Rembrandt Harmenszoon van Rijn är en världsberömd målare och grafiker. Rembrandts biografi är mycket intressant, så det är inte förvånande att ett stort antal konststudier och vetenskapliga monografier ägnas åt studiet av hans liv och arbete.
tidiga år
Konstnären Rembrandt, vars biografi behandlas i denna artikel, föddes i familjen till mjölnaren Harmen Gerrits 1606. Hans mor hette Neltje Willemsdochter van Rijn.
På grund av att det gick bra med min far på den tiden fick den blivande målaren en ganska bra utbildning. Han tilldelades en latinskola, men den unge mannen gillade inte att studera där, så hans framgång lämnade mycket att önska. Som ett resultat av detta gav fadern efter för sin sons önskemål och lät honom gå och studera vid Jacob van Svanenbürchs konstverkstad.
Rembrandts biografi är intressant eftersom hans första mentor inte hade ett starkt inflytande på målarens konstnärliga stil. Det största inflytandet på den blivande konstnären gjordes av hans andra lärare, som han bytte till efter tre års arbete på Svanenbürch. Det var Peter Lastman, som Rembrandt bestämde sig för att följa när han flyttade till Amsterdam.
Kreativitet och biografi om konstnären
En kort biografi om Rembrandt van Rijn tillåter inte en detaljerad presentation av hela hans karriär och liv, men huvudpunkterna är fortfarande fullt möjliga att förstå.
År 1623 återvände konstnären hem till staden Leiden, där han 1628 hade skaffat sina egna elever. Information om hans tidigaste kända verk går tillbaka till 1627.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn gick stadigt och flitigt mot sin kreativa framgång - biografin om den begåvade målaren indikerar att han i de tidiga stadierna av sitt arbete arbetade outtröttligt.
På den tiden målade han främst sin familj och sina vänner, samt scener från livet i sin hemstad. Galleriet i Kassel innehåller ett porträtt av en man med en dubbel guldkedja runt halsen, som går tillbaka till denna period i livet för konstnären känd över hela världen som Rembrandt. Redan då började denna målares biografi och arbete att väcka uppmärksamhet.
Flyttar till Amsterdam
År 1631 flyttade den unge mannen för att bo i huvudstaden - staden Amsterdam. Från och med nu dyker han extremt sällan upp i sina hemländer. Biografi om Rembrandt i detta skede av hans liv och arbete är full av bevis på att han snabbt fick berömmelse och kreativ framgång i de rika kretsarna i Amsterdam.
Detta är ett mycket fruktbart skede i en artists liv. Rembrandt, vars korta biografi beskrivs i vår artikel, arbetade mycket hårt, uppfyllde många order och glömde samtidigt inte att ständigt förbättra. Konstnären hämtade från livet och graverade in intressanta karaktärer som han stötte på i stadens judiska kvarter.
Sedan målades sådana berömda målningar som "Anatomy Lesson" (1632), "Portrait of Coppenol" (1631) och många andra.
Kreativ och ekonomisk framgång
År 1634 gifter Rembrandt sig med Saskia van Uhlenborch, dotter till en framgångsrik advokat. På många sätt markerade detta den mest framgångsrika perioden i konstnärens liv och arbete. Han har tillräckligt med pengar och många order, som han villigt uppfyller.
Rembrandts biografi från den perioden indikerar att han var mycket förtjust i att måla sin fru, och inte bara i porträtt, utan också ofta hennes bild kan ses i andra målningar av målaren.
De mest kända målningarna som föreställer konstnärens unga fru är:
- "Porträtt av Rembrandts brud";
- "Porträtt av Saskia";
- "Rembrandt med sin fru".
Rembrandt: en kort biografi efter hans första frus död
Den unge mannens lyckliga äktenskap varade inte särskilt länge. Efter sju års äktenskap dog Saskia plötsligt 1642. Och från det ögonblicket börjar hela konstnärens liv förändras till det sämre.
Trots att Rembrandt gifte sig en andra gång hade han inte längre samma lycka som i sitt första äktenskap. Hans tidigare hembiträde, Gendrikie Jagers, blev hans livskamrat.
Under den livsperioden upplevde konstnären allvarliga materiella svårigheter, och inte på grund av brist på arbete och beställningar, utan på grund av sitt eget beroende av att samla konstverk, som han spenderade större delen av sin inkomst på.
Hans passion för inkassering ledde till att han 1656 förklarades som gäldenär som inte kunde betala av sina skulder, och 1658 fick han avstå från sitt eget hus för att kunna betala skulder. Från det ögonblicket bodde konstnären på ett hotell.
Förvärrade situation
Familjen Hendrikies och Rembrandts son Titus grundade ett handelsbolag för försäljning av konstverk. Det gick dock fortfarande inte särskilt bra och efter Gendrikies död 1661 blev situationen ännu värre. Sju år senare avled också sonen som drev verksamheten i företaget.
Den stora konstnärens ekonomiska situation blir helt enkelt fruktansvärd, men fattigdomen har inte dödat hans önskan att skapa. Han fortsätter att ihärdigt måla bilder, som dock inte längre åtnjuter samma framgång bland hans samtida som tidigare, eftersom allmänhetens smaker har förändrats under åren.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn dog i oktober 1669, helt ensam och i extrem fattigdom.
Rembrandt: biografi, målningar
Till skillnad från den store målarens samtid, uppskattade de kommande generationerna mycket inte bara konstnärens tidiga arbete, utan också Rembrandts senare verk och dukar. Idag är mästaren personifieringen av holländsk målning och en av dess mest framstående representanter.
Huvudledmotivet i allt hans verk kan kallas realism, som genomsyrar alla författarens verk. Rembrandt visar till och med mytologiska tomter och demonstrerar de antika grekiska gudarna och gudinnorna i skepnad av invånarna i Holland idag. Ett slående exempel på detta kan kallas målningen "Danae", som förvaras i Statens Eremitagemuseum i St. Petersburg.
Vissa mytologiska målningar har i allmänhet en halvkarikatyrbild av gudar och gudinnor. Detta kan spåras i verket "The Abduction of Ganymede" (andra namn "Ganymedes in the claws of an eagle"), som förvaras i Dresden-museet. Här överensstämmer inte proportionerna med Ganymedes kropp med verkligheten, vilket inte talar om den låga skicklighetsnivån hos konstnären av bilden, utan om hans målmedvetna karikerade inställning till att skildra karaktären på duken, eftersom Rembrandt i många målningar enkelt utför t.o.m. komplexa element som skildrar delar av människans fysiologi och anatomi.
Konstnärens porträtt kännetecknas i allmänhet av oöverträffad realism och trovärdighet för sin tid, vilket talar om mästarens otroliga talang och förmågan att överföra vad han såg i livet till duken, såväl som hans ganska djupa kunskap om mänsklig anatomi och fysiologi .
Konstnären behandlar olika småsaker och små tillbehör mycket noggrant och exakt för denna typ av arbete. Detta syns tydligt på bilderna:
- Kalligraf (Statens Hermitage);
- Anatomi lektion (Mauritshuis);
- "Guild of Weavers" (Amsterdam Museum).
Kreativ stil
För Rembrandts verk är det karakteristiskt att alla viktiga delar av bilden alltid lyfts fram av konstnären, oavsett kompositionsdrag. Konstnären strävar inte alltid efter att visa om de personer eller föremål som avbildas är korrekta ur verklighetens synvinkel. Han kännetecknas av medveten överdrift.
Huvuddraget som har gått igenom alla hans verk är bristen på ljusa färger och briljans. Dessutom kan detta ses från konstnärens tidigaste verk. Och detta skiljer dem mycket från målningarna av italienska mästare eller till exempel från den flamländska målaren Rubens verk.
Rembrandt lade största vikt vid färgspelet med ljus och skugga. I detta är hans skicklighet erkänd och oöverträffad till denna dag. Ibland är ljus- och skuggspelet av färger på konstnärens dukar så starkt att konstexperter fortfarande bråkar om vilken tid på dygnet som avbildas i bilden.
Ett av de ljusaste exemplen på Rembrandts målningar med en så magnifik palett är kanske hans mest kända målning "Nattvakt", debatten om vilken fortsätter idag.
"Nattvakten"
Den här bilden bär det officiella namnet "Tal av kapten Frans Banning Kocks och löjtnant Willem van Ruutenbürgs gevärskompani", men över hela världen brukar den bara kallas "Nattvakt".
Men på grund av konstnärens kärlek till ljus-skuggspelet av färger som beskrivits ovan, pågår tvister om vilken tid på dygnet som avbildas i bilden, dag eller natt, fortfarande och det finns inget definitivt svar.
