घर पेड़ और झाड़ियाँ रूसी लोगों की संगीत परंपराओं को संदेश दें। 19 वीं शताब्दी की रूसी संगीत संस्कृति और इसका वैश्विक महत्व। किसी विषय में मदद चाहिए

पेड़ और झाड़ियाँ

रूसी लोगों की संगीत परंपराओं को संदेश दें। 19 वीं शताब्दी की रूसी संगीत संस्कृति और इसका वैश्विक महत्व। किसी विषय में मदद चाहिए

परिचय

1. 19वीं सदी में रूस की गीत संस्कृति

2. संगीतकारों का रूसी स्कूल

2.1 मिखाइल इवानोविच ग्लिंका

2.2 अलेक्जेंडर सर्गेइविच डार्गोमीज़्स्की

2.3 "ताकतवर गुच्छा"

2.4 प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की

3. 20 वीं शताब्दी की शुरुआत की रूसी संगीत संस्कृति।

निष्कर्ष

ग्रन्थसूची

परिचय

19वीं सदी में रूस संस्कृति के विकास में एक बड़ी छलांग लगाई, विश्व संस्कृति में अमूल्य योगदान दिया। यह कई कारणों से पूर्व निर्धारित था। सांस्कृतिक उथल-पुथल नए पूंजीवादी संबंधों के संक्रमण की अवधि के दौरान रूसी राष्ट्र के गठन की प्रक्रिया, राष्ट्रीय आत्म-चेतना की वृद्धि के कारण थी। रूसी संस्कृति के गहन विकास में योगदान देने वाला एक अन्य कारक अन्य देशों और लोगों की संस्कृतियों के साथ घनिष्ठ संपर्क है। पश्चिमी यूरोपीय सामाजिक विचारों का रूस की संस्कृति पर बहुत प्रभाव था। रूसी समाज ने अपनी राष्ट्रीय संस्कृति की मौलिकता को बनाए रखते हुए यूरोपीय देशों की संस्कृतियों की उन्नत उपलब्धियों को माना। बुद्धिजीवी वर्ग राष्ट्रीय संस्कृति के विकास में सक्रिय भाग लेना शुरू कर देता है। शुरुआत में, समाज का यह तबका कुलीनों और पादरियों के बीच से बना था, लेकिन पहले से ही 18 वीं शताब्दी में। आम दिखाई देते हैं, और उन्नीसवीं सदी की शुरुआत में। - सर्फ़ बुद्धिजीवी (अभिनेता, कलाकार, वास्तुकार, संगीतकार, कवि)। 18वीं - 19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में, सांस्कृतिक विकास में मुख्य भूमिका कुलीन बुद्धिजीवियों की है, 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में - रज़्नोचिंट्सी की। राजनोचिन्त्सी में उदार और लोकतांत्रिक पूंजीपति वर्ग के शिक्षित प्रतिनिधि, अधिकारी, निम्न बुर्जुआ, व्यापारी और किसान शामिल थे। इसलिए 19वीं सदी में। रूस संस्कृति के लोकतंत्रीकरण की प्रक्रिया से गुजर रहा है। वंचित वर्गों के लेखकों, कवियों, कलाकारों, संगीतकारों, वैज्ञानिकों की संख्या बढ़ रही है।

इस निबंध में, मैं रूसी संगीत कला की उत्पत्ति और निरंतरता का पता लगाने के लिए 19 वीं - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूस की संगीत संस्कृति का एक सामान्य विवरण देने की कोशिश करूंगा। संस्कृति के इतिहास के अध्ययन के महत्व पर जोर देना आवश्यक है, क्योंकि वर्तमान अतीत पर आधारित है। हमारे समय की सबसे क्रांतिकारी संगीतमय कृतियाँ भी प्रत्यक्ष या परोक्ष रूप से अतीत से प्रभावित हैं। सार का उद्देश्य 19 वीं - 20 वीं शताब्दी की शुरुआत में रूस की संगीत संस्कृति की स्थिति का विश्लेषण करना, इसकी विशेषताओं की पहचान करना, इस समय के रचनाकारों और उनके कार्यों के बारे में बताना और रूसी के महत्व का पता लगाना भी है। विश्व संस्कृति के लिए उस काल का संगीत।

1. 19वीं सदी में रूस की गीत संस्कृति

19 वीं सदी में रूसी संगीतकारों ने लोककथाओं के अध्ययन पर बहुत ध्यान दिया, लोक संगीत को प्रेरणा का स्रोत माना। उन्होंने लोक गीतों का संग्रह किया और अक्सर उन्हें अपने कार्यों में इस्तेमाल किया। नई संगीत विधाएँ दिखाई देती हैं, पुराने रूप (रोजमर्रा के गीत, भटकने के विषय पर गीत, व्यंग्य गीत) नई जीवन स्थितियों के प्रभाव में बदल जाते हैं, छवियों की प्रकृति और स्वर-अभिव्यंजक साधन बदल रहे हैं। दैनिक लोक गीत राष्ट्रीय महत्व की प्रमुख सामाजिक-राजनीतिक घटनाओं को दर्शाता है। 1812 का देशभक्तिपूर्ण युद्ध लोक गीतों में व्यापक रूप से परिलक्षित हुआ। 1812 के आसपास के गीतों का एक चक्र मौखिक लोक परंपरा से जुड़ा हुआ है, जो हमारे सामने आया है। उनकी सामग्री और संगीत और काव्य रूपों के संदर्भ में, वे बहुत विविध हैं। यह युद्ध गेय गीतों की उपस्थिति का कारण था, जिसने मातृभूमि की आपदाओं, जन्मभूमि की बर्बादी, प्रियजनों की मृत्यु के कारण गहरे लोगों के दुख, दुख, शोक को पकड़ लिया।

रूसी लोक गीत ने बहुत लोकप्रियता हासिल की, कई मूल व्यवस्थाओं में फैल गया - गाना बजानेवालों के लिए, संगत और व्यक्तिगत उपकरणों के साथ आवाज। 1806-1815 में प्राच के संग्रह का कई बार पुनर्मुद्रण हुआ। इसके आधार पर, सार्वजनिक प्रकार के गीत संग्रह बनाए गए थे।

सर्फ़ों की मूल निवासी दानिला काशिन ने बहुत प्रसिद्धि प्राप्त की, लोक गीतों के कई रूपांतरों का निर्माण किया। 1833-1834 में। उनका संग्रह "रूसी लोक गीत" तीन भागों में प्रकाशित हुआ था। चालीस के दशक में, संग्रह को फिर से जारी किया गया था, जो इसकी लोकप्रियता को इंगित करता है।

इवान रूपिन ने किसान गीतों को भी एकत्र किया, उन्हें प्रसंस्करण के अधीन किया, उनके काम को लोक गीतों और शहरी रोमांस के स्वरों के संश्लेषण की विशेषता है। उनके उपनाम का उच्चारण समकालीनों द्वारा इतालवी अंत के साथ किया गया था - रूपिनी, जो उनकी प्रसिद्धि की गवाही देता है। 1831 में अपना गीत संग्रह प्रकाशित किया। लोकगीतों की दैनिक व्यवस्था के साथ-साथ एक गीतात्मक भावुकतापूर्ण रोमांस विकसित होता है। इस शैली में, साधनों की सादगी को अभिव्यक्ति की सहजता और ईमानदारी के साथ जोड़ा जाता है। 19 वीं शताब्दी के रूसी रोमांस के विकास में बहुत महत्व के संगीतकार एलाबयेव, वरलामोव, गुरिलेव, वेरस्टोवस्की थे।

अलेक्जेंडर अलेक्जेंड्रोविच एल्याबयेव (1787-1851) कुलीन वर्ग से थे। उन्होंने सेना में सेवा की, 1812 के देशभक्ति युद्ध में भाग लिया। सेवानिवृत्त होने के बाद, उन्होंने खुद को रचनात्मकता के लिए समर्पित कर दिया। एल्याबयेव लोकप्रिय रोमांस के लेखक हैं: "आई लव यू", "विंटर रोड" (ए.एस. पुश्किन की कविताओं के लिए), "नाइटिंगेल" और अन्य। "कोकिला" एल्याबयेव के सबसे प्रसिद्ध गीतों में से एक है। इसमें सब कुछ सरल और एक ही समय में ईमानदार है। गीत एक पियानो परिचय से पहले है। मुखर भाग के पहले स्वर से, एक आकर्षक रूप से चिकनी, विचारशील माधुर्य सामने आता है। वह तुरंत अपनी आध्यात्मिकता से मोहित हो जाती है।

संगीतकार अलेक्जेंडर येगोरोविच वरलामोव (1801-1848) - लोकप्रिय रोमांस के लेखक। उन्होंने इस शैली के सौ से अधिक कार्यों का निर्माण किया, जो ज्यादातर रूसी कवियों ("द रेड सुंड्रेस", "सड़क के किनारे एक बर्फ़ीला तूफ़ान", "भोर में आप उसे नहीं जगाते", "अकेला पाल बदल जाता है) की कविताओं पर आधारित हैं। सफेद", आदि)। वरलामोव ने खुद को एक गायक, कंडक्टर, गिटारवादक और शिक्षक के रूप में भी साबित किया। उन्होंने गायकों के लिए एक पाठ्यपुस्तक लिखी - "द कम्प्लीट स्कूल ऑफ़ सिंगिंग" (1840)।

अलेक्जेंडर लवोविच गुरिलेव (1803-1858) एक सर्फ़ संगीतकार के पुत्र थे। संगीतकार, पियानोवादक, वायलिन वादक, वायलिन वादक और शिक्षक, गुरीलेव को गीतों और रोमांस के लेखक के रूप में जाना जाता है। सबसे प्रसिद्ध उनके गीत "मदर डोव", "बेल", "सरफान", "द स्वॉलो कर्ल्स" और रोमांस "पार्टिंग", "यू डू नॉट समझ माई सॉड" हैं। मुखर गीतों के अलावा, संगीतकार ने पियानो संगीत की शैलियों में काम किया, लोक गीतों को एकत्र और संसाधित किया।

एलयाबयेव, वरलामोव और गुरिलेव का काम रूसी संगीत के खजाने में एक अमूल्य योगदान है। उनके गीत और रोमांस अभी भी गायकों, गायक मंडलियों के संगीत कार्यक्रम के प्रदर्शनों की सूची में शामिल हैं और आम लोगों द्वारा प्रस्तुत किए जाते हैं।

रूसी संगीत का इतिहास, साथ ही साथ रूसी परंपराओं और रीति-रिवाजों का इतिहास, एक लंबे, सदियों पुराने विकास का परिणाम है, जिसके दौरान व्यक्तिगत सांस्कृतिक उपलब्धियों का निर्माण और विकास हुआ। बेशक, ऐसी उपलब्धियों में रूसी संगीत संस्कृति की समृद्ध विरासत भी शामिल है, जिसमें लोकगीत, विश्व प्रसिद्ध रूसी संगीतकारों द्वारा काम, बार्ड्स का मुफ्त काम, साथ ही रूसी रोमांस की एक विशेष राष्ट्रीय शैली शामिल है।
रूसी संगीत का इतिहास प्राचीन स्लाव समुदायों की लोककथाओं की संस्कृति के विकास के साथ शुरू होता है जो कि कीवन रस की भूमि में बस गए थे। लोक गीतों के रूप में बड़ी मात्रा में राष्ट्रीय रचनात्मकता, जो हमारे समय तक जीवित है, ईसाई परंपराओं के साथ बुतपरस्ती की एक विशिष्ट छाया लेती है। रूसी लोक संगीत की विशिष्ट विशेषताओं ने मुख्य आधार के रूप में कार्य किया, जिस पर भविष्य में सभी रूसी संगीत रचनात्मकता का निर्माण किया गया था।
रूसी लोक संगीत को कई शैलियों में विभाजित किया गया है, जिनमें से गीत शैली सबसे पुरानी है। गीत बहुत विविध थे, उदाहरण के लिए, एक अनुष्ठान गीत, एक शादी और नृत्य गीत, महाकाव्य और कथा गीत, गीतात्मक और नाटकीय गीत। और लगभग सभी प्राचीन लोक संगीत मुख्य रूप से गीत संगीत थे, जिसे विशेषज्ञ चर्च में संगीत वाद्ययंत्रों पर मौजूदा प्रतिबंध से जोड़ते हैं (कैथोलिक लोगों के लिए, इसके विपरीत, चर्च संगीत संस्कृति के ऐतिहासिक विकास का केंद्र था)। इसलिए, संगीत वाद्ययंत्रों का एक घरेलू या लोक चरित्र था। वीणा, पाइप और सींग बजाने वाले चरवाहे बाली की संगीत कला के जाने-माने शिल्पकार थे।
इन उपकरणों के अलावा, प्राचीन कहानियों में तंबूरा, प्राकृतिक शिकार सींग का भी उल्लेख है।
मध्य युग के युग में, सार्वजनिक कलाकारों और संगीतकारों, जिन्हें भैंस कहा जाता था, को सताया और सताया जाता था, उनके संगीत वाद्ययंत्र, और न केवल उन्हें, हर जगह नष्ट कर दिया जाता था। इसलिए, सचमुच कुछ मध्ययुगीन उपकरण आज तक जीवित हैं। हालाँकि, सात-स्ट्रिंग गिटार, मैंडोलिन और अकॉर्डियन (जिसे रूसी अकॉर्डियन या बटन अकॉर्डियन कहा जाता है) जैसे उपकरण रूसी संगीत रचनात्मकता से जुड़े हैं। लेकिन आपको पता होना चाहिए कि ऐसे सौ वाद्ययंत्रों ने रूसी संस्कृति में केवल 18-19 शताब्दियों में प्रवेश किया। और पहले से ही 19 वीं शताब्दी में, रूसी संगीत के इतिहास में पहला ऑर्केस्ट्रा बनाया गया था, जिसमें केवल रूसी लोक वाद्ययंत्र शामिल थे। संगीत, जिसे बाद में शास्त्रीय रूसी संगीत के रूप में जाना जाने लगा, को एम। आई। ग्लिंको, एम। पी। मुसॉर्स्की, रिमस्की-कोर्सोकोव, बोरोडिन, चालियापिन, त्चिकोवस्की, राचमानिनोव, आदि जैसे विश्व प्रसिद्ध संगीतकारों के कार्यों की विशेषता थी। खाचटुरियन के कम प्रसिद्ध नाम शामिल नहीं हैं। , प्रोकोफ़िएव, शोस्ताकोविच, श्नाइट्के। रूसी संगीत के विपरीत, पश्चिमी क्लासिक्स एक ही शैली में प्रदर्शन करते हैं। रूसी लेखकों के बारे में ऐसा नहीं कहा जा सकता है: उनमें से प्रत्येक एक अद्वितीय संगीत करिश्मे और गहराई से व्यक्त लेखक की रचनात्मकता द्वारा प्रतिष्ठित है।
अद्भुत ओपेरा कलाकारों में, कोई विशेष रूप से चालियापिन को बाहर कर सकता है, एक गायक जिसके पास आवाज का इतना अविश्वसनीय समय था कि अफवाहों के अनुसार, एक बार जब वह क्रीमिया में छुट्टी पर गया, तो वह उसे पेश किए गए शैंपेन का एक गिलास तोड़ने में कामयाब रहा। प्रिंस लेव गोलित्सिन द्वारा स्थानीय पहाड़ी खांचे में से एक।
दुर्भाग्य से, 1917 में सोवियत अधिकारियों द्वारा किए गए तख्तापलट के बाद रूसी संगीत के कई क्लासिक्स को पलायन करने के लिए मजबूर किया गया था। हालाँकि, वे विदेशों से बनाना जारी रखते थे।
पहले से ही सोवियत काल के अंत में, रूस में एक लोकप्रिय पॉप प्रदर्शन फैल रहा था, जिनमें से सबसे उज्ज्वल प्रतिनिधि जीवित ए। पुगाचेवा, वी। लेओनिएव, आई। कोबज़ोन, लेशचेंको, रोटारू और कई, कई अन्य थे। बीसवीं शताब्दी के अंत तक, रूसी लोकप्रिय संगीत पश्चिमी तर्ज पर विकसित हुआ, और मुख्य रूप से रूसी भाषी आबादी के बीच लोकप्रिय है। पश्चिमी संगीत क्षेत्र में, रूसी गायक शायद ही कभी विश्व स्तरीय ऊंचाइयों तक पहुंचने का प्रबंधन करते हैं, और रूसी भाषा में, आसानी से सोचे जाने वाले लोकप्रिय संगीत निर्देशन के संबंध में एक विशेष संक्षिप्त नाम उत्पन्न हुआ है, जो पॉप संगीत की तरह लगता है।
रूसी संगीत का इतिहास, जो महान कार्य करता है, राष्ट्रीय विरासत का एक अभिन्न अंग है। युवा प्रतिभाओं से, अनुभवी संरक्षक हमेशा उम्मीद करते हैं कि वह निश्चित रूप से महान बनेंगे, रूसी संगीत के इतिहास में प्रवेश करेंगे, जैसा कि महान संगीतकारों ने एक बार किया था।

