Sipas legjendave të lashta, Roma u formua në mes të shekullit të 8 para Krishtit. NS Kultura, e cila u konsiderua si një nga më me ndikim gjatë periudhës së antikitetit, pati një ndikim të madh në qytetërimin evropian. Kjo është përkundër faktit se piktura dhe skulptura e Romës së Lashtë bazohen në motive greke, dhe teatri dhe muzika janë të lidhura në mënyrë të pandashme me traditat e lashta etruske.
Karakteristikat e artit të lashtë romak
Ndryshe nga vendet e tjera të lashta, romakët nuk i caktuan artit detyra edukative ose morale. Përkundrazi, artet pamore të Romës së Lashtë ishin më shumë utilitare në natyrë, pasi ato konsideroheshin vetëm një mënyrë për të organizuar në mënyrë racionale hapësirën e jetesës. Kjo është arsyeja pse arkitektura zuri një vend të rëndësishëm në jetën e popullsisë së këtij vendi të lashtë. Qytetërimi i Romës së Lashtë ende kujton veten me struktura monumentale: tempuj, arena dhe pallate.
Përveç monumenteve madhështore të arkitekturës, kultura e Romës në epokën e antikitetit mund të gjykohet nga skulpturat e shumta që ishin portrete të atyre që jetonin në atë kohë. Jeta në Romën e lashtë ishte gjithmonë subjekt i rregullave të rrepta, dhe në disa periudha portrete skulpturore u krijuan vetëm për të përjetësuar fytyrat e sundimtarëve ose njerëzve të famshëm. Vetëm pas ca kohësh skulptorët romakë filluan t'i pajisin statujat e tyre me personazhe ose tipare të veçanta. Krijuesit romakë preferuan të përshkruanin ngjarje të rëndësishme historike në formën e relieveve.
Vlen të përmendet se veçoritë qëndrojnë në mungesën pothuajse të plotë të fenomeneve të tilla si teatri - në kuptimin tonë të zakonshëm, si dhe mitologjinë tonë. Duke përdorur imazhet e krijuara nga grekët për shumë nga romakët madhështorë, ata ose shtrembëruan ngjarjet për të kënaqur autoritetet e tyre, ose nuk u kushtuan shumë rëndësi atyre. Kjo ndodhi kryesisht sepse artet pamore të Romës së Lashtë u zhvilluan nën ndikimin e ideologjisë dominuese, e cila ishte e huaj për parimet abstrakte filozofike dhe trillimet artistike.
Karakteristikat dalluese të artit të Romës së Lashtë
Megjithë ekzistencën e provuar të Romës si një qytetërim i veçantë, historianët për një kohë të gjatë nuk mund ta ndanin artin e lashtë grek nga ai romak. Sidoqoftë, për shkak të faktit se shumë vepra të trashëgimisë artistike dhe arkitektonike të Romës së Lashtë janë ruajtur deri më sot, ishte e mundur të përcaktoheshin tiparet kryesore të qenësishme ekskluzivisht në veprat e lashta romake. Pra, cilat arritje dhe shpikje të Romës së Lashtë në fushën e arteve të bukura e karakterizojnë atë si një fenomen të pavarur?
- Arritja arkitekturore e romakëve ishte kombinimi i perceptimit hapësinor dhe formave artistike në ndërtesa. Arkitektët romakë preferuan të ngrinin ndërtesa dhe ansamble të veçanta në ultësira natyrore, dhe nëse nuk kishte asnjë, ata mbyllnin struktura me mure të vogla.
- Në kontrast me imazhet plastike greke, arti romak vuri alegori, simbolikë dhe natyrën iluzore të hapësirës. Këto shpikje të Romës së Lashtë në lidhje me imazhet skulpturore dhe artistike bënë të mundur dhënien e karakterit jo vetëm portrete skulpturore, por edhe imazhe mozaiku ose afresku.
- Artistët e lashtë romakë zhvilluan pikturën e këmbalecit, e cila filloi në Greqi, e cila praktikisht nuk ishte e përhapur në atdheun e saj historik.
Përkundër bollëkut të veçorive delikate dhe mezi të dukshme të laikut, ekziston një faktor që lejon edhe një jo-specialist të përcaktojë përkatësinë e një objekti skulpturor ose arkitektonik në kulturën e lashtë romake. Kjo është madhësia e saj. Qytetërimi i Romës së Lashtë është i njohur në të gjithë botën për ndërtesat dhe skulpturat e tij madhështore. Madhësia e tyre është disa herë më e lartë se analogët nga Greqia e Lashtë dhe vendet e tjera.
Periodizimi
Artet e bukura të Romës së Lashtë u zhvilluan në disa faza, të cilat korrespondonin me periudhat e formimit historik të vetë shtetit. Nëse historianët e ndajnë evolucionin e artit të lashtë grek në formim (arkaik), lulëzim (klasikë) dhe periudhë krize (helenizëm), atëherë zhvillimi i artit të lashtë romak merr tipare të reja gjatë ndryshimit të dinastisë perandorake. Ky fenomen është për shkak të faktit se faktorët socio-ekonomikë dhe ideologjikë luajtën një rol themelor në ndryshimin e formave stilistike dhe artistike.
Fazat e evolucionit të artit në Romë konsiderohen si periudha e mbretërisë romake (7-5 shekuj para Krishtit), republikane (5-1 shekuj para erës sonë) dhe periudha e Perandorisë Romake (1-2 shekuj pas Krishtit) ) Lulëzimi i vërtetë i të gjitha llojeve të arteve, përfshirë skulpturën, teatrin, muzikën dhe artet dhe zanatet, erdhi në fund të shekullit të 1 para Krishtit. NS dhe zgjati deri në
Arti i Periudhës Cariste
Formimi i artit të lashtë romak daton në shekullin e 8 para Krishtit. e., kur metodat etruske të planifikimit të ndërtesave, muratura dhe përdorimi i materialeve të ndërtimit u bënë motivet kryesore në arkitekturë. Kjo mund të gjykohet nga Tempulli i Jupiter Capitoline. Pikturimi dhe bërja e objekteve dekorative janë gjithashtu të lidhura ngushtë me rrënjët etruske. Vetëm nga mesi i shekullit të 7 para Krishtit. Pes, kur romakët kolonizuan Greqinë, ata u njohën me teknikat artistike të grekëve. Vlen të përmendet se artistët e lashtë romakë edhe atëherë u përpoqën të krijonin veprat e tyre sa më afër origjinaleve. Historianët e lidhin këtë me traditën e prodhimit të maskave të dyllit të vdekjes, të cilat saktësisht përsëritën tiparet e fytyrës së një personi. Zotat e Romës së lashtë, statujat e të cilëve u bënë gjatë periudhës së mbretërisë romake, u përshkruan në të njëjtën mënyrë si njerëzit e zakonshëm.
Arti republikan
Periudha republikane e shtetit romak u shënua nga formimi përfundimtar i arkitekturës: pa përjashtim, të gjitha komplekset (banimi dhe tempulli) fituan një strukturë dhe simetri boshtore. Fasada e ndërtesës u projektua në mënyrë më madhështore, dhe një ngjitje çoi në hyrje (zakonisht një shkallë guri). Në qytete, zhvillimi i banimit nga ndërtesat shumëkatëshe po përhapet, ndërsa shtresat e pasura të popullsisë ndërtojnë shtëpi me tarraca të vendit të zbukuruara me afreske dhe kompozime skulpturore. Gjatë kësaj periudhe, më në fund u formuan lloje të tilla ndërtesash si teatri i Romës së Lashtë (amfiteatri), ujësjellësat dhe urat.
Artet pamore u bazuan në skulpturën e portreteve: zyrtare dhe private. E para i shërbeu qëllimit të përjetësimit të burrave shtetërorë, dhe e dyta ekzistonte falë urdhrave për prodhimin e statujave dhe busteve për shtëpitë dhe varret. Ndërtesat publike ishin zbukuruar me basorelieve që përshkruanin skena historike ose fotografi të jetës së përditshme të shtetit. Sidoqoftë, në tempujt, më shpesh mund të shiheshin piktura (përfshirë mozaikë dhe afreske), të cilat përshkruanin perënditë e Romës së Lashtë.
Perandoria Romake: Periudha Finale e Zhvillimit të Artit
Periudha konsiderohet koha e kulmit të vërtetë të artit të lashtë romak. Arkitektura dominohet nga harku, qemeri dhe kupolat. Muret prej guri zakonisht ballafaqohen me tulla ose mermer. Hapësira të mëdha në ambientet zënë piktura dhe skulptura dekorative. Artet e bukura të Romës së Lashtë pësuan ndryshime të rëndësishme gjatë kësaj periudhe. Kur bëni portrete skulpturore, më pak vëmendje i kushtohet veçorive individuale, të cilat ndonjëherë duken disi skematike. Në të njëjtën kohë, skulptorët u përpoqën të përshkruajnë shpejtësinë e lëvizjeve, gjendjen emocionale të personit që portretizohet (pozicioni i trupit, krahëve dhe këmbëve, hairstyle, etj.). Imazhet e relievit marrin formën e panoramave me një komplot gradualisht në zhvillim.
Në kontrast me periudhën e mëparshme, ajo bëhet më komplekse për shkak të futjes së peizazhit dhe prejardhjeve arkitekturore. Bojrat e përdorura për afresket janë më të ndritshme, dhe kombinimet e ngjyrave janë më të kundërta. Përveç mozaikëve me ngjyrë, bardh e zi është përhapur gjerësisht.
Portretet më të famshme skulpturore
Portretet romake të burrave të shtetit, perëndive dhe heronjve përfaqësohen nga bustet ose statujat me madhësi të plotë. Portreti më i hershëm i lashtë romak konsiderohet të jetë një bust prej bronzi i Junius Brutus. Dikush mund të ndiejë ndikimin e madh të artit grek në të, megjithatë, tiparet e fytyrës tipike për romakët dhe një asimetri e vogël bëjnë të mundur që edhe një herë të sigurohemi që skulptorët e lashtë romakë edhe atëherë, në shekullin e 3 para Krishtit. e., u dhanë veprave të tyre një maksimum realizmi. Përkundër mungesës së teknologjive moderne të përpunimit të metaleve, detajet e vogla të bustit janë ekzekutuar bukur. Para së gjithash, kjo është e dukshme në gdhendjen e hollë të mjekrës dhe flokëve.
Më realisti ende konsiderohet të jetë një portret skulpturor i Vespasianit, perandorit romak. Mjeshtri jo vetëm që përcolli imazhin e tij në detajet më të vogla, por gjithashtu i dha bustit tipare karakteristike. Sytë tërheqin vëmendje të veçantë: të vendosur thellë dhe të vegjël, ato rrezatojnë dinakërinë natyrore dhe zgjuarsinë e perandorit. Por më i shquari është fakti se skulptori përshkroi edhe detajet më të vogla (venat dhe venat e tensionuara në qafë, rrudhat që kalojnë në ballë), të cilat flasin për forcën dhe papërkulshmërinë e udhëheqësit të shtetit. Jo më pak ekspresive ishte busti i skulptorëve të fajdexhiut Lucius Cecilius Yukunda, sytë e babëzitur dhe flokët e yndyrshëm të të cilit përshkruhen me saktësi të mahnitshme.
Monumente të mëdhenj të arkitekturës të epokës së lashtë romake
Deri më sot, asnjë nga ndërtesat e ndërtuara në epokën e Romës së Lashtë nuk është ruajtur plotësisht. Më i famshmi dhe më i famshmi prej tyre është Koloseu - një arenë ku u zhvilluan luftime dhe shfaqje të gladiatorëve nga burra shtetërorë të niveleve të ndryshme, përfshirë perandorët. Tempulli i Saturnit nuk ka histori më pak goditëse, e cila u shkatërrua vazhdimisht dhe u rindërtua përsëri. Ndryshe nga Koloseu, ai nuk mund të shihet, pasi vetëm disa kolona kanë mbetur nga struktura madhështore. Por ata arritën të ruajnë Panteonin e famshëm, ose tempullin e të gjithë perëndive, i cili është një ndërtesë mjaft e madhe e mbuluar me një kube.
Poetët e Romës së Lashtë dhe veprat e tyre
Megjithë mitologjinë e huazuar nga grekët, romakët e lashtë gjithashtu kishin talentet e tyre në fushën e shtimit të poezive, këngëve dhe fabulave. Poetët më të famshëm të Romës janë Virgjili dhe Horaci. E para u bë e famshme pasi kishte shkruar poezinë "Eneida", e cila të kujtonte shumë "Iliadën" e Homerit. Megjithë përbërësin poetik dhe artistik më pak ekspresiv, kjo poezi ende konsiderohet standardi i gjuhës origjinale latine. Horace, nga ana tjetër, kishte një zotërim të shkëlqyeshëm të fjalës artistike, falë së cilës u bë poet i oborrit, dhe rreshta nga poezitë dhe këngët e tij ende shfaqen në veprat e shumë shkrimtarëve.
Art teatral
Teatri i Romës së Lashtë fillimisht i ngjante pak asaj që ne konsiderojmë të jetë kështu sot. Pothuajse të gjitha shfaqjet u mbajtën në zhanrin e garave të poetëve dhe muzikantëve. Vetëm herë pas here njohësit e artit të lashtë romak mund të shijonin shfaqjen e aktorëve, të shoqëruar nga një kor i madh. Shpesh, auditorit iu shfaqën akte cirku, pantomime teatrore dhe vallëzime solo ose grupore. Një tipar dallues i shfaqjes teatrore të lashtë romake ishte numri i madh i trupës. Për këtë, publiku tha se ka më pak prej tyre sesa aktorët.
Vlen të përmendet se kostumeve dhe grimit nuk u kushtohej shumë vëmendje atëherë. Vetëm ndonjëherë, duke luajtur rolin e një perandori ose një personi të rëndësishëm në shtet, aktorët u veshën me rroba më të mrekullueshme të kuqe. Repertori përbëhej kryesisht nga veprat e poetëve romakë: Horace, Virgil dhe Ovid. Shpesh, rrëfimet dhe këngët e nxituara në teatro zëvendësoheshin me beteja të përgjakshme të gladiatorëve, në të cilat auditori shkonte me jo më pak kënaqësi.
Muzikë dhe vegla muzikore
Muzika e Romës së Lashtë u formua në mënyrë të pavarur nga ajo e lashtë Greke. Kur mbanin ngjarje dhe shfaqje publike, më të njohurit ishin instrumentet muzikorë të aftë për të prodhuar një tingull shumë të lartë: bori, brirë dhe të ngjashme. Sidoqoftë, më shpesh gjatë shfaqjes ata preferuan timpani, harpa, citharas. Vlen të përmendet se të gjithë e donin muzikën, përfshirë perandorët romakë. Midis muzikantëve dhe këngëtarëve kishte nga ata që u përjetësuan në skulpturë. Këngëtarët dhe kifareda Apelles, Terpnius, Diodorus, Anaxenor, Tigellius dhe Mesomedes gëzonin popullaritet dhe dashuri të veçantë të popullit romak në atë kohë. Muzika e Romës së Lashtë është ende gjallë, pasi jo vetëm motivet kryesore janë ruajtur, por edhe instrumentet muzikore.
Ndikimi i artit të lashtë romak në kohët moderne
Shumë është thënë për ndikimin e qytetërimit romak mbi modernitetin dhe kudo. Sigurisht, karakteristikat e Romës së Lashtë, ose më saktë, ajo e zonës së saj që lidhet me artin, ende nuk janë paraqitur plotësisht. Sidoqoftë, tashmë mund të argumentohet se arkitektura, skulptura dhe artet pamore të epokës së lashtë romake ndikuan drejtpërdrejt në përbërësin kulturor të pothuajse të gjitha shteteve evropiane. Kjo është veçanërisht e dukshme në arkitekturë, kur harmonia dhe madhështia e ndërtesave është e mbyllur në një formë të qartë simetrike.
