индийските народи, допринесоха за създаването на уникалния облик на тяхното изкуство.
Мексико.Никое друго изкуство не познава такова съчетание на геометрична тектоника с неконтролируемия яростен елемент на орнаментални и символични мотиви като древната мексиканска архитектура. В пирамидалните храмове на Мексико изобразителните и символични мотиви заемат голямо място: змийски глави с отворени уста, буйното оперение на техните гърчещи се тела, глави на ягуари, антропоморфни изображения - целият разнообразен и жизнен свят на индийската митология. Освен това в фундаментално геометрично строгата архитектура на Древно Мексико, в допълнение към изобразителните мотиви, е използван „чист“ орнамент, образуван от редуващи се геометрични елементи и напомнящ меандър, но имащ по-сложни форми или създавайки други комбинации от същото геометрични елементи. Тук са използвани 14 различни мотива: кръст, зигзаг, полиедър, стълба, Т-образен мотив и редица други. Цялата тази орнаментална геометрия изглежда идва от текстилни шарки, а някои от мотивите имат символично значение, свързано с местното божество - пернатата змия. Характеристика на темата за древните мексикански декоративни орнаменти е пълното отсъствие на елементи от животинския свят - хора, животни и растения. Керамиката е сред най-ярките постижения на древното американско изкуство. Керамичните продукти са правени без грънчарско колело и са много разнообразни. Орнаментът се драска с перфоратор, щампова се с каменна плоча или теракота и се гравира върху повърхността на съдовете. Индианците от Мексико разработват различни видове керамика (съдове, маски, малки скулптури), отличаващи се с характеристики на оригиналност и оригиналност. Най-голям интерес представлява керамиката на Перу. Тук в различни периоди керамиката е била украсена или с абстрактен гравиран модел, или с формован декоративен, или с изобразителен орнамент. Народите Chimu въведоха формованата глинена орнаментика в архитектурата. Сред мотивите му могат да се открият птици, риби, четириноги, волути и меандри, подредени във вертикални и диагонални ивици. Наскаците украсяват своята керамика с ярки, многоцветни рисунки, използвайки до осем цвята върху всяко парче, с преобладаване на червено, кафяво и черно. Изображенията на животни често бяха подредени под формата на фриз. В произведенията на мексиканските бижутери се срещат следните мотиви: игра с топка, слънце, пеперуда - символ на небето; устата на чудовището е символ на земята.
Перу.Древните перуански дървени чаши Quero, оформени като човешка глава или с дръжка, оформена като животинска фигурка, са били украсени с гравирани дизайни от геометричен или фигуративен характер, използвайки червено, керемидено розово, тъмночервено, оранжево, тъмнозелено, сиво-зелено и ултрамаринови бои. Перуанските вълнени и памучни тъкани бяха украсени с различни митологични и ежедневни сцени и удивиха с богатството на оцветяването си. Цветовата им гама включваше до 190 различни тона. След 800 г. пр.н.е също така произвеждаше плат тип пергола, който се използваше за граници на дрехи; понякога от него правели цяла дреха унку, подобно на сегашното пончо. Характерният орнамент на тези тъкани е животински: риби, птици, хищни животни, понякога има изображения на хора: водачи, воини, танцьори или митологични сцени. В допълнение, абстрактен декор се проведе в украсата на тъканите - стъпаловидни шарки, меандри; зеленчукът се използва много рядко. Всички рисунки се отличаваха с декоративност и смела стилизация. Перуанците също използвали бродерия за украса на тъкани.
ОРНАМЕНТ НА НОМАДСКИ НАРОДИ
"ЖИВОТИНСКИ СТИЛ"
Ареалът на разпространение на изкуството на степните номади е обширен - от Черно море до езерото Байкал и хронологически се намира в много несигурна времева рамка, между 7-ми и 2-ри век. пр.н.е. Поради факта, че металът играе основна роля в изкуството на номадите, той се свързва с праисторическата епоха на Европа. Сходството на основните социално-икономически условия на живот, мобилността на живота и взаимосвързаността на степните племена доведоха до сходството на идеологията и еднообразието на тяхното изкуство. Това се изразява в т. нар. „животински стил“, който се материализира в златни бронзови бижута, както и в изделия от дърво, филц и кожа. Всички те са украсени с фигури на овни, диви свине, елени, планински кози, тигри. , леопарди, зайци, гъски, лебеди, орли, пеликани, фантастични животни и др., преплитащи се или връхлитащи едни срещу други в яростна битка.
Сцените на животински битки и мъченията на тревопасни животни от хищници бяха много популярни сред номадите и получиха отклик в съзнанието им. Образът на същество с рогато човешко лице, животински уши, лапи с нокти, извита опашка и дълги крила, който идва от изкуството на Близкия изток, е много изразителен.
Във всички неща, във всяка издатина на предмет, в дръжката на гребен, на върха на ножа - навсякъде се крие зооморфен принцип; изглежда, че предметът "пониква" с фигури на животни.
Ранните паметници на скитското изкуство носят следи от силното влияние на древната източна цивилизация - главно месопотамска и урартска (например златна плоча под формата на пантера от могилата Келермес). През 4 век. пр.н.е. Започва силно влияние върху скитската култура на гръцкото изкуство, което се изразява в антропоморфни мотиви.
За ранния период на скито-сибирския „животински стил“ основната характеристика е умишлената затвореност на линиите на фигура или няколко фигури. Тази пластичност на изображението на животното доведе до появата на кръгли плаки под формата на свито в пръстен животно. Затварянето на образа се постига с различни средства - чрез балансиране на детайлите, тяхната хармоничност, чрез контрастиране на плавни линии с изпъкналости, които ги нарушават и, както беше отбелязано по-горе, чрез затваряне на контура в кръгла фигура. Към същите тези характеристики трябва да се добави съществуващата тенденция да се замени изразителността на тялото на животното с изразителността на обобщени, почти геометрични форми.
Друга характерна черта на „животински стил“ е неговата повишена функционалност. Например, лъв държи в устата си птица, чиято извита глава и шия служат като кука за свързване към противоположния край на ремъка.
За ранния период на скито-сибирския стил е типична комбинация от натурализъм с желание за стилизация, опростяване и замяна на цялото изображение с най-характерния детайл.
В средата на I хил. пр.н.е. „Животинският стил“ се превръща в орнаментално-декоративен стил, в който натурализмът постепенно изчезва не само в предаването на цялата фигура на животното, но и в детайлите.
Фигурата на животното се превръща в набор от топки, полукръгове и цилиндри; Анималистичните мотиви се характеризират с шарене и усукване на животински тела в сложни къдрици, превръщайки ги в стилен орнамент на килима.