सबसे पुराने प्रकार की संगीत कला के रूप में व्याख्या की गई गायन, तुरंत ऐसी नहीं बन गई। यह हमेशा भावनात्मक अभिव्यक्ति के लिए प्राथमिक और जैविक मानवीय आवश्यकता से जुड़ा रहा है और रहता है। और यह मौलिक मानवीय आवश्यकता, किसी प्रत्यक्ष सामाजिक आवश्यकता से कम नहीं, मानव जाति की संस्कृति में गायन के विशिष्ट स्थान को निर्धारित करती है।

गायन को जन्म देने वाले कारणों की खोज करते हुए, एन. चेर्नशेव्स्की ने लिखा: "गायन मूल रूप से और अनिवार्य रूप से, बात करने की तरह, मानव स्वभाव का काम है, कला का काम नहीं है।" यह टिप्पणी इस अर्थ में सत्य है कि मनुष्य को प्रकृति से प्राप्त पहला और मुख्य वाद्य यंत्र उसकी आवाज थी। और वह सहज, अनैच्छिक आत्म-अभिव्यक्ति के परिणामस्वरूप, भावना के प्रभाव में गायन बन गया, जो एक विशेष युग के सामान्य स्वर वातावरण द्वारा निर्धारित और आकार दिया जाता है। और इस अर्थ में, कोई भी गायन एक व्यवहार है जिसे सिखाया जाता है। लोकगीत परंपरा के हिस्से के रूप में, गायन एक कला हो सकता है, कला नहीं। लोककथाओं में, सब कुछ लोगों के जीवन के सभी तत्वों के साथ एक जैविक संबंध में उत्पन्न होता है, विकसित होता है और कार्य करता है: अपने ऐतिहासिक, सामाजिक और श्रम अनुभव, अपने जीवन के तरीके, रीति-रिवाजों, अपने विश्वदृष्टि, नैतिक और सौंदर्य विचारों के साथ।

चूंकि लोकगीत कला है और कला नहीं, इसलिए इसके वाहकों का संचार सौंदर्य और गैर-सौंदर्य दोनों तरह के संबंधों के रूप में किया जाता है, हालांकि लोककथाओं के इतिहास के विभिन्न चरणों में और विभिन्न प्रकारों में उनका संतुलन लोककथाओं की शैली नहीं है। वही। यह सामूहिक रचनात्मकता स्वयं लोगों की सभी महत्वपूर्ण गतिविधियों के साथ काम और रोजमर्रा की जिंदगी के साथ निकटता से जुड़ी हुई है, और रिश्तों के सामाजिक मानदंडों के एक अभिन्न परिसर का हिस्सा बनती है। उन्हें जानने से परंपरा को भीतर से सुनना और अपने स्वयं के कानूनों के अनुसार इसका मूल्यांकन करना संभव हो जाता है।

लोककथाओं में संचार के रूपों की निम्नलिखित टाइपोलॉजी प्रस्तावित है, जो गीत निर्माण की प्रक्रिया में बनने वाले कनेक्शनों की प्रकृति और कार्यों की परिभाषा पर आधारित है:

कलात्मक रचनात्मकता की प्रक्रिया में संचार, सीधे श्रम गतिविधि से संबंधित। जो लोग एक ही समय में गाते और काम करते हैं, वे आम सकारात्मक भावनाओं और काम के लिए एक सामूहिक सौंदर्यवादी दृष्टिकोण से एकजुट होते हैं।
कलात्मक रचनात्मकता की प्रक्रिया में संचार, अप्रत्यक्ष रूप से पौराणिक सोच के रूप में श्रम गतिविधि से जुड़ा हुआ है और श्रम प्रक्रिया के संबंधित अनुष्ठान प्रजनन या प्रकृति की शक्तियों पर अन्य जादुई प्रभाव। इस प्रकार का संचार, जो अवधारणाओं के एक पूरे परिसर में जोड़ता है: मनुष्य - श्रम - प्रकृति, कैलेंडर-अनुष्ठान लोककथाओं में तीन मुख्य रूपों में महसूस किया जाता है: ए) प्रकृति की शक्तियों के साथ प्रत्यक्ष अनुष्ठान संचार के रूप में; बी) कोल्याडा, श्रोवटाइड जैसे प्रतीकात्मक अनुष्ठान के आंकड़ों के साथ संचार के रूप में; ग) एक जीवित मध्यस्थ, एक पुजारी की मदद से संचार के रूप में।

गीत लोकगीत एक जीवित, प्रक्रियात्मक घटना बनी रहती है, जब तक कि इसे बनाने वाले सामूहिक के भीतर संचार के रूप संरक्षित होते हैं, और जैसे ही ये रूप दूसरों को रास्ता देते हैं, वैसे ही समाप्त हो जाते हैं। यह एक उत्पादन प्रक्रिया नहीं रह जाता है और लोक कला का एक उत्कृष्ट स्मारक बन जाता है, जो पेशेवरों के लिए एक सामग्री है।

पूर्वगामी के आलोक में, लोक प्रदर्शन के नियमों का ज्ञान, लोककथाओं की प्रकृति की समझ, जो प्रदर्शनों की सूची के कुशल, उचित चयन और व्याख्या के लिए आवश्यक हैं, और मंच पर इसके कलात्मक उचित अनुकूलन के इष्टतम उपाय का निर्धारण करते हैं। विशेष महत्व का।

कलाकारों के लिए, लोककथाओं को न केवल एक कलात्मक पाठ के रूप में समझना महत्वपूर्ण है, बल्कि पाठ रहित संचार, कलात्मक बनावट और प्रदर्शन शैलियों की अपनी सभी विशिष्टताओं के साथ एक जीवंत प्रदर्शन प्रक्रिया के रूप में भी।

लोक जीवन में गायन और गीत हमेशा सबके लिए खुले रहते हैं। इस तरह की "क्षमता", "गायक की स्थिति को अलग नहीं करना" परंपरा के अद्भुत लचीलेपन द्वारा प्रदान की जाती है। एक गायन सभा में अलग-अलग प्रतिभा और कौशल वाले अलग-अलग लोग सहज महसूस करते हैं। हर कोई मुख्य रूप से अपने लिए गाता है, अपने "मैं" को महसूस करता है। उसी समय, कलात्मक सह-निर्माण संचार का लक्ष्य बन जाता है, सामूहिक गायन - न केवल संगीत, बल्कि व्यवहारिक, एक पॉलीफोनिक गीत - न केवल संगीतमय स्वर, बल्कि मानवीय संबंधों को भी प्रकट करता है।

गीत परंपराओं के वाहकों के लिए संयुक्त संगीत-निर्माण का अर्थ न केवल मुखर भागों के समन्वय में है, बल्कि कुछ और, गायन लोगों के गहरे संबंधों में है, जिनके लिए "संगीत" और "गैर के बीच कोई स्पष्ट रेखा नहीं है। -म्यूजिकल", सौंदर्य और गैर-सौंदर्य, प्राकृतिक और यादृच्छिक।

इसलिए, लोकगीत हमेशा नए सिरे से बनाए जाते हैं। सहजता तब भी मौजूद होती है जब लोग एक गाना गाते हैं जिसे वे अच्छी तरह जानते हैं। इस मामले में अनिवार्य रूप से उत्पन्न होने वाले "आश्चर्य" गायन में दोष नहीं हैं, बल्कि इसकी प्राकृतिक संपत्ति, इसका आंतरिक जीवन, इसका अर्थ है।

एल.वी. शामिना

"लोक गीत शिक्षाशास्त्र की मूल बातें"

शिक्षा के लिए संघीय एजेंसी

ऊफ़ा स्टेट एकेडमी ऑफ़ इकोनॉमिक्स एंड सर्विस

पर्यटन और आतिथ्य विभाग

पाठ्यक्रम कार्य

अनुशासन में "विश्व संस्कृति और कला"

विषय पर: 19 वीं शताब्दी की रूसी संगीत संस्कृति और इसका वैश्विक महत्व

पूरा हुआ: छात्र जीआर। एसडी-21

मिखाइलोवा आई.वी.

चेक किया गया: ऐतिहासिक विज्ञान के उम्मीदवार, एसोसिएट प्रोफेसर

कोटोवा टी.पी.

परिचय

ऐतिहासिक पृष्ठभूमि

19वीं शताब्दी में रूसी गीत संस्कृति का विकास

रूसी संगीतकार स्कूल

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका

अलेक्जेंडर सर्गेइविच डार्गोमीज़्स्की

"ताकतवर गुच्छा"

ब्रिलियंट प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की

निष्कर्ष

ग्रन्थसूची

अनुप्रयोग

परिचय

बिना संगीतजीवन एक गलती होगी। (फ्रेडरिक निएत्ज़्स्चे)

संगीतमन सुंदर ध्वनियों में सन्निहित है। (इवान सर्गेयेविच तुर्गनेव)

संगीतमन के जीवन और इंद्रियों के जीवन के बीच मध्यस्थ। (लुडविग वान बीथोवेन)

रूसी शब्द "संगीत" ग्रीक मूल का है। सभी कलाओं में से, संगीत सबसे सीधे व्यक्ति की धारणा को प्रभावित करता है, "भावनाओं से संक्रमित"। आत्मा की भाषा, जैसा कि संगीत के बारे में बात करने के लिए प्रथागत है, ठीक है क्योंकि यह किसी व्यक्ति की भावनाओं के क्षेत्र पर अवचेतन स्तर पर एक मजबूत प्रभाव डालता है, लेकिन कोई इस क्षेत्र पर प्रभाव को बाहर नहीं कर सकता है। मन की। "संगीत" नामक घटना (या पदार्थ) की संपूर्ण सटीक परिभाषा देना असंभव है।

रूसी संगीत की संपत्ति अथाह है। दस सदियों से, इसकी परंपराएं अन्य देशों की संगीत संस्कृति के निकट संपर्क में और अन्य प्रकार की कलात्मक रचनात्मकता के साथ निरंतर संपर्क में बनी और विकसित हुई हैं।

रूसी संगीत रूसी संस्कृति का सबसे महत्वपूर्ण हिस्सा है। रूसी साहित्य, कविता, चित्रकला, रंगमंच की तरह, यह सामाजिक जीवन के सभी चरणों, रूसी दार्शनिक और सौंदर्यवादी विचारों के गठन को स्पष्ट रूप से दर्शाता है। अपनी विविध शैलियों और रूपों में, लोगों के इतिहास, उनके मुक्ति संघर्ष, रूसी व्यक्ति के चरित्र, रूसी प्रकृति और जीवन की मौलिकता ने अपना अवतार पाया है।

अपने टर्म पेपर में, मैंने 19 वीं शताब्दी में रूस के संगीत विकास को दिखाने का फैसला किया, जो कि सबसे महत्वपूर्ण ऐतिहासिक घटनाओं की पृष्ठभूमि के खिलाफ हुआ - देशभक्ति युद्ध, डीसमब्रिस्ट विद्रोह, दासता का उन्मूलन, आदि।

कार्य का कार्य 19 वीं शताब्दी में रूस की संगीत संस्कृति की स्थिति का विश्लेषण करना, इसकी विशेषताओं की पहचान करना, इस शताब्दी के रचनाकारों और उनके कार्यों के बारे में बताना और 19 वीं शताब्दी के रूसी संगीत के महत्व की पहचान करना भी है। विश्व संस्कृति के लिए सदी।

उनके कार्यकाल में पेपर में साहित्य और दस्तावेजों के अध्ययन और विश्लेषण, सामान्यीकरण, गतिविधि के उत्पादों का विश्लेषण, विवरण जैसी शोध विधियां शामिल होंगी।

इस विषय का अध्ययन करते समय, मैं साहित्य का उपयोग करूंगा: विश्वकोश "राउंड द वर्ल्ड", रूसी संगीत साहित्य ई। स्मिरनोवा, निकितिना एल.डी. रूसी संगीत का इतिहास, आदि।