Denna duk är en symbol och det mest slående verket av inte bara Rembrandt själv, utan för hela den holländska målarskolan. Det anses vara Konungariket Nederländernas egendom och världskonsten i allmänhet.
Miljontals turister från hela världen kommer till Amsterdam varje år för att besöka Rijksmuseum och beundra den berömda målningen. Alla ser i den något eget, alla har sina egna intryck och åsikter om denna duk. Men faktum förblir alltid oförändrat att detta magnifika verk av den berömda skaparen lämnar absolut ingen oberörd.
Slutsats
Idag är målaren och grafikern Rembrandt, vars korta biografi och arbete har beskrivits i den här artikeln, inte bara sitt hemlands stolthet. Han är känd över hela världen, och hans målningar beundras av konst- och målerikännare över hela planeten. Konstnärens målningar köps ivrigt för fantastiska pengar på auktioner där målningar och konstverk säljs, och namnet Rembrandt hörs av alla som har ens den minsta aning om konst.
Det är svårt att överskatta det kreativa bidraget från denna stora konstnär till målningen och kulturen i hans land och hela världen. Det är inte för inte som den holländska målarskolan idag främst förknippas med namnet Rembrandt Harmenszoon van Rijn.
Och hans arbete, som presenteras i artikeln, kommer att introducera dig till en av de största konstnärerna genom tiderna. Rembrandt Harmenszoon van Rijn (år av hans liv - 1606-1669) - berömd holländsk målare, etsare och tecknare. Hans verk är genomsyrat av önskan att förstå livets väsen, såväl som människans inre värld. Rembrandt var intresserad av rikedomen av känslomässiga upplevelser som finns i människor. Denna konstnärs verk är höjdpunkten av holländsk konst från 1600-talet. Det anses också vara en av de viktigaste sidorna av den konstnärliga kulturen i hela världen. Även människor som är långt ifrån målande känner till hans verk. Rembrandt är en fantastisk artist vars liv och arbete säkert kommer att intressera dig.
Rembrandts konstnärliga arv
Det konstnärliga arv som han lämnade till oss är extremt mångsidigt. Rembrandt målade porträtt, landskap, stilleben, genrescener. Han skapade målningar på mytologiska, bibliska, historiska teman, såväl som andra verk. Rembrandt är en oöverträffad mästare på etsning och teckning.
Livet i Leiden
Rembrandts liv 1620 präglades av en kort studie i Sedan bestämde han sig för att ägna sitt liv helt åt konsten. För detta ändamål studerade han först i Leiden under J. van Swanenbürch (ungefär 1620-23), och sedan i Amsterdam under P. Lastmann (1623). Mellan 1625 och 1631 arbetade konstnären i Leiden. Här skapade Rembrandt sina första verk.
Det bör noteras att hans verk relaterade till Leiden-perioden kännetecknas av sökandet efter kreativt oberoende hos författaren, trots att inflytandet från Lastman, såväl som representanter för den holländska karavaggismen, är märkbar i dem. Ett exempel är verket "Bringing to the Temple", skapat omkring 1628-29. I "Aposteln Paulus" (cirka 1629-30), såväl som i "Simeon i templet" (1631), tog konstnären först till chiaroscuro som ett medel utformat för att förstärka bildernas känslomässiga uttrycksfullhet och andlighet. Samtidigt arbetade Rembrandt hårt med porträttet. Han studerade ansiktsuttryck.
1630 år i Rembrandts liv
En viktig händelse i mästarens liv ägde rum 1632. Att flytta till Amsterdam markerade biografin om konstnären Rembrandt. Hans biografi som går tillbaka till denna tid är följande.
I Amsterdam gifte sig snart konstnären vi är intresserade av. Hans utvalda var Saskia van Eilenburch, en rik patricierkvinna (hennes porträtt presenteras ovan). Den här kvinnan var totalt föräldralös. Hennes far var rådman i Friesland, en borgmästare från Leverden. Saskias två bröder var advokater. Bland släktingarna till denna kvinna finns många regeringstjänstemän och vetenskapsmän. Hon gav en stråle av lycka till konstnärens ensamma boning. Rembrandt möblerade sitt hus med många sällsynta föremål, som ett resultat av vilket han blev ett riktigt museum. Mästaren tillbringade mycket tid i skräppostaffärer, på försäljningar och auktioner. Han köpte tryck och målningar, indiska och kinesiska sniderier, gamla vapen, statyer, dyrbar kristall och porslin. Alla dessa saker fungerade som bakgrund för målningarna som han skapade. De inspirerade konstnären. Rembrandt älskade att klä sin fru i sammet, brokad och siden. Han överöste henne med pärlor och diamanter. Hans liv var lätt och glädjefullt, fullt av kreativitet, arbete och kärlek. I allmänhet är 1630-talet en tid av familjelycka och stor konstnärlig framgång.
Porträtt av 1630-talet
Alla porträtt från 1630-talet visar Rembrandts subtilitet och iakttagelse. Detta för honom närmare Keisser, van der Helst, Rubens och Van Dyck. Dessa målningar är vanligtvis gjorda på en ljusgrå platt bakgrund. Ofta är hans verk i ovalt format. Rembrandt skapade porträtt som häpnar med sin enorma plastkraft. Det uppnås genom att förenkla chiaroscuro och svartvit harmoni, samt direkt blick av modellen. Alla verk är fulla av värdighet, väcker uppmärksamhet med komposition och dynamisk lätthet. I målningarna från Amsterdam-perioden, i jämförelse med de Leyden, är texturen mjukare. Händernas rytm har en symbolisk betydelse (konstnären visar medvetet inte en hand). Detta, liksom figurens huvudvändning, påminner om barockens föränderlighet och flyktighet.
Kännetecken för några porträtt från 1630-talet
När man beskriver Rembrandts liv och arbete under denna period, kan man inte annat än hänvisa till de porträtt han skapade. De är ganska många. Rembrandts Anatomy Lektion av Dr. Tulp (bilden ovan) skapades 1632. I den närmade författaren innovativt lösningen av problemet med gruppporträttet, vilket resulterade i att kompositionen visade sig vara avslappnad. Rembrandt förenade alla människor som representerades i bilden med en enda åtgärd. Detta arbete gav honom stor berömmelse.
I andra porträtt, skapade på många beställningar, förmedlade konstnären noggrant kläder, ansiktsdrag och smycken. Ett exempel är verket "Portrait of a Burgrave", som målades 1636 av Rembrandt Garmens van Rijn. Varje konstnärs liv och arbete är nära besläktade. Till exempel är porträtt av människor nära Rembrandt, såväl som hans självporträtt, mer olika och fria i sammansättning (en av dem, skapad 1634, presenteras ovan). I dem var konstnären inte rädd för att experimentera och strävade efter psykologisk uttrycksfullhet. Här måste vi också nämna självporträttet, skapat 1634, och "Leende Saskia", skrivet 1633.
Den berömda målningen "Merry Society", eller "Självporträtt med Saskia" (foto av detta arbete presenteras ovan), avslutade sökningen för denna period. Den skrevs omkring 1635. Konstnärens liv och verk avslöjas på ett speciellt sätt i detta verk. I den bryter han modigt med de kanoner som fanns på den tiden. Bilden utmärker sig för sitt fria sätt att måla, kompositionens livliga spontanitet, samt full av ljus, dur, färgglad skala.
Bibliska kompositioner och mytologiska scener 1630
På 1630-talet skapade konstnären även bibliska kompositioner. En av de mest kända är "Abrahams offer". Det går tillbaka till 1635. Bibliska kompositioner av denna tid präglas av inflytandet från italiensk barockmålning. Dess effekt manifesteras i kompositionens dynamik (något påtvingad), skär-och-skuggkontraster, skärpa av förkortningar.
I Rembrandts verk av denna tid tillhör en speciell plats mytologiska scener. I dem följde konstnären inte de klassiska traditionerna och kanonerna, vilket gav dem en djärv utmaning. Ett av verken som kan noteras här är "The Rape of Ganymede" (1635).
"Danae"
Den monumentala kompositionen med titeln "Danae" förkroppsligade till fullo Rembrandts estetiska åsikter. I detta verk tycks han komma i konflikt med renässansens stora konstnärer. Den nakna figuren Danae som Rembrandt avbildar motsvarar inte klassiska ideal. Konstnären utförde detta verk med en realistisk omedelbarhet, mycket vågad för den tiden. Han kontrasterade den idealiska, sensuellt-kroppsliga skönheten hos bilder skapade av italienska mästare, andlig skönhet, såväl som värmen från mänsklig känsla.