Пълната доминация на зооморфните сюжети се наблюдава в творбите на източните съседи на скитите - сарматите. Фигури на животни: грифони, кози, мечки, пантери, леопарди, вълци, елени и др. – украсяват различни сарматски неща. Конските сбруи са особено богати на украса.
Майсторите на „животински стил“ често комбинираха всички познати им художествени техники в едно произведение. Но въпреки тяхното разнообразие, което не може да бъде избегнато чрез комбиниране на материали с различни текстури и цветове, както и заимствани теми, господството на един стил, чужд на всякаква еклектика, се усеща навсякъде.
Сарматите идват от Иран. Те се заселват в басейна на Волга до 5 век. пр.н.е. През епохата на великото преселение на народите сарматското изкуство се разпространява в цяла Европа, където са открити изображения, украсени с анималистични мотиви.
„Животинският стил“ на предхристиянска Европа, за разлика от самото „животно“, се отличава с повишен драматизъм и напрежение на формите. В този орнамент е трудно да се идентифицират отделни изображения: всичко изглежда изтъкано в една стегната топка и вече не е възможно да се намери къде започва и свършва изображението на това или онова фантастично животно. Този орнамент е лишен от симетрия, липсват повторения на еднакви форми, липсват интервали, разделящи части от изобразения обект и подчертаващи семантичния акцент на орнаменталния мотив.
В Европа този стил се развива сред германците, келтите и скандинавците. По-късно той приема християнската култура.
Човекът отдавна се стреми да украси дома си и всичко, което среща в ежедневието. Когато правеше нещо, народният майстор не само мислеше за практическото му предназначение, но и не забравяше за красотата. Красотата и ползата в работата му винаги са били неразделни. От най-простите материали - дърво, метал, камък, глина - той създава истински произведения на декоративното и приложното изкуство, разкривайки поетичното разбиране на майстора за света около него. Родната природа винаги е намирала отражение в народното творчество. Скромни цветя и билки, добре познати от детството, трансформирани от въображението на художника, се превърнаха върху повърхността на боядисания продукт в ярък и изразителен орнамент. Един обикновен черпак в ръцете на резбар прие красивата и удобна форма на патица, а охлупенът, който увенчаваше покрива на селска колиба, беше изваян под формата на кон с дебели гърди.
Народното изкуство се е развивало през вековете, с усилията на майстори от много поколения. Тайните на майсторството се предаваха от баща на син. Но когато създава ново произведение, истинският майстор не само разчита на опита на миналите поколения, но и се опитва да намери свое оригинално решение, одухотворявайки всеки продукт със своята личност и талант. Ето защо всяко изделие на народен майстор сякаш запазва топлината на ръцете му.
Декоративно-приложното изкуство има свой език и свои закони. Изразявайки идеята за красота със свои специфични средства, тя никога не се стреми да копира сляпо света около себе си, а предава само най-характерното и изразителното. Художникът творчески преработва форми, открити в природата, като взема предвид конкретния материал, неговите декоративни предимства и особеностите на технологичната обработка.
Както вече беше отбелязано, красотата и полезността са неразделни, те органично се сливат във всяко истинско произведение на декоративно-приложното изкуство. Представете си, че майстор, който иска да направи красива порцеланова чаша за чай, я украси с ажурен изрязан орнамент. Разбира се, пиенето от такава чаша е не само неудобно, но и невъзможно, защото просто я наклонете и чаят веднага ще изтече от прорезните отвори. Това е един от типичните примери, когато необмислената декорация води до подобни странности.
При изработването на всеки предмет майсторът обръща голямо внимание на красотата на формата. Но той също не може да го създаде, без да вземе предвид практическото предназначение на продукта. Чудили ли сте се защо обикновената кана за мляко винаги е с широко гърло, докато други съдове, предназначени за квас, мед или бира, най-често са с тесни гърла? Тайната се оказва проста. Млякото, за разлика от другите течности, образува неразтворими утайки по стените на каната. Те могат да бъдат отстранени само чрез механично действие, т.е. стените на млечните съдове трябва да се измият с парцал или кърпа. Това означава, че вратът им трябва да е такъв, че ръката на човек да може да минава през него свободно. И това трябва да се вземе предвид от грънчаря, който оформя каната за мляко. Всяко намаляване на диаметъра на гърлото води до факта, че съдът не може да се използва по предназначение.
Декоративното завършване на продуктите е от голямо значение, което не само повишава изразителността на формата. Например, остъкляването подобрява външния вид на керамиката, което я прави по-привлекателна. В същото време керамичните съдове стават водоустойчиви и хигиенични.
Художникът-приложник трябва да може да види най-фините нюанси на цвета в различни материали, така както художникът ги вижда в природата. Невзрачното борово или брезово дърво може да бъде също толкова привлекателно, колкото и по-ефектното орехово или махагоново дърво. Просто трябва умело да разкриете скритата красота на тези материали и да им намерите приложение, където всичките им предимства да бъдат разкрити от най-добрата страна. Дори най-простият естествен материал винаги е по-добър от груб фалшификат на по-скъп. Изделие от дърво, боядисано с маслени бои от орех, ще изглежда антиартистично и безвкусно. Цветовете и шарките на широко разпространените камъни са безкрайно разнообразни. Дори обикновеният кремък учудва с богатството на най-фините цветови нюанси, да не говорим за декоративните камъни, чието цветово разнообразие е неограничено. Майсторите резбари на кости различават много цветови нюанси в такъв на пръв поглед ахроматичен материал като костта. Известен е специален вид инкрустация, при която многоцветна композиция е изложена от тънки плочи с голямо разнообразие от естествени цветове. И метал! Поставете месингови, медни и стоманени листове един до друг. Медта е червена, месингът е жълт, а стоманата? Погледнете по-отблизо стоманата, сравнете я с мед и месинг и, разбира се, ще забележите, че има леко синкав или зеленикав оттенък. Ако металурзите делят металите на цветни и черни, то за художниците всички метали са цветни. Създателите на инкрустации знаят това добре, като хармонично съчетават вложки от различни метали, избрани според цвета, например в дървени инкрустации.
В произведенията на декоративното и приложното изкуство текстурата на материала също е от голямо значение. Някои материали, като кост и рог, изискват задължително полиране. При други се предпочита матовото покритие. Доста често декоративната изразителност се постига чрез контрастиране на матови и лъскави повърхности. Например, в централноазиатската резба, islimi полира само изпъкналите елементи на орнамента, оставяйки фона матов. Народните занаятчии познават и усещат добре материала, реагирайки незабавно на най-малките промени в свойствата му в процеса на работа. Изучаването на техниките за художествена обработка на различни материали, разработени в продължение на много векове от народни художници, може да бъде истинско училище за съвременните майстори.