ऐतिहासिक पृष्ठभूमि

संगीत गीत संस्कृति संगीतकार

रूस में 19वीं सदी प्रमुख राजनीतिक और सामाजिक परिवर्तनों से जुड़ी हुई है, और 1812 के युद्ध और दासता के उन्मूलन ने इसमें एक बड़ी भूमिका निभाई। साहित्य, कविता, संगीत और चित्रकला में सामाजिक असमानता का विषय अधिक तीव्र हो गया।

पहले से ही 19 वीं शताब्दी के पूर्वार्ध में, रूसी संस्कृति एक शानदार, चमकदार उज्ज्वल फूल तक पहुंच गई। नकल के तत्वों से मुक्त, यह सबसे विविध, व्यापक दायरे वाली सामग्री के लिए अभिव्यक्ति के मूल और मूल रूपों को ढूंढता है और सार्वभौमिक मानवीय महत्व के महान स्थायी मूल्यों का निर्माण करता है। साहित्य में पुश्किन, लेर्मोंटोव, गोगोल, संगीत में ग्लिंका जैसे शानदार प्रतिनिधियों का काम न केवल रूसी में, बल्कि विश्व कला में भी सबसे ऊंची चोटियों में से एक है।

1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध ने सार्वजनिक पहल के उदय को एक मजबूत प्रोत्साहन दिया। रूसी लोगों की देशभक्ति राष्ट्र के सामान्य हितों के बारे में व्यापक जागरूकता में, आम अच्छे के बारे में बढ़ती चिंता में प्रकट होती है। राष्ट्रीय संस्कृति और कल्याण का स्तर।

19 वीं शताब्दी में रूसी संस्कृति के विकास पर डीसमब्रिस्ट विद्रोह का महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। सभी भावनाएं, विचार, अनुभव उस समय के कई संगीत कार्यों में परिलक्षित होते हैं। डिसमब्रिस्ट्स के युग ने रूस में क्रांतिकारी गीत के विकास की शुरुआत को चिह्नित किया। इस संबंध में महान योग्यता डिसमब्रिस्ट आंदोलन के आंकड़ों से संबंधित है - राइलेव और बेस्टुज़ेव। डिसमब्रिस्ट कवियों द्वारा निर्धारित क्रांतिकारी गीत की परंपराओं को उनके समकालीनों ने अपनाया और विकसित किया। स्वतंत्रता और विरोध के प्रेम, सामाजिक उत्पीड़न के खिलाफ संघर्ष के विषय रोजमर्रा के गीत में गहराई से प्रवेश कर गए।

जैसे-जैसे मुक्ति के विचार बढ़े और फैले, वैसे-वैसे सरकार का विरोध भी हुआ। पहले से ही सिकंदर I के शासनकाल के दूसरे भाग में, यह प्रतिक्रियावादी पाठ्यक्रम निर्धारित किया गया था, विश्वविद्यालयों के विनाश, सेंसरशिप को मजबूत करने में व्यक्त किया गया था। डिसमब्रिस्ट विद्रोह के दमन के साथ-साथ निकोलस I के सिंहासन पर बैठने के बाद रूसी जीवन में अभूतपूर्व रूप से क्रूर, नीरस और निर्दयी प्रतिक्रिया की एक लंबी लकीर राज करती है। लोकतांत्रिक पत्रकारिता का अस्तित्व, और इससे भी अधिक व्यावहारिक क्रांतिकारी संचालन करने वाले राजनीतिक संगठनों का अस्तित्व। गतिविधियों, रूस में असंभव था।

इन परिस्थितियों में, साहित्य विशेष रूप से महत्वपूर्ण है, पुश्किन, गोगोल, लेर्मोंटोव के कार्य मुक्तिवादी विचार के मुख्य मुखपत्र बन गए हैं।

उपरोक्त सभी रूसी राष्ट्रीय साहित्य और कला के शास्त्रीय स्कूलों के गठन के लिए आवश्यक शर्तें बनाते हैं।

ग्लिंका ने रूसी संगीत के विकास में एक भूमिका निभाई, कई मायनों में उसी के समान जो रूसी साहित्य के विकास में पुश्किन से संबंधित है। पुश्किन की तरह, ग्लिंका ने समकालीन कलात्मक संस्कृति के विभिन्न तत्वों को व्यापक रूप से स्वीकार और कार्यान्वित किया। अपने पूर्ववर्तियों की विरासत से मूल्यवान और व्यवहार्य सब कुछ आत्मसात कर लिया, ग्लिंका ने अपनी सीमाओं को पार कर लिया और विशाल धन, सामग्री की पूर्णता और कलात्मक अभिव्यक्ति की पूर्णता प्राप्त की। अपने आंतरिक संतुलन, आदर्श हार्मोनिक अखंडता और पूर्णता के संदर्भ में, ग्लिंका का काम पुश्किन की कविता की तरह बाद की पीढ़ियों के लिए एक ही निर्विवाद मॉडल और शास्त्रीय आदर्श बन गया। ग्लिंका ने अपने काम से अपने विश्व प्रभाव की शुरुआत की। Dargomyzhsky अपने काम में ग्लिंका के मार्ग का अनुसरण करता है। वह रूसी संगीत में अधिक सामाजिक तीक्ष्णता, रोजमर्रा और मनोवैज्ञानिक लक्षण वर्णन, व्यंग्य और हास्य के तत्वों का परिचय देता है, जो कि 60 के दशक के युवा राष्ट्रीय स्कूल के काम में एक स्पष्ट रूप प्राप्त करेगा। ग्लिंका ने अपने काम से अपने विश्व प्रभाव की शुरुआत की।

उस समय से विदेशी प्रेस में रूसी संगीत के बारे में संदेश अधिक से अधिक बार दिखाई देने लगे। ग्लिंका पर बर्लियोज़ के लेखों की उपस्थिति से कुछ महीने पहले, प्रसिद्ध फ्रांसीसी संगीतज्ञ फेटिस ने रूस में एक मूल होनहार संगीत प्रतिभा के रूप में अभी भी युवा डार्गोमीज़्स्की के बारे में लिखा था।

ऐतिहासिक काल 60-80 वर्ष। 19 वीं शताब्दी को आमतौर पर सुधार के बाद कहा जाता है - 1861 में, एक शाही डिक्री द्वारा दासता को समाप्त कर दिया गया था, जिसके कारण रूसी सार्वजनिक जीवन का उदारीकरण हुआ। इस चरण को एक अभिन्न और मूल घटना के रूप में कलात्मक संस्कृति के उच्च उत्कर्ष द्वारा चिह्नित किया गया है। यह तब था जब कला में आध्यात्मिक और सौंदर्य मूल्यों की एक निश्चित प्रणाली का गठन किया गया था, जो साहित्य और रंगमंच में, चित्रकला और संगीत में सन्निहित थी।

19वीं शताब्दी में रूसी गीत संस्कृति का विकास

"युग गीतों का था" - इस तरह कवि जी.आर. डेरझाविन। उस समय की गीत संस्कृति की छवि असामान्य रूप से विविध और यहां तक कि बहुभाषी थी। रूसी और फ्रांसीसी गीत, जिप्सी और जर्मन, किसान और शहरी, शौकिया और पेशेवर गीत रोजमर्रा की जिंदगी में जटिल रूप से जुड़े हुए हैं। गीत साहित्यिक कार्यों के पन्नों से लग रहा था और विशेष संग्रह में प्रकाशित हुआ था "कई प्रेमियों की खुशी के लिए", अभिजात वर्ग के घरों में प्रदर्शन किया।

19 वीं सदी में लोककथाओं के अध्ययन पर बहुत ध्यान दिया जाता रहा। रूसी संगीतकार लोक संगीत को प्रेरणा का स्रोत मानते थे। उन्होंने लोक गीतों का संग्रह किया और अपनी संगीत भाषा की मौलिकता को खोए बिना अक्सर उन्हें अपने कार्यों में इस्तेमाल किया।

कुछ नई विधाएँ उत्पन्न होती हैं, पुराने रूप (रोजमर्रा के गीत, भटकने के विषय पर गीत, व्यंग्य गीत) नई जीवन सामग्री के प्रभाव में विकसित होते हैं, छवियों की प्रकृति और इंटोनेशन-अभिव्यंजक साधनों में परिवर्तन होता है। प्रतिदिन लोक गीत राष्ट्रीय महत्व की प्रमुख राजनीतिक और सामाजिक घटनाओं पर प्रतिक्रिया करता है।

1812 का देशभक्ति युद्ध इसमें व्यापक रूप से परिलक्षित होता है। मौखिक लोक परंपरा से जुड़े बारहवें वर्ष के गीतों का एक पूरा चक्र हमारे सामने आया है। उनकी सामग्री और संगीत और काव्य रूपों के संदर्भ में, वे बहुत विविध हैं। कभी-कभी वे पुराने पारंपरिक प्रकार के लोक गीत लेखन की तकनीकों का उपयोग करते हैं।

देशभक्तिपूर्ण युद्ध ने भी अभिव्यंजक गीतात्मक की उपस्थिति का कारण बना

मातृभूमि की गंभीर आपदाओं, जन्मभूमि की तबाही, प्रियजनों की हानि के कारण गहरे राष्ट्रीय दुख, दुख और शोक को व्यक्त करने वाले गीत।

रूसी लोक गीत ने असाधारण रूप से व्यापक लोकप्रियता का आनंद लेना शुरू कर दिया, कई अलग-अलग व्यवस्थाओं में फैल गया - गाना बजानेवालों के लिए, संगत और व्यक्तिगत उपकरणों के साथ आवाज। 1806 से 1815 तक प्राच का संग्रह दूसरे और तीसरे संस्करण में प्रकाशित हुआ। इसके आधार पर, सार्वजनिक प्रकार के गीत संग्रह बनाए गए थे।

दानिला काशिन, एक प्रतिभाशाली रूसी संगीतकार, जो सर्फ़ों से आए थे, लोक गीतों की व्यवस्था के लिए व्यापक रूप से जाने जाते थे। 1833-1834 में। उनका संग्रह "रूसी लोक गीत" तीन भागों में प्रकाशित हुआ था। अपने समय के लिए, यह 18 वीं और 19 वीं शताब्दी के मोड़ के लिए प्राच के "संग्रह" की विशेषता है। 40 के दशक की शुरुआत में, काशीन संग्रह का दूसरा संस्करण सामने आया, जिसने इसकी लोकप्रियता और इसके लिए बड़ी मांग की गवाही दी। काशिन की प्रसंस्करण तकनीकों में, कोई स्पष्ट रूप से संवेदनशीलता पर जोर देने की इच्छा देख सकता है, कभी-कभी कुछ हद तक उन्मादपूर्ण रूप से।

काशीन के साथ उसी रास्ते के साथ, लोक गीत और शहरी रोमांस के स्वरों की अंतर्विरोध के बाद गीतों के एक अन्य प्रसिद्ध संग्रहकर्ता, मूल रूप से एक सर्फ़, इवान रूपिन, जो एक प्रतिभाशाली गायक-कलाकार भी थे (उनका उपनाम उनके द्वारा उच्चारित किया गया था) एक इतालवी अंत के साथ समकालीन - रूपिनी) और एक लोकप्रिय गीत संग्रह का संकलन, 1831 में प्रकाशित हुआ

रूसी लोक गीत के विभिन्न दैनिक अपवर्तन के साथ, एक गीतात्मक भावुक रोमांस विकसित होता है, जिसने समाज के सबसे विविध स्तरों में असाधारण रूप से व्यापक लोकप्रियता का आनंद लिया। अठारहवीं शताब्दी के "रूसी गीत" की तरह, रूसी रोमांस अपने प्रमुख हिस्से में घरेलू संगीत-निर्माण के क्षेत्र से जुड़ा था। रोजमर्रा के रोमांस की संगीतमय भाषा में, साधनों की सादगी को ईमानदारी से तत्कालता और अभिव्यक्ति की ईमानदारी के साथ जोड़ा जाता है। 19वीं सदी में रूसी रोमांस के विकास में संगीतकार एलाबयेव, वरलामोव, गुरिलेव, वेरस्टोव्स्की ने महत्वपूर्ण भूमिका निभाई (देखें परिशिष्ट 1)।

अलेक्जेंडर अलेक्जेंड्रोविच एलियाबिएव(1787-1851) का जन्म एक पुराने कुलीन परिवार में हुआ था। अपनी युवावस्था में, उन्होंने सेना में सेवा की, 1812 के देशभक्तिपूर्ण युद्ध में भाग लिया। इसके बाद, उन्होंने सैन्य सेवा छोड़ दी और खुद को रचनात्मक गतिविधि के लिए समर्पित कर दिया। एल्याबयेव प्रसिद्ध रोमांस के लेखक हैं: "आई लव यू", "विंटर रोड" (दोनों अलेक्जेंडर सर्गेइविच पुश्किन की कविताओं के लिए), "नाइटिंगेल" और अन्य। " बुलबुल"- एल्याबयेव के पसंदीदा और सबसे आम गीतों में से एक। इसमें सब कुछ मामूली और सरल है। गीत एक गिटार माधुर्य की भावना में एक जीवंत पियानो परिचय से पहले है। मुखर भाग के पहले स्वर से, एक मनोरम कोमल, विचारशील राग सामने आता है। चौड़ा और सुचारू रूप से गोल, यह अपनी सख्त सुंदरता के साथ तुरंत पकड़ लेता है और जीत जाता है।

संगीतकार अलेक्जेंडर एगोरोविच वरलामोव(1801-1848) - लोकप्रिय रोमांस के लेखक। कुल मिलाकर, उन्होंने इस शैली की लगभग दो सौ रचनाएँ बनाईं, जो मुख्य रूप से रूसी कवियों की कविताओं पर आधारित थीं ("द रेड सुंड्रेस", "ए ब्लिज़ार्ड स्वीप विद द स्ट्रीट", "डॉन एट यू नॉट वेक उसे", "अकेला" पाल सफेद हो जाता है", आदि)। वरलामोव को एक गायक, गिटारवादक, कंडक्टर और शिक्षक के रूप में भी जाना जाता था। उन्होंने गायकों के लिए पहली रूसी पाठ्यपुस्तकों में से एक लिखा - "द कम्प्लीट स्कूल ऑफ सिंगिंग" (1840)।