Andra jobb
Också på 1630-talet ägnade Rembrandt mycket tid åt att arbeta med tekniken gravering och etsning. Man kan notera sådana verk av honom som "The Wandering Couple" och "The Seller of Rat Poison". Konstnären skapade också blyertsteckningar som var generaliserade i stil och ganska djärva.
Rembrandts verk på 1640-talet
Dessa år präglades av en konflikt mellan Rembrandts banbrytande verk och de mycket begränsade kraven från hans samtida. Denna konflikt manifesterades tydligt 1642. Då orsakade arbetet av Rembrandt "Nattvakt" våldsamma protester från kunder. De accepterade inte konstnärens huvudidé. Istället för det vanliga gruppporträttet skildrade Rembrandt en heroiskt upplyft komposition, där gevärsskrået kliver fram vid en larmsignal. Det vill säga, det var, kan man säga, hon väckte samtidens minnen om det nederländska folkets befrielsekrig.
Efter detta arbete minskade orderingången från Rembrandt. Hans liv förmörkades också av Saskias död. På 1640-talet förlorade konstnärens verk sin yttre effekt. Majoritetssedlar, karaktäristiska för honom tidigare, försvann också. Rembrandt börjar skriva lugna genre- och bibliska scener, fulla av intimitet och värme. I dem avslöjar han de subtilaste nyanserna av upplevelser, känslor av släkt, andlig närhet. Bland dessa verk är det nödvändigt att notera "Heliga familjen" 1645, liksom målningen "David och Jonathan" (1642).
Både i grafik och i Rembrandts måleri blir ett mycket subtilt spel av chiaroscuro allt viktigare. Hon skapar en speciell atmosfär - känslomässigt spänd, dramatisk. Anmärkningsvärt är det monumentala grafiska arket av Rembrandt "Christ Healing the Sick", såväl som "Sheet of Hundred Guilders", skapat omkring 1642-46. Det är också nödvändigt att namnge landskapet från 1643 "Tre träd", fullt av ljus och luftdynamik.
1650 år i Rembrandts verk
Denna tid präglades av svåra livsprövningar som drabbade konstnären. Det var 1650 som perioden av hans kreativa mognad började. Rembrandt började alltmer hänvisa till porträttet. Han skildrar de personer som står honom närmast. Bland dessa verk är det värt att notera de talrika porträtten av Hendrickje Stoffels, konstnärens andra fru. Också mycket anmärkningsvärt är "Porträttet av en gammal kvinna" skapat 1654. År 1657 skrev konstnären ett annat berömt verk av honom - "The Son of Titus Reading".
Bilder på vanliga människor och gamla människor
Bilder på vanliga människor, särskilt gamla människor, lockar konstnären allt mer. I hans verk är de förkroppsligandet av andlig rikedom och livsvisdom. År 1654 skapade Rembrandt "Porträtt av konstnärens brors fru", och 1652-1654 - "Porträtt av en gammal man i rött" (bilden ovan). Målaren blir intresserad av händerna och ansiktet, som upplyses av mjukt ljus. De verkar ha ryckts ut ur mörkret. Figurernas ansikten kännetecknas av knappt märkbara ansiktsuttryck. Detta visar den invecklade rörelsen av deras känslor och tankar. Rembrandt växlar mellan ljusa och degiga drag, vilket gör målningens yta skimrande med ljus och skugga och färgglada nyanser.
Svår ekonomisk situation
År 1656 förklarades konstnären som insolvent gäldenär, vilket ledde till att all hans egendom gick under klubban. Rembrandt tvingades flytta till de judiska kvarteren i staden Amsterdam. Här tillbringade han resten av sitt liv under extremt trånga förhållanden.
Verk av Rembrandt Harmenszoon van Rijn 1660
Bibliska kompositioner skapade på 1660-talet sammanfattar Rembrandts reflektioner över meningen med livet. I hans verk av denna tid finns målningar tillägnade konflikten mellan ljusa och mörka principer i den mänskliga själen. Ett antal verk om detta ämne skapades av Rembrandt Harmenszoon van Rijn, vars biografi och lista över målningar är av intresse för oss. Bland sådana verk är det nödvändigt att notera verket "Assur, Haman och Esther", skapat 1660; och även David och Uriah, eller Hamans fall (1665). De kännetecknas av ett flexibelt sätt att skriva, varma fylliga färger, komplex ytstruktur, intensivt spel av ljus och skugga. Allt detta är nödvändigt för att konstnären ska kunna avslöja komplexa känslomässiga upplevelser och kollisioner, för att bekräfta det godas seger över det onda.
Den historiska målningen av Rembrandt kallad "The Conspiracy of Julius Civilis", även känd som "The Batavian Conspiracy", skapades 1661. Hon är genomsyrad av hjältemod och hård dramatik.
"Den förlorade sonens återkomst"
Under det sista året av sitt liv skapade konstnären verket "The Return of the Prodigal Son". Det är från 1668-69. Denna monumentala målning är Rembrandts främsta mästerverk. Den förkroppsligar alla moraliska, estetiska och konstnärliga problem som är karakteristiska för den senare perioden av hans verk. Konstnären med den högsta skickligheten återskapar i denna bild en hel rad djupa och komplexa mänskliga känslor. Han underordnar konstnärliga medel avslöjandet av skönheten i förlåtelse, medkänsla, förståelse. Kulmen på övergången från känslornas spänning till den framgångsrika lösningen av passioner förkroppsligas i snåla gester och uttrycksfulla poser. På bilden ovan kan du se det här senaste verket av Rembrandt.
Rembrandts död, meningen med hans verk
Den berömde holländska målaren, etsaren och tecknaren dog i Amsterdam den 4 oktober 1669. Harmenszoon van Rijn Rembrandt, vars verk är kända och älskade av många, hade ett enormt inflytande på måleriets vidareutveckling. Detta märks inte bara i hans elevers arbete, av vilka Karel Fabricius kom närmast Rembrandts förståelse, utan också i varje holländsk konstnärs verk, mer eller mindre betydelsefulla. Målningarna av många mästare återspeglar inflytandet från en konstnär som Rembrandt van Rijn. Verket "Swamp" av Jacob van Ruisdael är förmodligen ett av sådana verk. Den föreställer en ökendel av skogen täckt med vatten. Denna bild har en symbolisk betydelse.
Senare fick den store Rembrandt ett starkt inflytande på utvecklingen av den realistiska konsten som helhet. Hans målningar och biografi är av intresse för många människor än i dag. Detta tyder på att hans arbete verkligen är mycket värdefullt. Rembrandts mästerverk, av vilka många har beskrivits i den här artikeln, inspirerar konstnärer än idag.
Rembrandt harmenszoon van rijn
Den största representanten för guldåldern, konstnär, gravör, stor mästare av chiaroscuro - och allt detta i ett namn Rembrandt.
Rembrandt föddes den 15 juli 1606 i Leiden. Denna stora holländska konstnär kunde i sina verk förkroppsliga hela spektrumet av mänskliga upplevelser med en sådan känslomässig intensitet som bildkonsten inte kände till före honom.
Ett liv
Han växte upp i den stora familjen till en förmögen bruksägare, Harmen Gerritzon van Rijn. Bland annat fanns det ytterligare två hus i godset Rhenbadet och han fick också en betydande hemgift av sin hustru Cornelia Neltier. Den framtida konstnärens mor var dotter till en bagare och var bevandrad i matlagning.Modersfamiljen, även efter den holländska revolutionen, förblev trogen den katolska tron.
I Leiden gick Rembrandt i en latinskola vid universitetet, men gillade inte de exakta vetenskaperna, han visade det största intresset för måleri. När han insåg detta, skickade hans föräldrar vid 13 års ålder Rembrandt för att studera konst med den Leiden historiska målaren Jacob van Swanenbürch, som var katolik. Rembrandts verk, olika i genre och ämne, är genomsyrade av idéerna om moral, andlig skönhet och värdighet hos en vanlig människa, en förståelse för den obegripliga komplexiteten i hans inre värld, mångsidigheten i hans intellektuella rikedom, djupet i hans känslomässiga upplevelser. Mycket lite information har kommit till oss om Jacob, så historiker och konstkritiker kan inte säga säkert om Svanenberchs inflytande på Rembrandts kreativa sätt.
Sedan 1623 studerade han i Amsterdam hos den då fashionabla målaren Peter Lastman, varefter han återvände till Leiden 1625 tillsammans med sin landsman Jan Lievens öppnade sin egen verkstad.