Интересът към декоративно-приложните изкуства, в това число и към народното, нараства всяка година. Партията и правителството проявяват голяма грижа за запазването и развитието на изкуствата и занаятите. Ярко доказателство за това са резолюциите на ЦК на КПСС „За народните художествени занаяти“ (1974) и „За мерките за по-нататъшно развитие на любителското художествено творчество“ (1978). В Конституцията на СССР се подчертава, че в нашата страна „развитието на професионалното изкуство и народното художествено творчество се насърчава по всякакъв начин“ (член 27).
Всяка изложба на народно творчество винаги е откритие, откриване на свят на красота и мъдрост. Изделия от стари и съвременни майстори неизменно предизвикват възхищението на посетителите, а някои имат желание да последват примера на народните майстори. Следователно възникват въпроси: как се прави птица туесок или чип? Какви инструменти и материали са необходими? И т.н. Разбира се, отговорите на тях не могат да бъдат получени в изложбените зали. От плочите върху експонатите можете да разберете само времето на изработката им и името на автора. Понякога се посочва и материалът, от който са направени. На тези и много други въпроси ще намерите отговор в книгата, която е пред вас. Разбира се, тази книга, както всяка друга, не може да ви даде рецепта, с която да постигнете творчески върхове - няма такива рецепти. Само ще ви помогне да направите първите стъпки към овладяването на художествения занаят. И всичко останало ще зависи само от вашите способности, вкус и въображение, умножени по постоянство и упорит труд.
Много е трудно да овладеете техниките за работа върху художествен продукт от описания и трябва да сте подготвени за това. Опитайте се да прочетете текста по-внимателно и не се ограничавайте до четене само на един раздел, посветен на материала, който ви интересува. В декоративното изкуство всичко е взаимосвързано. Един продукт може да комбинира най-различни материали, които трябва да могат да бъдат обработени. Например, в мозаечните комплекти, направени с помощта на техниката на инкрустация, в допълнение към различни видове дърво за вложки се използват метал, стъкло, кост, рог и много други материали.
Не бързайте веднага да се заемете с трудна работа. Техниките за обработка на всеки материал могат да бъдат успешно усвоени, като първо се правят най-простите продукти. Само след натрупване на определен опит можете да си поставите по-сложни задачи.
Не започвайте работа, докато работното място не е внимателно подготвено и инструментите не са разположени рационално и удобно. Винаги помнете и стриктно спазвайте правилата за безопасност. Съхранявайте химикалите далеч от огън и храна в контейнери със запечатани капаци и носете гумени ръкавици, когато работите с тях. Съхранявайте инструментите в специални кутии. Когато работите с инструменти с остри режещи ръбове, уверете се, че ръката, поддържаща детайла, не е разположена на линията на тяхното движение. Носете предпазни очила и ръкавици, когато работите с машини.
Ако решите да изучавате по-задълбочено конкретен занаят, например художествена обработка на кост или дърво, тогава трябва да се обърнете към допълнителна литература, чиито списъци са дадени в края на тази книга. Разбира се, не всяка библиотека разполага с книгите, от които се нуждаете, но те могат да бъдат поръчани от големи библиотеки чрез междубиблиотечно заемане. Проверете в местната библиотека за информация как да направите това.
Иска ми се да вярвам, че независимо къде ще трябва да работите в бъдеще, каквато и професия да изберете, вашето свободно време винаги ще бъде заето с вълнуващи и полезни неща. Възможно е за някои от вас първите ви самостоятелни занимания да бъдат началото на пътя към професионалното изкуство. Този път минава през специални учебни заведения, чиито адреси ще намерите в края на книгата.
Когато практикувате самостоятелно или под ръководството на учител, стремете се не само да научите възможно най-добре техническите похвати на занаята, но и постоянно да развивате вкуса си и, както се казва, да тренирате окото си. Опитайте се да посещавате художествени изложби възможно най-скоро. Много прекрасни образци на декоративно-приложното изкуство могат да се видят в художествени, исторически, краеведски и етнографски музеи, както и в книги, албуми и на страниците на списания. Но не оставайте празни зрители, а се стремете да бъдете изследователи, всеки път се опитвайки да разберете какви художествени и технически техники майсторът успя да постигне съвършенство. Ако във вашия район има предприятие за народни изкуства и занаяти, опитайте се да установите контакт с неговите занаятчии. Можете да ги наблюдавате как работят и в същото време да получавате полезни съвети. Следете списанието Млад техник, което редовно говори за народни занаяти. Между другото, есета от него са в основата на тази книга.
Въпреки че материалите, използвани в декоративното и приложното изкуство, са доста добре проучени, те продължават да крият неограничени възможности. Постоянно търсете нови техники за обработка, опитайте се да комбинирате голямо разнообразие от материали в творбите си и експериментирайте възможно най-често. Само тогава ще можете да изпитате пълноценно истинска творческа радост и голяма част от това, което с любов правите със собствените си ръце, ще даде на околните радостта от срещата с ръчно изработената красота.
"Древни епохи" - Вдясно е снимка на фосилни строматолити, образувани от древни фотосинтезиращи бактерии. Снимката показва съвременни строматолити, открити край бреговете на Австралия. Очевидно както хетеротрофите, така и автотрофите са възникнали по едно и също време. Те са били доста сложно структурирани и са оставили доста органични утайки.
“Древни славяни” - 9. Какво е името на Слънцето? Всяка задача има 4 варианта за отговор. Спомнете си приказките, които описват процеса на върколак. С твоята хитрост. Перун (Сварог) роди двама сина (Сварожичи) - слънцето и огъня. 2. Защо нашите предци са яли месо от мечка? Игор. Най-древните вярвания са почитането на предмети и явления от непосредствената среда.
“Древни държави” - Мемфис Библос Вавилон Йерусалим Ниневия. Кога се появява държавата? Зала за картография. Какво е държава? Страхотно пътешествие из Музея за история на древния свят. Къде са възникнали древните държави? Покажете таблички с имената на основните класи в държавите от Древния Изток. Маркирайте реки и градове, както и държавни граници.
“Древни книги” - Книга – папирусен свитък Книга – глинена маса Книга – пергаментов кодекс. Древна Рус. Написа. Китай. Старинни книги. Албум с рисунки върху палмови листа. стил. Индия. Калам. Новгородски документи от брезова кора. Положените слоеве бяха покрити с плат и влакната бяха внимателно изравнени с дървен чук. Пергамент.
„Древни градове“ - Защо селищата на древните славяни започват да се наричат градове? Какви забележителности се появиха в Древна Рус? Как се казваше укрепеният център на руския град? Новгород. Камера от нар. Новгородски кремъл. Боляри. княз Владимир. Сергиев Посад. Стартирайте теста. Мента. Княз Ярослав. Ключалка. Ров.