AGJENSIA E ARSIMIT FEDERAL
Institucioni arsimor shtetëror i arsimit të lartë profesional
Universiteti Pedagogjik Shtetëror Rus. A.I. Herzen
FAKULTETI I MUZIKS
Departamenti i Edukimit dhe Edukimit Muzikor
Kurse mbi historinë e muzikës ruse
Krijimtaria simfonike e N.A. Rimsky-Korsakov
E kryer
Student i vitit të 2 -të
departamenti i mbrëmjes
Kraineva Maria
mbikëqyrës
Verba Natalia Ivanovna
Shën Petersburg 2010
Prezantimi
Kjo temë është e rëndësishme, sepse: trashëgimia krijuese e Rimsky-Korsakov është shumë e madhe. Ai ka shkruar një numër të madh kompozimesh në zhanre të ndryshme muzikore. Rruga krijuese e Rimsky-Korsakov përfshin një epokë komplekse, të pasur dhe të larmishme të zhvillimit muzikor të Rusisë. Muzika e tij është e dashur dhe e admiruar edhe sot e kësaj dite.
Kush shkroi për kompozitorin: N. Rimsky-Korsakov, "Kronikë e jetës sime muzikore", Moskë, "Muzikë", 1980; muzikologu Abram Akimovich Gozenpud në një intervistë Revista teatrore e Petersburgut (2002) citoi një letër nga Rimsky-Korsakov që shpjegon qëndrimin e tij ndaj punës së tij; Maslov A., Kënga popullore ruse në veprat e Rimsky-Korsakov, "Muzika dhe Jeta", 1909; Grachev P.V., Leitmotif në operat e Rimsky-Korsakov, në librin: De musica, vëll. 3, L., 1927; Rushanov V. A., H. A. Rimsky-Korsakov (1844-1908), L., 1928; Maggit S. D., Veçoritë stilistike të romancave të N. A. Rimsky-Korsakov, në koleksion: romanca ruse, Përvoja e analizës së intonacionit, ed. B.V. Asafieva, M.-L., 1930; Solovtsov A. A., H. A. Rimsky-Korsakov, M., 1948, 1958; Solovtsov A., Veprat simfonike të Rimsky-Korsakov, Moskë, Shtëpia Botuese Muzikore Shtetërore, 1953; Kabalevsky D. B., Rimsky-Korsakov dhe modernizmi, "CM", 1953, Nr 6-8; Berkov V.O., Libër mësuesi i harmonisë së Rimsky-Korsakov, M., 1953; Tretyakova LS, Faqet e muzikës ruse, Moskë, "Njohuri", 1979; Ratskaya Ts., N.A. Rimsky-Korsakov, Moskë, "Muzikë", 1958; L. Barsova, Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov, Leningrad, "Muzikë", 1986; Komissarskaya MA, muzika ruse e shekullit XIX, Moskë, "Njohuri", 1974; Keldysh Y., Historia e muzikës ruse, Moskë-Leningrad, Shtëpia Botuese Muzikore Shtetërore, 1947 (pjesa 2); Rapatskaya L.A., Historia e Muzikës Ruse nga Rusia e Lashtë në "Epokën e Argjendtë", Moskë, Vlados, 2001; Kobalevsky D.B., Ossovsky A.V., Tumanina N.V., Yankovsky M.O., Trashëgimia muzikore. Rimsky-Korsakov, Moskë, Shtëpia Botuese e Akademisë së Shkencave të BRSS, 1953; dhe shumë autorë të tjerë. Objekti është vepra simfonike e Rimsky-Korsakov, subjekti janë tiparet e veprës simfonike. Qëllimi është të merren parasysh dhe të studiohen veprat simfonike të N.A. Rimsky-Korsakov. Objektivat: 1. Të njihen me biografinë e Rimsky-Korsakov; 2. Studioni idetë e tij kryesore, jepni një përshkrim të përgjithshëm të krijimtarisë; 3. Njihuni me konceptin e "simfonisë klasike ruse" dhe merrni parasysh mënyrat e zhvillimit të muzikës simfonike ruse në shekullin XIX; 4. Konsideroni veprat simfonike të programuara të Rimsky-Korsakov në shembullin e figurës muzikore për orkestrën simfonike Sadko, suita simfonike Antar dhe suita simfonike Scheherazade; 5. Konsideroni veprat simfonike që nuk kanë një program të botuar nga autori në shembullin e simfonive të para dhe të treta, dhe "Capriccio on Tempes Spanish"; 6. Merrni parasysh uverturat, suitat simfonike nga operat dhe transkriptimet e skenave të operës për një orkestër simfonike duke përdorur shembullin e uverturës së operës Nata e Majit, suitën simfonike nga opera The Snow Maiden dhe suita nga opera Nata para Krishtlindjes; 7. Për të përgjithësuar të gjitha sa më sipër dhe për të nxjerrë një përfundim: cilat janë tiparet e veprës simfonike të Rimsky-Korsakov. Struktura e punës: hyrje, përmbajtje (1 pjesë - Biografi e shkurtër, karakteristikat e përgjithshme të krijimtarisë dhe ideve; 2 pjesë - krijimtari simfonike), përfundim, listë referencash, tabela e përmbajtjes. biografi e shkurtër Nikolai Andreevich Rimsky -Korsakov (6 mars (18), 1844, Tikhvin, provinca Novgorod - 8 qershor (21), 1908, prona Lubensk, pranë Luga, provinca e Shën Petersburg) - kompozitor, mësues, dirigjent, figurë publike, muzikë kritik; një përfaqësues i "Grushtit të Fuqishëm", drejtoi rrethin Belyaevsky. Ndër veprat e tij janë 15 opera, 3 simfoni, vepra simfonike, koncerte instrumentale, kantata, instrumente të dhomës, muzikë vokale dhe të shenjta. Fëmijëria dhe rinia Rimsky-Korsakov lindi në qytetin e vogël të Tikhvin. Babai i kompozitorit, Andrei Petrovich Rimsky-Korsakov (1784-1862), shërbeu për ca kohë si zëvendës-guvernator i Novgorodit, dhe më pas si guvernator në Volyn, nëna e tij, Sofya Vasilievna, është vajza e një gruaje fshatare shërbëtore dhe një pronari i pasur i tokës Skaryatin, një grua mjaft e arsimuar. Një ndikim të fortë në kompozitorin e ardhshëm u ushtrua edhe nga vëllai i tij i madh Voin Andreevich - Admirali i Pasëm, riorganizues i sistemit të arsimit detar. Shtëpia familjare e Rimsky-Korsakovs ishte e vendosur në brigjet e lumit Tikhvinka, përballë Manastirit Tikhvin Bolshoi Bogoroditsky. Kompozitori studioi të luante piano në shtëpi, dhe më pas në një shkollë me konvikt, ku mësimet e muzikës ishin ndër disiplinat e tjera të arsimit të përgjithshëm. Dihet që nga fëmijëria kompozitori ishte i apasionuar pas muzikës, u njoh me veprat e Rossini, Beethoven, Meyerbeer, Mendelssohn, por përshtypja më e madhe tek ai u bë nga muzika e MI Glinka - "Kamarinskaya" e tij, "Overtures Spanjolle ", operat" Një jetë për carin "dhe Ruslan dhe Lyudmila. Në 1859-1869, duke ndjerë nevojën për të fituar më shumë aftësi muzikore profesionale, Rimsky-Korsakov mori mësime nga pianisti F.A.Kanille. Në 1856, babai i tij e çoi Nikolain e ri në Trupat Kadetike Detare, nga e cila u diplomua me nderime në pranverën e 1862 (në atë kohë institucioni arsimor ndryshoi emrin në Shkollën Detare). Në atë kohë, babai i kompozitorit kishte vdekur (në 1861) dhe familja Rimsky-Korsakov u transferua në Shën Petersburg. Njohja me Balakirev, shërbimi në Almaz Në 1861, Canille prezantoi N. A. Rimsky-Korsakov me M. A. Balakirev. Kompozitori i ri u bë menjëherë anëtar i rrethit Balakirevsky ("Dora e Fuqishme"), i cili kishte një ndikim vendimtar në formimin e personalitetit të tij dhe pikëpamjet estetike të kompozitorit. Në atë kohë, përveç kokës së saj - Balakirev - dhe vetë Rimsky -Korsakov, Cezar Cui dhe Modest Mussorgsky u përfshinë në rreth. Balakirev, i cili mbikëqyri punën e kolegëve të tij më të rinj, jo vetëm që sugjeroi vendimet e sakta të kompozitorit për kompozimet që ata krijuan, por gjithashtu ndihmoi shokët e tij me instrumente. Në 1862-1865, Rimsky-Korsakov u caktua në shërbimin detar në prerësin Almaz, falë të cilit ai vizitoi një numër vendesh-Anglinë, Norvegjinë, Poloninë, Francën, Italinë, Spanjën, SHBA, Brazil. Përshtypjet e jetës detare u mishëruan pas një kohe në peizazhe të mahnitshme detare, të cilat ai arriti të kapte në veprat e tij duke përdorur ngjyra orkestrale. Puna në prerës nuk la shumë kohë për përmirësimin e aftësive muzikore, kështu që puna e vetme që u shfaq gjatë kësaj periudhe nga stilolapsi i kompozitorit ishte lëvizja e dytë (Andante) e Simfonisë së Parë (fundi i 1862), pas së cilës Rimsky-Korsakov dha duke shkruar për një kohë të gjatë. kompozitor simfonik romak korsakov Vitet 70, 80, 90 të jetës krijuese Që nga vitet '70. kufijtë e veprimtarisë muzikore të Rimsky-Korsakov u zgjeruan: ai ishte profesor në Konservatorin e Shën Petersburg (nga 1871, klasa të përbërjes praktike, instrumente, orkestrale), inspektor i grupeve prej bronzi të Departamentit Detar (1873-84), drejtor i Shkolla e Muzikës Falas (1874-81), dirigjente e koncerteve simfonike (nga 1874), dhe më vonë shfaqje të operës, si asistent menaxher i Court Caping Singing Capella (1883-94), drejtoi rrethin Belyaevsky (nga 1882). Në mesin e viteve '70. punoi për të përmirësuar teknikën e tij të kompozimit. Ishte gjatë kësaj periudhe në 1871 që ai u ftua të jepte mësim në Konservatorin e Shën Petersburgut, me dhënien e titullit akademik - profesor; dhe, pasi filloi mësimin në Konservator, Rimsky-Korsakov zbulon mangësi serioze në edukimin e tij muzikor, dhe ai vetë fillon të studiojë me entuziazëm disiplinat e mësuara në Konservator. Rimsky-Korsakov shkroi për emërimin e tij si profesor në Konservator si më poshtë: "Në verën e vitit 1871, një ngjarje e rëndësishme ndodhi në jetën time muzikore. Një ditë të bukur Azanchevsky erdhi tek unë, i cili sapo kishte marrë postin e drejtorit të Konservatorit të Shën Petersburgut në vend të NI Zaremba, i cili ishte larguar. Për habinë time, ai më ftoi të bashkohesha me konservatorin si profesor i përbërjes dhe instrumentacionit praktik, si dhe profesor, d.m.th. drejtuesi i klasës orkestrale ”. [N. Rimsky-Korsakov "Kronikë e jetës sime muzikore", Moskë, "Muzikë", 1980, f. 93] Në vitet '80. ai i kushtoi shumë vëmendje zhanreve simfonike, ishte gjatë kësaj periudhe që ai krijoi kanavacën e tij më të madhe epike simfonike - suitë simfonike "Scheherazade". Në fillim të viteve '90. pati një rënie të caktuar të veprimtarisë krijuese (gjatë kësaj periudhe ai studioi filozofi, shkroi artikuj, rishikoi dhe redaktoi disa nga veprat e tij të mëparshme). Në gjysmën e dytë të viteve '90. krijimtaria fitoi intensitet të jashtëzakonshëm: u shfaqën operat Sadko (1896) dhe Nusja e Carit (pas majit 1898). Gjatë Revolucionit të 1905-07, Rimsky-Korsakov mbështeti në mënyrë aktive kërkesat e studentëve grevistë, dënoi hapur veprimet e administratës reaksionare të Konservatorit të Shën Petersburgut (ai u pushua nga konservatori, u kthye vetëm pasi konservatori u dha pjesërisht të drejtat autonome dhe një ndryshim në udhëheqje). Rimsky-Korsakov vdiq më 11 qershor 1908 nga paraliza e zemrës. Ai u varros në varrezat Novodevichy në Shën Petersburg. Karakteristikat e përgjithshme të krijimtarisë dhe ideve Gjatë shumë viteve të veprimtarisë (mbi 40 vjet), puna e Rimsky-Korsakov ka pësuar ndryshime, duke reflektuar nevojat e kohës, dhe pikëpamjet estetike të kompozitorit dhe stili i tij kanë evoluar. Rimsky-Korsakov u formua si muzikant në atmosferën e ngritjes shoqërore në vitet 1960. nën ndikimin e parimeve estetike të "Shkollës së Re Ruse të Muzikës". Më e rëndësishmja prej tyre - dëshira për kombësinë, përmbajtja e lartë, rëndësia shoqërore e artit - kompozitori kaloi gjatë gjithë jetës së tij. Në të njëjtën kohë, ai ishte më i interesuar për problemet specifike të brendshme të artit sesa anëtarët e tjerë të rrethit Balakirev. Rimsky-Korsakov karakterizohet nga identifikimi i parimit estetik në secilën përbërje, përpjekja për bukurinë, përsosja e ekzekutimit. Prandaj - vëmendje e veçantë për çështjet e profesionalizmit dhe një lloj estetike të mjeshtërisë, e cila i solli parimet e Rimsky -Korsakov më afër tendencave të përgjithshme në zhvillimin e artit rus në fund të shekullit XIX - fillim të shekujve 20. Në pamjen krijuese të Rimsky-Korsakov ka shumë ngjashmëri me MI Glinka. Para së gjithash - harmonia e perceptimit të botës, ekuilibri i brendshëm, arti i hollë, shija e patëmetë, ndjenja e proporcionit artistik, qartësia klasike e të menduarit muzikor. Gama e temave dhe komploteve të mishëruara nga Rimsky-Korsakov është e gjerë dhe e larmishme. Si të gjithë "Kuchkists", kompozitori iu drejtua historisë ruse, fotografive të jetës popullore, imazheve të Lindjes, ai gjithashtu preku fushën e dramës së përditshme dhe sferën lirike dhe psikologjike. Por talenti i Rimsky-Korsakov u zbulua më plotësisht në veprat që lidhen me botën e trillimeve shkencore dhe format e ndryshme të artit popullor rus. Një përrallë, legjendë, epikë, mit, rit përcaktojnë jo vetëm temën, por edhe kuptimin ideologjik të shumicës së veprave të tij. Duke zbuluar nëntekstin filozofik të zhanreve folklorike, Rimsky-Korsakov zbulon botëkuptimin e njerëzve: ëndrrën e tij të përjetshme për një jetë më të mirë, lumturi, të mishëruar në imazhet e vendeve dhe qyteteve të ndritshme të zanave Kitezh); idealet e tij morale dhe estetike, të cilat mishërohen, nga njëra anë, nga heroinat magjepsëse të pastra dhe të buta të operave (Princesha në Kashchee, e Pavdekshme, Fevronia), nga ana tjetër, këngëtarë legjendar (Lel, Sadko), këto janë simbole të arti popullor i zbehur; admirimi i tij për fuqinë jetëdhënëse dhe bukurinë e përjetshme të natyrës; më në fund, besimi i pazgjidhshëm i njerëzve në triumfin e forcave të lehta, drejtësisë dhe mirësisë është një burim optimizmi i natyrshëm në veprën e Rimsky-Korsakov. Qëndrimi i Rimsky-Korsakov ndaj të paraqiturit është gjithashtu i ngjashëm me artin popullor. Sipas B.V. Asafiev, "... midis ndjenjës personale të kompozitorit dhe objektit të veprës së tij ekziston një mediastinum i mrekullueshëm: si mendojnë njerëzit për të dhe si do ta mishëronin idenë e tyre në lidhje me të? ...". Kjo shkëputje nga pozicioni i autorit përcaktoi objektivitetin e tonit karakteristik të Rimsky-Korsakov dhe mbizotërimin e parimeve epike të dramës në shumicën e veprave të tij. Kjo shoqërohet gjithashtu me tiparet specifike të teksteve të tij, gjithmonë të sinqerta dhe në të njëjtën kohë pa tension emocional - të qetë, të plotë dhe disi soditës. Në punën e Rimsky-Korsakov, mbështetja në folklorin muzikor rus (kryesisht shtresat e tij më të vjetra) dhe në traditat e klasikëve kombëtarë (Glinka) është e kombinuar organikisht me zhvillimin e gjerë të tendencave piktoreske dhe koloristike të artit romantik, rregullsisë dhe ekuilibrit të të gjitha elementet e gjuhës muzikore. Kompozitori fut këngë autentike popullore në veprat e tij dhe krijon meloditë e tij në frymën e këngëve popullore. (Veçanërisht tipike për të janë tema diatonike të arkaizuara në shkallë komplekse të çuditshme, të tilla si, për shembull, kori i fundit nga "Vajza e borës" në 11/4). Intonacionet e këngëve ngjyrosin gjithashtu meloditë lirike (kryesisht operistike) të Rimsky-Korsakov. Por ajo, në kontrast me temat popullore, karakterizohet më shumë nga plotësia strukturore, copëzimi i brendshëm