Peter Lastman genomförde en praktik i Italien och specialiserade sig på historiska, mytologiska och bibliska ämnen. När Rembrandt öppnade en verkstad och började rekrytera lärlingar blev han på kort tid betydligt känd. Om du tittar på konstnärens första verk kan du omedelbart förstå att Lastmans stil - en passion för variation och smålighet i utförandet, hade en enorm inverkan på den unga konstnären. Till exempel hans verk "The Stening of St. Stephen "(1629)," En scen ur antikens historia "(1626) och" The dop of the eunuch "(1626), mycket ljus, ovanligt färgstark, Rembrandt försöker noggrant skriva ut varje detalj i den materiella världen. Nästan alla hjältar dyker upp inför tittaren klädda i snygga orientaliska kläder, gnistra med juveler, vilket skapar en atmosfär av majestät, prakt, festlighet
År 1628 erkändes den tjugotvåårige konstnären som en "eminent berömd" mästare, en berömd porträttmålare.
Målningen "Judas Returns the Silversmiths" (1629) - väckte entusiastisk respons från den berömde konstkännaren Konstantin Huygens, Stadtholders sekreterare Fredrik Hendrik av Orange: "... denna kropp som darrar av patetisk darrande är vad jag föredrar framför god smak av alla. gånger."
Tack vare Konstantins kopplingar fick Rembrandt snart rika konstbeundrare: på grund av Hagens medling beställde prinsen av Orange flera religiösa verk av konstnären, såsom Kristus före Pilatus (1636).
Verklig framgång för artisten kommer i Amsterdam. 8 juni 1633 Rembrandt träffar dottern till en förmögen borgare Saskia van Eilenbürch och får en stark ställning i samhället. Konstnären målade de flesta av dukarna när han var i Nederländernas huvudstad.
Amsterdam - en livlig hamn- och industristad, dit varor och underverk från hela världen strömmade till, dit folk blev rika på handels- och bankaffärer, dit fredlösa från det feodala Europa rusade i sökandet efter skydd och där välmåendet för rika borgare samexisterade med deprimerande fattigdom, binder starka band med konstnären ...
Amsterdamperioden av Rembrandts arbete började med överväldigande framgång, vilket gav honom "Dr. Tulpas anatomilektion" (1632, Haag, Mauritshuis), vilket förändrade traditionen för det holländska gruppporträttet. Rembrandt kontrasterade den vanliga demonstrationen av människor i det allmänna yrket som poserar för konstnären med dramat av en fritt beslutad scen, vars deltagare - medlemmar av kirurggillet, lyssnar på sin kollega, förenas intellektuellt och andligt genom aktivt engagemang i den vetenskapliga forskningsprocessen.
Rembrandt är inspirerad av skönheten hos sin älskade, så han målar ofta hennes porträtt. Tre dagar efter bröllopet målade van Rijn en kvinna i silverpenna med en bredbrättad hatt. Saskia dök upp i holländarens målningar i en mysig hemmiljö. Bilden av denna fylliga kvinna visas på många dukar, till exempel liknar den mystiska flickan i målningen "Night Watch" starkt konstnärens älskade.
Trettiotalet i Rembrandts liv var en period av berömmelse, rikedom och familjelycka. Han fick många beställningar, var omgiven av studenter, brinner för att samla verk av italienska, flamländska och holländska målare, antik skulptur, mineraler, havsväxter, antika vapen, föremål för orientalisk konst; När man arbetade med målningar tjänade samlingens utställningar ofta konstnären som rekvisita.
Rembrandts verk från denna period är extremt varierande; de vittnar om det outtröttliga, ibland smärtsamma sökandet efter konstnärlig förståelse av människans och naturens andliga och sociala väsen och visar på tendenser som obevekligt steg för steg för konstnären i konflikt med samhället.
I porträtt "för sig själv" och självporträtt experimenterar konstnären fritt med komposition och effekter av chiaroscuro, ändrar färgtonalitet, klär sina modeller i fantastiska eller exotiska kläder, varierar poser, gester, accessoarer ("Flora", 1634, St. Petersburg, State Hermitage Museum).
År 1635 målades den berömda målningen baserad på det bibliska temat "Abrahams offer", vilket uppskattades i det sekulära samhället.
År 1642 fick van Rijn en order från Shooting Society på ett gruppporträtt för att dekorera en ny byggnad med duk. Målningen kallades av misstag "Nattvakt". Den var sotfläckad och först på 1600-talet kom forskarna fram till att handlingen som utspelar sig på duken äger rum på dagtid.
Rembrandt skildrade grundligt varje detalj av musketörerna i rörelse: som om tiden vid ett visst ögonblick stannade när milismännen lämnade den mörka gården för att van Rijn skulle fånga dem på duk.
Kunderna gillade inte att den holländska målaren avvek från de kanoner som utvecklades på 1600-talet. Sedan var gruppporträtten ceremoniella, och deltagarna porträtterades framifrån utan statik.
Enligt forskare var denna målning orsaken till konstnärens konkurs 1653, eftersom den skrämde bort potentiella kunder.
De tragiska förändringarna i Rembrandts personliga öde (död av nyfödda barn, mamma, 1642 - Saskias sjukdom och död, som lämnade honom med en nio månader gamla son Titus), försämring av hans ekonomiska situation på grund av hans envis ovilja att offra andefrihet och kreativitet för att behaga borgarnas föränderliga smaker, förvärrade och avslöjade den gradvis bryggande konflikten mellan konstnären och samhället.
Information om Rembrandts privatliv på 1640-talet. få har överlevt i dokumenten. Av studenterna från denna period är endast Nicholas Mas från Dordrecht känd. Uppenbarligen fortsatte konstnären att leva i stor skala, som tidigare. Den bortgångne Saskias familj uttryckte oro över hur han gjorde sig av med hennes hemgift. Titus barnflicka, Gertier Diercks, stämde honom för att ha brutit ett löfte om att gifta sig; för att lösa denna händelse var konstnären tvungen att punga ut.
I slutet av 1640-talet blev Rembrandt vän med sin unga tjänare, Hendrickje Stoffels, vars bild förekommer i många porträttverk från denna period: (Flora (1654), Badande kvinna (1654), Hendrickje vid fönstret (1655)). Sockenrådet dömde Hendrickje för "syndigt samliv" när 1654 hennes dotter Cornelia föddes med konstnären. Under dessa år avvek Rembrandt från teman som hade en storslagen nationell eller universell klang.
Konstnären arbetade länge med graverade porträtt av borgmästaren Jan Six (1647) och andra inflytelserika borgare. Alla graveringstekniker och tekniker som han kände användes vid tillverkningen av den utarbetade etsningen Christ Healing the Sick, mer känd som Hundra Gulden Leaf, för ett så enormt pris för 1600-talet att det en gång såldes. Han arbetade på denna etsning, slående med subtiliteten i klipp-och-klistra-spelet, i sju år, från 1643 till 1649.
År 1653, i ekonomiska svårigheter, överförde konstnären nästan all sin egendom till sin son Titus, varefter han förklarade sig i konkurs 1656. Efter försäljningen 1657-58. hus och egendom (en intressant katalog över Rembrandts konstsamling har bevarats), flyttade konstnären till utkanten av Amsterdam, till de judiska kvarteren, där han tillbringade resten av sitt liv.
Titus död 1668 var ett av de sista ödets slag för konstnären; han själv gick bort ett år senare.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn dog i oktober 1669. Han var 63 år gammal. Han var gammal, sjuk och fattig. Notarien behövde inte lägga ner mycket tid på att sammanställa en inventering av konstnärens egendom. Inventeringen var kort: "tre sjaskiga tröjor, åtta näsdukar, tio baskrar, målartillbehör, en bibel."
Målningar
Den förlorade sonens återkomst
Den berömda målningen "The Return of the Prodigal Son", ett av Rembrandts sista verk. Den skrevs under hans dödsår och blev höjdpunkten för manifestationen av hans talang.
Detta är den största målningen av Rembrandt på ett religiöst tema. Målning av Rembrandt på handlingen i Nya testamentets liknelse om den förlorade sonen.
Vi finner liknelsen om den förlorade sonen i Lukasevangeliet. Hon berättar om en ung man som lämnade sin fars hus och slösade bort hans arv. I sysslolöshet, utsvävningar och fylleri tillbringade han sina dagar tills han befann sig på ladugården, där han åt från samma tråg med grisar. I en desperat situation och total fattigdom återvänder den unge mannen till sin far, redo att bli hans sista slav. Men istället för förakt finner han ett kungligt välkomnande, istället för ilska - en alltförlåtande, djup och öm faderlig kärlek.