„Човешка красота“ - Цели на урока: Да се установи разликата между скелета и мускулите на мъжа и жената. Героинята на Александър Грийн "Алени платна". Сколиозата може да бъде открита по време на флуорография. Древните гърци са използвали ширината на дланта като мерна единица. Пропорции на лицето. Творчеството на учениците. Останалото е извън думите, с изключение на думата „чар“.
Първобитните хора боядисвали телата и лицата си с ярки цветове и използвали грим в различни ритуали и мистични действия. И всяко събитие имаше свой собствен грим, подчертаващ информацията, за която е създадено. Нарисуваните картини са символи, способни да излъчват енергия, която привлича определени събития към собственика.
Важна роля играе информацията, вложена в този елемент от неговия създател. В древни времена хората са знаели стойността на една дума, всеки символ. С помощта на думите са лекували и убивали, с помощта на символи са се защитавали, лекували са, а със символи са можели да ужасяват враговете си, да ги унищожават, да ги съсипват.
В древността тайните на козметичното изкуство са били известни само на жреците и са били пазени в строга тайна. Гримът е имал не само ритуално, мистично и естетическо значение, но е бил предназначен и за медицински цели. Жреците от древни времена са имали знания, с които са могли да променят много в човек, неговия характер, здраве, настроение, живот. Привлечете късмет, покровителството на необходимите хора, подобрете здравето, удължете младостта, обградете човек с енергията на радостта и го направете по-привлекателен. И всичко това с помощта на грим, съчетаващ знания за свойствата на ароматите, ефектите на цветовете, растенията, камъните и тяхното влияние върху човека.
Например гримът на очите, извършен от майстор със специални познания, повишава жизнеността, прави човек общителен, весел, весел, дарява го със специален чар, повишава привлекателността и допринася за успеха в любовта. Правилно подбрана комбинация от аромати, цветове и подходящ дизайн, символ специално за определено действие, нанесен върху подходящи области на тялото, за определени събития, помогна да се излекува човек или да се привлече благоволението на боговете към него, късмет в бизнеса и в живота и удължете младостта.
В онези далечни времена и мъжете, и жените обичаха козметиката. Жените главно за да придадат чар, да подчертаят красотата си, те рисуваха мигли, нокти, устни, коса, вежди, обличаха се красиво и ярко, изчервяваха се и се пудреха и правеха косата си. И мъжете главно за да привлекат необходимите събития и ситуации в живота си, да станат по-смели, твърди, да привлекат успех във всички области на живота, както в бизнеса, така и в любовта.
От древни времена те са учили и на изкуството да бъдеш жена, да бъдеш очарователна и неустоима. В онези дни жена, която не се грижи за себе си и се разхожда из къщата или се появява на обществени места без грим, разрошена и небрежно облечена, не беше на уважение. В погребения, датиращи от 6-то хилядолетие, са открити козметични средства и устройства за тяхното производство и приложение.
В наше време е събран богат опит в тази посока. Козметиката се превежда като Изкуството да украсяваш себе си и овладявайки това изкуство съвършено, можеш да твориш истински чудеса, като се украсяваш, грижиш се за себе си, подчертаваш своята уникалност и чар, учиш се да бъдеш по-уверен в себе си, да обичаш и цениш себе си. , да се отнасяте към себе си с уважение и възхищение.
Но не само правилното използване на висококачествена козметика, но и способността да се грижите за тялото си запазва младостта и енергията за много, много години.
Изкуството да бъдеш млад и очарователен включва хармония във всички сфери на живота. Защото човек може да запази младостта и чара си дълги години, когато е в хармония със себе си и света около него. И това означава, че той уверено се движи през живота. Такова понятие като мързел отсъства в живота му. Човек цени себе си и се отнася с уважение към себе си и хората около себе си. Не клевети и не критикува себе си или другите. Не завижда и не излъчва злоба. Такъв човек има както младо тяло, така и душа и именно младостта на душата допринася главно за запазването на младостта на тялото и организма като цяло.
Използвайки в комбинация всички методи, които насърчават здравето, красотата на тялото и душата, укрепват жизнената енергия, вие ще укрепите тялото си, ще го направите по-здраво, ще го пречистите от мръсна енергия и болести. И ще можете да поддържате ефективността си за дълго време, да бъдете енергични и да изглеждате страхотно.
Човек е толкова стар, колкото изглежда. И няма нужда да се поддавате на всеобщото погрешно схващане, че след 50 години човек вече е стар и немощен. Всичко зависи от вашето настроение и желание: искате ли да бъдете млад и здрав човек възможно най-дълго или, поддавайки се на униние, да изглеждате като древен старец на 30 години?
През цялата човешка история женската красота е била един от най-мощните източници на вдъхновение за хората на изкуството. Въпреки това, дори общоприетите и възпроизведени стандарти за красота с безпристрастен подход едва ли ще зарадват много от нашите съвременници. Знаменитата Нефертити може да се стори прегърбена и неудобна за някои, красавиците на Рубенс може да изглеждат твърде пълни, а други ще намерят високото чело и избръснатите вежди на Мона Лиза за непривлекателни...
И така, какви са били каноните на красотата в различни периоди от развитието на нашето общество?
Всъщност първите произведения на изкуството са били женски фигурки. Археолозите ги кръстиха "Палеолитна Венера". Разбира се, с доста шеги, защото тези „Венери“ изглеждат изключително непривлекателни за нашите стандарти. Лицето, ръцете и краката, като правило, дори не бяха очертани, но примитивният художник богато надари фигурите с преувеличени женски характеристики - увиснали гърди, рязко очертан корем, увиснал до коленете и големи бедра.
Малко вероятно е обаче тези фигури да са канони на красотата. Когато прави „Венери“, художникът е мотивиран не толкова от еротични, колкото от култови мотиви: тук той проявява уважение към зрялата жена, своеобразен „съд“ за бременност. Като се има предвид, че животът на хората от палеолита е бил труден и опасен, такива „плодовити“ жени, които са доживели до зрялост, са били на голяма цена.
Въз основа на по-късни пещерни рисунки, първобитните жени са били стройни, мускулести и не са се различавали много от мъжете.
Красотите на Египет и Крит
Разглеждайки древните египетски изображения, е лесно да се види, че голотата в онези дни не се възприемаше в Египет като нещо осъдително. Дрехите на египетските жени са тънки и полупрозрачни, практически не скриват линиите на тялото, а танцьорките обикновено се представят без горнище.
Идеалът за женска красота се смяташе за висока, стройна брюнетка с широки рамене, плосък гръден кош, момчешки тесни бедра и дълги крака. Чертите на лицето на древната египтянка бяха деликатни, а очите й особено се открояваха. За да придадат на очите блясък и да разширят зениците, в тях се капеше сок от беладона, така нареченият „сънлив ступор“.