dhe përsëritja periodike e lidhjeve motivuese. Tipike për Rimsky-Korsakov janë melodi të lëvizshme, të zbukuruara me një natyrë instrumentale, të futura shpesh në pjesët vokale të personazheve fantastikë të operës (Volkhova, Princesha Mjellmë). Zhvillimi i materialit tematik në Rimsky-Korsakov zakonisht nuk çon në ndryshime radikale të intonacionit. Ashtu si të gjithë "kukistët", kompozitori përdor teknika të ndryshme dhe të larmishme, duke i plotësuar ato me polifoni - më shpesh në nën -zë, por shpesh imitim. Mendimi harmonik i Rimsky-Korsakov dallohet nga logjika e rreptë, qartësia, një parim racional i organizimit ndihet në të. Pra, përdorimi i mënyrave natyrore diatonike, që vijnë nga stili i këngës fshatare ruse dhe parimet Balakirev të përpunimit të tij, zakonisht kombinohet nga Rimsky-Korsakov me një harmonizim të thjeshtë treshe, përdorimin e akordeve të hapave anësorë. Kontributi i kompozitorit në zhvillimin e mundësive koloristike të harmonisë është thelbësor. Bazuar në traditat e "Ruslan dhe Lyudmila", ai krijoi nga mesi i viteve '90. sistemi i tij i mjeteve harmonike (i lidhur, para së gjithash, me sferën e imazheve fantastike), i cili bazohet në mënyra komplekse: të zmadhuara, zinxhirore dhe veçanërisht të zvogëluara, me një shkallë karakteristike të tonit- gjysmoni, i ashtuquajturi "Rimsky- Shkalla Korsakov ". Tendencat koloristike manifestohen gjithashtu në orkestrimin, të cilin Rimsky-Korsakov e konsideroi si një pjesë integrale të konceptit ("një nga anët e shpirtit" të përbërjes). Ai prezanton solo të shumta instrumentale në partitura dhe, duke ndjekur parimet e Glinka, preferon tingullin e timbrave të pastër sesa ngjyrat e trasha të përziera. Shkëlqimi dhe shkëlqimi virtuoz i orkestrës së tij kombinohen me transparencën dhe butësinë e strukturës, të dalluar nga qartësia e patëmetë e zërit që udhëheq. Rëndësia kulturore dhe historike e veprimtarisë redaktuese të Rimsky-Korsakov është e madhe, falë së cilës u botuan dhe kryen shumë kryevepra të muzikës ruse Rimsky-Korsakov përgatiti dy herë për publikim partiturat e operës së Glinka (së bashku me Balakirev dhe Lyadov, 1877-81; me Glazunov, në 100 vjetorin e ditëlindjes së Glinka, 1904). Orkestruar "Vizitori i Gurit" nga Dargomyzhsky dy herë (1870 dhe 1897-1902). Së bashku me Glazunov ai përfundoi, redaktoi dhe orkestroi pjesërisht "Princi Igor" (1887-90) dhe instrumental një numër romancash të Borodin. Pothuajse e gjithë trashëgimia e Mussorgsky u redaktua nga Rimsky-Korsakov: ai përfundoi, redaktoi dhe orkestroi "Khovanshchina" (1881-83), kreu redaktimin dhe instrumentacionin e tij të "Boris Godunov" (1895-96, plotësuar në 1906), gjithashtu si përpunim dhe orkestrim falas i botimit të figurës simfonike "Nata në Malin Tullac" (1886), redaktoi dhe orkestroi një numër fragmentesh të operës së papërfunduar "Salammbo", pjesë simfonike (Intermezzo, Scherzo), kore. Rimsky-Korsakov përgatiti për botim dorëshkrimin e Martesës (1906) dhe shumicën e veprave vokale të dhomës (ai udhëzoi disa prej tyre). Kjo vepër e madhe, e cila kontribuoi në propagandën e veprës së Mussorgsky, nuk është pa kontradikta të brendshme, pasi botimet e bëra nga Rimsky-Korsakov mbajnë një gjurmë të thellë të personalitetit të kompozitorit të tij, pikëpamjeve estetike dhe shijeve. Si rezultat, tiparet karakteristike të stilit të Musorgsky (kryesisht intonacioni, modal, harmonik) kanë pësuar ndryshime të rëndësishme. Një rol të jashtëzakonshëm në zhvillimin e kulturës muzikore ruse i përket Rimsky-Korsakov, një mësues që edukoi St. 200 kompozitorë, dirigjentë, muzikologë. Ai ishte themeluesi i shkollës së kompozimit. Ndër studentët e tij janë A.K. Glazunov, A. K. Lyadov, A. S. Arensky, M. Ippolitov-Ivanov, I. F. Stravinsky, N. N. Cherepnin, A. T. Grechaninov, V. A. Zolotarev, N. Ya. Myaskovsky, S. S. Prokofiev, M. F. Gnesin, B. V. Asafiev, A. V. Ossovsky. Rimsky-Korsakov dha një kontribut të rëndësishëm në zhvillimin e kulturës muzikore të popujve të Rusisë. Shumë nga studentët e tij u bënë figura të shquara në shkollat kombëtare të muzikës - Ukraina (N. V. Lysenko, Y.S. Stenova, F.S. Akimenko), Letonia (A.A. Yuryan, J. Vitol, E. Melngailis), Estonia (RI Tobias, AI Kapp), Lituania (KM Galkauskas), Armenia (MG Ekmalyan, AA Spendiarov), Gjeorgji (MA Balanchivadze). Rimsky-Korsakov i kushtoi shumë vëmendje organizimit të procesit arsimor: ai zotëron artikujt "Për edukimin muzikor" (1892), "Projekti për transformimin e programit të teorisë së muzikës dhe kompozimit praktik në konservatorët" (1901). Një përgjithësim i pjesshëm i përvojës së madhe pedagogjike të Rimsky-Korsakov ishin manualet që ai krijoi: "Teksti i harmonisë" (pjesët 1-2, 1884-85; konvertuar në "Libër mësimi praktik i harmonisë", 1886) dhe "Bazat e orkestrimit" (1908, botuar në 1913) ... Ndër veprat letrare të Rimsky-Korsakov dallohet një përmbledhje e operës së Napravnikut "Nizhegorodianët" (1869), një artikull "Wagner dhe Dargomyzhsky" (1892), si dhe një analizë të operës "Vajza e borës". Materiali më i vlefshëm mbi historinë e kulturës muzikore ruse në gjysmën e dytë të shekullit XIX. përmban librin e tij autobiografik "Kronikë e jetës sime muzikore" (1876-1906, botim 1909), i cili kontribuoi në ndërgjegjësimin e autorit për rrugën e tij krijuese. Shfaqjet e Rimsky-Korsakov si dirigjent ishin me vlerë arsimore të paçmueshme. Në koncertet e Shkollës së Muzikës Falas, RMO, Koncertet Simfonike Ruse, ai promovoi veprat e klasikëve rusë, punën e kompozitorëve të Dora e Fuqishme, veprat e bashkëkohësve - Glazunov, P. Tchaikovsky, S. I. Taneev, S. V. Rachmaninov, etj. Aktiviteti i shumanshëm i Rimsky-Korsakov la një gjurmë të thellë në historinë e kulturës muzikore botërore. Puna e tij ndikoi jo vetëm në kompozitorët rusë (Glazunov, Lyadov, Spendiarov, Stravinsky, Prokofiev), por gjithashtu ndikoi ndjeshëm në muzikën e Evropës Perëndimore (K. Debussy, M. Ravel, O. Respighi, A. Bax). Në 1944, në lidhje me 100 vjetorin e lindjes së Rimsky-Korsakov, një shtëpi-muze u hap në atdheun e kompozitorit në Tikhvin, në 1971 në Leningrad-një muze-apartament (në apartamentin ku kompozitori kaloi 15 vitet e fundit). Emri i Rimsky-Korsakov iu dha Konservatorit të Leningradit, para ndërtesës së tij një monument i Rimsky-Korsakov u ngrit nga skulptorët V. Ya. Bogolyubov dhe V. I. Ingal (1952). Krijimtaria simfonike. Simfonia klasike ruse Një nga karakteristikat më të rëndësishme të simfonizmit klasik rus është se zhanret simfonike në Rusi kishin një orientim demokratik në fazën më të hershme të zhvillimit të tyre. Kjo veçanti e jashtëzakonshme e simfonizmit rus ishte për shkak të gjithë rrjedhës së zhvillimit socio-historik të Rusisë. Që nga fillimi i viteve 60 të shekullit XIX, një fazë e re e rëndësishme është shënuar në historinë e simfonizmit klasik rus. Ndjekësit e Glinka - kompozitorët "Kuchkist" dhe Çajkovski, duke përmbushur urdhrat e "mësuesit" të madh, ishin në gjendje të ngrinin muzikën simfonike ruse në një lartësi të tillë që i siguroi asaj një vend të nderuar në zhvillimin e simfonisë botërore. Lulëzimi brilant i simfonisë klasike ruse u stimulua nga atmosfera e entuziazmit të lartë shoqëror. Nën ndikimin e ideve të përparuara revolucionare-demokratike, kompozitorët rusë të shekullit të kaluar ndoqën punën e tyre simfonike, si, rastësisht, në zhanre të tjera, parimet e larta estetike të realizmit dhe kombësisë; ata vazhdimisht iu drejtuan problemeve jetësore të kohës sonë. Shumëllojshmëria goditëse e zhanreve ishte shumë treguese e simfonizmit rus në periudhën klasike të zhvillimit të tij. Këtu mund të gjeni një simfoni që kishte një traditë të gjatë, e cila mori një pamje të re, origjinale në tokën ruse, dhe uvertura simfonike shumëngjyrëshe, suita, fantazi simfonike të programuara, poezi, piktura dhe koncerte instrumentale të natyrës së ndryshme. Kjo pasuri e zhanrit të muzikës simfonike ruse ishte për shkak të dëshirës së kompozitorëve klasikë për të treguar gjerësisht fenomenet e realitetit, në një shfaqje të shumëanshme të jetës popullore, në një mishërim figurativisht konkret të temës kombëtare. Aspiratat realiste, demokratike të kompozitorëve klasikë u shfaqën në tërheqjen e tyre të pandryshueshme drejt simfonisë programatike. Në thelb, kompozitorët e shquar rusë të shekullit të kaluar ishin krijuesit e simfonizmit programor klasik rus. Çfarë është një punë instrumentale e programuar? Çdo kompozim programatik bazohet në një komplot specifik, të huazuar ose nga realiteti përreth (për shembull, uverturat spanjolle të Glinka), ose nga një vepër letrare (për shembull, Scheherazade e Rimsky-Korsakov), ose nga piktura (për shembull, Fotografitë në një Ekspozitë nga Musorgsky e orkestruar nga M. Ravel). Zbulimi i konceptit programatik të përbërjes kryhet me ndihmën e imazheve muzikore specifike, të cilat ndonjëherë bazohen në burime folklorike, të cilat dallohen nga një karakteristikë e caktuar e zhanrit (p.sh. shenjat e zhanrit të një kënge, vallëzimi, marshimi, etj. ndihen qartë në punë). Tematika muzikore e veprave të programit shënohet nga një lehtësim i mprehtë figurativ. Mundësia dhe qartësia e muzikës simfonike nga kompozitorët rusë të shekullit XIX për një audiencë të gjerë përcaktohet nga lidhja e saj e ngushtë me artin popullor. Në veprat klasike simfonike, shpesh mund të gjendet një tematikë e mirëfilltë folklorike, aq e afërt dhe e kuptueshme për një auditor të gjerë. "..." Sidoqoftë, shumë më shpesh kompozitorët klasikë përdorën melodi popullore në mënyrë indirekte, duke i thyer ato përmes prizmit të individualitetit të tyre krijues. Mënyrat e zhvillimit të muzikës simfonike ruse Simfonia klasike ruse e shekullit të kaluar përfshinte dy drejtime kryesore: lirike dhe dramatike, përfaqësuesi më i ndritshëm i të cilave ishte P.I. Tchaikovsky, dhe narrative-epike, e cila mori shprehjen më të plotë në veprat simfonike të A.P. Borodin dhe N.A. Rimsky-Korsakov. Simfonia liriko-dramatike karakterizohet nga konflikte të gjalla të jetës, mprehtësia dhe intensiteti i zhvillimit, tensioni i brendshëm i imazheve muzikore dhe artistike. Për simfonizmin epik, karakteri narrativo-objektiv i shprehjes artistike është tipik. Në veprat e këtij lloji, përplasjet e konflikteve janë më pak të theksuara. Imazhet e realitetit përreth ndriçohen nga kompozitorët në tone të qeta dhe soditëse. Në të tretën e fundit të shekullit XIX, u shënua qartë një fazë e re në historinë e simfonisë ruse. Kompozitorët tani i qasen programimit në muzikë në një mënyrë tjetër; ato tërhiqen jo aq nga përshkrimi i komplotit ose përshkrimi piktural, sa nga problemet më të përgjithësuara psikologjike dhe filozofike. Ne tashmë mund të flasim jo vetëm për tendencat më të rëndësishme në simfoninë ruse, por edhe për veprat simfonike individuale, ndonjëherë unike në llojin e tyre, në punën e një kompozitori ose të një tjetri. Ndër arritjet më të mira të simfonizmit rus dhe botëror të kësaj periudhe janë Simfonitë e Katërta, të Pesta dhe të Gjata të Çajkovskit, veprat simfonike të Glazunov, Lyadov, Kalinnikov, Rachmaninov, Scriabin, Taneev, Rimsky-Korsakov. Në muzikën e këtyre kompozitorëve, të cilët zhvilluan traditat simfonike të Glinka, parimet e kombësisë janë mishëruar gjallërisht, është arritur një kombinim organik i parimeve filozofike dhe estetike me ato etike. Vepra simfonike nga Rimsky-Korsakov Rimsky-Korsakov i kushtoi shumë më pak kohë dhe energji muzikës simfonike sesa operës. Numri i kompozimeve të tij simfonike është relativisht i vogël. Por për sa i përket fuqisë artistike, thellësisë dhe origjinalitetit të mahnitshëm, ata zënë një vend pranë operave të Korsakov. Rimsky-Korsakov është një kompozitor pa dyshim i shkëlqyer i operës, dhe po aq padiskutim një simfonist brilant. Veprat kryesore simfonike u krijuan nga Rimsky-Korsakov në vitet '60 dhe '80. Simfonia e Parë është kronologjikisht shembulli më i hershëm i një simfoni kombëtare ruse. Një rol skenik në formimin e stilit simfonik të kompozitorit u luajt nga një fotografi muzikore Sadko (episod nga eposi ) dhe suite simfonike Antar (Simfonia e 2 -të, bazuar në historinë orientale me të njëjtin emër nga Osip Ivanovich Senkovsky). Ankesa ndaj botës së trillimeve popullore ruse dhe përrallës orientale zbuloi aspektet më karakteristike të individualitetit artistik të Rimsky -Korsakov - dhuratën e tij muzikore dhe piktoreske. Përbërja falas e të dy veprave, me një ndryshim të qetë të episodeve, për shkak të skicës së komplotit, pasqyron qëndrimet estetike Shkolla e re ruse ... Një faktor konstruktiv unifikues në Sadko shërben si një teknikë inkuadrimi, e preferuar nga Balakirev (tema e detit), në Antara - në të gjitha pjesët e simfonisë së lajtmotivit të personazhit kryesor, i ngjashëm me parimet e simfonisë programatike të Berlioz. Evolucioni i krijimtarisë simfonike në vitet '80. u shfaq kryesisht në refuzimin e detajuar komplot programe, në përpjekje për një transferim të përgjithësuar të përmbajtjes dhe (si rezultat) për një mbështetje më solide në metodat klasike të formësimit, për rrumbullakosjen dhe harmoninë e përbërjes. Tendencat e reja janë zbuluar pjesërisht tashmë në Përrallë ... Teksti i Pushkinit nga prologu në Ruslan dhe Lyudmila përdoret jo si program, por si një epigraf poetik që lejon interpretimin falas të një sërë imazhesh fantastike. Një vepër domethënëse e këtyre viteve ishte një koncert për një piano dhe orkestër, tematizmi kombëtar i të cilit (rekrutimi i këngës) është i kombinuar në mënyrë unike me parimet që vijnë nga Liszt (një poezi interpretimi i një forme një pjesësh, më saktësisht monociklike; transformimi monotematik) të materialit; teknikat e prezantimit të pianos). Loja me temat e jetës së kishës zgjidhet në një mënyrë të veçantë Festë e shenjtë (Overturë e së Dielës ), në të cilën kompozitori kërkoi (me fjalët e tij) të përcjellë ana legjendare dhe pagane e festës ... Prandaj natyra e zhanrit të seksionit kryesor (Allegro) të uverturës me tingujt e kambanës, interpretuar si muzikë kishtare vallëzimi .