अलेक्जेंडर लावोविच गुरिलेव(1803-1858) एक सर्फ़ संगीतकार के पुत्र थे (1831 में उन्हें और उनके पिता को स्वतंत्रता मिली)। संगीतकार, पियानोवादक, वायलिन वादक, वायलिन वादक और शिक्षक, गुरीलेव गीतों और रोमांस के लेखक के रूप में प्रसिद्ध हुए। सबसे प्रसिद्ध उनके गीत "मदर डोव", "बेल", "सरफान", "द स्वॉलो कर्ल्स" और रोमांस "पार्टिंग", "यू डू नॉट समझ माई सॉड" हैं। मुखर गीतों के अलावा, संगीतकार ने पियानो संगीत की शैलियों में काम किया, लोक गीतों को एकत्र और संसाधित किया।

एलयाबयेव, वरलामोव और गुरिलेव का काम रूसी संगीत के खजाने में एक महत्वपूर्ण योगदान है। उनके बेहतरीन गीत और रोमांस गायकों और गायक मंडलियों के संगीत समारोहों की सूची में शामिल हैं, वे हमारे समय में लोगों के बीच प्यार से गाए जाते हैं।

19वीं सदी का रूसी संगीतकार स्कूल

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका

निःसंदेह, 19वीं शताब्दी के पूर्वार्ध के संगीतकार स्कूल का सबसे प्रमुख प्रतिनिधि है मिखाइल इवानोविच ग्लिंका(1804-1857)। मिखाइल इवानोविच ग्लिंका का काम रूसी संगीतकार स्कूल की उत्पत्ति पर खड़ा है, और उनके कार्यों, काम के तरीकों, संगीत शैलियों और परंपराओं के प्रति दृष्टिकोण को 19 वीं शताब्दी में अनुकरणीय माना जाता था। यूरोप में एक गंभीर संगीत शिक्षा प्राप्त करने के बाद, ग्लिंका रूसी राष्ट्रीय संगीत की ख़ासियत को गहराई से समझने वाले पहले व्यक्ति थे, और यह इस मास्टर के लिए काफी हद तक धन्यवाद था कि यूरोपीय शैलियों को रूस में एक मूल व्याख्या मिली। ग्लिंका के बचपन के छाप उनके काम में परिलक्षित होते थे। उनके जीवन के पहले वर्ष स्मोलेंस्क क्षेत्र की ग्रामीण प्रकृति के बीच उनके पिता की संपत्ति पर बिताए गए थे। वहाँ उन्होंने सीखा और लोक गीतों से प्यार हो गया, उन्हें सुना। सर्फ़ नानी अव्दोत्या इवानोव्ना की कहानियाँ, जो उसे कोमलता और समर्पित रूप से प्यार करती थीं, नन्ही ग्लिंका की प्रभावशाली बचकानी आत्मा में गहराई से डूब गईं।

1812 की घटनाओं ने ग्लिंका पर बहुत बड़ा प्रभाव डाला। नेपोलियन सेना के आक्रमण से भागकर, ग्लिंका परिवार ने संपत्ति छोड़ दी। लड़के ने पक्षपातियों की वीरता के बारे में कई कहानियाँ सुनीं और हमेशा के लिए रूसी लोगों के लिए प्यार और सम्मान, उनकी शक्तिशाली ताकत और आध्यात्मिक सुंदरता से भर गया।

ग्लिंका के रिश्तेदारों के घरेलू जीवन में, संगीत अक्सर बजता था। मेरे चाचा, जो पास में रहते थे, के पास एक अच्छा ऑर्केस्ट्रा था, जिसमें सर्फ़ संगीतकार शामिल थे। संगीत ने लड़के पर एक अद्भुत प्रभाव डाला, संगीत समारोहों के बाद वह अनुपस्थित-मन से चला। "संगीत मेरी आत्मा है," उन्होंने एक बार कहा था। चाचा के किले के ऑर्केस्ट्रा ने विभिन्न कार्यों का प्रदर्शन किया, उनमें से लोक गीत थे। अपने बचपन के छापों को याद करते हुए, ग्लिंका ने लिखा: "... शायद ये गीत, जो मैंने बचपन में सुने थे, पहला कारण था कि बाद में मैंने मुख्य रूप से रूसी लोक संगीत विकसित करना शुरू किया।"

ग्लिंका की रचना कौशल दो ओपेरा में सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट हुई - " राजा के लिए जीवन"("इवान सुसैनिन") और " रुस्लान और लुडमिला". उन्होंने राष्ट्रीय रूसी ओपेरा - वीर-महाकाव्य ओपेरा और परी-कथा ओपेरा के नमूने बनाए। इन शैलियों का बाद का विकास ग्लिंका द्वारा निर्धारित सिद्धांतों से जुड़ा है।

ओपेरा ए लाइफ फॉर द ज़ार (यूएसएसआर में 30-80 के दशक में इवान सुसैनिन नाम अपनाया गया था; 1836) एक ऐतिहासिक और देशभक्ति की साजिश पर लिखा गया था। संगीतकार ने 17 वीं शताब्दी की शुरुआत की घटनाओं की ओर रुख किया। - पोलिश विजेताओं के खिलाफ रूसी लोगों का संघर्ष। काम का कथानक - इवान सुसैनिन का करतब - कवि वासिली एंड्रीविच ज़ुकोवस्की द्वारा ग्लिंका को सुझाया गया था।

ए लाइफ फॉर द ज़ार बिना बोले संवाद वाला पहला रूसी ओपेरा है; यह निरंतर संगीत विकास पर आधारित है। रचना का संगीतमय ताना-बाना कोरल दृश्यों के साथ व्याप्त है। विशेष रूप से, वे खोलते हैं (गाना बजानेवालों "माई मातृभूमि") और काम पूरा करते हैं (अंतिम उत्साही विजयी गाना बजानेवालों "महिमा")।

ओपेरा के केंद्र में रूसी किसान इवान सुसैनिन की छवि है। संगीतकार नायक की नैतिक शक्ति पर जोर देता है। इसकी संगीत विशेषताओं के लिए, लोक धुनों के स्वरों का उपयोग किया जाता है। एंटोनिडा, सुसैनिन की बेटी, एक रूसी लड़की की एक उज्ज्वल और काव्यात्मक ("सौम्य-सुंदर", ग्लिंका की अपनी परिभाषा के अनुसार) छवि है। सोबिनिन, एंटोनिडा का मंगेतर, एक मिलिशिया है, एक साहसी, निडर आदमी है, वान्या सुसैनिन का दत्तक पुत्र है, जो एक "सरल-हृदय" है, ग्लिंका के अनुसार, तेरह साल का लड़का। सुसैनिन परिवार के युवा सदस्यों की छवियां - वान्या, एंटोनिडा, सोबिनिन रोमांस के रोजमर्रा के गीत की परंपराओं और स्वरों में खींची गई हैं।

डंडे के शत्रुतापूर्ण शिविर द्वारा रूसी छवियों का विरोध किया जाता है। विस्तृत कोरियोग्राफिक चित्र ओपेरा के "पोलिश अधिनियम" का प्रतिनिधित्व करता है - एक पुराने महल में एक शानदार गेंद। यह सिम्फोनिक रचना जेंट्री - पोलिश बड़प्पन की प्रतिभा, अनुग्रह और गौरव को व्यक्त करती है। पोलोनेस, मजुरका, क्राकोवियाक ध्वनि की धुन और लय। संगीत की सुंदरता आकर्षक है, लेकिन कुल मिलाकर "रूसी" दृश्यों की सादगी और ईमानदारी "पोलिश अधिनियम" के आडंबरपूर्ण वैभव के विपरीत है।

अंत में, दो शिविर सीधे टकराते हैं - पोलिश टुकड़ी डोमिनो के गांव सुसैनिन में आती है और मांग करती है कि वह उन्हें उस स्थान पर ले जाए जहां ज़ार मिखाइल रोमानोव स्थित है। डंडे के साथ सुसैनिन का दृश्य, जहां वह उन्हें उनकी मृत्यु तक ले गया, ओपेरा की परिणति है। संप्रदाय दुखद है - मुख्य चरित्र रूस के लिए अपना जीवन देता है। रात में, जंगल में, सुसैनिन अपने मरने वाले एकालाप का पाठ "वे सत्य को सूंघते हैं", एक अरिया प्रार्थना "तुम उठो, मेरी सुबह" में बदल जाते हैं, जिसमें नायक भगवान से अंतिम घंटे को पूरा करने की शक्ति मांगता है। इसमें गहरा दुख और आशा दोनों शामिल हैं। संगीत - गति में धीमा, सख्त और मूड में केंद्रित - चर्च के भजनों की याद दिलाता है।

ओपेरा ए लाइफ फॉर द ज़ार को 27 नवंबर, 1836 को सेंट पीटर्सबर्ग के बोल्शोई थिएटर में बड़ी सफलता के साथ प्रदर्शित किया गया था। रूसी समाज के प्रगतिशील लोगों ने उसकी बहुत सराहना की।

रचनात्मक जीत की चेतना ने संगीतकार को नए विचारों के लिए प्रेरित किया, और कुछ साल बाद ओपेरा परी कथा " रुस्लान और लुडमिला»(1842)। यह ए एस पुश्किन द्वारा इसी नाम की कविता के कथानक पर लिखा गया था। संगीत क्रिया का अविरल विकास प्राचीन महाकाव्यों और किंवदंतियों की याद दिलाता है। ओपेरा में लोक अनुष्ठान के दृश्य, प्रकृति के रंगीन चित्र और शानदार चित्र शामिल हैं। रूसी नायकों (रुस्लान, रतमीर), गीत-गायक बोयान, प्रिंस व्लादिमीर की दुनिया का विरोध जादूगरों की शानदार दुनिया - चेर्नोमोर और नैना ने किया है। नायकों को महाकाव्य गंभीरता और महाकाव्य महिमा के साथ दिखाया गया है। चेर्नोमोर और नैना (साथ ही रुस्लान के बदकिस्मत प्रतिद्वंद्वी - फरलाफ) हास्य के एक निस्संदेह हिस्से के साथ तैयार हैं; लेखक, जैसा कि यह था, श्रोता से कहता है: ये सिर्फ परी-कथा के पात्र हैं, बल्कि बुराई के बजाय हास्यपूर्ण हैं। जादू के महल के स्वामी चेर्नोमोर की मुख्य विशेषता एक आधा-मजाक मार्च है। चित्र बनाने में ऑर्केस्ट्रा एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है। चेर्नोमोर के राज्य को चित्रित करते हुए, संगीतकार पूर्व के संगीत के स्वरों का उपयोग करता है। श्रोता से पहले तुर्की और अरबी नृत्य, लेजिंका हैं। ओपेरा रुस्लान और ल्यूडमिला, किसी भी परी कथा की तरह, बुराई पर अच्छाई की जीत और प्यार की जीत के साथ समाप्त होती है।

रोमांस और गाने ग्लिंका- रूसी क्लासिक्स का गौरव। संगीतकार ने उन्हें जीवन भर लिखा। ग्लिंका का गीतात्मक रोमांस उनकी आत्मा का एक प्रकार का स्वीकारोक्ति है। उनमें से कुछ रूसी प्रकृति और जीवन के चित्र दर्शाते हैं। रोमांस में, ग्लिंका ने अपने पूर्ववर्तियों और समकालीनों - रोजमर्रा के रोमांस के लेखकों द्वारा बनाई गई सभी बेहतरीन चीजों को सामान्यीकृत और विकसित किया। कई प्रसिद्ध रोमांस, उदाहरण के लिए, "मैं यहाँ हूँ, इनज़िला", "मुझे एक अद्भुत क्षण याद है", ए.एस. पुश्किन के छंदों को लिखा गया था। ग्लिंका ने वी। ए। ज़ुकोवस्की, ए। ए। डेलविग और अन्य रूसी कवियों के काम की ओर भी रुख किया। तत्कालीन लोकप्रिय कवि नेस्टर वासिलिविच कुकोलनिक के शब्दों में, संगीतकार ने सेंट पीटर्सबर्ग (1838) के लिए विदाई के बारह रोमांसों का एक चक्र बनाया, साथ ही साथ प्रसिद्ध रोमांस डाउट, जिसे उत्कृष्ट रूसी गायक फ्योडोर इवानोविच चालपिन ने प्रदर्शन करना पसंद किया।

ऑर्केस्ट्रा के लिए, ग्लिंका ने एक निजी सिम्फोनिक फंतासी ओवरचर लिखा। इस शैली में उनकी सर्वश्रेष्ठ कृतियाँ "कामारिंस्काया" (1848), "जोटा ऑफ़ आरागॉन" (1845) और "नाइट इन मैड्रिड" (1851) हैं। रूसी संगीतकारों की आम राय के अनुसार, "कामारिंस्काया" ने रूसी सिम्फोनिक संगीत की नींव रखी। "स्पैनिश" का दृश्य "जोटा ऑफ आरागॉन" और "ए नाइट इन मैड्रिड" ग्लिंका के स्पेनिश संगीत के स्वर और शैली में महारत हासिल करने का एक शानदार उदाहरण है। ऑर्केस्ट्रा "वाल्ट्ज फंतासी" (1856) के टुकड़े ने पी। आई। त्चिकोवस्की द्वारा सिम्फोनिक वाल्ट्ज की उपस्थिति तैयार की।

मिखाइल इवानोविच ग्लिंका के काम के लिए धन्यवाद, रूसी संगीत विद्यालय ने यूरोप में मान्यता प्राप्त की है। संगीतकारों की बाद की पीढ़ियों, और बस संगीत प्रेमियों ने हमेशा रूस की संस्कृति में मास्टर के योगदान की बहुत सराहना की है।

अलेक्जेंडर सर्गेइविच डार्गोमेज़्स्की (1813-1869)

Dargomyzhsky एक युवा समकालीन और ग्लिंका का अनुयायी है। उन्होंने रूसी संगीत के इतिहास में "संगीत सत्य के महान शिक्षक", एक साहसी नवप्रवर्तनक के रूप में प्रवेश किया।

1930 और 1940 के दशक के दौरान Dargomyzhsky के विचारों ने आकार लिया। XIX सदी, रूसी संस्कृति के तेजी से विकास का समय। उन्होंने रूसी कला में उन्नत, प्रगतिशील हर चीज का संवेदनशील रूप से जवाब दिया। अपने काम में वह रूस के लोकतांत्रिक लेखकों और कलाकारों के करीब थे। Dargomyzhsky के मुखर संगीत और पुश्किन, गोगोल और लेर्मोंटोव के बीच संबंध विशेष रूप से करीब हैं। यह कोई संयोग नहीं है कि डार्गोमीज़्स्की की सर्वश्रेष्ठ रचनाएँ पुश्किन और लेर्मोंटोव के छंदों को लिखी गई थीं।