Идеалната форма на очите се смяташе за бадемова - тя беше подчертана чрез очертаване на очите със зелена боя, направена от меден карбонат, и удължаване на контура до слепоочията. Също така се смяташе за красиво да се подчертаят вените на шията и слепоочията със синя боя. Древен Египет вече е разполагал с всички основни видове козметика: от пудра и червило до боя за нокти и различни мехлеми. Има дори известни писмени произведения за козметика, като например трактата на Клеопатра „За лекарствата за лицето“.
Египетските жени също обичаха прическите с буфан. Вярно е, че вместо естествено да отглеждат косата си, те го направиха по-просто: обръснаха главите си и сложиха перуки от овча вълна на главите си. За да се подобри прическата, една перука често се носеше върху друга. Перуки са носени не само от благородни хора, но и от обикновени хора (въпреки че перуките им трябва да са „по-скромни“).
Египтяните се стремят да гарантират, че кожата им е гладка, без нито един косъм, затова преди хиляди години са практикували епилация с восък, която е известна и на нашите съвременници. След епилация кожата се намазва с масла и тамян и с помощта на варосва се придава „модерен“ светложълт оттенък.
Дрехите бяха прозрачни. В същото време полите на знатните дами прилепват толкова плътно около прасците им, че походката им става бавна и величествена. Гърдите на египетските жени често са били изложени, но никога не са били специално подчертавани.
Натурализмът на Древен Египет беше сдържан, което не може да се каже Критска мода.В древната култура на остров Крит, очевидно, жената е била центърът на специално внимание. За разлика от елегантната, величествена египтянка, критката била ярка и освободена. Тя се опита по всякакъв начин да подчертае чара си. Фрески и фигурки изобразяват женска фигура с тънка талия и повдигнати гърди, открито надничащи от дълбокото деколте на жилетка. Бедрата бяха подчертани от широка пола, която напълно скри краката.
Оживените лица с чифт носове на критските жени от стенописите са силно гримирани и имат флиртуващо изражение. Нищо чудно, че изображенията на критски красавици накараха изследователите да се замислят за своите съвременници (една от фреските дори беше наречена „Парижанката“).
Антична проба
Ето например "моделните" параметри на Афродита от Книдос, изпълнени от известния Праксител: височина -164 см, гърди - 86, талия - 69, бедра - 93.
От статуите можете да добиете представа за идеалните черти на лицето на една древногръцка жена: големи очи с широка, вековна цепка, малка уста и класически „гръцки“ нос, прав и всъщност продължаващ линията на челото. Гръцките жени, подобно на египтяните, използваха козметика с всички сили: оцветяваха очите и веждите си и изчервяваха бузите си. Най-популярната прическа от онези времена също ни е много позната: това е гръцки възел „коримбос“, вързан на гърба на главата. Чернокожите гъркини предпочитали да изрусяват косите си с алкален сапун и слънчева светлина.
Гръцките канони за красота преминаха към римляните с някои поправки. Идеалната римска жена трябваше да бъде величествена, едра и в никакъв случай слаба. Изискваше се обаче пълнота, съвсем не разхлабена, фигурата трябваше да поддържа благодат и хармония. За римските жени, чиито скелети са генетично по-тънки от тези на гъркините, това условие не е било лесно за изпълнение. Те активно се занимаваха с физически упражнения и също така плътно превързваха гърдите и бедрата си.
Желанието да станеш блондинка премина от гърците към римляните заедно с други канони на красотата. Това беше руса, руса, червена коса, която беше особено ценена в Древен Рим. Проститутките просто са били задължени да имат жълта или бяла коса.
Кожата на римлянките също била избелвана, и то по доста опасен начин – с оловна бяла, което често водело до отравяне. Имаше и други, по-малко опасни „рецепти“: например крем от галета и мляко, сапун от козя мазнина и пепел от буково дърво. А римската императрица Попея била придружавана във всичките си пътувания от керван от петстотин магарета, в чието мляко се къпела всеки ден.
Жени от Китай и Япония
Изглежда никъде красотата не е била толкова изкуствена, както в страните от Далечния изток. Нищо чудно, че един китайски мъдрец е написал: „По-добре е да се възхищаваме на една красавица на сутрешната й тоалетна, след като е напудрила лицето си.“
И наистина, лицата на китайките и японките бяха силно гримирани: толкова голям слой бяло беше нанесен върху лицето, че приличаше на порцеланова маска. Според канона лицето на красавицата трябваше да изглежда възможно най-безстрастно. Челото трябва да е възможно най-високо, за което косата на челото е обръсната, а самото чело по ръба на косата е очертано със спирала. Резултатът беше желаният издължен овал. Японките дори обръсваха веждите си, а вместо тях рисуваха къси дебели линии възможно най-високо.
Устата трябва да изглежда малка (устните като лък). Показването на зъбите винаги се е смятало за лошо възпитание, поради което китайките все още покриват устата си с длани, когато се смеят. Японките са почерняли зъбите си в продължение на много векове от 12-14-годишна възраст.
Между другото, кимоното беше вързано толкова умело, че събличането на жената „кукла“ се превърна в изкуство само по себе си. Японците изпитвали не по-малко удоволствие от този ритуал, отколкото от самия сексуален контакт. Между другото, японците се отнасяха към голотата напълно спокойно и не й придаваха специален еротичен контекст.
Знойна жена от Изтока
Идеята за женската красота сред кавказките народи на Азия (било то араби или индийци) е много сходна. Това трябва да е „изпепеляващата“ ориенталска красота на Шехерезада от „1000 и една нощ“: големи черни очи с мокър облак („като газела“), зъби „като перли“, коса и вежди - гъсти и черни „като смола“ ”, гърди - като „два хълма, увенчани с алени череши, пълни бедра и в същото време тънки пръсти и глезени.
Пълнотата обикновено е била високо ценена от азиатските народи. Достатъчно е да си припомним комплиментите на индийците, които са съмнителни за нашите жени: „красива като крава“ и „грациозна като слон“.
Коремът на красавицата обикновено се сравнява с множество свитъци, подредени един върху друг. В идеалния случай трябва да има три дълбоки гънки и да „изпъква добре“.
В тази връзка бих искал да отбележа, че рецептите на древния индийски любовен трактат „Кама Сутра“, широко рекламиран на Запад, не винаги са подходящи за стройните европейки. Например, любовни хапки, които доставят удоволствие на пълна индийка, могат да оставят болезнени синини по кожата на европейския „идеал“.
Красива дама от Средновековието.
Изморената древност е заменена от аскетичната и сурова епоха на християнството. Голотата и въобще всичко телесно се отричаше като „земно“ и „греховно“. Телата на жените са скрити под широки безформени дрехи, главите им са покрити с пелерина. В модата - бледност, пълна липса на грим, чистота и невинност.