Linjat e zhanrit dhe programit të simfonisë së Rimsky -Korsakov plotësohen nga dy kryevepra - Kapriço spanjolle dhe Scheherazade ... V Capriccio skica të gjalla, me temperament të jetës popullore spanjolle, duke vazhduar traditat e aventurave spanjolle të Glinka, janë të kombinuara me vetë idenë muzikore origjinale; kjo vepër është një lloj koncerti brilant për orkestrën (timbri dhe aftësitë virtuo-teknike të secilit instrument zbulohen në solo të shumta dhe kadenca të improvizuara). Rezultati i kompletit simfonik shënohet gjithashtu nga tiparet e koncertitetit. Scheherazade ... Ndryshe nga Antara , imazhet e Lindjes përrallore në të nuk shoqërohen me një komplot specifik. Kjo përgjigjet gjithashtu nga interpretimi i përgjithësuar i lajtmotivëve më të rëndësishëm, të cilët nuk i janë caktuar imazheve të caktuara dhe i nënshtrohen një rimendimi falas (për shembull, tema e Shahriar bëhet tema e detit në pjesën e parë të kompletit). Uniteti tematik, zhvillimi simfonik, roli sintetizues i finales i japin suites një integritet të jashtëzakonshëm dhe e bëjnë atë të ngjashme me një simfoni. Bukuria plastike dhe lehtësimi i temave, pasuria ritmike, orkestrimi brilant dhe përsosja e formës bëjnë Scheherazade një nga veprat e shquara të muzikës ruse kushtuar Lindjes. Veprat simfonike të Rimsky-Korsakov plotësohen dhe pasurohen nga fragmentet orkestrale të operave të tij. Duke ndjekur traditat e Glinka, Rimsky-Korsakov, që nga fillimi i veprimtarisë së tij krijuese, ndoqi rrugën e simfonizimit të zhanrit të operës. Orkestra në operat e Rimsky-Korsakov nuk është e kufizuar në rolin modest të pjesëve vokale shoqëruese. Shtë një pjesëmarrës aktiv dhe në shumë raste dominues në aksion. Në operat e Rimsky-Korsakov mund të gjeni shumë episode orkestrale dhe orkestrale-vokale, në të cilat mendimi i kompozitorit zhvillohet me një gjerësi të vërtetë simfonike. Disa prej tyre u përfshinë në suitat e kompozuara nga Rimsky-Korsakov nga Snow Maiden , Mlady , Netët para Krishtlindjeve , Tregimet e Car Saltanit , Vojvodë pan ... Ngjitur me to: Muzika te Drama e Majit Grua Pskov (bazuar në botimin e dytë, të pabotuar të operës), Natë në malin Triglave (aranzhim koncertesh për orkestrën e aktit të tretë Mlady ) dhe transkriptimi simfonik i Procesionit nga Gjeli i artë ... Imazhet e pakta të simfonizmit dramatik në veprën e Rimsky-Korsakov shoqërohen gjithashtu me muzikën e operës: uvertura ndaj operave Grua Pskov , Vera Sheloga , Nusja e Carit , ndërprerje epiko-dramatike Therje në Kerzhenets nga akti i 3 -të Legjendat për qytetin e padukshëm të Kitezh dhe vajzën Fevronia .
Kompozime simfonike të programuara "Sadko" Duke folur për figurën muzikore, nuk mund të mos kujtojmë epikën e operës "Sadko". Rimsky-Korsakov prezantoi temat kryesore të një pjese simfonike rinore në epikën e operës si lajtmotivët më të rëndësishëm. Falë kësaj, ne mund ta imagjinojmë më qartë kuptimin, kuptimin e secilës temë të "Sadko" "të parë". Falë kësaj, është më e lehtë të gjurmosh se si zbulohet komploti epik në ndryshimin dhe zhvillimin e imazheve muzikore. Peizazhi madhështor i tingujve hap skenën muzikore. Valët e Detit Oqean të Kaltër ngrihen në mënyrë të qëndrueshme, ngadalë. Por kjo qetësi është plot fuqi të fshehur. Duket se një stuhi do të ngrihet dhe elementi i ujit do të shfaqet në të gjithë fuqinë e tij të frikshme. Shtë e vështirë të mos admirosh piktoreskën dhe poezinë e këtij imazhi muzikor, të gjetur nga një kompozitor i ri duke hedhur hapat e tij të parë krijues. Në "marinën" e tij vërtet gjeniale muzikore "Rimsky-Korsakov nuk ndjek rrugën e rrahur. Ai shmang onomatopenë direkte, nuk imiton zhurmën e valës ose shpërthimet e valëve. Rimsky-Korsakov gjen një rrugë të ndryshme drejt fantazisë së dëgjuesit. Muzika hyrëse vjen nga një motiv i shkurtër (vetëm tre tinguj). Lakonizmi i ashpër i këtij motivi dhe thjeshtësia e rreptë e ritmit krijojnë përshtypjen e fuqisë së përmbajtur. Duke u pasuruar me ngjyra të reja dhe të reja harmonike dhe timbër, motivi kryesor nuk i humbet skicat e tij. Nga këtu vijnë përshtypjet e pafundësisë, pakufisë: deti është përjetësisht në lëvizje, përjetësisht i ndryshueshëm dhe në të njëjtën kohë është gjithmonë i njëjtë. Mbreti i Detit e merr Sadkon në thellësitë e oqeanit. Ritmi ndryshon në mënyrë dramatike. Një motiv i shkurtër ngrihet shpejt, duke kaluar nga një instrument në tjetrin. Sadko zhytet në fund të detit. Rimsky-Korsakov gjen këtu një imazh muzikor të thjeshtë dhe në të njëjtën kohë të rrallë. Ky është një zinxhir akordi; zërat e tyre të sipërm lëvizin në një shkallë të pazakontë, në të cilën intervalet e tonit dhe gjysmësorit alternohen. Kjo muzikë lë një përshtypje pothuajse vizualisht të qartë të një rënieje të shpejtë. Njëra pas tjetrës, mrekullitë e mbretërisë së detit zëvendësohen. Me kërkesë të Mbretit të Detit, Sadko fillon të luajë. Në sfondin e shpërthimit të nxituar të guslit (harpës në orkestër), shfaqet një melodi e thjeshtë, qartë ritmike e vallëzimit. Zëvendësohet me një temë tjetër, shumë melodioze - kjo është një këngë madhështore që Sadko i këndon Mbretit të Detit. Easyshtë e lehtë të kuptosh në të, siç tha vetë Rimsky-Korsakov, "një sasi e caktuar e aftësive ruse". Gusli i Sadkos tani tingëllon ndryshe - me akorde të matura, solemne dhe tingëlluese. Vallëzim më i shpejtë dhe më i shpejtë (kjo pjesë e poemës simfonike të Rimsky-Korsakov bazohet në zhvillimin e dy melodive). Një goditje e mprehtë nga e gjithë orkestra - Sadko theu tela në qeste ... Dhe përsëri një fotografi e një deti të qetë. Kjo është pjesa muzikore e "Sadko", e cila korrespondon plotësisht me programin e autorit. Me aftësi të jashtëzakonshme, Korsakov tërheq elementin e ujit, detin në gjendje të ndryshme: tani i qetë dhe vetëm pak i qetë lëkundet, tani i hijezuar nga disa valëzime misterioze ogurzi, tani tërbuese ogurzeze dhe të dhunshme. Për të përcjellë të gjitha këto, kompozitori gjen një mjet të ri dhe origjinal muzikor dhe piktural. Kjo, në veçanti, është shkalla, e përbërë nga një alternim i njëtrajtshëm i tanëve dhe gjysmë toneve, me ndihmën e të cilave përcillet zhytja e Sadkos në thellësi. Kjo shkallë, e quajtur "shkalla Rimsky-Korsakov", shërben si bazë për një nga mënyrat karakteristike që Rimsky-Korsakov përdori në punën e tij të ardhshme për të përshkruar botën e fantazisë magjike, misterioze. Sadko nuk është vepra e parë e Rimsky-Korsakov. "Sadko" u parapri nga një simfoni dhe "Fantazi Serbe" për orkestër. Por vetëm në Sadko, Rimsky-Korsakov shfaqet si një kompozitor me një stil simfonik të përcaktuar dhe jashtëzakonisht të veçantë, si një artist me një drejtim qartë të ndërgjegjshëm të mendimit krijues. Ishte në "Sadko" që tendencat më të rëndësishme u përshkruan me qartësi të plotë, të cilat në të ardhmen mund të gjurmohen lehtësisht në veprën e Rimsky-Korsakov. Këto janë, para së gjithash, ato veçori që janë përmendur tashmë: natyra programatike, kombësia e fjalës dhe komploteve muzikore, të marra kryesisht nga poezia. Muzika e Rimsky-Korsakov përfshiu gjithashtu imazhe të natyrës. Në "Sadko" është elementi i ujit që mahniti Rimsky-Korsakov në rininë e tij të hershme, në vitet e udhëtimit të tij në të gjithë botën. Më vonë, Rimsky-Korsakov prezantoi fenomene dhe forca të tjera të natyrës ruse në punën e tij. Rrëfimet e ngjarjeve fantastike shpesh shkrihen në Rimsky-Korsakov me peizazhin zanor. Në të njëjtën kohë, tingujt e parë të lojës së Rimsky-Korsakov e futin dëgjuesin në botën misterioze dhe magjike magjepsëse të fantazisë popullore. "Sadko" është një vepër kombëtare si në dizajn ashtu edhe në mishërimin e tij. Në Sadko, Rimsky-Korsakov shfaqet si një artist përparimtar rus, duke lavdëruar tiparet fisnike të personit rus në punën e tij. "Antar" "Antar" nga tendencat e tij kryesore, nga tiparet kryesore stilistike, ngjitet me traditat e Glinka. Dhe në "Antara" - e njëjta dramë epike "Ruslanov", i njëjti zhvillim i qetë, tablo -narrative i veprimit, si në "Sadko". Në "Antara" ekziston një aromë orientale e muzikës (një tipar që është një tipar i artit muzikor rus). Kompleti përbëhet nga katër pjesë. Pjesa e dytë, e tretë dhe e katërt titullohen: "nessmbëlsia e hakmarrjes", "sweetmbëlsia e fuqisë", "sweetmbëlsia e dashurisë". Në grupin Antar, Rimsky-Korsakov tregoi veten se ishte një mjeshtër i pjekur dhe origjinal i orkestrës. Në disa episode, Rimsky-Korsakov është i kënaqur me një përbërje shumë të vogël, duke përdorur me bollëk solo instrumentale. Orkestra interpretohet si një ansambël dhome që magjeps dëgjuesin me pasurinë e tingujve të butë dhe transparentë me ngjyrë uji. Ndër veprat simfonike të Rimsky-Korsakov, Antar zë një vend të spikatur si një vepër me merita të jashtëzakonshme artistike. Ky është një nga eksperimentet e para të autorit të tij në fushën e muzikës programore dhe një paraardhës i drejtpërdrejtë i shkëlqyeshëm "Scheherazade". "Scheherazade" Programi Scheherazade nuk na arriti kurrë në të gjitha detajet e tij, por koncepti i përgjithshëm i kompletit dhe shumë nga detajet e tij janë të njohura në kohën e tanishme. Rimsky-Korsakov shkroi se Scheherazade bazohej në "të ndara, jo të lidhura me njëra-tjetrën", episodet dhe fotografitë nga Një Mijë e Një Netë. Në të vërtetë, pikturat e zgjedhura nga Rimsky-Korsakov nuk janë të bashkuara nga një komplot i përbashkët, kjo nuk është një histori për asnjë nga heronjtë e Mijë e Një Netëve. Katër pjesët e kompletit janë të lidhura jo vetëm nga programi, por edhe nga disa mendime muzikore dhe tema të përgjithshme. Kjo është një përrallë në muzikë. Dhe megjithëse u "tregua" nga një kompozitor rus, muzika e tij mbart një karakter të theksuar oriental. Secila prej pjesëve ka një nëntitull dhe paraqet një rrëfim koherent në lidhje me aventurat e mahnitshme të detarëve dhe ngjarje të tjera të mrekullueshme në det dhe në tokë. Të katër pjesët nuk janë të lidhura me një histori koherente. Ky është një episod i plotë, secila prej të cilave është një pamje e bukur dhe magjike e Lindjes. Dy imazhe kryesore - Shahriar dhe Scheherazade - shfaqen në fillim të suitës (në prolog), dhe më pas shfaqen në pjesët e tjera të saj. Rimsky-Korsakov nuk përshkruan të gjitha aventurat e Sinbad në Scheherazade. Ai kufizohet në fotografinë e detit mbi të cilin lundron anija e marinarit Sinbad. Pjesa e parë e kompletit i kushtohet kësaj pikture. Veçantia e strukturës së lëvizjes së parë është mungesa e seksionit të zakonshëm të mesëm në formën e sonatës - zhvillimi. Përsëritja ndahet nga ekspozita vetëm me një kalim të lehtë. Por tema e dytë anësore (së bashku me këstin përfundimtar) dhe tema kryesore në ribërje në thelb kryejnë funksionet e zhvillimit. Shfaqet partia e parë anësore - stuhia ulet. Përsëritja përsërit ekspozimin pa ndryshime të rëndësishme. Shfaqet një temë e dytë: stuhia po ngrihet përsëri. Përfundimi është ndërtuar mbi temën e detit. Tingëllon edhe më e butë dhe e butë se në fillim të Allegro (kjo përshtypje arrihet nga një prezantim i theksuar transparent). Pjesa e parë përfundon me paraqitjen e fundit të anijes. Pjesa e dytë e kompletit është historia e kalendarëve të tsarevich për aventurat e tij të mrekullueshme. Writtenshtë shkruar në një formë tre-pjesëshe të zhvilluar me një konstruksion variativ të pjesëve ekstreme, "inkuadruese". Imazhet muzikore në "Përralla e Kalendarit" janë të shumta, shumëngjyrëshe dhe të kundërta. Merret përshtypja se para dëgjuesit, njëri pas tjetrit, shpalosen qilima orientale me lule, mbi të cilat përshkruhen skena të shumta magjike dhe përralla. Lëvizja e tretë, si e para, është shkruar në formë sonate-simfonike pa shtjellime. Dy mendime muzikore zhvillohen tek ajo; ato nuk janë të kundërta, por më tepër të afërta në tonin e përgjithshëm dhe modelin melodik. Kjo është tema e Tsarevich dhe tema e Princeshës. Të dy kanë një shije orientale. Përsëritja përsërit të dyja