Dargomyzhsky . के काम में केंद्रीय स्थान पर रोमांस और ओपेरा का कब्जा है. संगीतकार ने अपने पूरे जीवन में कक्ष मुखर संगीत की रचना की: उन्होंने सौ से अधिक रोमांस, गीत, मुखर पहनावा लिखे। ये विधाएँ डार्गोमीज़्स्की के लिए एक तरह की रचनात्मक प्रयोगशाला थीं - उनमें उनकी संगीत भाषा का गठन किया गया था। सबसे प्रसिद्ध रोमांस हैं "आई लव यू" (ए.एस. पुश्किन की कविताओं के लिए), "यह उबाऊ और दुखद दोनों है", "मैं दुखी हूं" (मिखाइल यूरीविच लेर्मोंटोव की कविताओं के लिए)। वे सूक्ष्म गीतवाद, एक मनोदशा से प्रभावित हैं अकेलेपन का।

ए.एस. डार्गोमीज़्स्की के काम में मुखर गीतों की एक नई शैली दिखाई दी - व्यंग्य गीत. इस तरह के कार्यों के ज्वलंत उदाहरण "वर्म" और "टाइटुलर एडवाइजर" (दोनों 50 के दशक) गाने हैं। प्राकृतिक भाषण के निकट आवर्तक का उपयोग करते हुए, संगीतकार ने अभिव्यंजक सामाजिक चित्रों को चित्रित किया।

Dargomyzhsky के सर्वश्रेष्ठ कार्यों में शामिल हैं ओपेरा "मरमेड"(1855)। ए एस पुश्किन द्वारा इसी नाम के अधूरे नाटक के पाठ के आधार पर, संगीतकार ने स्वयं लिब्रेटो लिखा था। मत्स्यस्त्री एक मनोवैज्ञानिक रोजमर्रा के संगीत नाटक की प्रकृति में पहला रूसी ओपेरा है। संगीतकार द्वारा निर्धारित मुख्य कार्य पात्रों की आध्यात्मिक दुनिया, उनके अनुभवों और पात्रों को प्रतिबिंबित करना है।

60 के दशक में। Dargomyzhsky को व्यापक सार्वजनिक मान्यता मिली। उनके ओपेरा के प्रीमियर को बड़ी सफलता के साथ आयोजित किया गया था, संगीतकार को रूसी संगीत सोसायटी की सेंट पीटर्सबर्ग शाखा की समिति का सदस्य चुना गया था।

"ताकतवर गुच्छा"

XIX सदी की दूसरी छमाही - सुधार के बाद की अवधि, दासता का उन्मूलन, सार्वजनिक जीवन का उदारीकरण, रूसी समाज में क्रांतिकारी भावना का फूलना। इस चरण को एक अभिन्न और मूल घटना के रूप में कलात्मक संस्कृति के उच्च उत्कर्ष द्वारा चिह्नित किया गया है। यह तब था जब कला में आध्यात्मिक और सौंदर्य मूल्यों की एक निश्चित प्रणाली का गठन किया गया था, जो साहित्य और रंगमंच में, चित्रकला और संगीत में सन्निहित थी।

संगीत कला हमारे समय के ज्वलंत मुद्दों से अलग नहीं रही है। लोकलुभावन पद कई संगीतकारों की विश्वदृष्टि की विशेषता है, जो अपने ऐतिहासिक आध्यात्मिक करतब की विजय में रूसी लोगों की मसीहा भूमिका में विश्वास करते थे। संगीत ने उन वर्षों के रूसी बुद्धिजीवियों की गहन नैतिक खोजों के पूरे स्पेक्ट्रम को प्रतिबिंबित किया, संगीत की छवियों में समय से प्रेरित आदर्शों को मूर्त रूप दिया। कुछ उस्तादों ने रूसी इतिहास, लोक जीवन की शुद्धता को आदर्श बनाया, दूसरों ने लोक नैतिकता के नियमों के आधार पर व्यक्ति के आत्म-सुधार में विश्वास किया, जबकि अन्य ने अपने काम में लोक संस्कृति के एक निश्चित प्रोटोटाइप को शामिल करने की मांग की, जो एक से पैदा हुआ था। सदाबहार स्रोत - आदिम प्रकृति।

रूसी संगीत की शैली की मौलिकता सुधार के बाद के युग की कलात्मक संस्कृति की "साहित्यिक केंद्रवाद" विशेषता के साथ निकटता से जुड़ी हुई है। यथार्थवाद के सौंदर्यशास्त्र द्वारा उत्पन्न, यह शब्द, कलात्मक और पत्रकारिता की प्राथमिकता भूमिका में व्यक्त किया गया था। इस समय संगीत की प्रमुख शैली ओपेरा है - ऐतिहासिक, महाकाव्य, गीतात्मक, नाटकीय। अन्य सिंथेटिक संगीत शैलियों का विकास जारी है - रोमांस, गीत। मुखर संगीत रूसी कविता के "संगीत विश्वकोश" को पूरा करता है, इसे सामाजिक रूप से आरोप लगाने और गीतात्मक-मनोवैज्ञानिक छवियों के साथ समृद्ध करता है।

19वीं शताब्दी का उत्तरार्ध एक साझेदारी के उद्भव का समय है, जिसे आलोचक वी.वी. स्टासोवा, नाम "ताकतवर गुच्छा". इसमें एम.ए. बालाकिरेव, टी.ए. कुई, म.प्र. मुसॉर्स्की, एन.ए. रिमस्की-कोर्साकोव, ए.पी. बोरोडिन।

द माइटी हैंडफुल रूसी कला की एक उत्कृष्ट घटना है। उसने रूस के सांस्कृतिक जीवन के कई क्षेत्रों में गहरी छाप छोड़ी - और न केवल रूस। संगीतकारों की अगली पीढ़ियों में - हमारे समय तक - मुसॉर्स्की, बोरोडिन, रिमस्की-कोर्साकोव, बालाकिरेव के कई प्रत्यक्ष उत्तराधिकारी हैं। उनके विचारों को एकजुट करते हुए उनके प्रगतिशील विचार कई वर्षों तक उन्नत कलाकारों के लिए आदर्श रहे।

"ताकतवर मुट्ठी" का मुखिया और नेता था मिली अलेक्सेविच बालाकिरेव(1836/37-1910)। वह फ्री म्यूजिक स्कूल के संस्थापकों (1862) और नेता (1868-73 और 1881-1908) में से एक हैं। 1867 से 1869 तक वे रशियन म्यूजिकल सोसाइटी के संवाहक थे और 1883 से 1894 तक वे कोर्ट चोइर के प्रबंधक थे। उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाएँ "तीन रूसी गीतों के विषयों पर ओवरचर" (1858), सिम्फोनिक कविताएँ "तमारा" (1882), "रस" (1887), "इन द चेक रिपब्लिक" (1905), पियानो के लिए प्राच्य फंतासी हैं। इस्लामी" (1869), रोमांस, रूसी लोक गीतों की व्यवस्था आदि।

"ताकतवर मुट्ठी" के रचनाकारों में मामूली पेट्रोविच मुसॉर्स्की(1839-1881) संगीत के सबसे प्रमुख प्रवक्ता थे क्रांतिकारी लोकतांत्रिक विचार60 के दशक। जीजी XIX सदी। यह मुसॉर्स्की था, जो पहले कभी नहीं था, संगीत में रूसी लोगों के जीवन की कठोर सच्चाई को प्रकट करने में सक्षम था, महान आरोप शक्ति के साथ, जैसा कि वी.वी. स्टासोव ने कहा, "रूसी लोगों का पूरा महासागर, जीवन, चरित्र , रिश्ते, दुर्भाग्य, असहनीय बोझ, अपमान ”। मुसॉर्स्की जो कुछ भी लिखते हैं: ओपेरा, गीत, गायन, हर जगह वह सामाजिक अन्याय के क्रोधित और भावुक निंदाकर्ता के रूप में कार्य करता है।

1863 में, संगीतकार ने ओपेरा सलामबॉल्ट (फ्रांसीसी लेखक गुस्ताव फ्लेबर्ट द्वारा इसी नाम के उपन्यास पर आधारित) और 1868 में ओपेरा द मैरिज (एन.वी. गोगोल की कॉमेडी के अनछुए पाठ पर आधारित) की रचना शुरू की। दोनों काम अधूरे रह गए, लेकिन ओपेरा बोरिस गोडुनोव (1869) के निर्माण के लिए मुसॉर्स्की को तैयार किया, जो रूसी संगीत में एक महत्वपूर्ण घटना बन गई।

मुसॉर्स्की की प्रतिभा की पूरी ताकत प्रकट हुई थी ओपेरा "बोरिस गोडुनोव"पुश्किन की त्रासदी के बाद। इस त्रासदी में, मुसॉर्स्की को ओपेरा में लोगों की ताकत के जागरण को दिखाने का अवसर मिला, जिसके परिणामस्वरूप खुले असंतोष और अंत में - एक सहज विद्रोह हुआ। ओपेरा का मुख्य विचार आपराधिक ज़ार बोरिस और लोगों के बीच संघर्ष है, जिससे विद्रोह हुआ। संगीतकार का ध्यान मुख्य विचार प्रकट करने पर केंद्रित था: राजा और लोगों का संघर्ष। मुसॉर्स्की के ओपेरा में लोग मुख्य पात्र हैं। बड़े पैमाने पर दृश्यों के महान महत्व के बावजूद, ओपेरा में मुख्य ध्यान पात्रों की आंतरिक दुनिया के लक्षण वर्णन पर दिया जाता है। अग्रभूमि में, निश्चित रूप से, बोरिस की छवि है, जो विस्तारित एकालाप दृश्यों के माध्यम से प्रकट होती है। गायन की तकनीक में शानदार ढंग से महारत हासिल करते हुए, मुसॉर्स्की ने संगीत में नायक के मन की स्थिति को व्यक्त किया - अस्पष्ट चिंता, दुःख और अवसाद, पीड़ादायक विवेक, भय और यहां तक कि मतिभ्रम। ओपेरा में ऑर्केस्ट्रा का हिस्सा बहुत मुश्किल है। वह लचीले ढंग से आवाज का अनुसरण करता है, मुखर भाग में महत्वपूर्ण मनोवैज्ञानिक बारीकियों को जोड़ता है। यह ओपेरा क्रांतिकारी-लोकतांत्रिक मनोदशाओं के करीब है जो 60-70 के दशक में रूसी समाज में थे। XIX सदी।

1872 में, संगीतकार ने ओपेरा "खोवांशीना" पर काम करना शुरू किया, जिसे उन्होंने खुद "लोक संगीत नाटक" कहा। उसी समय, उन्होंने एन.वी. गोगोल के उपन्यास पर आधारित गीत-कॉमेडी ओपेरा "सोरोकिंस्की फेयर" - एक पूरी तरह से अलग योजना का एक काम लिखा (अधूरा रह गया)।

समकालीनों के अनुसार, मुसॉर्स्की एक उत्कृष्ट पियानोवादक थे। अपने पसंदीदा वाद्य यंत्र को श्रद्धांजलि के रूप में, उन्होंने दस टुकड़ों का एक बड़ा पियानो सूट बनाया। "एक प्रदर्शनी में चित्र"(1874)। सुइट की अवधारणा उनके मित्र, कलाकार और वास्तुकार विक्टर अलेक्जेंड्रोविच हार्टमैन द्वारा मरणोपरांत कार्यों की प्रदर्शनी से प्रेरित थी। चक्र एक परिचय के साथ शुरू होता है, जो काम का लेटमोटिफ बन जाता है। लेखक ने इसे संयोग से "चलना" नहीं कहा: यह प्रदर्शनी के हॉल के माध्यम से आगंतुक के आंदोलन को बताता है। इसके बाद अलग-अलग "चित्र" हैं: "ग्नोम", "ओल्ड कैसल", "ट्यूलरीज गार्डन", "मवेशी", "अनछुए चूजों का बैले, आदि। परिचय का संगीत समय-समय पर दोहराया जाता है, और इसके लिए धन्यवाद, चक्र एकता प्राप्त करता है और एक अभिन्न रचना के रूप में माना जाता है।

मुसॉर्स्की प्रसिद्ध गीतों और रोमांस के लेखक हैं। पहला प्रकाशित गीत "तुम कहाँ हो, छोटा सितारा ..." (कवि और अनुवादक निकोलाई पोर्फिरिविच ग्रीकोव के शब्द) ने संगीतकार के मुखर काम में एक गेय विषय को जन्म दिया, जो फंतासी रोमांस "नाइट" में अपने चरम पर पहुंच गया ( ए एस पुश्किन द्वारा गीत)। रूसी पारिवारिक जीवन के मज़ेदार रेखाचित्र "लेकिन अगर मैं आपसे मिल सकता हूँ" (कवि वासिली स्टेपानोविच कुरोच्किन के गीत) और "स्वेतिक सविशना" और "सेमिनेरियन" (संगीतकार के गीत) में प्रस्तुत किए गए हैं।

मुसॉर्स्की वास्तव में एक लोक संगीतकार हैं जिन्होंने अपना सारा काम रूसी लोगों के जीवन, दुखों और आशाओं की कहानी के लिए समर्पित कर दिया। उनका काम तो था मूल और अभिनव, जिसका अभी भी विभिन्न देशों के संगीतकारों पर गहरा प्रभाव है।

अलेक्जेंडर पोर्फिरीविच बोरोडिन (1833-1887) -अद्वितीय संगीतकार। संगीत में, उन्होंने कई मायनों में ग्लिंका की परंपराओं को जारी रखा। अपने संगीत में, बोरोडिन ने रूसी लोगों की महानता और शक्ति, रूसी लोगों के वीर चरित्र लक्षण, राष्ट्रीय महाकाव्य महाकाव्य की राजसी छवियों को मूर्त रूप दिया। और इसके साथ ही, बोरोडिन के काम में गेय, ईमानदार, जुनून और कोमलता से भरे चित्र हैं।