Въпреки това, когато през високото средновековие (XII-XIII век) животът на хората се подобрява и моралът става по-мек, европейският свят отново си спомня женската красота. Тя дойде от света на изкуството. Именно сред провансалските трубадури се заражда култът към Красивата дама, който е земното продължение на култа към Мадоната. Рицарят трябваше да служи вярно на своята избрана дама, „която не познава снизходителност“. Когато влизали в битка, воините често вземали със себе си част от облеклото на любимата си, понякога дори носели нейната риза върху бронята си. Проявите на преданост към Дамата понякога достигаха до лудост: един господин гордо заявяваше, че постоянно пие водата, в която неговата Дама мие ръцете си, друг се обличаше в кожа и скачаше пред „обекта на желанието“, като верен куче.
Външният вид на „Красивата дама“ трябва да има следните предимства. Първо, тънко и гъвкаво тяло, за предпочитане S-образен силует. Бедрата трябва да са тесни, гърдите трябва да са чисти и малки. Това беше подчертано от дълги тесни дрехи. Високата талия и леко изпъкналият корем (като символ на бременност) също бяха ценени.
Слабостта и бледността продължават да остават „на мода“, но бузите на идеалната дама трябва да имат блясък на бузите, а очите им трябва да са „ясни и весели“. Въпреки факта, че архиепископ Анселм от Кентърбъри публично обяви русата коса за нечестива практика, косата през Средновековието отново беше ценена, когато беше руса и за предпочитане къдрава. Вярно, те можеха да се видят разхлабени само на неомъжени момичета. Омъжените дами скриха къдриците си под покривки, шапки или ги сложиха в мрежа. В това отношение високото чело придобива специална стойност.
Съживяване на тялото
Постепенно църквата губи всеобхватната си власт в Европа. Социалният живот придобива все по-голяма тежест и все повече нахлува в изкуството. Италианските хуманисти преоткриват каноните на античната красота за Европа. Изкуството на Древна Гърция става модел за художници и скулптори. Заедно с това се връща и вниманието към човешкото тяло като такова. Голотата все повече се появява в светските картини.
Майсторите на Ранния Ренесанс все още не са били твърде далеч от средновековния идеал за красота: „Венера“ на Ботичели има позната крехка фигура с наклонени рамене. Въпреки това, с появата на така наречените „титани на Ренесанса“ - да Винчи, Микеланджело, Рафаело - идеалната женска фигура се трансформира. Сега тя е величествена, пълнокръвна, „телесна“ висока жена с широки рамене, буйни гърди, широки бедра, пълни ръце и крака. Отдалеч е лесно да объркате мощните торсове на жените на Микеланджело с тези на мъжете. Виждаме същото в картините на да Винчи, Тициан и други майстори. Празникът на телесната пълнота достига своя връх в картините на Рубенс.
Тясната готическа рокля също се заменя с обемна, талията заема естествена позиция. Широки ръкави и пола, тежки материи (сатен и кадифе) придават тежест на женската фигура. По това време се появи нова дума "grandezza", което означава величествен, благороден външен вид.
Модата на високото чело остава от Средновековието, чиито плавни линии не трябва да се нарушават дори от веждите (те често са били обръснати). Косата е „освободена“ на свобода. Сега те трябва да са ясно видими - дълги, къдрави, златисти.
Барокови и рококо жени
В епохата на барока (края на 16-17 век) естествеността отново излиза от мода. Заменя се със стилизация и театралност. Разцветът на барока идва по време на управлението на френския „Крал Слънце“ Луи XIV. Оттогава френският двор започва да диктува модата в цяла Европа (т.нар. „Версайски диктат“). Благородството го възприема от любовниците на краля и го разпространява по-нататък.
Женското тяло в бароковия период, както и преди, трябва да бъде „богато“ с „лебедова“ шия, широки рамене, изхвърлени назад и извити бедра. Но талията вече трябва да е възможно най-тънка, а корсетите с китова кост идват на мода. В допълнение, корсетът изпълнява и друга функция - визуално повдига гърдите, обикновено почти отворени със смело деколте.
Краката продължават да са скрити под полата, която се държи на обръчи и достига значителна ширина. Пищните дрехи с волани отдавна са се превърнали в един от основните елементи на женската неустоимост. Помпозността на външния вид се проявява най-ясно в широкото използване на луксозни яки и перуки, които съществуват сред благородството в продължение на почти три века. Необходимите аксесоари за дамите включват ръкавици, ветрила, чадъри, маншони и бижута.
В началото на 18в. Започва ерата на рококо и женският силует отново се променя. Сега жената трябва да прилича на крехка порцеланова фигурка. Тържествената помпозност на барока е заменена от грация, лекота и игривост. При това театралността и неестествеността не изчезват – напротив, те достигат своя връх. И мъжете, и жените придобиват вид на кукла.
Красавицата в стил рококо има тесни рамене и тънка талия, малък корсаж, контрастиращ с огромна кръгла пола. Деколтето се увеличава, полата също се скъсява донякъде. В тази връзка започва да се обръща голямо внимание на бельото. На мода са чорапите, а долната пола е богато украсена. Богатството на бельо също става важно благодарение на сутрешните дамски церемонии, в които участват и господата.
С всичко това роклята почти не подчертава фигурата. Вниманието е насочено към шията, лицето, ръцете, които изглеждаха крехки сред дантелените волани, волани и панделки.
Галантните дами слагат толкова много грим на лицата си, че според тях съпрузите често не разпознават жените си. И тъй като прахът в онези дни се правеше от брашно, прекомерните изисквания на модниците понякога дори причиняваха временен недостиг на този хранителен продукт в страната.
В епохата на рококо перуките придобиват наистина гротескни, причудливи форми. На главите си те носят цели натюрморти от цветя, пера, лодки с платна и дори мелници.
На мода влязоха и специални черни копринени лепенки, наречени „мухи“. Те служеха като вид любовна символика, фокусирайки вниманието на господата върху определени части от женското тяло. Поради тази специфика „мухите“ често се залепват не само върху отворени части на тялото, но и под дрехите. Някои смятат, че появата на "мухи" е причинена от епидемия от едра шарка и първоначално са скрили белезите, причинени от тази ужасна болест.
Стил класицизъм и ампир
Когато през 1734 г. френската балерина Сейл се представя в лека прозрачна пола, набрана по старинен модел, парижката публика я освирква. Но в Англия облеклото й беше оценено. Факт е, че докато рококо върлува във Франция, в Мъгливия Албион отново започват да преоткриват „гръцкия вкус и римския дух“, както обяви Лондонското дружество на любителите на античността. Класицизмът започва в модата.
Дори бижутата излизат от мода за известно време. Смята се, че колкото по-красива е една жена, толкова по-малко се нуждае от бижута.