temat me ngjyra të reja. Tema Scheherazade shfaqet dy herë këtu. Autori i kompletit kujton edhe një herë se është ajo që udhëheq historinë magjike. Finalja është më komplekse si në strukturë ("finalja është ndërtuar mbi parimin e një sonate rondo"), ashtu edhe në aspektin e bollëkut të imazheve, pjesë e kompletit. Hapet një hyrje e shkurtër me temën e parë të prologut. Ajo na prezanton me një atmosferë argëtimi festiv. Dy herë kjo muzikë ndërpritet nga melodia e Scheherazade. Pastaj, imazhi i saj zëvendësohet me një fotografi muzikore të festës në Bagdad. Një tipar karakteristik i këtij episodi të madh është një ritëm i mprehtë (ky lloj ritmi nuk është i rrallë në meloditë e vallëzimit oriental), i cili nuk ndryshon pothuajse në të gjithë skenën e festivalit. Ky ritëm i jep karakterit të një impulsi të papërmbajtshëm një motivi lakonik, ndezës (pjesa kryesore e pjesës së parë të finales), e cila hap një pamje të një argëtimi festiv. Temat nga lëvizjet e dyta dhe të treta të suitës spastrojnë në të njëjtin ritëm, në një ritëm vorbull. Së pari, tifozët alarmues që tingëlluan në skenën e betejës. Pastaj ka jehona të temës së kalendarit, duke ndryshuar në mënyrë çuditëse madhësinë. Dhe, së fundi, shfaqet (si pjesa kryesore dytësore) melodia magjepsëse tërheqëse e Princeshës nga lëvizja e tretë e kompletit. Në zhvillim, përveç materialit tematik të ekspozitës, janë futur edhe dy tema të tjera: "tema Shahriar" e modifikuar rëndë dhe pasthirrma luftarake nga skena e betejës në historinë e kalendarit. Në përsëritje, veçanërisht në përfundim, argëtimi ndizet, zhurma e festimit fillon, dëgjon zhurmën e pandërprerë të turmës, thirrjet e forta, zhurmën e vallëzimit ... Papritmas, në momentin e kulmit, ka një ndryshim fotografish. Dhe përsëri, fotografia e shëndoshë e një stuhie deti tashmë e njohur nga pjesa e parë. Por këtu ajo është edhe më e frikshme. Një akord i fuqishëm i orkestrës me një rrahje kumbuese tam -tam - anija u rrëzua në një shkëmb. Stuhia ulet, vetëm një valëzim drite eksiton hapësirat e pakufishme të ujit. Tema e anijes shfaqet për herë të fundit. Ky është një kujtim i udhëtarëve trima të varrosur në thellësitë e detit. Historia ka mbaruar. Mbetet vetëm një epilog i shkurtër, duke i bërë jehonë prologut. Temat e prologut përmbysen këtu. Kompleti i Rimsky-Korsakov përfundon me jehonën e melodisë së Scheherazade-një përrallë muzikore për mrekullitë e përrallave të krijuara nga fantazia poetike e popujve të Lindjes. Përkundër faktit se nuk ka asnjë melodi të vërtetë orientale në muzikën e Scheherazade, ajo perceptohet pikërisht si një narracion oriental. Kthesat melodike, ritmet, ngjyrat orkestrale, përdorimi karakteristik i instrumenteve të goditjes - gjithçka flet për depërtimin e thellë të kompozitorit në thelbin e gjuhës muzikore të popujve të Lindjes. Disa pjesë të pavarura, të plota në formë dhe përmbajtje, pjesë shumë të kundërta janë të bashkuara këtu nga një program i përbashkët dhe një koncept i përbashkët muzikor. Një thelb i tillë unifikues është imazhi muzikor i Scheherazade. Ky imazh mishëronte legjendën, të lindur nga fantazia popullore, për origjinën e përrallave arabe "Një mijë e një netë". Veprat simfonike që nuk kanë një program të botuar nga autori Këto përfshijnë: Simfonia e Parë, Fantazia në Temat Serbe, Overtura në Tre Këngë Ruse, Simfonia e Tretë, Symphonietta në Temat Ruse, Capriccio në Temat Spanjolle, Dubinushka - vepra të simfonisë së zhanrit. Karakterizohet nga programim i përgjithësuar, pa komplote që zbulohen në detaje në muzikë. Simfonia e parë Simfonia e parë, vepra e parë e madhe nga Rimsky-Korsakov, u krijua nën mbikëqyrjen e drejtpërdrejtë të Balakirev. Përbërja e simfonisë zgjati shumë, pasi puna në të u ndërpre nga një udhëtim i gjatë (dy vjet e gjysmë) i Rimsky-Korsakov në një nga anijet e marinës ruse. Në temën kryesore dinamike, mund të dëgjoni jehonën e këngës ruse "Poshtë nënës, përgjatë Vollgës". Ka padyshim shumë të Korsakov në lojën anësore. Kjo është një melodi e ngrohtë, lirike, e ngjashme me këngët lirike ruse. Andante bazohet në një nga versionet e këngës "Rreth Tatarisht të Plotë". Në fillim të Andantes, melodia popullore tingëllon me një thjeshtësi të ashpër. Duke zhvilluar këtë melodi, Rimsky-Korsakov zbulon thellësinë e plotë të imazhit poetik të krijuar nga njerëzit, dhe Andante perceptohet si një histori lakonike, epike e përmbajtur për pikëllimin e njerëzve. Scherzo është i këndshëm dhe dinamik. Në fillim të temës kryesore, pasthirrmat energjike që shpërthejnë në lëvizje të lehta, të vrullshme janë efektive. Tema kryesore e finales është tërheqëse për përcaktimin e saj, një vizatim i qartë i një melodie gjithëpërfshirëse. Ka momente interesante në zhvillimin e kësaj teme (dominuese në finale). Sidoqoftë, imazhet e tjera nuk kontrastojnë mjaftueshëm me të, dhe për këtë arsye finalja lë përshtypjen e njëfarë monotonie. Simfonia e tretë Simfonia e Tretë është padyshim një vepër më e pjekur se Simfonia e Parë, por në të njëjtën kohë më pak emocionale. Asnjë nga pjesët e simfonisë së tretë nuk ngrihet në plotësinë e ndjenjës me të cilën pjesa e dytë e simfonisë së parë pushton - Andante në temën e këngës "Rreth Tatarit është e plotë". Tema kryesore e Allegro (e cila doli nga tema e hyrjes) - një melodi lëvizëse e një karakteri festiv - nuk është shumë tipike për Rimsky -Korsakov. Por origjinaliteti i temës së dytë nuk mund të mohohet. Kjo është një melodi e lehtë, e butë, femërore, e harmonizuar shumë hollësisht. Imazhet muzikore të këtij lloji mund të gjenden si në opera ashtu edhe në romancat e Rimsky-Korsakov. Të dyja temat janë zhvilluar shumë në Allegro, e cila përfundon me një kodë të pazakontë, baritore-ëndërrimtare. Tekstet idilike të këtij episodi të vogël kontrastojnë mirë me energjinë e Allegro dhe shpejtësinë e këndshme të lëvizjes tjetër të simfonisë - një skherzo shumëngjyrëshe. Tema Andante tingëllon si gyp i një bariu. Ngjyra baritore e kësaj teme përcakton karakterin e të gjithë Andantes, e cila perceptohet si një pamje e natyrës verore me një skenë të një stuhie në episodin qendror. Andante kalon në finale pa ndërprerje. Në fund të Andantes, shfaqet fanfare, në fillim mezi e dëgjueshme, pastaj gjithnjë e më tingëlluese. Prej tyre rritet motivi kryesor i pjesës kryesore të finales (Allegro con spirito). Motivi i dytë i pjesës kryesore është një stil i gjallë rus, një melodi vallëzimi. Kjo melodi, duke parashikuar temat e vallëzimit të Snow Maiden, është më e ndritshmja dhe e vetmja karakteristikë e Rimsky-Korsakov, e imazheve muzikore të finales. Loja anësore nuk është shumë ekspresive. Finalja është pjesa më pak e suksesshme e simfonisë. Ishte në finale që entuziazmi i njëanshëm për teknologjinë "thau imagjinatën e menjëhershme" të autorit. Episodet e shumta kontrapuntale në pjesën më të madhe nuk përmbushin mjaftueshëm detyrën e tyre - pasurimin e imazheve muzikore. Dhe vetëm në kodimin madhështor, i cili është plot fuqi epike, kombinimi i intonacioneve të hapjes së pjesës kryesore të lëvizjes së parë me motivet e pjesës kryesore të finales është shumë i suksesshëm. Ashtu si simfonia e parë, simfonia e tretë është një pjesë e pabarabartë. Por simfonia e parë tërheq me freskinë, spontanitetin e mendimit krijues, dhe vetëm papjekuria e autorit e privoi atë nga mundësia për të zhvilluar plotësisht imazhet kryesore muzikore. Në simfoninë e tretë, me një pjekuri shumë më të madhe krijuese, ka më pak menjëhershmëri, më pak integritet stilistik. Sidoqoftë, të dy simfonitë, me të gjitha mangësitë e tyre të rëndësishme, kanë një "të drejtë për jetën". Dhe sigurisht që është e padrejtë që vetëm disa muzikantë i kanë njohur për dekada të tëra. Vitet e fundit, një gamë e gjerë e dashamirëve të muzikës kanë qenë në gjendje të njihen me simfonitë e Rimsky-Korsakov. Capriccio në Temat Spanjolle "Spanish Capriccio" është një pjesë orkestrale virtuoze në të cilën pronat shprehëse dhe mundësitë virtuoze të instrumenteve orkestrale zbulohen me përsosmëri të madhe. Alsoshtë gjithashtu një histori muzikore poetike për ngjyrat e ndritshme të natyrës jugore, për mënyrën e jetës popullore spanjolle. Elementi i vallëzimit popullor të gëzueshëm, plot jetë dhe zjarr, mbretëron në "Capriccio Spanjolle", e cila është një suitë prej pesë pjesësh, e kryer pa ndërprerje. Për të pesë pjesët, Rimsky-Korsakov zgjodhi melodi të thjeshta vallëzimi. Ata nuk marrin, në pjesën më të madhe, zhvillim të gjerë simfonik, por ato pasurohen me një larmi të pashtershme ngjyrash orkestrale. Dashuria e Rimsky -Korsakov për ritmin e qartë dhe instrumentet e goditjes u shfaq këtu në një mënyrë jashtëzakonisht të përshtatshme - në muzikën popullore spanjolle, roli i goditjes nuk është më pak i rëndësishëm sesa në muzikën e popujve lindorë. Lëvizja e parë e Capriccio është Alborada (vallëzimi popullor spanjoll). Melodia e vallëzimit të vrullshëm tingëllon në sfondin e një ekstremisht të thjeshtë, pothuajse pa ndryshuar shoqërimin e përsëritur. Shfaqet një turmë e të rinjve - pasthirrma të gëzuara, barku i vallëzimit ... Në Alborad ndezës, Rimsky-Korsakov përdor me dëshirë fuqinë dhe shkëlqimin e të gjithë "grupit" orkestral. Vetëm në fund të pjesës tingëllon motivi kryesor i vallëzimit në thirrjen e instrumenteve prej druri dhe tela; duket se zhurma e turmës së vallëzimit vjen nga diku në distancë. Në pjesën e dytë - Variacionet - ka kontraste më të gjalla, kontraste dinamike. Karakteri i përgjithshëm i Variacioneve përcaktohet nga tema kryesore - një melodi melodike e thjeshtë. Që nga tingujt e parë, mund të ndihet afërsia e saj me meloditë e dashura orientale Rimsky-Korsakov. E larmishme, e ngjyrosur në timbre të ndryshme, kjo temë nuk humbet karakterin e saj të qetë, disi idilik. Shije baritore ndihet veçanërisht qartë në "dialogun" e bririt anglez dhe atij francez; duket sikur jehojnë dy fyellë të bariut. Lëvizja e katërt e Capriccio është jashtëzakonisht e veçantë. Përmbajtja e tij programore theksohet nga autori në titullin: "Skena dhe kënga e kitarës". Kjo pjesë bazohet në dy tema vallëzimi. Njëri është i këndshëm, i këndshëm dhe në të njëjtën kohë pasionant. Dëgjuesi imagjinon një balerin popullor që vallëzon nën tingujt e një dajre, kitare dhe mandoline. Një temë tjetër është gjithashtu vallëzimi, por i një natyre krejt tjetër - i vrullshëm, i vrullshëm (vërejtja e autorit: egërsi - ashpër). Dikush mund të imagjinojë që vallëzimi i matur i këndshëm u zëvendësua nga një vallëzim i egër spontan. Veçantia e lëvizjes së katërt janë kadencat që e hapin atë (episode të vogla virtuoze të një natyre improvizuese). Ato mund të perceptohen si një lloj preludi i shfaqjes së një balerin-këngëtari. Në të njëjtën kohë, është një demonstrim brilant i aftësive ekspresive dhe virtuoze të instrumenteve orkestrale dhe aftësive të interpretuesve. Pothuajse të gjitha kadencat bazohen në intonacionet e temës kryesore të kitarës. Kadenca e parë është një grup instrumentesh prej bronzi; ndiqet nga kadenca e solistit të violinës. Kadenca e dytë ndahet nga e treta me shfaqjen e temës kryesore të kitarës në tingullin transparent të flautit, klarinetës dhe violinave (me shoqërimin e daulleve). Cadenza e tretë është për flautën solo, e katërta për klarinetën (me pjesëmarrjen e oboe), e pesta dhe e fundit për harpën. Instrumentet e goditjes marrin pjesë në të gjitha kadencat, duke krijuar një sfond të shëndoshë të butë "shushurimë". Lëvizja e fundit, e pestë e Capriccio Spanjolle - Fandango (valle popullore) - hapet me një pasthirrmë solemne, e ndjekur nga meloditë e këndshme të vallëzimit. E treta nga imazhet kryesore muzikore të Fandango është një melodi e lehtë dhe rrjedhëse, një lloj valsi. Rimsky-Korsakov i prezanton Fandangos imazhet muzikore të pjesëve të mëparshme. Të dyja temat e kitarës shfaqen. Kodi është ndërtuar mbi një temë pak të modifikuar