बोरोडिन रूसी के संस्थापकों में से एक है शास्त्रीय सिम्फनी(दूसरा, " बोगातिर्सकाया", 1876, जिसने रूसी सिम्फनी में वीर-महाकाव्य दिशा खोली; सिम्फोनिक चित्र "मध्य एशिया में", 1980), रूसी शास्त्रीय स्ट्रिंग चौकड़ी। मुखर गीत के मास्टर ("दूर की मातृभूमि के तटों के लिए"); वीर महाकाव्य की छवियों को रोमांस में पेश किया, 60 के दशक के मुक्ति विचारों को मूर्त रूप दिया। 19 वी सदी ("स्लीपिंग प्रिंसेस", "सॉन्ग ऑफ द डार्क फॉरेस्ट")।

12वीं शताब्दी के प्राचीन रूसी साहित्य की एक उल्लेखनीय कृति - "द टेल ऑफ़ इगोर के अभियान" - ने बोरोडिन को मोहित कर लिया, उसे मोहित कर लिया और उसे एक ओपेरा बनाने के लिए प्रेरित किया। ले ने पोलोवेट्स के खिलाफ बहादुर राजकुमार इगोर के असफल अभियान के बारे में बताया। लेखक ने राजकुमारों को एकजुट होने का आह्वान किया, और काम के इस देशभक्तिपूर्ण अभिविन्यास में उनकी प्रगतिशील भूमिका थी। इस साजिश पर, बोरोडिन ने अपना भव्य ओपेरा बनाया "प्रिंस इगोर"(रिमस्की-कोर्साकोव द्वारा 1890 में पूरा किया गया)।

प्रिंस इगोर एक प्रस्तावना के साथ 4 कृत्यों में एक गीत-महाकाव्य ओपेरा है। ओपेरा का संगीत काफी हद तक लोक गीतों - रूसी और ओरिएंटल के स्वर पर आधारित है। रूसी और प्राच्य दोनों तरह के लोक दृश्यों को चमकीले रंगों में चित्रित किया गया है। इसमें बोरोडिन ग्लिंका का अनुयायी था, जिसने दुश्मनों के शिविर को चित्रित करने के लिए एक कलात्मक रूप से आश्वस्त चरित्र चित्रण भी पाया।

निकोलाई एंड्रीविच रिमस्की-कोर्साकोव (1844-1908)।द माइटी हैंडफुल के संगीतकारों में, रिमस्की-कोर्साकोव एक विशेष स्थान रखता है। रूसी संगीत में उनका काम फला-फूला कहानी. उनका पूरा जीवन कला के प्रति निस्वार्थ और निस्वार्थ सेवा, उनके आदर्शों के प्रति निष्ठा है।

रिमस्की-कोर्साकोव द्वारा सन्निहित विषयों और भूखंडों की सीमा विस्तृत और विविध है। सभी "कुचकिस्ट" की तरह, संगीतकार ने रूसी इतिहास की ओर रुख किया, लोक जीवन की तस्वीरें, पूर्व की छवियां, उन्होंने रोजमर्रा के नाटक के क्षेत्र और गीतात्मक और मनोवैज्ञानिक क्षेत्र को भी छुआ। लेकिन सबसे बड़ी पूर्णता के साथ, रिमस्की-कोर्साकोव की प्रतिभा कल्पना की दुनिया और रूसी लोक कला के विभिन्न रूपों से संबंधित कार्यों में प्रकट हुई थी। एक परी कथा, एक किंवदंती, एक महाकाव्य, एक मिथक, एक अनुष्ठान न केवल विषय वस्तु को निर्धारित करता है, बल्कि उनके अधिकांश कार्यों का वैचारिक अर्थ भी निर्धारित करता है। लोकगीत शैलियों के दार्शनिक उप-पाठ का खुलासा करते हुए, रिमस्की-कोर्साकोव लोगों के विश्वदृष्टि को प्रकट करते हैं: एक बेहतर जीवन का उनका शाश्वत सपना, खुशी का, उज्ज्वल परी-कथा वाले देशों और शहरों की छवियों में सन्निहित (द स्नो मेडेन में बेरेन्डीवो साम्राज्य, द द टेल ऑफ़ ज़ार साल्टन में लेडेनेट्स शहर); उनके नैतिक और सौंदर्यवादी आदर्श, एक ओर, ओपेरा की मनोरम शुद्ध और कोमल नायिकाओं (काशची द इम्मोर्टल में राजकुमारी) द्वारा, दूसरी ओर, महान गायकों (लेल, सदको) द्वारा, इन प्रतीकों द्वारा सन्निहित अमर लोक कला; जीवन देने वाली शक्ति और प्रकृति की शाश्वत सुंदरता के लिए उनकी प्रशंसा; अंत में, प्रकाश, न्याय और अच्छाई की ताकतों की विजय में लोगों का अविनाशी विश्वास - रिमस्की-कोर्साकोव के काम में निहित आशावाद का स्रोत।

संगीतकार की शैली और कलात्मक पद्धति की ख़ासियत सबसे पूरी तरह से प्रकट हुई थी ओपेरा. रिमस्की-कोर्साकोव के 15 ओपेरा शैली, नाटकीय, रचनात्मक और शैलीगत समाधानों की एक असाधारण विविधता का प्रतिनिधित्व करते हैं। उनमें से ऐसी रचनाएँ हैं जो एक क्रमांकित संरचना ("मई नाइट", "द स्नो मेडेन", "द ज़ार की दुल्हन") और निरंतर विकास ("मोजार्ट और सालियरी", "कशची द इम्मोर्टल", "द लीजेंड ऑफ द लीजेंड) की ओर बढ़ती हैं। पतंग का अदृश्य शहर", "गोल्डन कॉकरेल"); व्यापक भीड़ दृश्यों के साथ ओपेरा (द मेडेन ऑफ प्सकोव, मे नाइट, द स्नो मेडेन, म्लाडा, सैडको, काइटज़) और उनके बिना (मोजार्ट और सालियरी, वेरा श्लोगा, काशी अमर), तैनात पूर्ण पहनावा ("द ज़ार की दुल्हन") के साथ और बिना पहनावा ("मोजार्ट और सालियरी", "द गोल्डन कॉकरेल") प्रत्येक विशिष्ट मामले में (शैली की पसंद, नाटकीय और शैलीगत निर्णयों के सिद्धांत प्लॉट परिसर द्वारा निर्धारित किए जाते हैं। मैंने कभी विश्वास नहीं किया और विश्वास नहीं किया, - रिमस्की-कोर्साकोव पर जोर दिया, - एक ही सच्चे ऑपरेटिव रूप में, यह मानते हुए कि दुनिया में जितनी कहानियां हैं, उतने ही (लगभग कई) संबंधित स्वतंत्र ऑपरेटिव रूप होने चाहिए।. ओपेरा के दृष्टिकोण को मुख्य रूप से एक संगीत कार्य के रूप में स्थापित करते हुए, रिमस्की-कोर्साकोव ने एक ही समय में अपने काव्य आधार, साहित्यिक शैली की एकता और निरंतरता पर उच्च मांग की। उन्होंने लिब्रेटिस्ट के काम को सक्रिय रूप से निर्देशित किया। संगीतकार द्वारा स्वयं कई ओपेरा लिब्रेटोस लिखे गए थे।

रिमस्की-कोर्साकोव का सिम्फोनिक काम ओपेरा की तुलना में इतना बड़ा और विविध नहीं है। हालाँकि, उन्होंने इस क्षेत्र में एक महत्वपूर्ण और मौलिक योगदान भी दिया। संगीतकार की संगीत सोच की आलंकारिक संक्षिप्तता ने कार्यक्रम (मुख्य रूप से चित्रमय, चित्रमय) और शैली (लोक गीत और नृत्य विषयों से जुड़े) सिम्फनीवाद के प्रति उनके झुकाव को निर्धारित किया। इसलिए शैलियों और रूपों की विशिष्ट पसंद - एक ओवरचर (फंतासी), एक सिम्फोनिक चित्र, एक सूट और शैली की एक निश्चित दिशा - भिन्नता की ओर झुकाव, सामग्री के विकास में अलंकरण, सद्भाव की रंगीन संभावनाओं पर विशेष ध्यान और आयोजन

रिमस्की-कोर्साकोव ने लगभग सभी संगीत शैलियों में एक विशाल रचनात्मक विरासत छोड़ी। उनकी रचनाएँ सामग्री में विविध हैं, लेकिन उनकी मुख्य विशेषता लोगों के जीवन और जीवन, उनके विचारों और आकांक्षाओं में गहरी पैठ है।

शानदार प्योत्र इलिच त्चिकोवस्की (1840-1893)

रूसी शास्त्रीय संगीतकारों में, त्चिकोवस्की का नाम सबसे अलग है। यह दुनिया भर के संगीत प्रेमियों को प्रिय है। उनके काम समान रूप से सभी लोगों को आकर्षित करते हैं और उत्साहित करते हैं - पेशेवर संगीतकार और आम जनता। त्चिकोवस्की ने अपना काम मनुष्य को समर्पित किया, मातृभूमि और रूसी प्रकृति के लिए उनका प्यार, खुशी के लिए उनकी आकांक्षाएं, और बुराई की अंधेरे ताकतों के खिलाफ उनके साहसी संघर्ष। संगीतकार के संगीत में - एक व्यक्ति का पूरा जीवन उसके आनंद, दुख, आशा, संघर्ष, निराशा के साथ। और कोई फर्क नहीं पड़ता कि त्चिकोवस्की क्या कहता है, वह हमेशा सच्चा और ईमानदार होता है।

राष्ट्रीय पहचान की प्रकृति के बारे में संगीतकार के अपरंपरागत विचारों के संदर्भ में त्चिकोवस्की के संगीत की शैली विकसित हुई। "राष्ट्रीय" और "लोगों" की व्याख्या में उन्होंने "कुचकवाद" के अनुयायियों की तुलना में एक अलग मार्ग का अनुसरण किया। रूसी लोककथाएं उनके लिए एक सार्वभौमिक स्रोत नहीं थीं, संगीत भाषा का मूल सिद्धांत। सामान्यीकृत, अप्रत्यक्ष लोक-गीत की मदद से, त्चिकोवस्की ने अपनी आधुनिक बहुमुखी प्रतिभा में "रूसीपन", रूस, रूसी वास्तविकता की राष्ट्रीय छवि को मूर्त रूप दिया। इसलिए, संगीतकार ने खुद को संगीत में वास्तविक किसान लोककथाओं की विशिष्ट शैलियों का उपयोग करने का कार्य निर्धारित नहीं किया, बल्कि अपने आसपास के शहरी संगीत जीवन के "इंटोनेशन डिक्शनरी" की ओर रुख किया। आदतन शहरी स्वर, भावनात्मक खुलेपन, ईमानदारी और मधुरता के साथ, त्चिकोवस्की के संगीत को रूस और विदेशों में व्यापक दर्शकों के लिए समझने योग्य और सुलभ बना दिया। यही कारण है कि त्चिकोवस्की के कार्यों ने जल्दी से यूरोपीय लोगों की सहानुभूति जीत ली, दुनिया भर में रूसी संगीत की अंतरराष्ट्रीय मान्यता में योगदान दिया।

त्चिकोवस्की ने लगभग सभी शैलियों में लिखा, और उनमें से प्रत्येक में उन्होंने एक शानदार कलाकार के रूप में अपना नया शब्द कहा। लेकिन शायद उनका पसंदीदा जॉनर था ओपेराइसमें त्चिकोवस्की एक सच्चे सुधारक थे। संगीतकार ने ओपेरा को सबसे लोकतांत्रिक शैली के रूप में देखा। "ओपेरा," उन्होंने लिखा, "और यह केवल ओपेरा है जो आपको लोगों के करीब लाता है, आपके संगीत को वास्तविक दर्शकों से संबंधित बनाता है ..."। ओपेरा एक्शन मजबूत मानवीय भावनाओं और अनुभवों पर आधारित है। त्चिकोवस्की ने अपने ओपेरा की सामग्री पर बहुत ध्यान दिया, हमेशा रूसी जीवन से एक कथानक को वरीयता दी, क्योंकि वह वास्तव में रूसी व्यक्ति को अच्छी तरह से जानता और समझता था।

त्चिकोवस्की की सर्वश्रेष्ठ कृतियों में से एक ओपेरा यूजीन वनगिन।यूजीन वनगिन के कथानक पर आधारित एक ओपेरा लिखने के निर्णय से बहुत पहले, त्चिकोवस्की को पुश्किन की कविताओं से बहुत लगाव था। काव्य उपन्यास में उनके पसंदीदा स्थानों में से एक तात्याना का वनगिन को पत्र था, और संगीतकार ने इन शब्दों के लिए संगीत तैयार करने का सपना देखा था। ओपेरा का पहला प्रदर्शन, संगीतकार के अनुरोध पर, 17 मार्च, 1879 को मॉस्को कंज़र्वेटरी के छात्रों द्वारा एन रुबिनशेटिन के निर्देशन में हुआ।

त्चिकोवस्की ने अपने ओपेरा को "गीतात्मक दृश्य" कहा। संगीतकार ने अपना सारा ध्यान अपने पात्रों की आंतरिक, आध्यात्मिक दुनिया को प्रकट करने पर केंद्रित किया।

ओपेरा "यूजीन वनगिन" रूसी ओपेरा कला की सर्वोच्च उपलब्धियों में से एक है। पुश्किन के उपन्यास की सच्ची छवियों ने "अंतरंग लेकिन शक्तिशाली नाटक" बनाने की समस्या को हल करने में मदद की, जिसके पात्र "वास्तविक जीवित लोग" थे। पात्रों का व्यक्तिगत नाटक रोजमर्रा के दृश्यों की पृष्ठभूमि में सामने आता है। रोज़मर्रा के विविध दृश्य ओपेरा को एक विशेष आकर्षण देते हैं।

"स्वान लेक" की नवीनता - इसकी असामान्यता और इससे पहले की हर चीज से असमानता - अगर इसे तुरंत पूरी तरह से समझा नहीं गया था, तो इसे तुरंत जनता और आलोचना ने नोट किया था, हालांकि कभी-कभी यह प्रबुद्ध संगीत प्रेमियों की घबराहट का कारण बनता था। कुछ ने रचनात्मक कल्पना की गरीबी, विषयों और धुनों की एकरसता और एक निश्चित एकरसता के लिए संगीतकार को फटकार लगाई। दूसरों का मानना था कि संगीत सुंदर था, इसके अलावा, बैले के लिए भी बहुत अच्छा था। फिर भी, मॉस्को बोल्शोई थिएटर (20 फरवरी, 1877) में बैले का प्रीमियर सफल रहा, और प्रदर्शन 1883 तक प्रदर्शनों की सूची में रहा, जब इस उत्पादन के दृश्य अस्त-व्यस्त हो गए।