Имитацията на древни дрехи (главно хитон и пеплос) също промени силуета на жената. Роклята придобива ясни пропорции и плавни линии. Основното облекло на модниците се превърна в снежнобял шмиз - ленена риза с голямо деколте, къси ръкави, стеснени отпред и свободно обгръщащи фигурата отдолу. Коланът се премести точно под гърдите. Тъй като тези рокли бяха направени предимно от тънък полупрозрачен муселин, модниците рискуваха да настинат в особено студени дни. Следователно, благодарение на египетската кампания на Наполеон, кашмирените шалове влязоха в модата като „добавка“ към шмиза, които бяха широко популяризирани от съпругата на императора Жозефин.
IN 19 векмодата се промени бързо, кринолините замениха древния идеал, самите те бяха заменени от суета, която от своя страна претърпя много промени и до края на века почти напълно загуби позициите си ...
Височината на красотата беше „аристократична красота“: талия на оса, бледо аристократично лице, прекомерна елегантност на тялото.
Дамите се измъчваха с диети и почистващи клизми, които личните лечители препоръчваха да приемат в навечерието на бала - „за да увеличат блясъка в очите“. Тъмните кръгове под очите бяха знак за духовност. По това време синът Дюма пише, че в парижките гостни туберкулозата се смята за болест на интелектуалния елит. Най-модерните дами не използваха руж, но носеха големи панделки около врата си. Всички искаха да бъдат като Виолета Валери от "Дамата с камелиите".
В края на 19-ти век жените напълно полудяха от страстта към слабост; Дори бъдещите майки бяха издърпани в корсета, опитвайки се да достигнат желаната марка на измервателната лента - 55. Това беше точно размерът на талията, предписан от модата на онези времена. През 1859 г. след бал умира модница на 23 години. Аутопсията разкрива, че пренатягането на корсета е причинило три ребра да проникнат в черния й дроб.
Много по-късно жените откриват, че буйната Нана, героинята на Зола, е много по-привлекателна от „Дамата с камелиите“. Най-възрастните започнаха да се изчервяват и да се гримират, като жените от панела, ужасени от мисълта, че може да се разболеят от туберкулоза. Стана много по-популярно да се умира от апоплексия.
На границата на 19-ти и 20-ти векмодата е прекалено екстравагантна. Тя е осмивана. Ето как N.A. описва „демоничната жена“ от този период. Тефи в едноименната история:
„Демоничната жена се различава от обикновената жена преди всичко по начина си на обличане, тя носи черно кадифено расо, верига на челото си, гривна на крака си, пръстен с дупка за калиев цианид, който със сигурност ще бъде донесен. нейния следващия вторник.
В началото на 19-ти и 20-ти век идеалът за женска красота на Запад се доближава до източния. Красавицата приличаше на хризантема.
Грациозната дама сега изглежда така: малка глава с висока прическа преминава в удължен торс, компресиран като стрък цвете от корсет; тесни ръкави и увиснали рамене приличат на листа; тясната пола е допълнена от суматоха; високите токчета правят походката на жената несигурна, което придава крехкост на цялата фигура.
IN ХХ векНяма единен стандарт за женска красота, но съдейки по модните модели, модните дами са стройни (поне 170 см) с развити гърди, тясна талия, широки бедра и дълги крака.
Стилът Арт Нуво, възникнал в началото на 19-ти и 20-ти век, се превръща в определяща посока на епохата - усещането за упадък, безнадеждност и трагизъм води до появата на упадъка, който бележи кризата на европейската култура. В желанието си да се противопоставят на общоприетия буржоазен морал, привържениците на движението издигат красотата в култ, дори и да е продължение на порока. Отговаряйки на изискванията на времето, модата диктува отпадналост, бледност и подчертан трагизъм. Балетът - една от най-изисканите и абстрактни форми на изкуството - стана белег на времето и определи всичко, което се превърна в естетически фетиш на цяло поколение: светските салони възприеха всички негови сценични открития - мотиви от Изтока, драматичен образ, подчертан с грим, отхвърляне на корсети и свободни силуети.
Феноменалният успех на "Руските сезони" на Дягилев в Париж породи възхищение от руските балерини - името на легендарната Анна Павлова, първата изпълнителка на "Умиращият лебед", стана еталон за съвършенство в продължение на много години. По това време понятието „секс символ“ не съществуваше и самата естетика на модернизма не предполагаше призив към земното и разбираемото - мъжете от онова време искаха да почитат и да се покланят. Фантастичният успех на руската балерина даде на света образа на въздушна и неземна красота, което беше важно за формирането на каноните на красотата в контекста на ерата на упадъка.
Грета Гарбо влиза 20-те годинисъщо се превърна в символ на естетиката на упадъка; най-търсената актриса на нямите, а след това и на звуковите филми от началото на ХХ век, тя беше въплъщение на мъжките (и женските) мечти - тънък профил, огромни тъжни очи, театрално зрелищна отстраненост и невероятна за онова време еротика. Съвременниците смятаха Гарбо за истинско въплъщение на греха - и това в епоха на разврат, упадък на традиционните морални ценности и революции!
Именно Гарбо стана основател на андрогинния тип женска привлекателност, съчетавайки образа на неясна и двусмислена жена вамп и мъжествено момиче спортист в панталони и шапка с широка периферия. Този тип красота и сексуалност много бързо излезе от мода, но в онази епоха Гарбо нямаше и не можеше да има съперници - строга и съблазнителна в същото време, тя даде на света нов тип, чието еротично привличане се основаваше върху усещането за студ, тайнственост и непостижимост. Екранният образ толкова се привърза към актрисата, че в стремежа си да остане вечна мистерия, тя напусна киното на върха на кариерата си.
30-те годиниДвадесети век е кратък момент в световната история между две големи войни, когато човечеството се обръща към ослепителния лукс в опит да избяга от реалността. Голямата депресия, войните и революциите породиха усещане за нестабилност и, както обикновено по време на криза, обществото играеше за съпротива - на пресечната точка на модерността и неокласицизма се роди същият класически блясък, когато актрисите бяха ослепително красиви, модата беше наистина елегантна, а Холивуд преживяваше златна ера на безупречен лъскав стил.
Жена, която излезе навън с небоядисани устни, се смяташе за гола и всякакви прояви на естественост се считаха за лоши маниери. Иконите на красотата и стила на онова време бяха поразителни със своята грижа, изисканост и изтънченост, те бяха почти отчайващо бляскави в желанието си да отговарят на високите стандарти на епохата.
IN 40-те годиниХоливуд вече се е превърнал в пълноправен законодател на модата за канонични красавици, но страната живееше в очакване на война и затова шикозните дами в коприна и мъгла временно напускат екраните. Отпечатъкът от социалната позиция на масовото изкуство лежеше буквално върху всичко - жените се стараеха да не бъдат завладяващи и желани, а активни, решителни, равни на мъжете в почти всичко.