Alborada. Fandango perceptohet si një pamje gazmore e një festivali popullor, e pikturuar me ngjyra të pasura dhe goditje të gjera. Overtura, suita simfonike nga operat dhe transkriptimet e skenave të operës për orkestrën simfonike Overturë për operën "Nata e Majit" Përpjekja për "Natën e Majit" nuk jep një përmbledhje të shkurtër të ngjarjeve që zhvillohen në opera - Rimsky -Korsakov alternon, krahason dhe zhvillon imazhet muzikore të operës shumë lirshëm. Por me "Natën e Majit", uvertura bashkohet nga tema të zakonshme dhe toni i gëzueshëm dhe i lehtë i muzikës. Uvertura fillon me një melodi të zhytur në mendime, melankolike të marrë nga fillimi i aktit të tretë të operës: natën Levko e gjeti veten në pellg dhe u ndal, i goditur nga bukuria e tij. Muzika me mendime ëndërrimtare zëvendësohet me muzikë shqetësuese. Ky imazh i errët misterioz muzikor kaloi në uverturën nga skena pranë liqenit: një zonjë e zonja e mbytur do të shfaqet para Levkos. Pastaj hyn një melodi e qetë melodike, në të cilën intonacionet e muzikës popullore ukrainase dëgjohen qartë. Kjo është kënga që Levko këndon, duke kujtuar të dashurin e tij: "Fli, bukuroshja ime, fle ëmbël". Jehona e refrenit të këngës së Levkos (imitimi i melodisë në bandura) çon në një melodi të re, të emocionuar me gëzim, kjo është tema e Hanna. Shoqërimi (lëvizje e shpejtë, e njëtrajtshme në të gjashtëmbëdhjetat) rritet në uverturë në kuptimin e një imazhi të pavarur artistik, duke krijuar një humor të gëzuar të gëzuar. Lëvizja e shpejtë ulet, dhe pas akordeve të qeta që rrjedhin, hyn një temë e re - melodia e lehtë, melodike e duetit të fundit të Hanna dhe Levko. Imazhe të reja shpërthyen: një motiv i mprehtë, këndor dhe një "kthesë gjuhësh" e të gjashtëmbëdhjetëve në sfondin e një shkalle kromatike "të zemëruar" në zërin e ulët. Kjo është Kunata, e cila goditi ashpër shokun e saj të dhomës-Kreun, i cili është gati të tërheqë pas të gjitha vajzave të bukura të fshatit. Melodia e zhytur në mendime që hap uverturën rishfaqet, e ndjekur nga melodia e njohur e Hanës; atëherë tema e duetit kthehet, këtë herë në tingullin e fuqishëm të të gjithë orkestrës. Edhe një herë, imazhi muzikor i zemëruar-komik i Kunatës kujton vetveten, motivi i gëzuar i Kalenikut të dehur ndizet dhe tema e gëzueshme e korit, "Lavdi Diellit të Kuq", e cila përfundon operën, hyn. Uvertura përfundon me një përfundim të shkurtër, të shpejtë dhe solemn. Bollëku i imazheve muzikore të përfshira në uverturë nuk jep një përshtypje të larmisë për shkak të harmonisë së zakonshme të strukturës për Rimsky-Korsakov, në të cilën është e lehtë të gjesh elemente të formës klasike të sonatës. Tre temat e para mund të shihen si një hyrje, tema e Hanës si pjesa kryesore e sonatës Allegro, tema e duetit si një pjesë anësore, episodi qendror (pas temës së duetit) si një zhvillim, kthimi i temës së duetit si një përmbledhje e shkurtër (me pjesën kryesore të lënë jashtë); shfaqja e temës së korit "Lavdi Diellit të Kuq" fillon kodin. Suitë simfonike nga opera "Snow Maiden" Komploti mjaft kompleks i The Snow Maiden nuk zbulohet në kompletin e kompozuar nga Rimsky-Korsakov; kompleti nuk përfshinte një episod të vetëm të lidhur me imazhin e vetë Snow Maiden. Nga katër pjesët e kompletit, dy të parat janë fantastike, të dyja vijnë nga jeta e Berendei. Pjesa e parë e kompletit është Hyrje në Prologun e Operës. Kjo është një pamje e zgjimit gradual të natyrës. Motivet e ngrohta dhe të lehta të Pranverës tingëllojnë në sfondin e zhurmës së zogjve. Motivi i cicërimave të shpendëve u rrit nga motivi i Pranverës. Aroma e lehtë idilike ruhet në pjesën e dytë të kompletit - "Vallëzimi i Zogjve". Dhe këtu - klithmat dhe cicërimat e zogjve, kundër të cilave tingëllojnë dy melodi të gjalla të këndshme. E para prej tyre është një këngë e mirëfilltë popullore "Shqiponja është guvernatori, thëllëzat janë nëpunës". Tema e dytë është një melodi e modifikuar e këngës popullore "Kumbimi i kambanës" (në opera - me tekstin "Zogjtë e mbledhur"). Në të dy fragmentet - veçanërisht në "Vallëzim" - "zërat e natyrës" dhe intonacionet e këngëve popullore ruse me të vërtetë shkrihen. Lëvizja e tretë e kompletit është një fotografi simfonike në miniaturë "Procesioni i Tsar Berendey". Tema e "Procesionit", sipas Rimsky -Korsakov, "në pjesën e parë të saj të çuditshme, kërcënuese me lojë, dhe në të dytën - tronditëse, plakëse". Kjo temë, si e gjithë fotografia muzikore që doli prej saj, tërheq, sipas kompozitorit, "pamjen e përgjithshme të carit". Pjesa e katërt dhe e fundit e kompletit është "Vallëzimi i Buffoons". Festa e Berendeys, e mbledhur në pyllin e rezervuar. Këngë, valle të rrumbullakëta. Me urdhër të carit, bufat fillojnë të kërcejnë, duke mbaruar nën tingujt e një motivi energjik, "guximtar". Nga ky motiv rritet tema e parë "Vallëzimi i Buffonëve" - një melodi ritmike, e gëzuar e ashpër. Karakteri i vallëzimit të melodisë së dytë, më të butë theksohet nga shoqërimi "goditje" e kontrabasëve, violonçelit dhe fagotëve. Të dyja temat, shumë kombëtare në origjinën e tyre intonacionale, zhvillohen në një variant tipik të muzikës popullore ruse, me kontraste të mprehta dinamike, me ndryshime të papritura në ngjyrat orkestrale. Suitë nga opera "Nata para Krishtlindjeve" Skenat fantastike të operës "Nata para Krishtlindjes" vërtet bëri të mundur që Rimsky -Korsakov të krijojë shumë muzikë "interesante" - poetike. Skena fantastike formojnë bazën e kompletit nga The Night Before Christmas. Tashmë pjesa e parë e kompletit - Hyrje në Opera - i thotë dëgjuesit mjaft qartë se ngjarje fantastike do të shpalosen para tij. Ky është një peizazh magjik që përshkruan, sipas Rimsky-Korsakov, "një mbrëmje të ftohtë të vonë në Dikanka në prag të Krishtlindjeve". Në të vërtetë, muzika e hyrjes përshkruan të ftohtin e dimrit dhe peizazhin e dimrit ("të ftohtë", me një hije fantastike, tingullin e celestës, kambanave dhe harpës, thirrjen e brirëve, violinave dhe klarinetës) dhe yjet që vezullojnë ( "goditje" të shkurtra të fyellit). Hyrja, pa ndërprerje në rrjedhën e muzikës, zëvendësohet me skena magjike të aktit të tretë, të cilat gjithashtu vazhdojnë pa ndërprerje. Ky bashkim i të gjitha pjesëve të kompletit i dha autorit arsyen për ta quajtur atë "fotografi muzikore lëvizëse". Fotografia e qiellit me yje, e cila hap zinxhirin e skenave fantastike, është e afërt në disponimin e përgjithshëm dhe mjetet vizuale të Hyrjes. Gjithashtu luhet motivi "magjik-i ftohtë" i celestës, kambanave dhe harpës, i njohur nga Hyrja. Yjet mblidhen në grupe mbi retë. Fillojnë lojërat dhe vallëzimet. Mazurka e lehtë, "valëvitëse" në tingullin e dhomës transparente të fyellit, picica e telave dhe akordet e buta të qëndrueshme të fagotëve dhe klarinetës, hapa solemn të një komete, një vallëzim të rrumbullakët yjesh, czardash - këto janë fotografitë magjike që kalojnë përpara e dëgjuesit ... Retë po bien, yjet fshihen pas reve. Dëgjohet një motiv i mprehtë, i shkurtër dhe i shpejtë i shpirtrave të këqij. Shtrigat fluturojnë mbi fshesa, magjistarët në tenxhere, kazan dhe llaç. Shpirtrat e këqij u mblodhën natën e fundit para Krishtlindjes për të luftuar kundër shpirtrave të lehtë. Rimsky-Korsakov ruan shijen humoristike të historisë së Gogolit edhe në këtë skenë. Shtrigat dhe magjistarët u armatosën me tigan, kapëse dhe murtaja në mënyrë që të "frikësojnë, frikësojnë" Kolyada dhe Ovsen, shpirtrat e ndritshëm që duhet të shfaqen në agimin e mëngjesit të Krishtlindjeve. Në distancë Vakula shfaqet duke hipur në linjë. Forca e papastër vendos të ndihmojë shokun e tij dhe të parandalojë që Vakula të shkojë në Shën Petersburg. Shtrigat dhe magjistarët nisen në ndjekje të farkëtarit. Ka gjithashtu pak "demonike" në fotografinë ekspresive, shumëngjyrëshe të ndjekjes. Këtu mund të ndjeni të njëjtin humor përrallor me natyrë të mirë që ngjyros historinë e Gogolit dhe operën e Rimsky-Korsakov. Forcat e liga nuk arrijnë të bllokojnë rrugën e Vakula, dhe ai me siguri arrin në Shën Petersburg. Nga skena në pallatin mbretëror, një polonezë solemne dhe spektakolare hyri në suitë. Skena e mbylljes së suitës. Përsëri hapësira ajrore. Fuqia e papastër është zhdukur, vetëm kazanët, tenxheret, kapëset dhe fshesat, mbi të cilat fluturuan magjistarët dhe shtrigat, po fshijnë. Një kor dëgjohet duke lavdëruar Kolyada dhe Ovsen. Dita po prishet. Kolyada dhe Oats zhduken. Në thellësi mund të shihni Dikanka, të ndriçuar nga dielli. Nga larg bien këmbanat dhe këndimi i kishës. Përfundim Karakteristikat e krijimtarisë simfonike të Rimsky-Korsakov. Karakteristikat karakteristike të krijimtarisë simfonike të Rimsky Korsakov mund të konsiderohen: simfonia e programit, simfonia e zhanrit, një apel për muzikën e Lindjes, imazhi i detit në të gjitha manifestimet e tij, kombësia e fjalës muzikore dhe komplotet e marra kryesisht nga poezia, lavdërimi i tipareve fisnike të personit rus, një ritëm i qartë, zhvillimi i temave të këngës popullore ruse, programueshmëria shumëngjyrëshe dhe pikturale e një natyre përrallore, harmonia e perceptimit të botës, artistika delikate, shija e patëmetë, një ndjenjë proporcioni artistik, klasik qartësia e të menduarit muzikor. Rimsky-Korsakov është "një nga mjeshtrat më të mëdhenj të klasikëve muzikorë rusë të shekullit të kaluar". Lista e burimeve 1.Keldysh Y., Historia e Muzikës Ruse, Moskë-Leningrad, Shtëpia Botuese e Muzikës Shtetërore, 1947 (pjesa 2) .Komissarskaya M.A., Muzika ruse e shekullit XIX, Moskë, "Njohuri", 1974 .Rapatskaya L.A., Historia e muzikës ruse nga Rusia e lashtë në "Epokën e Argjendtë", Moskë, Vlados, 2001 .Ratskaya Ts., N.A. Rimsky-Korsakov, Moskë, "Muzikë", 1958 .Rimsky-Korsakov N. A., "Kronikë e jetës sime muzikore", Moskë, "Muzikë", 1980 .Solovtsov A., Veprat simfonike të Rimsky-Korsakov, Moskë, Shtëpia Botuese Muzikore Shtetërore, 1953 .Tretyakova L.S., Faqet e muzikës ruse, Moskë, "Njohuri", 1979 .# "justifiko"> 9. http://dic.academic.ru/dic.nsf/enc_music/6482/Roman
Kompozitor, mësues, figurë muzikore dhe publike ruse, dirigjente. Nga 1859 deri në 1960 ai mori mësime nga pianisti F.A.Kanille. Një i diplomuar i Trupave Detare të Shën Petersburgut, mori pjesë në udhëtimin në prerësin Almaz (1862-65) dhe vizitoi një numër vendesh në Evropë, Amerikën Veriore dhe Jugore. Në 1861 ai u bë anëtar i rrethit Balakirev "Dora e Fuqishme", i cili kishte një ndikim vendimtar në formimin e personalitetit të kompozitorit dhe pikëpamjeve estetike. Nën ndikimin dhe drejtimin e MA Balakirev, u krijuan Simfonia e Parë (1865), "Fantazia Serbe" (1867), një numër romancash, etj. Individualiteti krijues i Rimsky-Korsakov u shfaq kryesisht në vepra instrumentale të programuara, ndër të cilat: fotografia simfonike muzikore "Sadko" (1867), simfonia e 2-të "Antar" (1868). Në të njëjtat vite ai iu drejtua zhanrit të operës, i cili më vonë u bë kryesori në punën e tij (në 1872 opera "Gruaja e Pskov" u përfundua, bazuar në dramën e L. A. Mei). Që nga vitet '70. kufijtë e veprimtarisë muzikore të Rimsky -Korsakov u zgjeruan: ai ishte profesor në koncertet e Shën (nga 1874), dhe më vonë shfaqje të operës, ndihmës menaxher i Gjykatës që këndonte Capella (1883 - 94), drejtoi rrethin Belyaevsky (nga 1882) Me Në mesin e viteve '70. punoi për të përmirësuar teknikën e tij të kompozimit. Në vitet '80. i kushtoi vëmendje të madhe zhanreve simfonike. Në fillim të viteve '90. pati një rënie të caktuar të veprimtarisë krijuese (gjatë kësaj periudhe ai studioi filozofi, shkroi artikuj, rishikoi dhe redaktoi disa nga veprat e tij të mëparshme). Në gjysmën e dytë të viteve '90. krijimtaria fitoi intensitet të jashtëzakonshëm: u shfaqën operat Sadko (1896) dhe Nusja e Carit (pas majit 1898). Gjatë Revolucionit të 1905-07, Rimsky-Korsakov mbështeti në mënyrë aktive kërkesat e studentëve grevistë, dënoi hapur veprimet e administratës reaksionare të Shën Petersburg.