1669 år. Rembrandt spelar ett mänskligt drama inför åskådaren. Färgerna ligger på duken i tjocka drag. De är mörka. Konstnären bryr sig inte om bikaraktärer, även om de är många. Uppmärksamheten fästs återigen på far och son. Den gamle fadern, böjd av sorg, står inför betraktaren. I detta ansikte finns smärta och ögon trötta på att gråta ut tårar och lyckan över ett efterlängtat möte. Sonen har ryggen vänd mot oss. Han begravde sig som spädbarn i sin fars kungliga dräkt. Vi vet inte vad hans ansikte uttrycker. Men spruckna klackar, en luffares kala skalle, dålig klädsel säger nog. Liksom händerna på fadern, klämmer axlarna på den unge mannen. Genom dessa händers frid, förlåtande och stödjande, berättar Rembrandt för sista gången för världen en universell liknelse om rikedom, passioner och laster, omvändelse och förlåtelse. "... Jag ska resa mig upp, gå till min far och säga till honom: Fader! Jag har syndat mot himlen och inför dig och är inte längre värdig att kallas din son; acceptera mig som din legosoldat. Han reste sig upp och gick till sin far. Och medan han ännu var långt borta, såg hans far honom och förbarmade sig; och sprang, föll honom om halsen och kysste honom."
Förutom fadern och sonen finns ytterligare 4 karaktärer avbildade på bilden. Det är mörka silhuetter som knappt går att urskilja mot en mörk bakgrund, men vilka de är förblir ett mysterium. Vissa kallade dem "bröder och systrar" till huvudpersonen. Det är karakteristiskt att Rembrandt undviker konflikt: liknelsen talar om en lydig sons svartsjuka, och bildens harmoni störs inte av någonting.
Van Gogh sa mycket exakt om Rembrandt: "Du måste dö flera gånger för att måla så här ... Rembrandt tränger in i hemligheten så djupt att han talar om föremål som det inte finns några ord för på något språk. Det är därför Rembrandt kallas: en magiker. Och det här är inget lätt hantverk."
Nattvakten
Titeln under vilken gruppporträttet av Rembrandt traditionellt är känt "Tal av kapten Frans Banning Koks gevärskompani och löjtnant Willem van Ruutenbürg", skrivet 1642.
Den holländska mästarens duk är kantad av många "överraskningar". Låt oss börja med det faktum att det vanliga namnet på bilden inte överensstämmer med verkligheten: patrullen som avbildas på den är faktiskt inte alls på natten, utan väldigt dagtid. Det är bara det att Rembrandts verk lackades flera gånger, varför det mörknade mycket. Dessutom, i nästan 100 år (från början av 1700-talet till början av 1800-talet), prydde duken en av salarna i Amsterdams stadshus, där den hängde precis framför den öppna spisen, täckt med sotår efter år. Det är inte förvånande att i början av 1800-talet var namnet "Nattvakt" fast etablerat bakom målningen: vid den här tiden hade historien om dess skapelse glömts bort, och alla var säkra på att mästaren hade avbildat exakt det mörka tid på dagen. Först 1947, under restaureringen vid Rijksmuseum i Amsterdam, där målningen finns till denna dag, visade det sig att dess färg är ojämförligt ljusare än man trodde. Dessutom indikerar de korta skuggorna som kastas av karaktärerna att affären äger rum mellan 12.00 och 14.00. Men restauratörerna tog inte bort alla lager av den mörka lacken, av rädsla för att skada färgen, så även nu är "Nattvakten" ganska svag.
Det riktiga namnet på målningen är "Tal av gevärskompaniet av kapten Frans Banning Kok och löjtnant Wilhem van Reitenburg." Detta är ett gruppporträtt av en musketörmilis i ett av Amsterdams distrikt. Från 1618 till 1648 pågick trettioåriga kriget i Europa, och invånarna i holländska städer tog till vapen för att försvara sina hem. Rembrandts skapelse, tillsammans med porträtt av andra gevärskompanier, var tänkt att pryda huvudsalen i Kloveniersdolen – stadsgevärsmännens högkvarter. Men kunderna blev besvikna: Rembrandt fick inte ett monumentalt ceremoniellt porträtt, utan en genremålning där de knappt kunde hitta sina egna ansikten, ofta halvt gömda av andra karaktärer. Skulle fortfarande! När allt kommer omkring pressade konstnären, förutom 18 kunder (som var och en lade ut cirka 100 gulden för sitt porträtt - en mycket imponerande summa på den tiden) ytterligare 16 personer på duken! Vilka de är är okänt.
Museum - Amsterdams historiska museum?
Tre kors
En av de mest kända etsningarna av Rembrandt, den har fem stater. Endast den tredje var undertecknad och daterad, därför ansåg Rembrandt att resten var mellanliggande. Det femte tillståndet är mycket sällsynt, endast fem är kända.
Etsningen skildrar det dramatiska ögonblicket av Kristi död på Golgata kors, som beskrivs i evangelierna. I denna etsning använde Rembrandt tekniken med en mejsel och en torr nål i en aldrig tidigare skådad skala, vilket ökade bildens kontrast.
Den 2 december 2008 på Christie's auktion såldes denna etsning (IV state) för 421 250 pund sterling.
Nedstigning från korset
År 1814 förvärvade Alexander I y av kejsarinnan Josephine galleriet Malmaison, som tillhörde henne. Några av målningarna kom från det berömda Kasselgalleriet, inklusive Nedstigningen från korset. Tidigare var dessa dukar i Madame de Roovers egendom i Delft och köptes tillsammans med andra målningar ur hennes samling av landgraven i Hessen-Kassel Ludwig VII. 1806 togs hans galleri i beslag av Napoleon och donerades till Josephine.
Efterträdaren till landgraven av Hessen-Kassel Ludwig VII, en tidigare allierad till Alexander I, framförde ett krav till kejsaren 1815 om återlämnande av målningarna som fångats av Napoleon. Detta krav avvisades resolut av Alexander I, som betalade pengar för målningarna och på alla möjliga sätt visade Josephines uppmärksamhet mot dottern Hortense. 1829 köpte Hortense, som vid den tiden hade titeln hertiginna av Saint-Leu, trettio målningar från Malmaison Gallery.
Temat "Descent from the Cross" hade en stor ikonografisk tradition i europeisk konst. Hennes högsta prestation ansågs vara en altartavlamålning av Rubens i Antwerpens katedral, allmänt känd från Worstermans gravyr.
Rembrandts kreativa tanke vandrar någonstans nära denna tradition, använder den och väljer samtidigt hela tiden andra vägar. Ovanliga för den tidigare utvecklingen av europeisk konst är de högst kännetecknande för Rembrandts personliga kreativa sätt, och det är inte för inte som "Descent from the Cross" utåt sett så starkt liknar "The Disbelief of the Apostle Thomas".
Rubens skildrade den sublima sorgen hos en grupp majestätiska och vackra människor för en majestätisk och vacker hjälte; Rembrandt har en hektisk nattscen. Många figurer drar sig växelvis tillbaka in i mörkret, faller sedan in i en ljusstråle, och det verkar som om folkmassan rör sig, lever, sörjer den korsfäste och tycker synd om sin mor. Det finns inget perfekt i människors utseende, många av dem är oförskämda, fula. Deras känslor är mycket starka, men det är vanliga människors känslor, inte upplysta av den sublima katarsis som finns i Rubens målning.
Den döde Kristus är en man som dem; det är på grund av kraften i deras sorg som hans lidande och död får särskild betydelse. Nyckeln till bildens innehåll är kanske inte så mycket Kristus som personen som stöttar honom och trycker kinden mot honom.
Ur en konstnärlig synvinkel är den fraktionerade, rastlösa kompositionen sämre än den berömda målningen av Rubens, och några av Rembrandts verk, utförda under samma år. Till exempel tycks det mindre betydelsefulla till sitt innehåll "Aposteln Tomas misstro" till det yttre vara mer harmoniskt och holistiskt. Men i Nedstigningen från korset är Rembrandts förståelse av bibliska och evangeliska teman tydligare.
Den unge Rembrandts arbete skiljer sig från sin prototyp i de mest grundläggande funktionerna. För det första skapades den inte varken formellt eller väsentligen som en bönealtare. Dess skåpstorlek riktar sig inte till publikens uppfattning, utan till individuell upplevelse. Denna vädjan till en persons känslor och medvetande, etableringen av nära känslomässig kontakt med betraktaren tvingade konstnären att skapa ett helt nytt system av konstnärliga medel och tekniker. Rembrandt såg scenen för evangelielegenden som en tragisk verklig händelse, som i grunden berövar den mystiskt och heroiskt patos.