Модата на блондинките остава в миналото - на върха на популярността са кафяви коси, наивни изражения на лицето, кукленски прически, малки, рязко изразени устни. Нов социален феномен на „момичето от корицата” се ражда благодарение на невероятната популярност на списание Life на 11 август 1941 г. с образа на полуголата красавица Рита Хейуърт, която украсява атомната бомба, хвърлена на остров Бикини. Благодарение на тази фотосесия понятието „секс бомба“ започва да се използва и момичето модел за една нощ се превръща в обект на желание за цяла Америка.
С края на войната женствеността естествено се връща на мода. За повратна точка в света на „висшата мода” се смята 1947 г., когато Кристиан Диор представя колекцията „Нов поглед”. Силуетът на новия идеал за красота отсега нататък стана такъв: кръгли наклонени рамене, плътно прилепнал корсаж, подчертаващ гърдите, тънка талия, малка глава и крака в леки обувки на висок ток. Роклята се удължаваше до средата на прасеца и се разширяваше. За да се засили впечатлението от заоблените линии на гърдите и талията, големи количества плат бяха драпирани под талията, разширявайки ханша. За да се създаде „ефирност“ на роклята, често се отстранява многослойна фуста. Отново започнаха да се използват корсети (но предимно не твърди).
Открити през 1938 г., найлоновите чорапи стават общодостъпни, премахват надлъжните шевове и завладяват сърцата на жените за дълго време.
Идеалът за красота 1950 гстана Мерилин Монро - пълна блондинка с навита коса до раменете, „приканващи“ устни, буйни гърди, бедра и талия, в името на нейната миниатюрност филмовата звезда премахна две долни ребра.
Сега обаче дизайнерите са постъпили мъдро. Вместо да популяризират един тип красота, те са пионери във въвеждането на множество силуети на рокли. През 1958 г. Dior представя на обществеността „трапецовидна“ линия облекло, която се разширява от раменете, както и широка линия „с форма на торба“, в която талията „изчезва“ напълно. Модата става, както се казва, за всеки вкус...
Мини и секси, хипи и Туиги (1960-70-те)
60-те години на миналия век бяха белязани от младежка и сексуална революция. Младите и дръзки, може би за първи път в историята, обявиха създаването на собствен мироглед, своя музика и своя мода.
Едно от най-ярките постижения на модата е окончателното „освобождаване“ на женските крака, предприето от британския моден дизайнер Мери Куант. Тя е тази, която изобретява миниполата, за която дори е наградена с Ордена на Британската империя през 1966 г. (въпреки че тълкуването на наградата е „за заслуги към английския износ“). Чорапите вече стават ненужно рискови, а чорапогащниците, особено непрозрачните, идват на мода.
За да се рекламира "мини", беше необходим и съответен модел. Ако преди славата на „идоли на красотата“ принадлежеше на „оформени“ жени, предимно актриси, сега тя е спечелена от 16-годишното момиче Туиги (в превод от английски „клонка“, „клонка“). Прякорът не е даден напразно: с височина от 1 м 65 см, тя тежи само 45 кг! Филмите също така запазиха образа на други „идеали за красота“ от 60-те години: секси и луксозната BB - Бриджит Бардо и елегантната и изискана Одри Хепбърн.
Късните 1960 гхипитата, така наречените „деца на цветята“, започват да диктуват младежката мода. Скъсаните дънки, бижутата с мъниста, дългите коси, ярките рокли на цветя, заедно с проповядването на свободната любов и връщането към природата, изглеждаха екстремни и революционни тогава. Хипитата съзнателно се противопоставят на своите „бащи“ и въплъщават „антимодата“.
Въпреки това, голяма част от радикалната хипи мода 1970 г, „галено и сресано“ става „мейнстрийм“. На първо място, това са изгорени панталони, ярък декор, цветни тъкани, плетени изделия - шалове, пуловери, водолазки. Полите отново се удължават в облеклото. Жените спират да носят сутиени. Навлизат на мода синтетичните тъкани, устойчиви на бръчки.
Идеалът за женска красота е крехка, висока, блондинка с плоски гърди с големи очи, страничен бретон и тънки вежди. За съветските хора женският стандарт от 70-те години на миналия век е в много отношения Барбара Брилска от филма „Насладете се на банята си!“
През 80-те години капиталистическият свят забогатя и най-накрая се превърна в „консуматорско общество“. Богатството и властта, показният шик и лукс станаха основните ценности на тази епоха. Делова, самоуверена бизнесдама и вулгарно, агресивно секси момиче - това са двата основни женски образа на 80-те.
Строгият бизнес костюм, изработен от скъпи тъкани, отново се характеризира с широка линия на раменете - олицетворение на силата и силата на феминистките жени. Панталоните се носят или прави, или „банан“ - стеснени надолу. За да потвърдят високата цена на нещата, много етикети на модни марки се поставят отпред на дрехите.
Една жена се стреми по всякакъв начин да изглежда впечатляваща и освободена. Фитнесът и аеробиката са на мода, което означава стройно, атлетично тяло. За мързеливите отново има силикон и пластична хирургия.
Тесни рокли, еластични бодита, клинове и други артикули от ликра и стреч са предназначени да демонстрират сексуалността на извивките. Благодарение на поп певицата Мадона бельото престава да бъде нещо интимно и за първи път излиза пред публика. Козметиката става ярка и провокативна, прическите стават разрошени и многоцветни, бижутата стават масивни (в много отношения това е отговор на следващата „антимода“ на пънкарите, която нашумя в края на 70-те години).
През 80-те години на миналия век започва ерата на „супермоделите“; сега те са модели за подражание.
През 90-те години модното махало отново се завъртя в обратната посока. Луксът е заменен от минимализъм, демонстративната сексуалност от унисекс, а пълните модели от кльощавата Кейт Мос. На мода е изчистеният силует и липсата на декорации. Основателят на унисекс модата Калвин Клайн излага мотото „Просто бъди!“ Елементите на мъжкия костюм проникват в женския и обратно – мъжкото облекло се моделира според женските канони. Сега момчетата и момичетата се обличат еднакво - тениски, широки панталони, дебели ботуши на платформа. Вторичните полови белези не се подчертават по никакъв начин.
Но още в края на 90-те години „унисекс“ и „хероиновият шик“ избледняват. Човечеството отново се влюби в закръглени, здрави красавици. Модната индустрия обаче вече не се стреми да се ангажира с нови модели, като непрекъснато ги променя. Модните тенденции също се менят шеметно, като повечето от тях смесват и цитират минали епохи.
Какво ни предстои? Ще почакаме и ще видим :) Но честно казано, не бих искал модата да се придържа към един "канон", всички сме толкова различни, че би било непростимо да ни лишат от нашата индивидуалност, разчитайки на капризи на дизайнери.