Puna e Rimsky-Korsakov është thellësisht origjinale dhe në të njëjtën kohë bazohet në traditat klasike. Perceptimi harmonik i botës, qartësia e të menduarit muzikor, arti i hollë e bëjnë atë të lidhur me MI Glinka. I lidhur me tendencat progresive ideologjike dhe artistike në vitet 1860, Rimsky -Korsakov tregoi interes të madh për artin popullor (përpiloi një koleksion të "Njëqind këngëve popullore ruse", 1877: këngë të harmonizuara të mbledhura nga T.I. Filippov, - "40 këngë popullore". 1882 ) Pasioni për folklorin, mitologjinë e lashtë sllave, ritualet popullore u pasqyruan në operat "Nata e Majit" (pas N. V. Gogol. 1879), "Snow Maiden" (pas A. N. Ostrovsky, 1881), "Mlada" (1890), "Një natë më parë Krishtlindje "(pas NV Gogol, 1895). 15 opera nga Rimsky-Korsakov demonstrojnë një shumëllojshmëri të zhanreve (epike, përrallë, legjendë, dramë historike dhe të përditshme, lirikë dhe komedi të përditshme), zgjidhje stilistike, dramatike, kompozicionale (vepra që synojnë strukturën e numëruar dhe zhvillimin e vazhdueshëm, opera me skena të turmës dhe dhomë, me dhe pa ansamble të vendosura). Talenti i Rimsky-Korsakov u zbulua më plotësisht në veprat që lidhen me botën e përrallës, me forma të ndryshme të artit popullor rus. Këtu zbulohet dhurata e tij piktoreske dhe piktoreske, pastërtia e teksteve të tij - e sinqertë, por disi soditëse, pa tension të shtuar emocional. Vëmendja ndaj botës së brendshme të një personi, zbulimit psikologjik të imazheve u shfaq në operën e dhomës "Mozart dhe Salieri" (tekstin nga A. Pushkin, kushtuar A. Dargomyzhsky, 1897), në operën me një akt "Boyarynya Vera Sheloga" (prolog i "Pskovite", 1898) dhe veçanërisht në dramën në komplotin historik dhe të përditshëm "Nusja e Carit" (1898). Tendencat e reja karakteristike për artin rus të fillimit të shekullit të 20 -të u pasqyruan në operën "Përralla e Tsar Saltan" (pas Pushkin, 1900) me konventat e saj teatrale dhe elementet e stilizimit të printimeve popullore popullore, në "përrallën e vjeshtës" "" Kashchei i Pavdekshmi "(1902), në të cilin tema e përrallës interpretohet në mënyrë simbolike dhe alegorike. Probleme të larta morale dhe filozofike janë ngritur në legjendën e operës "Legjenda e qytetit të padukshëm të Kitezh dhe Fevronia e Vajzës" (1904). Opera e fundit e kompozitorit - "trillim në fytyra" "Gjeli i Artë" (pas Pushkin, 1907) - një satirë e pamëshirshme mbi autokracinë cariste.
Rimsky-Korsakov e konsideroi këngën bazën e ekspresivitetit operistik. Një rol të rëndësishëm dramatik në operat e tij luan orkestra, së cilës shpesh i janë besuar fotografi simfonike të pavarura, ndërprerje, për shembull, "Tre mrekulli" ("Përralla e Car Saltan"), "Therja në Kerzhenets" ("The Legjenda e qytetit të padukshëm të Kitezh ... ") ... Duke e konsideruar operën kryesisht si një pjesë muzikore, Rimsky -Korsakov i kushtoi një rëndësi të madhe bazës së saj letrare - libretit. Bashkëpunimi i kompozitorit me libretistin V.I. Belsky ishte i frytshëm.
Puna simfonike e Rimsky-Korsakov nuk është aq e shumëanshme në krahasim me atë të operës. Konkretiteti figurativ i të menduarit muzikor të kompozitorit përcaktoi prirjen e tij drejt simfonizmit programatik dhe zhanror. Prandaj mbizotërimi i llojeve dhe formave të tilla si uvertura (fantazi), fotografi simfonike, suitë. Veprat e samitit të Rimsky-Korsakov për orkestër janë "Capriccio spanjolle" (1887) dhe "Scheherazade" (1888). Tekstet vokale të dhomës zënë një vend thelbësor në trashëgiminë krijuese të Rimsky-Korsakov. Shkroi 79 romanca, përfshirë ciklet vokale "Në pranverë", "Tek poeti", "Pranë detit".
Puna e Rimsky-Korsakov është shumë kombëtare. Kompozitori përdor mostra të mirëfillta të folklorit muzikor dhe transformon organikisht intonacionet e këngëve në meloditë e tij. Kontributi i tij në fushën e harmonisë dhe instrumentimit është i rëndësishëm: ai zgjeroi dhe pasuroi mundësitë e tyre koloristike, krijoi sistemin e tij të mjeteve modale-harmonike, bazuar në mënyra komplekse (përfshirë shkallën karakteristike-shkalla Rimsky-Korsakov, orkestrimi kombinon ngjyrimin, shkëlqejnë me qartësi, transparencë.
Aktiviteti drejtues i Rimsky-Korsakov, i cili promovoi veprat e kompozitorëve rusë, kishte një rëndësi të madhe arsimore. Një rol të rëndësishëm luajti puna e tij redaktuese, falë së cilës u botuan dhe u interpretuan shumë vepra të muzikës ruse ("Vizitori i Gurit" nga Dargomyzhsky, "Princi Igor", "Boris Godunov", "Khovanshchina"; Rimsky-Korsakov gjithashtu përgatiti dhe botoi, së bashku me Balakirev dhe A.K. Lyadov, partitura të operës nga Glinka). Veprimtaria e tij pedagogjike ishte e një rëndësie të jashtëzakonshme. Themeluesi i shkollës së kompozitorëve, Rimsky-Korsakov trajnoi 200 kompozitorë, dirigjentë, muzikologë, përfshirë A.K. Glazunov, A.K. Lyadov, A.S. Arensky, M.M. Ippolitov-Ivanov, I.F. Stravinsky, N. Ya. Myaskovsky, SS Prokofiev, MA Balanchivadze, Ya. Vitol, NV Lysenko, AA Spendiarov. Librat e tij shkollorë mbi harmoninë dhe orkestrimin ishin një përgjithësim i pjesshëm i përvojës së tij pedagogjike, dhe libri i tij autobiografik Kronika e jetës sime muzikore (1906) ishte një dokument historik i vlefshëm. Në 1944 Shtëpia-Muzeu u hap në qytetin e Tikhvin, në 1971 në Leningrad-Muzeu-Apartamenti i Rimsky-Korsakov.
Arti i Romës së lashtë, si ai i Greqisë së lashtë, u zhvillua në kuadrin e një shoqërie skllavopronare, prandaj këto dy përbërës kryesorë nënkuptohen kur flasin për "artin e lashtë". Arti i Romës konsiderohet përfundimi i krijimit artistik të shoqërisë antike. Legitimateshtë e ligjshme të argumentohet se, megjithëse mjeshtërit e lashtë romakë vazhduan traditat e helenëve, megjithatë arti i Romës së lashtë është një fenomen i pavarur, i përcaktuar nga rrjedha dhe rrjedha e ngjarjeve historike, kushtet e jetesës dhe origjinaliteti i besimeve fetare , vetitë e karakterit të romakëve dhe faktorë të tjerë.
Arti romak si një fenomen i veçantë artistik filloi të studiohet vetëm në shekullin XX, në thelb vetëm atëherë duke kuptuar të gjithë origjinalitetin dhe veçantinë e tij. E megjithatë, deri më sot, shumë studiues të shquar të antikitetit besojnë se historia e artit romak nuk është shkruar ende, e gjithë kompleksiteti i problemeve të tij ende nuk është zbuluar.
Në veprat e romakëve të lashtë, ndryshe nga grekët, mbizotëronte simbolika dhe alegoria. Në përputhje me rrethanat, imazhet plastike të helenëve u lanë vendin atyre piktoreske midis romakëve, në të cilët mbizotëronte natyra iluzore e hapësirës dhe formës - jo vetëm në afreske dhe mozaikë, por edhe në relieve. Statujat si Menada e Scopas ose Nike e Samothrace nuk u krijuan më, por romakët zotëronin portrete skulpturore të patejkalueshme me transmetim jashtëzakonisht të saktë të veçorive individuale të fytyrës dhe karakterit, si dhe relieve që regjistruan me besueshmëri ngjarjet historike. Ndryshe nga mjeshtërit grekë, të cilët e panë realitetin në unitetin e tij plastik, mjeshtërit romakë ishin më të prirur drejt analizës, copëtimit të tërësisë në pjesë dhe një përshkrim të hollësishëm të fenomenit. Greku e pa botën si përmes mjegullës poetike të mitit që u bashkua dhe u bashkua së bashku. Për romakun, ai filloi të shpërndahej dhe fenomenet u perceptuan në forma më të dallueshme, të cilat u bënë më të lehta për tu njohur, megjithëse kjo gjithashtu çoi në humbjen e ndjenjës së tërësisë së universit.
Në Romën e lashtë, skulptura ishte e kufizuar kryesisht në relievin dhe portretin historik, por artet e bukura me një interpretim iluzor të vëllimeve dhe formave u zhvilluan - afresk, mozaik, pikturë kavaleti, të cilat ishin përhapur dobët midis Grekëve. Arkitektura ka arritur sukses të paparë si në ndërtimin dhe inxhinierinë e saj, ashtu edhe në aspektin e ansamblit. Romakët gjithashtu kishin një kuptim të ri të marrëdhënies midis formës artistike dhe hapësirës. Jashtëzakonisht kompakte, koncentrike në thelbin e tyre, format e Parthenonit klasik nuk i përjashtuan, por përkundrazi, shprehën hapjen e ndërtesës ndaj hapësirave që rrethonin Akropolin. Në arkitekturën romake, e cila zakonisht mahnit me shtrirjen e saj të ansamblit, preferenca iu dha formave të mbyllura. Arkitektët e donin pseudo-peripetrën me një kolonadë, gjysmë të futur në mur. Nëse sheshet e lashta greke ishin gjithmonë të hapura për hapësirën, si Agora në Athinë ose qytete të tjera helenistike, atëherë ato romake ose ishin të mbyllura, si forume të Augustit ose Nerva, me mure të larta, ose të vendosura në ultësira.
I njëjti parim u shfaq në skulpturë. Format plastike të atletëve grekë paraqiten gjithmonë hapur. Imazhet, si romaku që lutet, duke i hedhur buzën e mantelit mbi kokë, janë në pjesën më të madhe të mbyllur në vetvete, të përqendruara. Mjeshtrat romakë në portrete skulpturore u përqëndruan në karakteristikat personale, individuale të një personi.
Sistemi i imazheve arkitekturore dhe plastike romake është thellësisht kontradiktor. Kompaktësia e formave në to është vetëm e dukshme, artificiale, e shkaktuar, me sa duket, nga imitimi i modeleve klasike të helenëve. Qëndrimi i romakëve ndaj formës, vëllimit, hapësirës është krejtësisht i ndryshëm nga ai i grekëve, bazuar në parimin e thyerjes së kufijve dhe kornizave, në dinamikën ekscentrike, jo koncentrike të të menduarit artistik. Në këtë kuptim, arti romak është një fazë cilësisht e re në asimilimin estetik të njeriut të realitetit. Tërheqja e artistëve romakë ndaj formave klasike helene, e cila ngjall një ndjenjë të dualitetit të monumenteve romake, tani perceptohet si një manifestim i një lloj reagimi ndaj risive të shpallura. Romakët kuptuan se humbja e integritetit të formave artistike shpesh i detyronte ata të krijonin ndërtesa me përmasa të mëdha, ndonjëherë madhështore, në mënyrë që të paktën me këtë të kompensoheshin imazhet kontradiktore ose të kufizuara. Ndoshta ishte në lidhje me këtë që tempujt romakë, forume dhe shpesh vepra skulpturore ishin shumë më të mëdha se ato të lashta greke.
Një faktor i rëndësishëm që ndikon në karakterin e artit të lashtë romak është hapësira e madhe e fushës së tij të veprimit. Dinamizmi dhe zgjerimi i vazhdueshëm i kuadrit territorial të artit të lashtë romak, përfshirë në fushën e tij tashmë në shekullin e 5 para Krishtit. Format etruske, italike, galike, egjiptiane dhe të tjera, me një kuptim të veçantë të atyre greke, nuk mund të shpjegohen vetëm nga vetitë e potencialit artistik romak. Ky është një proces i lidhur me zhvillimin e artit evropian, në të cilin romaku filloi të luante një rol të veçantë - interpretuesi dhe ruajtësi i trashëgimisë artistike të epokës së lashtë, ndërsa zbuloi njëkohësisht parimet e veta romake. Në kazanin romak, vlera të ndryshme artistike u shkrinë, kështu që, si rezultat, u shfaq një praktikë estetike krejtësisht e re mesjetare, e cila nuk përjashtoi, megjithatë, traditat e antikitetit. Nga brigjet e Pireneasve të Oqeanit Atlantik në kufijtë lindorë të Sirisë, nga Ishujt Britanikë në kontinentin Afrikan, fiset dhe popujt jetonin në sferën e ndikimit të sistemeve artistike që diktoheshin nga kryeqyteti i perandorisë. Kontakti i ngushtë i artit romak me artin vendas çoi në shfaqjen e monumenteve origjinale. Portretet skulpturore të Afrikës së Veriut mahnitin në krahasim me shprehjen e formave të kryeqytetit, disa britanike - me një ftohtësi të veçantë, pothuajse ngurtësi, ato të Palmirës - zbukurimet e ndërlikuara të zbukurimeve dekorative të rrobave, mbulesave të kokës dhe bizhuterive karakteristike të artit oriental. E megjithatë duhet të theksohet se nga mesi i mijëvjeçarit të parë pas Krishtit, në fund të antikitetit, tendencat drejt konvergjencës së parimeve të ndryshme estetike, të cilat përcaktuan kryesisht zhvillimin kulturor të Mesjetës së hershme, u bënë të ndjehen në Mesdhe.
Fundi i artit romak mund të përcaktohet zyrtarisht dhe me kusht nga rënia e Perandorisë. Çështja e kohës së shfaqjes së artit romak është shumë e diskutueshme. Shpërndarja në territorin e Gadishullit Apenin në mijëvjeçarin e 1 para Krishtit veprat shumë artistike të etruskëve dhe grekëve kontribuan në faktin se arti romak, i cili sapo kishte filluar të formohej, doli të ishte i padukshëm. Në fund të fundit, për një kohë të gjatë, nga shekulli i 8 -të në 6 -të. Pes, Roma ishte një vendbanim i vogël mes shumë qyteteve dhe qytezave të tjera italike, etruske dhe greke. Sidoqoftë, edhe nga kjo e kaluar e largët, ku shkojnë origjinat e artit romak, ruhen fibulat me emra latinë, ciste dhe statuja të tilla monumentale prej bronzi si ujku Capitoline. Prandaj, vështirë se është legjitime të fillohet historia e artit të Romës së lashtë, siç bëhet ndonjëherë, nga shekulli I para Krishtit. Pes, pa marrë parasysh, edhe pse në sasi të vogël, por material shumë të rëndësishëm, i cili me kalimin e kohës, duhet menduar, do të rritet.
Periodizimi i artit romak është një nga problemet më të vështira në historinë e tij. Në kontrast me periodizimin e pranuar dhe të përhapur të artit të lashtë grek, i cili tregon vitet e bërjes arkaike, kulmi - klasikët dhe epokat e krizës - me helenizmin, historianët e artit të lashtë romak, si rregull, e lidhën zhvillimin e tij vetëm me ndryshimet e dinastive perandorake.