I strävan efter bildens yttersta uppriktighet och sanningsenlighet visade Rembrandt en nära skara människor nära korset, chockade av sorg, som letade efter släktskapsenhet med varandra inför en fruktansvärd död. Brun-olivfärgning förenade hela kompositionen, och ljusflödet framhävde dess huvudsakliga semantiska centrum dramatiskt. Det största djupet av lidande förkroppsligas i bilden av Guds Moder, som har fallit medvetslös med sitt tunna, tråkiga ansikte av en slitare. Den andra gruppen av sörjande finns i den vänstra änden av den rumsliga diagonalen - kvinnor lägger vördnadsfullt höljet och fullgör sin direkta plikt gentemot den avlidne. Med stöd av den gamle mannen framkallar Kristi hängande kropp – förkroppsligandet av torterat människokött – framför allt en känsla av djup medkänsla.
judisk brud
En av de sista och mest mystiska målningarna av Rembrandt. Namnet fick det 1825 av Amsterdamsamlaren Van der Hope. Han trodde felaktigt att den föreställde en far som gav sin judiska dotter ett halsband till hennes bröllop. Kanske är detta ett skräddarsytt porträtt, men karaktärernas kläder liknar tydligt de gamla, bibliska, så namnen föreslogs som "Artaxerxes och Ester", "Jakob och Rakel", "Abram och Sara", " Boas och Rut”.
Saskia som Flora
En målning av Rembrandt, målad 1634, som troligen föreställer konstnärens hustru Saskia van Eilenbuch i bilden av den antika italienska gudinnan av blommor, blommor, vår och frukterna av fältet Flora.
1633 blev Saskia van Eilenbürch Rembrandt van Rijns brud. Ett charmigt porträtt av unga Saskia klädd som Flora är ett stumt men vältaligt vittne till denna "tid av vår och kärlek" av den lysande målaren.
Flickans eftertänksamma, men utan tvekan glada ansikte är ganska förenlig med brudens känslor. Hon är inte längre ett lekfullt barn, som slarvigt ser på Guds värld. Hon har en allvarlig uppgift framför sig: hon har valt en ny väg och hon måste ändra sig och känna mycket, mycket innan hon går in i vuxen ålder. Huvudbonaden och trollstaven, sammanflätade med blommor, indikerar utan tvekan Flora, den antika romerska vårens gudinna. Gudinnans outfit är målad med fantastisk skicklighet, men den sanna storheten i Rembrandts talang manifesteras i uttrycket av ömhet som konstnären gav till hennes ansikte.
Den älskade hustrun förde ljuset av lycka och innerlig tillfredsställelse in i en blygsam konstnärs ensamma boning. Rembrandt älskade att klä Saskia i sammet, siden och brokad, enligt den tidens sed duschade han med diamanter och pärlor och såg kärleksfullt på hennes vackra, unga ansikte vinna från en glänsande outfit
Museum - Statens Eremitage
Stil
Rembrandts verk är djupt humanistiskt i sin essens och perfekt i sin unika konstnärliga form, och har blivit ett av toppmötena för utvecklingen av den mänskliga civilisationen. Rembrandts verk, olika i genre och ämne, är genomsyrade av idéerna om moral, andlig skönhet och värdighet hos en vanlig människa, en förståelse för den obegripliga komplexiteten i hans inre värld, mångsidigheten i hans intellektuella rikedom, djupet i hans känslomässiga upplevelser. Innehåller många olösta mysterier, målningar, teckningar och etsningar av denna märkliga konstnär erövrar med insiktsfulla psykologiska egenskaper hos karaktärerna, filosofisk acceptans av verkligheten, övertygande motivering av oväntade konstnärliga beslut. Hans tolkning av handlingar från Bibeln, forntida myter, forntida legender och det förflutna i sitt hemland som verkligen meningsfulla händelser i människans och samhällets historia, djupt kände livskollisioner mellan specifika människor öppnade vägen för en fri och mångvärdig tolkning av traditionella bilder och teman.
L jubov Rembrandt
Den berömda musan av Rembrandt Saskia var den yngsta dottern till borgmästaren i Leeuwarden. Denna vithyade rödhåriga skönhet växte upp i en stor och mycket rik familj. När flickan var 12 år gammal dog familjemodern. Men flickan visste fortfarande ingenting om vägran, och när tiden kom blev hon en mycket avundsvärd brud.
Ett betydelsefullt möte mellan konstnären och den unga damen ägde rum i huset till flickans kusin, konstnären Hendrike van Eilenburg, som också var antikhandlare. Rembrandt slås bokstavligen av flickan: glödande känslig hud, gyllene hår ... Lägg till detta förmågan att föra en avslappnad konversation. På skämt bjöd hon in en berömd målare att måla hennes porträtt. Och det är allt som behövs: Saskia är en idealisk modell för Rembrandt-historier i mörka och dova färger.
Rembrandt börjar måla ett porträtt. Han träffar Saskia inte bara i sessioner. Genom att ändra sin princip försöker han vara på nöjesvandringar och fester. När arbetet med porträttet var klart och de frekventa mötena upphörde inser Rembrandt: det är den han vill gifta sig med. 1633 blev Saskia van Eulenburg konstnärens brud och den 22 juli 1634 ägde det efterlängtade bröllopet rum.
Äktenskapet med Saskia öppnar vägen för konstnären till det höga samhället. Borgmästarens far lämnade sin älskling ett kolossalt arv: 40 000 floriner. Även för en liten del av denna summa var det möjligt att leva bekvämt i många, många år.
De glada och kärleksfulla makarna började utrusta det gemensamma huset. Det började snart likna ett museum. Väggarna var dekorerade med gravyrer av Michelangelo och målningar av Raphael. Saskia gick med på allt, hon älskade sin man väldigt mycket. Och han i sin tur överöste henne med smycken, betalade för de mest utsökta toaletterna. Och, naturligtvis, försökte han fånga sin favoritbild. Rembrandt, kan man säga, blev krönikören i sitt familjeliv. Under de första dagarna av parets smekmånad skrevs det berömda "Självporträttet med Saskia på knäna".
År 1635 föddes den första sonen i familjen, men han levde en mycket kort tid, och detta var ett fruktansvärt slag för den unga modern.
Under en lång tid ville hon inte skiljas från sin sons kropp, drev bort alla från sig själv och släppte inte det döda barnet. Den olyckliga mamman gick runt i huset med honom, vaggade och kallade honom alla de ömma namn som hon och hennes man kallade Rembrantus under de första lyckliga dagarna.
Rembrandt var medveten om att han, med undantag för timmar tillbringade vid staffliet, bara kunde bo nära Saskia. Bara hos henne känner han sig som en man: kärleken är livets källa, och han älskar bara Saskia, och ingen annan.
Efter Rembrantus död förlorade Saskia sina barn ytterligare två gånger vid födseln. Endast det fjärde barnet, Titus, född 1641, kunde överleva de svåra spädbarnsåren. Pojken fick sitt namn efter framlidne Titia, Saskias syster.
Den ständiga förlossningen hade dock en skadlig effekt på Saskias hälsa. Uppkomsten av rena landskapsbilder i slutet av 1630-talet förklaras ibland av att Rembrandt vid den tiden på grund av sin hustrus sjukdom varit med henne mycket utanför staden. Konstnären målade relativt få porträtt på 1640-talet.
Saskia van Eulenburg dog 1642. Hon var bara trettio år gammal. I kistan såg hon ut att leva...
Vid den här tiden arbetade Rembrandt på den berömda målningen "Nattvakt".
Rembrandts husmuseum
Konstmuseum på Jodenbreestraat Street i de judiska kvarteren i Amsterdam. Museet öppnade 1911 i huset som Rembrandt förvärvade på höjden av sin berömmelse 1639 och där han bodde fram till sin konkurs 1656.
Under nästan 20 år av sitt liv (från 1639 till 1658) på Jodenbrestrat Street lyckades Rembrandt skapa många underbara verk, bli känd, samla en unik samling målningar och rariteter från hela världen, skaffa studenter, slösa bort sin förmögenhet första fru, förlora huvudkunder, dra på sig enorma skulder och lägga huset under klubban.
Rembrandt var också tvungen att sälja ut mycket av sin överdådiga samling av målningar och antikviteter, inklusive verk av stora europeiska konstnärer, romerska byster av kejsare och till och med japanska stridsrustningar, och flytta in i ett mer blygsamt hem. Efter att ha överlevt båda fruarna och till och med sin egen son dog Rembrandt i fattigdom och ensamhet.
Två och ett halvt sekel senare, 1911, på order av Korlev Wilhelmina förvandlades huset till ett museum, som till skillnad från till exempel Van Gogh-museet, för det första inte är ett konstgalleri, utan det restaurerade den store konstnärens lägenheter: ett enormt kök på första våningen, mottagningsrummet, masterns sovrum och gästsovrummet finns på andra, herrgårdens största rum - studion - på tredje och på vinden är hans elevers verkstäder.