प्रेस में पहली समीक्षा, जहां एक नए बैले के निर्माण की सराहना की गई, जी.ए. लारोचे: "संगीत के संदर्भ में, स्वान लेक सबसे अच्छा बैले है जिसे मैंने कभी सुना है ... धुन, एक और अधिक प्लास्टिक, मधुर और अधिक रोमांचक, एक कॉर्नुकोपिया से डालना; वाल्ट्ज की लय, जो नृत्य संख्याओं के बीच प्रचलित है, इस तरह के सुंदर और मनोरम चित्रों में सन्निहित है कि एक प्रतिभाशाली और बहुमुखी संगीतकार की मधुर छवि कभी भी अधिक शानदार परीक्षा में नहीं टिकी है ... "

इसी समय, त्चिकोवस्की के काम में सिम्फोनिक संगीत भी एक महत्वपूर्ण स्थान रखता है। उन्होंने 6 सिम्फनी और कार्यक्रम सिम्फनी "मैनफ्रेड", पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए तीन संगीत कार्यक्रम, वायलिन के लिए एक और कई आर्केस्ट्रा सूट लिखे। सिम्फोनिक एकल-आंदोलन के टुकड़ों में से, फंतासी "फ्रांसेस्का दा रिमिनी" और शेक्सपियर के भूखंडों पर आधारित कार्यक्रम के टुकड़े (ओवरचर-फंतासी "रोमियो एंड जूलियट", फंतासी "द टेम्पेस्ट") बाहर खड़े हैं।

संगीतकार के रचनात्मक हितों की सीमा असामान्य रूप से विस्तृत है। उनकी विरासत में दस ओपेरा (यूजीन वनगिन, ओन्डाइन, द ब्लैकस्मिथ वकुला, द क्वीन ऑफ स्पेड्स, आदि), तीन बैले (स्वान लेक, स्लीपिंग ब्यूटी, द नटक्रैकर), सात सिम्फनी, दस से अधिक आर्केस्ट्रा रचनाएं, वाद्य संगीत कार्यक्रम, कोरल शामिल हैं। और पियानो संगीत, कक्ष और मुखर कार्य। हर क्षेत्र में, त्चिकोवस्की एक प्रर्वतक थे, हालांकि उन्होंने कभी भी सुधारवाद की आकांक्षा नहीं की। पारंपरिक शैलियों का उपयोग करते हुए, संगीतकार को उन्हें अद्यतन करने के अवसर मिले।

त्चिकोवस्की ने लिखा, "मैं अपनी आत्मा की पूरी ताकत के साथ कामना करता हूं," कि मेरा संगीत फैल जाए, जो लोग इसे पसंद करते हैं, आराम और समर्थन पाते हैं, उनकी संख्या में वृद्धि होगी।. संगीतकार की इच्छा पूरी हुई।

त्चिकोवस्की का काम 19 वीं शताब्दी की विश्व संगीत संस्कृति का शिखर है, एक सदाबहार और अनमोल वसंत जिससे 20 वीं शताब्दी के संगीतकार और हमारे समकालीन कभी भी प्रेरणा लेना बंद नहीं करते हैं।

निष्कर्ष

19वीं शताब्दी ने रूसी और विश्व संगीत को उल्लेखनीय रचनाएँ दीं। "रुस्लान और ल्यूडमिला" और "इवान सुसैनिन", "यूजीन वनगिन" और "स्वान लेक" रूसी संस्कृति का गौरव हैं। रूसी संगीत के सुनहरे कोष में बोरोडिन के काम, बालाकिरेव के रोमांस, रिम्स्की-कोर्साकोव, बोरोडिन, कुई शामिल हैं।

रूसी संगीतकार विदेश यात्रा करने लगे। वहां उन्होंने संगीत कला के प्रमुख उस्तादों के साथ संवाद किया, और सबसे महत्वपूर्ण बात - एक यूरोपीय संगीत शिक्षा प्राप्त की। रूस ने यूरोप में एक पारस्परिक रुचि जगाई, और एक सदी के दौरान, कई उत्कृष्ट संगीतकारों ने मास्को और सेंट पीटर्सबर्ग का दौरा किया। यूरोपीय संस्कृति के परिचय ने न केवल रूसी संगीतकारों और कलाकारों के बौद्धिक और पेशेवर स्तर को बढ़ाया, बल्कि उन्हें राष्ट्रीय संगीत की परंपराओं को बेहतर ढंग से समझने, खुद को बेहतर तरीके से जानने में भी मदद की।

इन दिनों अमेरिका में सबसे प्रिय रूसी संगीतकार कौन है? बेशक, त्चिकोवस्की। कई अमेरिकी प्योत्र इलिच को एक अमेरिकी संगीतकार भी मानते हैं। उन्होंने अमेरिका में अपनी रचनाओं का संचालन किया जब उन्हें न्यूयॉर्क में प्रसिद्ध कार्नेगी हॉल के उद्घाटन के लिए आमंत्रित किया गया। उनका संगीत अमेरिका में रेडियो पर लगभग प्रतिदिन सुना जाता है, विशेष रूप से चौथी और छठी सिम्फनी और पहला पियानो संगीत कार्यक्रम। द नटक्रैकर अमेरिका का पसंदीदा बैले है।

शास्त्रीय संगीतकारों ग्लिंका, डार्गोमीज़्स्की, बोरोडिन, रिम्स्की-कोर्साकोव, त्चिकोवस्की का काम 19 वीं शताब्दी की रूसी संस्कृति का एक सच्चा खजाना है। उनकी परंपराओं को 19 वीं और 20 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के संगीतकारों के कार्यों में लागू और विकसित किया गया था - तन्यव और ग्लेज़ुनोव, ल्याडोव और एरेन्स्की, कालिनिकोव, स्क्रिपिन और राचमानिनोव। ये सभी अपने महान पूर्ववर्तियों के योग्य उत्तराधिकारी हैं।

अपने टर्म पेपर में, मैंने 19वीं शताब्दी में रूस के संगीत विकास को दिखाया, संगीत संस्कृति की स्थिति का विश्लेषण किया, इसकी विशेषताओं की पहचान की, इस शताब्दी के संगीतकारों और उनके कार्यों के बारे में बात की, और 19वीं शताब्दी के रूसी संगीत के महत्व को भी प्रकट किया। विश्व संस्कृति के लिए सदी।

19 वीं शताब्दी की रूसी संगीत संस्कृति, यूरोपीय संस्कृति के साथ विलय के माध्यम से, अपने परिवर्तन के माध्यम से, मूल विशेष विशेषताओं को प्राप्त कर लिया और बदले में, इस पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव डालना शुरू कर दिया, जो आज तक विकसित हो रहा है।

ग्रन्थसूची

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www.rimskykorsakov.ru

अनुलग्नक 1

गुरिलेव, वरलामोव, एलियाबिएव, वेरस्टोवस्की

फेडर इवानोविच ग्लिंका

भोर में पोशाक डिजाइन। ओपेरा "रुस्लान और ल्यूडमिला"

अनुलग्नक 2

पीटर इलिच त्चिकोवस्की

बोल्शोई थिएटर के अभिनेताओं की भागीदारी के साथ बैले "द नटक्रैकर"

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ऐतिहासिक विकास की विशेषताएं

17 वीं शताब्दी रूसी राज्य के इतिहास के विकास में सबसे महत्वपूर्ण चरणों में से एक है। 17वीं शताब्दी में रूसी सामाजिक जीवन और संस्कृति में बड़े परिवर्तन और परिवर्तन हुए हैं। ये परिवर्तन मध्ययुगीन रूस के विकास के अंत और पश्चिमी यूरोपीय संस्कृति से जुड़े एक नए युग की शुरुआत के कारण थे, जिसके कारण दो अलग-अलग विचारधाराओं और बाद के संघर्षों का टकराव हुआ। इन परिवर्तनों ने 17वीं शताब्दी में संस्कृति और कला सहित रूसी जीवन के सभी पहलुओं को प्रभावित किया। XVII सदी में रूसी संस्कृति के विकास का मार्ग। पश्चिमी यूरोप के साथ पार किया। रूसी कला में, जो 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध तक पूरे मध्य युग में अलगाव में विकसित हुई, पश्चिमी यूरोपीय कला के नए रूप दिखाई दिए। रूसी जीवन का तरीका धीरे-धीरे बदल रहा है।

XVII सदी में ऐतिहासिक विकास की प्रक्रियाएं। सामाजिक संघर्षों की विशेषता। XVII सदी के मध्य में। रूसी राज्य मजबूत हो रहा है और विस्तार कर रहा है, लेकिन साथ ही, किसानों की दासता धीरे-धीरे हो रही है, जिसके परिणामस्वरूप गंभीर रूप से स्थापित किया जा रहा है, जो कई वर्षों से रूसी किसानों पर भारी बोझ डालता है। इससे असंतोष, दंगे, किसान युद्ध हुए।

सत्रवहीं शताब्दी रूसी इतिहास के सबसे नाटकीय पन्नों में से एक बन गया। इसकी शुरुआत प्रतिकूल विदेश नीति की घटनाओं के साथ हुई थी 1 - "परेशानियों का समय" - कठिन समय के वर्ष, जो निरंतर युद्धों के साथ थे जिसने देश को बर्बाद कर दिया। अकाल और फसल की विफलता, आंतरिक विरोधाभास, शहरी निचले वर्गों के विद्रोह, इवान बोलोटनिकोव (1606) के नेतृत्व में किसान युद्ध, पोलिश हस्तक्षेप के खिलाफ संघर्ष सदी की शुरुआत में स्थिति की विशेषता है।

17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से कोई कम नाटकीय घटनाएँ जुड़ी नहीं हैं, जो रूसी चर्च के विभाजन और पुराने विश्वासियों के आंदोलन, स्टीफन रज़िन के नेतृत्व में किसान युद्ध और धनुर्धारियों के दंगों द्वारा चिह्नित हैं।

पीटर I के सुधारों ने रूसी जीवन के सामान्य तरीके में सबसे बड़ा बदलाव लाया। सफल युद्धों ने रूसी राज्य को मजबूत किया, रूसी लोगों की राष्ट्रीय आत्म-चेतना के उदय में योगदान दिया और 17 वीं शताब्दी के मध्य में नेतृत्व किया। रूस की शक्ति को मजबूत करने के लिए। इस समय, यूक्रेन, वोल्गा क्षेत्र, साइबेरिया का एक महत्वपूर्ण हिस्सा और सुदूर पूर्व रूस का हिस्सा बन गया। XVII सदी की कई घटनाएं। लोक कला में प्रतिबिंब पाया गया, ऐतिहासिक गीतों में - फ्रीमैन के गीत, किसान नेता स्टीफन रज़िन की याद में बनाए गए, यरमक, ग्रिश्का ओट्रेपिएव और मारे गए त्सरेविच दिमित्री के बारे में कई गीत थे, पीटर I के बारे में।

रूस, 17वीं सदी लंबे युद्धों, तबाही और गंभीर राज्य परिवर्तनों का अनुभव किया। इस समय हर तरफ कुछ इसी तरह की स्थिति सामने आ रही है। 17वीं शताब्दी में प्रति-सुधार के खिलाफ संघर्ष है, कई यूरोपीय देशों में, राष्ट्रीय मुक्ति के संघर्ष में, एक लोकप्रिय आंदोलन बढ़ रहा है। इसने यूक्रेन में एक विशेष दायरा हासिल कर लिया, जिसकी परिणति 1654 में रूस के साथ यूक्रेन के पुनर्मिलन में हुई।

17वीं सदी में संगीतमय जीवन

इस समय का संगीतमय जीवन बहुआयामी और विरोधाभासी है। यह नई और पुरानी घटनाओं, मध्ययुगीन हठधर्मी विचारों - नए यूरोपीय लोगों के साथ परस्पर जुड़ता है और लड़ता है। इसलिए, 1648 में, ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच ने भैंसों के निष्कासन और यहां तक \u200b\u200bकि उनके संगीत वाद्ययंत्रों के विनाश पर एक फरमान जारी किया: "रक्त वाहिकाओं को जलाओ!" (राजकुमारों ने गहरे मध्य युग में भी इस तरह के निर्देश नहीं दिए थे।) लेकिन जल्द ही, उसी एलेक्सी मिखाइलोविच के कहने पर, मॉस्को में पहला कोर्ट थिएटर खोला गया, जो चार साल (1672-1676) तक चला।

संगीत वाद्ययंत्र पश्चिम से रूस लाए जाते हैं। पहले से ही न केवल अदालत में, बल्कि बॉयर्स भी "जर्मन तरीके से" संगीत शुरू कर रहे हैं, प्रबुद्ध पश्चिमी लोगों के पास एक अंग, क्लैविचर्ड, बांसुरी, सेलोस है। 17वीं शताब्दी में मस्कोवाइट रूस में, घरेलू संगीत-निर्माण के गैर-पंथ रूपों का विकास शुरू हुआ - स्तोत्र और मंत्र।

17वीं शताब्दी की शुरुआत से रूसी मंत्रों की रचनात्मकता सक्रिय है, कई लेखक के मंत्र, स्थानीय परंपरा के मंत्र दिखाई देते हैं, उत्तरी धुन फैलती है: सोलोवेटस्की, तिखविन, नोवगोरोड, उसोल्स्की और दक्षिणी - कीव, बल्गेरियाई, ग्रीक। XVII सदी में और विकास। ज़्नेमेनी नोटेशन के सिद्धांत का पता लगाता है, जिसके कारण पहले इवान शायदुर और फिर अलेक्जेंडर मेज़नेट्स द्वारा सुधार किए गए। उन दोनों ने संकेतों के पिच स्तर को स्पष्ट करने पर काम किया: शैदुर ने सिनेबार के निशान, मेज़नेट्स - संकेत पेश किए, जिससे हमारे समय में ज़्नेमेनी संकेतन को समझना संभव हो गया।

17 वीं शताब्दी का संगीत इतिहास। दो हिस्सों में बांटा गया है; पहला अभी भी मध्य युग की परंपराओं से जुड़ा हुआ है, लेकिन इस समय ऐसे तत्वों को पेश किया जा रहा है जो उस समय की नई भावना के अनुरूप हैं। XVII सदी के उत्तरार्ध से। (1652 में मास्को में यूक्रेनी गायकों के आगमन के साथ) रूसी संगीत के विकास में एक नया चरण शुरू होता है, जो हार्मोनिक यूरोपीय प्रकार के पांच-रेखीय (कीव) संकेतन और पॉलीफोनी की उपस्थिति से चिह्नित होता है।