Sidoqoftë, ndryshimi i dinastive ose perandorit nuk solli gjithmonë një ndryshim në stilin artistik. Prandaj, është e rëndësishme të përcaktohen në zhvillimin e artit romak kufijtë e formimit, prosperitetit dhe krizës së tij, duke marrë parasysh ndryshimin e formave artistike dhe stilistike në lidhjen e tyre me faktorët socio-ekonomikë, historikë, fetarë, kultorë dhe të përditshëm. Me
Nëse përshkruajmë fazat kryesore në historinë e artit të lashtë romak, atëherë në terma të përgjithshëm ato mund të paraqiten si më poshtë. Epokat më të lashta (shekujt VII - V para Krishtit) dhe ato republikane (shekulli V para Krishtit - shekulli I para Krishtit) - periudha e formimit të artit romak. Brenda këtyre kufijve të gjerë kohorë, parimet e krijimtarisë romake ishin ngadalë, shpesh në kundërshtim me ndikimet etruske, italike, greke. Për shkak të mungesës së materialeve materiale, mbulimit shumë të dobët të kësaj periudhe të gjatë në burimet antike, është e pamundur të diferencohet kjo fazë në mënyrë më të detajuar. Në shekujt VIII - V. Para Krishtit Arti romak nuk mund të konkurronte ende jo vetëm me krijimtarinë e zhvilluar artistike të etruskëve dhe grekëve, por, padyshim, me veprimtarinë artistike të italianëve, e cila ishte deklaruar mjaft qartë për veten e saj.
Kulmi i artit romak bie në shekujt I-II. Pas Krishtit Brenda kuadrit të kësaj faze, tiparet stilistike të monumenteve bëjnë të mundur dallimin: periudha e hershme - koha e Augustit, periudha e parë - vitet e mbretërimit Julian - Klaudianët dhe Flavianët, e dyta - koha e Trajan, periudha e mëvonshme - koha e Hadrianit të vonë dhe Antonioneve të fundit. Kohët e Septimius Severus, si Pompeu dhe Cezari i mëparshëm, padyshim që duhet të konsiderohen kalimtare. Nga fundi i mbretërimit të Septimius Severus, fillon kriza e artit romak.
I gjithë krijimtaria artistike në Evropë nga Mesjeta e deri më sot mbart gjurmë të ndikimit të fortë të artit romak. Vëmendja ndaj tij ka qenë gjithmonë shumë afër. Në idetë dhe monumentet e Romës, shumë breza gjetën diçka në përputhje me ndjenjat dhe detyrat e tyre, megjithëse specifikat e artit romak, origjinaliteti i tij mbeti i pazbuluar dhe dukej vetëm një shprehje e vonë greke e antikitetit. Historianët nga Rilindja deri në shekullin e njëzetë vunë re në të të ndryshme, por gjithmonë afër tipareve të tyre të modernitetit. Në apelin e humanistëve italianë të shekujve 15-16. në Romën e lashtë, mund të shihen tendencat socio-politike (Cola di Rienzo), edukative dhe moraliste (Petrarch), historike dhe artistike (Kiriyak Ancona). Sidoqoftë, arti i lashtë romak pati efektin më të fortë tek arkitektët, piktorët dhe skulptorët e Italisë, të cilët në mënyrën e tyre perceptuan dhe interpretuan trashëgiminë më të pasur artistike të Romës. Në shekullin XVII. shkencëtarët nga vendet e tjera evropiane u interesuan për artin e lashtë romak. Ishte një kohë e mbledhjes intensive të materialit artistik, periudha "antike", e cila zëvendësoi Rilindjen humaniste.
Revolucioni i shekullit të 18 -të në Francë ngjalli vëmendjen e studiuesve dhe artistëve francezë për artin romak. Në të njëjtën kohë, u shfaq një qëndrim shkencor dhe estetik ndaj trashëgimisë antike. I. Winkelman, në kontrast me figurat e periudhës "antike", ishte përfaqësuesi i filozofisë arsimore të kohës së tij, krijuesi i historisë së artit antik. Vërtetë, ai gjithashtu e konsideroi artin romak si një vazhdim të artit grek. Në fund të XVIII - fillimi i shekullit XIX. nuk ishin individë privatë ata që filluan të angazhohen në artin e lashtë romak, por institucionet shtetërore të Evropës. Gërmimet arkeologjike u financuan, u krijuan muze të mëdhenj dhe shoqëri shkencore, u krijuan veprat e para shkencore mbi veprat e artit të lashtë romak.
Përpjekjet për të kuptuar filozofikisht thelbin dhe specifikat e artit të lashtë romak u bënë në fund të shekullit XIX. F. Wikhoff dhe A. Rigl.
Një studim teorik i vlefshëm ishte gjithashtu libri i O. Brendel "Hyrje në studimin e artit të Romës së lashtë", i cili merr parasysh këndvështrime të ndryshme mbi artin e lashtë romak nga Rilindja deri në ditët tona.
1844 - 21 qershor 1908) - kompozitor rus, anëtar i "Duart të Fuqishëm". Ai ishte një mjeshtër i vërtetë i orkestrimit. Veprat simfonike më të famshme të Rimsky -Korsakov - "Capriccio spanjolle", një uverturë mbi temat e tre këngëve ruse dhe një suite simfonike "Scheherazade" janë shembuj të repertorit klasik muzikor, së bashku me suita dhe fragmente nga disa prej 15 operave të tij. Në Scheherazade, kompozitori i drejtohet temës së përrallave dhe besimeve popullore. Rimsky-Korsakov shpesh përdorte këto teknika në punën e tij. Ai besonte, si paraardhësi i tij Balakirev, në zhvillimin e një stili kombëtar të muzikës klasike. Muzika e Rimsky-Korsakov kombinoi folklorin rus me elemente të modeleve ekzotike harmonike, melodike dhe ritmike (të njohura si Orientalizëm) me një largim nga teknikat tradicionale të kompozicionit perëndimor. Për pjesën më të madhe të jetës së tij, Nikolai Andreevich kombinoi kompozimin e muzikës dhe mësimdhënien me një karrierë në trupat e ushtrisë ruse - së pari si oficer, pastaj si inspektor civil në marinën. Rimsky-Korsakov (biografia e të cilit është mbuluar mirë në Kronikën e jetës sime muzikore) shkroi se si fëmijë, duke lexuar libra dhe duke dëgjuar tregimet e vëllait të tij të madh për shfrytëzimet në marinë, ai zhvilloi një dashuri për detin. Ajo duhet ta ketë shtyrë kompozitorin të krijojë dy vepra të famshme simfonike. Këto janë "Sadko" (Rimsky-Korsakov gjithashtu shkroi operën me të njëjtin emër, ato nuk duhet të ngatërrohen) dhe "Scheherazade". Falë shërbimit detar, njohuritë e tij për të interpretuar në instrumente prej bronzi dhe druri po zgjerohen - kjo hapi mundësi të reja për të në orkestrim. Më vonë ai ua përcolli këtë njohuri studentëve të tij. Gjithashtu pas vdekjes së tij, u botua një libër shkollor mbi orkestrimin, i cili u përfundua nga djali i adoptuar i kompozitorit Maximilian Steinbregh.
Rimsky -Korsakov - biografia e kompozitorit
Nikolai Andreevich lindi në qytetin e Tikhvin (200 km në lindje të Shën Petersburg) në një familje inteligjente. Vëllai i tij Luftëtari, i cili ishte 22 vjet më i vjetër se kompozitori, u bë një oficer i famshëm detar dhe admiral i pasmë. Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov kujtoi se nëna e tij luante pak në piano, dhe babai i tij mund të interpretonte disa pjesë me vesh. Në moshën 6 vjeç, kompozitori i ardhshëm filloi të merrte mësime pianoje. Sipas mësuesve, ai tregoi një vesh të mirë për muzikën, por i mungonte interesi. Siç shkroi më vonë vetë Nikolai Andreevich, ai luajti "pa kujdes, pa kujdes ... duke mbajtur dobët ritmin". Megjithëse Rimsky-Korsakov filloi të kompozojë veprat e tij të para në moshën 10 vjeç, ai preferoi letërsinë sesa muzikën. Më vonë, kompozitori shkroi se ishte falë librave dhe tregimeve të vëllait të tij që tek ai lindi një dashuri e madhe për detin, përkundër faktit se kompozitori "as nuk e kishte parë atë". Nikolai Andreevich u diplomua nga Trupat Detare të Shën Petersburg në moshën 18 vjeç. Paralelisht me studimet e tij, Rimsky-Korsakov mori mësime pianoje. Kompozitori kujtoi se, duke qenë indiferent ndaj studimeve të tij, ai zhvilloi një dashuri për muzikën, e cila u lehtësua nga ndjekja e operave dhe koncerteve simfonike. Në vjeshtën e vitit 1859, Nikolai Andreevich filloi të merrte mësime nga Fyodor Andreevich Canille, i cili, sipas tij, e frymëzoi atë të studionte muzikë, e bëri atë t'i kushtonte tërë jetën. Përveç Canille, Mikhail Glinka, Robert Schumann dhe shumë të tjerë kishin një ndikim të madh në kompozitorin e ardhshëm. Në Nëntor 1861, 18-vjeçari Rimsky-Korsakov u prezantua me Balakirev. Balakirev, nga ana tjetër, e prezanton atë me Cezar Cui dhe Modest Mussorgsky - të tre ishin tashmë kompozitorë të famshëm, pavarësisht moshës së tyre të re.
Mentorimi i Balakirev. "Tufa e Fuqishme"
Me të mbërritur në Shën Petersburg, në maj 1865, Rimsky-Korsakov mori detyrat e një shërbimi ditor për disa orë në ditë. Performanca e tij e parë u zhvillua në dhjetor të të njëjtit vit me sugjerimin e Balakirev. Shfaqja e dytë në skenë u zhvillua në Mars 1866 nën drejtimin e Konstantin Lyadov (babai i kompozitorit Anatoly Lyadov). Rimsky-Korsakov kujtoi se ishte e lehtë për të të bashkëpunonte me Balakirev. Me këshillën e tij, kompozitori rishkroi dhe korrigjoi disa fragmente dhe i solli ato në përsosmëri. Nën patronazhin e tij, kompozitori përfundoi një Overture mbi temat e tre këngëve ruse, bazuar në uverturat popullore të Balakirev. Nikolai Andreevich gjithashtu krijoi versionet fillestare të veprave simfonike "Sadko" dhe "Antar", të cilat i sollën famën kompozitorit si mjeshtër i krijimtarisë simfonike. Rimsky-Korsakov zhvilloi diskutime me anëtarët e tjerë të "Grushtit të Fuqishëm", ata kritikuan veprat e njëri-tjetrit dhe bashkëpunuan në krijimin e veprave të reja. Nikolai Andreevich u miqësua me Alexander Borodin, muzika e të cilit e "mahniti", kaloi shumë kohë me Musorgsky. Balakirev dhe Mussorgsky luajtën pianon në katër duar, kënduan, diskutuan veprat e kompozitorëve të tjerë, duke ndarë një interes për veprat e kompozimeve të mëvonshme të Glinka, Schumann dhe Beethoven.
Profesori
Në 1871, në moshën 27 vjeç, Rimsky-Korsakov u bë profesor në Konservatorin e Shën Petersburg, ku dha mësim për kompozime praktike, instrumente dhe klasa orkestrale. Nikolai Andreevich shkruan në kujtimet e tij se mësimi në konservator e bëri atë "ndoshta studentin e saj më të mirë, duke gjykuar nga cilësia dhe sasia e informacionit që ajo më dha". Për të përmirësuar njohuritë e tij dhe për të qëndruar gjithmonë një hap para studentëve të tij, ai bëri një pushim tre-vjeçar nga kompozimi dhe studioi me zell në shtëpi, duke ligjëruar në konservator. Profesoria i siguroi kompozitorit stabilitet financiar dhe nxiti krijimin e një familje.
Martesë
Në Dhjetor 1871, Rimsky-Korsakov i propozoi Nadezhda Nikolaevna Purgold, të cilën e takoi gjatë takimeve javore të "Duart të Fuqishëm" në shtëpinë e nuses. Në korrik 1872, u zhvillua një martesë, në të cilën Musorgsky ishte i pranishëm si burri më i mirë. Një nga djemtë e Nikolai Andreevich, Andrei, u bë muzikolog, u martua me kompozitorin Julia Lazarevna Veisberg dhe shkroi një vepër shumë vëllimore për jetën dhe veprën e babait të tij.
Revolucioni i vitit 1905
Në vitin 1905, demonstratat u mbajtën në Konservatorin e Shën Petersburg - studentët me mendje revolucionare kërkuan ndryshime politike dhe krijimin e një rendi kushtetues në Rusi. Rimsky-Korsakov ndjeu nevojën për të mbrojtur të drejtën e studentëve për të demonstruar, veçanërisht kur autoritetet filluan të ishin brutalë ndaj pjesëmarrësve të tij. Në një letër të hapur, kompozitori mban anën e studentëve që kërkojnë dorëheqjen e drejtorit të konservatorit. Pjesërisht për shkak të kësaj letre, 100 studentë u përjashtuan nga institucioni arsimor, dhe Rimsky-Korsakov humbi pozicionin e tij si profesor. Sidoqoftë, Nikolai Andreevich vazhdoi të jepte mësime në shtëpi.
Udhëtim në Paris
Në Prill 1907, kompozitori dha disa koncerte në Paris, të organizuara nga impresario Sergei Diaghilev. Nikolai Andreevich paraqiti muzikën e shkollës kombëtare ruse. Këto shfaqje ishin një sukses i madh. Vitin tjetër, pati një shfaqje të operave të kompozuara nga Rimsky-Korsakov: "Vajza e borës" dhe "Sadko". Udhëtimi i dha kompozitorit një mundësi për t'u njohur me muzikën bashkëkohore evropiane.
Punimet e Rimsky-Korsakov
Rimsky-Korsakov zhvilloi idealet dhe traditat e Gushtit të Fuqishëm. Në punën e tij, ai përdori tema liturgjike ortodokse, këngë popullore (për shembull, në "Capriccio Spanjolle") dhe orientalizëm (në "Scheherazade"). Nikolai Andreevich u tregua një kompozitor shumë produktiv dhe autokritik. Ai rishikoi dhe redaktoi pothuajse çdo pjesë të tij, dhe disa prej tyre, për shembull Simfonia e Tretë, Antar dhe Sadko, u korrigjuan nga Rimsky-Korsakov disa herë. Kompozitori mbeti i pakënaqur me shumë nga veprat e tij.
Rimsky -Korsakov - opera
Përkundër faktit se Nikolai Andreevich njihet më mirë si një mjeshtër i krijimtarisë simfonike, operat e tij janë edhe më komplekse dhe më të pasura me teknika të veçanta orkestrale sesa vepra instrumentale dhe vokale. Fragmente prej tyre ndonjëherë janë aq të njohura sa e gjithë vepra. Për shembull "Fluturimi i Bumblebee" nga "Përralla e Car Saltan" - nga Rimsky -Korsakov. Operët e kompozitorit mund të ndahen në 3 kategori:
- Dramë historike. Këto përfshijnë: "Pskovite", "Mozart dhe Salieri", "Pan Voevoda", "Nusja e Carit".
- Opera popullore: "Nata e majit", "Nata para Krishtlindjeve".
- Përralla dhe legjenda. Këto përfshijnë veprat e shkruara nga Rimsky-Korsakov: "Vajza e borës", "Mlada", "Sadko", "Koschey the Pavdekur", "Përralla e Car Saltan", "Legjenda e Qytetit të Padukshëm të Kitezh dhe Vajza Fevronia "," Gjeli i Artë ".
Krijimtaria simfonike
Veprat simfonike të Rimsky-Korsakov mund të ndahen në 2 lloje. Më i famshmi në Perëndim, dhe ndoshta më i miri prej tij, është softueri. Ky lloj krijimtarie simfonike i Nikolai Andreevich presupozon praninë e një komploti, personazhesh, veprimesh të huazuara nga burime të tjera jo-muzikore. Kategoria e dytë janë vepra akademike siç janë Simfonitë e Parë dhe të Tretë (nga Rimsky-Korsakov). Baletet për muzikën e tij mund të shihen jo vetëm në vendin tonë, por edhe jashtë saj, si dhe shumë opera dhe vepra të tjera muzikore të kompozitorit.