Det var möjligt att restaurera inredningen med hjälp av en egendomsinventering som en notarie upprättat vid försäljning av all konstnärs egendom på auktion, och ritningar av konstnären själv, på vilka han visade sin bostad.
Här kan du se hans personliga tillhörigheter, möbler från 1600-talet och andra intressanta utställningar som en vacker etsmaskin eller utländska rariteter.
Museet visar nästan alla den stora Rembrandts gravyrer - 250 av 280, magnifika självporträtt av konstnären, teckningar som föreställer hans föräldrar, fru och son Titus, underbar utsikt över Amsterdam och dess omgivningar.
Även museitoaletten kräver särskild uppmärksamhet: där kan du se Rembrandts teckningar om ett relevant ämne: en kvinna som hukar i buskarna och en man som står i en ställning som är typisk för denna institution.
Rembrandt - allt du behöver veta om den berömda holländska målaren uppdaterad: 13 november 2017 av författaren: webbplats
Det är alltid svårt att prata om vad man verkligen älskar. Du väljer noga rätt ord, talvändningar, du vet inte var du ska börja ... Därför börjar jag med en liten uppenbarelse: Rembrandt Harmenszoon van Rijn– min favoritartist, och jag lärde känna honom väldigt länge.
I barndomen - i Eremitaget, med berättelserna om professor-fadern. I sin ungdom - på MHC-lektionerna på institutet, med gamla rutschkanor i en mörk auditorium långa decemberkvällar. I sin ungdom - i fantastiska Amsterdam, skrattande glatt i strålarna från den nedgående augustisolen. Jag har redan läst hundratals föreläsningar om Rembrandt, genomfört mer än ett dussin exkursioner, men ändå finns det en känsla av att nu måste man kasta sig in i något okänt, enormt, obegripligt.
Det är som att hoppa från en brygga i havets vatten, där du är på för första gången. Man vet inte om vattnet är kallt där, hur många stenar som finns på botten. Det är förväntan och tvivel som får dina händer att darra nervöst. Det finns bara ett sätt att besegra detta - att ta ett springhopp, känna hur ditt hjärta bultar och hur hela världen runt dig i ett ögonblick förs bort någonstans i fjärran, och du är nu ensam med något helt nytt.. Tja, vad då! Vi hoppar, öppnar ögonen och tittar!
Vid 27 års ålder hade han allt en artist kunde drömma om. Ära, berömmelse, pengar, älskad kvinna, hundratals beställningar. Han ansågs vara den bästa mästaren i porträttmålning i en av sin tids rikaste städer, i norra Europas pärla - Amsterdam.
Ja, det har aldrig funnits en konstnär i världen som kan skapa något sådant! Porträttet måste vara perfekt, det måste lysa upp alla brister hos en person, men Rembrandt tänkte annorlunda. Hans porträtt var levande. De förmedlade karaktär, det fanns en konflikt i dem. Här är ett fragment av porträttet av den främste skatteindrivaren i provinsen Holland, Jan Vtenbogart.
Nästan hela republikens stat passerade genom denna mans händer. Och hans kläder - en luftig spetskrage, en lång kappa av rysk sobelpäls - vittnar tydligt om hans tillstånd. Se bara på de där ögonen nu. I dem ser du sorg ... Och omedelbart minns jag duken av Rembrandts stora föregångare -. Ser inte aposteln på Kristus med samma uttryck när han kallar honom till sig? Detta porträtt är historien om en mycket rik, men mycket olycklig man, och den holländska målaren kunde visa det i ett fruset ögonblick.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn ägnade all sin lediga tid åt att studera ansiktsuttryck. Han stod i timmar vid spegeln och gjorde miner som han sedan överförde med kol till papper. Det var viktigt för honom att fånga de minsta nyanser av känslor.
Personens ansikte var enligt konstnären en spegel av själen, det insåg han långt före Oscar Wilde med sitt "Portrait of Dorian Gray". Men porträtt är inte det enda som Rembrandt utmärkte sig med. Hans stora dukar imponerar inte mindre på oss. Spelet med chiaroscuro, som Caravaggio utvecklade i sin målning, får en verkligt gigantisk skala hos vår mästare.
Han var bara 28 år när han skapade sitt första absoluta mästerverk. Det här är målningen "Descent from the Cross". Du kan helt enkelt inte gå förbi denna målning i Eremitaget. I ett ögonblick lyckades konstnären skildra kristendomens hela väsen, att berätta en av de största mänskliga berättelserna så ärligt och rörande som möjligt, på ett sätt som ingen gjorde varken före eller efter honom.
Jerusalem i bakgrunden drunknar i mörker. Frälsaren är död. Vi ser hans livlösa kropp i mitten av bilden. Detta är ögonblicket av yttersta förtvivlan; ingen tror på uppståndelsen ännu. Folk ser bara liket av en man som de älskade och dyrkade som en gud, och Jungfru Maria svimmar, hennes hud är dödsblek - hon har precis förlorat sin ende son.
Det finns en detalj på denna duk som inte direkt fångar ögat. Det här är belysning. Ljuskällan är en lykta i pojkens händer, men Kristi kropp och apostelns kläder som håller honom i famnen reflekterar ljuset som en spegel. Och det är genom ljuset som den sanna historien berättas här, den filosofiska innebörden av bilden avslöjas.
Lyktans ljus är trons ljus, och det vi ser på bilden är en introduktion till dess mysterium. Känslan skapas av att själva Frälsarens kropp blir ljuskällan här. Guds moders ansikte och höljet upplyst av det svaga ljuset från ett ljus, i vilket Kristi kropp bör svepas in, sticker ut från mörkret. På denna duk tillämpade Rembrandt först en teknik som under de sista åren av hans liv blev den viktigaste i hans arbete.
Och nu ser vi hur en person, som perfekt behärskade skrivtekniken, målade alla centrala figurer på duken i minsta detalj, men när de flyttade bort från ljuset blev människors ansikten mer och mer suddiga, nästan omöjlig att skilja. Allt är väldigt enkelt - mysteriet med vad som händer gick förbi dem.
Det finns dock ytterligare en karaktär på denna duk som inte märks vid första anblicken. Trots att han befinner sig i skymundan, porträtterar Rembrandt honom väldigt tydligt. I det nedre högra hörnet av duken, från det mörkaste stället, gömmer sig bakom stjälkarna på en tistel, tittar Djävulen på dig i form av en hund och som om han ställer en fråga till dig:
"Har du hängt med i det som händer?"
Ja, den holländska mästaren hade aldrig tillräckligt med ramar för bilden, han drömde att hans dukar skulle bli en del av denna värld och betraktaren skulle bli en direkt deltagare i vad som hände. Men det var just denna önskan som kastade honom från härlighetens höjder in i den urgamla glömskans avgrund.
Olycka och glömska kommer lika snabbt som tur och ära. Rembrandt Harmenszoon van Rijn upplevde detta på egen hand 1642. Naturligtvis fanns det sorg innan dess: hans barn dog i spädbarnsåldern. Endast en son överlevde, Titus, född 1641. Men ett år senare lämnade hans älskade fru Saskia, som han bodde med i många år, denna värld. Och tillsammans med denna förlust vände sig lyckan bort från konstnären, vände sig bort i det ögonblick då han skapade en av sina största målningar.
Vi kan prata oändligt om Rembrandts "Nattvakt". Denna duk är så storskalig i sitt innehåll, så unik i sin strukturerade sammansättning att historien om dess skapelse är ganska värd en separat bok, inte en artikel. Men, som ofta händer i livet, var det denna skapelse, som sedan radikalt förändrade hela världsmåleriets utveckling, avvisades av samtida.
Kunderna gillade inte sättet de porträtterades och många av dem vägrade att betala för konstnärens arbete. Nederländernas mest kända målare har aldrig upplevt en sådan förnedring. På ett år förlorade Rembrandt sin älskade fru och misslyckades med sitt bästa arbete. Det verkar som att detta är tillräckligt, men nej, detta var bara början på tragedin. Beställningarna blev mindre och mindre (klassicismen och stilen med ceremoniella porträtt blev på modet), och snart såldes konstnärens egendom för skulder. Från en enorm herrgård i centrala Amsterdam tvingades han flytta till utkanten av staden, till de judiska kvarteren, där han hyrde flera rum med sin älskade son Titus.
Det mest intressanta är att Rembrandt lätt kunde anpassa sig till de senaste modetrenderna inom konst och återigen få mycket pengar för sina dukar. Men målaren var övertygad om att han måste skapa en helt ny stil. Hans porträtt var inte längre rika människor, utan de vanligaste medborgarna i staden Amsterdam. Sådan är till exempel "Porträtt av en gammal jude".
Rembrandt var inte intresserad av den detaljerade skildringen av alla klädesplagg, han strävade efter större abstraktion, försökte visa sina karaktärers känslor med perfekt precision. För sin envishet fick han bara lidande och slag i ansiktet. Detta hände med hans målning "The Conspiracy of Julius Civilis".
Istället för en klassisk, pompös, patriotisk bild presenterade den gamle mästaren detta för allmänheten.
Framför oss är en bild av en barbarisk fest, oförskämd, ful. Denna duk var nästan 300 år före sin tid, i förväg om expressionismens målning. Inte överraskande avvisades mästarens mästerverk, och hans namn var täckt av outplånlig skam. Men det är just dessa sista åtta år av hans liv, tillbringade i absolut, ogenomtränglig fattigdom, som är en av de mest fruktbara perioderna i Rembrandts verk.
Jag tror att jag kommer att skriva om målningarna från den perioden, inklusive hans "Return of the Prodigal Son", i en separat artikel. Nu vill jag berätta om något annat. Det förvånade mig alltid hur Rembrandt kunde arbeta och utveckla sin talang när ödets slag regnade ner över honom från överallt. Detta kunde inte pågå länge, och konstnären hade en aning om detta.
Det sista slaget appliceras alltid på det ömmaste stället. De hade sin enda son, Titus, en mycket sjuk pojke som såg ut som sin döda mor. Det var honom som Rembrandt porträtterade då oftast: både i form av en ängel i målningen "Matteus och ängeln", och läsning och i olika kostymer. Kanske trodde målaren att han med hjälp av sin talang på något sätt skulle kunna skjuta upp det oundvikliga ... Misslyckades ...
Enligt min mening är "Porträtt av Titus i en munks kassock" en av Rembrandts mest innerliga målningar. Hon visade all sin fars kärlek, all talang hos en målare. I alla dessa grova drag, i detta mörker som går fram på den unge mannen från vänster, i växterna som redan omger hans kropp, framträder man - konstnärsonens bleka ansikte med nedslagna ögon fulla av resignation.
Titus dog 1668, Rembrandt överlevde honom bara ett år.
Han höll på att dö i utkanten av Amsterdam, helt ensam, efter att ha fått allt här i livet och förlorat allt. Hans dukar var bortglömda länge ... Men 150 år har gått, och andra konstnärer har redan hört vad mästaren försökte berätta för sina samtida, som valde sin egen unika väg istället för berömmelse och pengar.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606 - 1669) - holländsk målare, tecknare och etsare. Kreativitet är genomsyrad av önskan om en djup, filosofisk förståelse av verkligheten och en persons inre värld med alla hans känslomässiga upplevelser.
Realistiskt och humanistiskt i sitt väsen markerade det höjdpunkten av utvecklingen av holländsk konst på 1600-talet, förkroppsligande av höga moraliska ideal, tro på skönheten och värdigheten hos vanliga människor i en ljust individuell och perfekt konstnärlig form.
Rembrandt. Teckning "Hyddor under himlen som förebådar en storm" (1635) Rembrandts konstnärliga arv kännetecknas av en exceptionell variation: porträtt, stilleben, landskap, genrescener, målningar om bibliska, mytologiska och historiska ämnen. Rembrandt var en oöverträffad mästare i teckning och.
Rembrandt. Etsning "Mill" (1641) Den blivande stora konstnären föddes i en mjölnarfamilj. Efter en kort studie vid Leidens universitet 1620 ägnade han sig åt konsten. Han studerade målning hos J. van Swanenbürch i Leiden (från 1620 - 1623) och P. Lastman i Amsterdam 1623. Under perioden 1625 till 1631 arbetade han i Leiden. Ett exempel på Elastmans inflytande på konstnärens verk är en målning " Allegori av musik", Skrivet av Rembrandt 1626.
Rembrandt "Allegory of Music" I bilder" Aposteln Paulus"(1629 - 1630) och" Simeon i templet"(1631) Rembrandt använde först chiaroscuro som ett sätt att förbättra andligheten och känslomässigt uttrycksfullhet hos bilder.
Rembrandt "Apostel Paulus" Under dessa år arbetade Rembrandt hårt med porträttet och studerade ansiktsuttrycken i det mänskliga ansiktet. Konstnärens kreativa strävan under denna period tar sig uttryck i en serie självporträtt och porträtt av konstnärens familjemedlemmar. Så här framställde Rembrandt sig själv vid 23 års ålder.
Rembrandt "Självporträtt" År 1632 flyttade Rembrandt till Amsterdam, där han snart gifte sig med en förmögen patricierkvinna, Saskia van Eilenbruch. 30-talet av 1600-talet för konstnären är år av familjelycka och enorm konstnärlig framgång. Familjeparet visas på bilden " Den förlorade sonen på krogen"(1635).
Rembrandt "Den förlorade sonen i en krog" (1635) Samtidigt målar konstnären en duk " Kristus under en storm på Galileiska sjön"(1633). Målningen är unik genom att den är konstnärens enda havslandskap.
Rembrandt "Kristus under en storm på Galileiska sjön" Målning" Anatomi-lektion av Dr. Tulpa”(1632), där konstnären löste problemet med gruppporträttet på ett nytt sätt, gav kompositionen en vital lätthet och förenade personerna i porträttet i en enda handling, gav Rembrandt stor berömmelse. Han fick många beställningar, många studenter arbetade i hans verkstad.
Rembrandt "Anatomi Lektion Dr. Tulpa" I skräddarsydda porträtt av rika borgare förmedlade konstnären noggrant ansiktsdrag, de minsta detaljerna i kläder, glansen av lyxiga smycken. Du kan se det på duken " Porträtt av en burgrave", Skriven 1633. Samtidigt fick modellerna ofta en träffande social egenskap.
Rembrandt "Porträtt av en burgrave" Friare och mer mångsidig i sin komposition är hans självporträtt och porträtt av nära och kära:
- » Självporträtt", Skriven 1634. För tillfället visas duken på Louvren.
Rembrandt "Självporträtt" (1634) - » Leende Saskia". Porträttet målades 1633. Idag ligger den i Dresdens konstgalleri.
Rembrandt "Smiling Saskia" Dessa verk kännetecknas av kompositionens livliga spontanitet och upplyftande, den fria målarstilen, dur, fylld med ljusa, gyllene färger.
En djärv utmaning av de klassiska kanonerna och traditionerna i konstnärens verk kan spåras till exemplet med duken " Bortförandet av Ganymedes", Skriven 1635. För tillfället finns verket i Dresdens konstgalleri.
Rembrandt "Våldtekten av Ganymedes" Målning "Danae"
Den monumentala kompositionen är en levande gestaltning av konstnärens nya estetiska vyer." Danae"(Skrivet 1636), där han argumenterar med den italienska renässansens stora mästare. Konstnären gick emot bildens allmänt accepterade kanoner och skapade en vacker målning som gick utöver dåtidens idéer om sann skönhet.
Den nakna figuren Danae, långt ifrån de klassiska idealen om kvinnlig skönhet, Rembrandt utförde om djärv realistisk omedelbarhet, och konstnären kontrasterade den ideala skönheten i bilderna av italienska mästare med den sublima skönheten i andlighet och värmen i en persons intima känsla.
Rembrandt "Danae" (1636) Subtila nyanser av känslomässiga upplevelser uttrycktes av målaren i målningarna " David och Jonathan"(1642) och" Helig familj"(1645). Högkvalitativa reproduktioner av Rembrandt-målningar kan användas för dekoration i många stilar.
År 1656 förklarades Rembrandt insolvent och all hans egendom såldes på en offentlig auktion. Han tvingades flytta till de judiska kvarteren i Amsterdam, där han tillbringade resten av sitt liv.
Rembrandt "Den heliga familjen" (1645) Målning "Return of the Prodigal Son".
Ett kallt missförstånd av de holländska borgarna omgav Rembrandt under de sista åren av hans liv. Konstnären fortsatte dock att skapa. Ett år före sin död började han skapa sin briljanta duk " Den förlorade sonens återkomst"(1668 - 1669), som förkroppsligade alla konstnärliga och moraliska - etiska frågor.
I denna målning skapar konstnären en hel rad komplexa och djupa mänskliga känslor. Huvudidén med målningen är skönheten i mänsklig förståelse, medkänsla och förlåtelse. Klimaxet, känslornas spänning och ögonblicket av passionernas upplösning som följer på det förkroppsligas i uttrycksfulla poser och elaka, lakoniska gester av far och son.
Rembrandt "The Return of the Prodigal Son"