XVII सदी के उत्तरार्ध में। रूसी संगीतकार पश्चिमी यूरोपीय संगीत संस्कृति से परिचित होते हैं, इसके सिद्धांत और व्यवहार, रचना तकनीक, नई संगीत शैलियों के साथ। गरमागरम बहसों में कला का एक नया सौंदर्यशास्त्र बन रहा है। पुरानी और नई कला के अनुयायियों के विवादास्पद ग्रंथ पैदा होते हैं।

चर्च संगीत के ढांचे के भीतर एक नई शैली का गठन हुआ। उनकी स्वीकृति सीधे पैट्रिआर्क निकॉन के सुधारों से संबंधित थी। नई पश्चिमी शैली की कला पुराने संस्कारों के अनुयायियों के लिए एक विदेशी, विदेशी संस्कृति थी; इसने प्राचीन पुराने रूसी सिद्धांत का खंडन किया।

17वीं शताब्दी एक महत्वपूर्ण मोड़ है; सभी महत्वपूर्ण युगों की तरह, यह संघर्ष है। 17वीं शताब्दी में कला का नया सौंदर्यशास्त्र। पुराने के विपरीत। यह संघर्ष कला और यहां तक कि भाषा में भी व्यक्त किया गया है। धर्मशास्त्रीय, भाषाई, भाषाई समस्याएं - पैट्रिआर्क निकॉन के तहत बनाई गई पवित्र पुस्तकों के नए अनुवादों पर विवाद - पुराने (पुराने विश्वासियों, पुराने विश्वासियों) और नए संस्कार के समर्थकों के बीच संघर्ष के केंद्र में थे। वे पुरानी और नई कला के टकराव के कारण हुए संघर्ष में शामिल हो गए। पुराने संस्कार के पैरोकार, जिन्होंने पुराने आदर्शों की पुष्टि की, ने आंशिक संगीत में वैचारिक दुश्मन - कैथोलिकवाद - कैथोलिक प्रभाव 2 का विस्तार देखा। नई कला के समर्थक एक नए सौंदर्य मानक पर जोर देते हैं। 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध के रूसी संगीतकारों के लिए पश्चिमी कला भी एक संदर्भ बिंदु बन रही है। पश्चिम को अलग-अलग तरीकों से माना जाने लगता है: नई कला के चैंपियन (एन। डिलेट्स्की, आई। कोरेनेव, एस। पोलोत्स्की, आई। व्लादिमीरोव) के लिए, पश्चिमी संस्कृति एक मानक बन जाती है। वे सर्वोत्तम पश्चिमी नमूनों का उपयोग करने, दोहराने, कॉपी करने का प्रयास करते हैं। पुरानी संस्कृति के समर्थकों के लिए, "प्राचीन धर्मपरायणता के उत्साही", पश्चिमी सब कुछ विदेशी है, यह इनकार और अस्वीकृति का विषय बन जाता है (आर्कप्रीस्ट अवाकुम, अलेक्जेंडर मेज़नेट्स, और अन्य)।

पश्चिमी दिशा के संगीतकारों और सिद्धांतकारों के सौंदर्यशास्त्र और विचारों की प्रणाली में, बारोक शैली के सिद्धांत विकसित होते हैं। अपने विरोधियों को अज्ञानता में उजागर करते हुए, ज़्नेमेनी गायन, इसके सिद्धांत और संकेतन को खारिज करते हुए, डिलेट्स्की और कोरेनेव ने एक नया मूल्य अभिविन्यास स्थापित किया। मध्ययुगीन की तुलना में मौलिक रूप से नया संगीत (म्यूसिकिया) की अवधारणा थी, जिसका उपयोग वाद्य और मुखर संगीत दोनों के संबंध में समान रूप से किया जाता था। डिलेट्स्की और कोरेनेव संगीतकारों, विशेष रूप से संगीतकारों को पढ़ाने में अंग का उपयोग करने की आवश्यकता को पहचानते हैं।

इन संस्कृतियों के विरोध और उनके खुले संघर्ष ने एक अपूरणीय संघर्ष का कारण बना, जो जल्द ही पीछा किया। पुराने विश्वासियों में परिलक्षित युग के इस संघर्ष ने 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध की पूरी रूसी संस्कृति को हिला दिया। इसमें जो अंतर आया वह संगीत के साथ-साथ साहित्य, ललित कला, पूजा-पाठ और जीवन शैली में भी प्रकट हुआ।

नया संगीत एक नई धार्मिक चेतना का प्रतीक था, लेकिन संघर्ष न केवल विचारधारा, धार्मिक विवादों के क्षेत्र में हुआ, यह कलात्मक रचनात्मकता में, संगीत विवाद में निष्पक्ष रूप से व्यक्त किया गया था। पार्टेस संगीत पश्चिमी, कैथोलिक संस्कृति से जुड़ा था। "मास्को में, वे गीत गाते हैं, न कि दिव्य गायन, लैटिन में, और उनके कानून और नियम लैटिन हैं: वे अपने हाथों को लहराते हैं और अपने सिर हिलाते हैं, और अपने पैरों को रौंदते हैं, जैसा कि अंगों पर लैटिन के साथ प्रथागत है" 3 , - इस तरह से आर्चप्रिस्ट अवाकुम ने लैटिन, पश्चिमी शैली के नए गायन की निंदा की, जो 17 वीं शताब्दी के मॉस्को चर्चों में फैल गया था। "सुनने के लिए कुछ नहीं है - भैंस के नर्तक लैटिन में गाते हैं," वह शिकायत करता है 4।

पुराने समय की संस्कृति को संरक्षित और संरक्षित करने की इच्छा आम तौर पर 17 वीं शताब्दी के कई आंकड़ों की विशेषता है, जो रूढ़िवादी प्रवृत्तियों का पालन करते थे। डी। एस। लिकचेव इस तरह की "बहाली" गतिविधि को नए समय का संकेत मानते हैं। इस प्रकार की "पुनर्स्थापना" परिघटना में एबीसी में ज़्नेमेनी संकेतन के संकेतों का एक नया व्यवस्थितकरण भी शामिल है। उदाहरण के लिए, एल्डर मेज़नेट्स द्वारा "सबसे सहमति के निशान की सूचना" में, न केवल अंक पहले से ही पेश किए गए हैं, बल्कि संकेत भी हैं जो हुक के पढ़ने को सरल बनाते हैं। "भाषण के लिए" पुस्तकों और गायन ग्रंथों का सुधार और पॉलीफोनी के खिलाफ लड़ाई भी उसी प्रकार की घटना से संबंधित है।

XVII सदी की रूसी कला के विकास की विशेषताएं। और संस्कृति के संवादात्मक विकास में निहित है। पुराना, बिना मरे, नए के साथ सहअस्तित्व में है। कलात्मक और ऐतिहासिक प्रक्रियाओं के स्थिरीकरण के साथ, यह भविष्य में दो रास्तों के साथ विकसित होना जारी है: एक पश्चिमी यूरोपीय संस्कृति के साथ व्यापक संपर्कों का मार्ग है, जो यूरोपीय कला शैलियों के विकास के साथ समकालिक रूप से चल रहा है, दूसरा संरक्षण का मार्ग है पुराने विश्वासियों के समुदायों में प्राचीन परंपरा, जिन्होंने तीन शताब्दियों में अपनी कला और पुरानी परंपराओं को बाहरी प्रभावों से बचाया। इस समय, उन्होंने खुद को एक असाधारण स्थिति में पाया, पुरानी आस्था और पुरानी संस्कृति के वाहक होने के नाते, तेजी से विकसित हो रही नई कला से घिरे, वे पुरातनता के संरक्षक थे।

17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में स्थिति। XI सदी की स्थिति के करीब। साथ ही कीवन रस X-XI सदियों में। XVII सदी में दो अलग-अलग संस्कृतियों - बुतपरस्त और बीजान्टिन का टकराव हुआ। पुरानी रूसी मध्ययुगीन संस्कृति पश्चिमी यूरोपीय के साथ टकराती है। 17वीं शताब्दी में इन दो संस्कृतियों के अंतर्विरोध उजागर हो रहे हैं, एक विरोध है - "पुराना" और "नया"। प्राचीन विहित मध्ययुगीन संगीत परंपरा, सदियों से धन्य, "पुरानी" से जुड़ी हुई है, और बैरोक शैली, पश्चिमी प्रकार की पार्टिक पॉलीफोनी "नई" के साथ जुड़ी हुई है। पुराने मोनोडिक, ज़्नामनी गायन, प्राचीन आइकन पेंटिंग की तरह - जैसे कि सपाट, एक-आयामी, बैरोक की विशाल, पॉलीफोनिक कला के विरोध में था। यह अंतरिक्ष की एक नई भावना पैदा करता है। इसकी बनावट, रसीला, बहुस्तरीय, हवादार, सभी प्रकार की बारोक कला की विशिष्ट गति की भावना व्यक्त करती है।

XVII सदी में सभी उथल-पुथल और परिवर्तनों के प्रभाव में। मध्ययुगीन विश्वदृष्टि की नींव ढीली पड़ने लगती है। पुरानी और नई कला के समर्थकों के बीच विवाद में धीरे-धीरे एक नया सौंदर्य बनता जा रहा है। विश्वदृष्टि में एक गंभीर पुनर्गठन के कारण एक तीव्र संघर्ष में एक शैलीगत दिशा को दूसरे द्वारा प्रतिस्थापित किया गया। मध्य युग की कला से बारोक की कला में संक्रमण धर्मनिरपेक्ष शुरुआत की मजबूती, नई संगीत शैलियों और रूपों के सक्रिय विकास और एक नए प्रकार की संगीत सोच से जुड़ा था।

बैरोक युग (17 वीं शताब्दी के मध्य से 18 वीं शताब्दी के मध्य तक) में रूसी पॉलीफोनिक संगीत के विकास का मार्ग अपनी गति में हड़ताली है। पश्चिमी कला 700 वर्षों में क्या बीत चुकी है, रूस सौ में महारत हासिल करता है। रूस में, पश्चिमी यूरोपीय बारोक की परंपराओं को तुरंत स्थापित किया जाता है, लेकिन रूसी संस्करण में। युवा, ऊर्जावान, ताजा बारोक कला अपनी सुंदरता, समृद्धि, रंगों की परिपूर्णता से मंत्रमुग्ध कर देती है। पहले यूक्रेन में और फिर मस्कोवाइट रूस में बहु-गाना बजानेवालों के संगीत कार्यक्रम, अभूतपूर्व भव्यता के साथ श्रोताओं को चकित करते थे।

17वीं सदी के अंत की बारोक कला - 18वीं सदी की पहली छमाही। पार्टसनी कॉन्सर्ट (लैटिन पार्टिस - पार्टी से) की उपस्थिति के साथ जुड़ा हुआ है, इसलिए इसका नाम इसलिए रखा गया है, क्योंकि एकसमान रूसी गायन के विपरीत, उन्हें भागों में गाया जाता था। रूस में बैरोक युग पॉलीफोनी के उत्कर्ष से जुड़ा था। लगभग 700 वर्षों तक चले मोनोडी के इतने लंबे शासन के बाद, पॉलीफोनी के वर्चस्व की अवधि शुरू होती है। 4, 8, 12 - 48 आवाज़ों के लिए पार्टसनी पॉलीफोनिक रचनाएँ बनाई जाती हैं, और 12 आवाज़ों के लिए काम करना आदर्श बन जाता है। हार्मोनिक और पॉलीफोनिक लेखन की तकनीक विकसित की जाती है। XVII सदी के मध्य से। बैरोक युग के अनुरूप गायन की एक नई शैली की पुष्टि की जा रही है, जिसने प्राचीन मंत्रों, लेखक की रचनाओं, मंत्रों, भजनों और संगीत कार्यक्रमों के पक्षपातपूर्ण सामंजस्य में अपना अवतार पाया है।

कॉन्सर्ट गायन, यूक्रेन से मास्को रूस लाया गया, यूरोपीय संस्कृति का एक उत्पाद था। जर्मनी और इटली से, पोलैंड के माध्यम से, यह यूक्रेन और फिर मास्को में प्रवेश करता है। 17वीं शताब्दी में उस अवधि के लिए ऐसा मार्ग स्वाभाविक था, जब कला में कई पश्चिमी प्रभाव मुख्य रूप से पोलैंड से यूक्रेन के माध्यम से रूस में आए।

मस्कोवाइट रूस में दक्षिण-पश्चिमी प्रभाव

XVII सदी के मध्य में। पश्चिमी यूरोप 6 के साथ रूस के प्रत्यक्ष संबंध काफी मजबूत हुए हैं, लेकिन यूक्रेनी-बेलारूसी ज्ञानोदय का प्रभाव, जो यूक्रेन के रूस में विलय (1654 में) के बाद से बढ़ गया है, उस समय विशेष रूप से महत्वपूर्ण निकला। रूस के साथ यूक्रेन के एकीकरण ने रूसी संस्कृति के परिवर्तन में योगदान दिया। राष्ट्रमंडल का हिस्सा होने के नाते, यूक्रेन ने कैथोलिक पोलिश संस्कृति की कई विशेषताओं में महारत हासिल की है। XVII सदी की शुरुआत में। यूक्रेन में, पोलिश संस्कृति के प्रभाव में, कलात्मक सोच के नए रूप बन रहे हैं, जो सीधे पश्चिमी यूरोपीय प्रभाव, विशेष रूप से इतालवी से संबंधित हैं। 17 वीं शताब्दी के मध्य से यूक्रेनी संगीतकारों के माध्यम से पोलिश संस्कृति। मस्कोवाइट रूस की संस्कृति को सक्रिय रूप से प्रभावित करना शुरू कर देता है।

XVII सदी के मध्य में। यूक्रेनी और बेलारूसी वैज्ञानिक, गायक, शास्त्री मास्को चले गए। उनमें यूक्रेनी भाषाशास्त्री, अनुवादक, शिक्षक, शब्दकोशों के लेखक एपिफेनियस स्लाविनेत्स्की, बेलारूसी कवि और नाटककार शिमोन पोलोत्स्की थे, जिन्होंने शाही बच्चों के शिक्षक होने के नाते मास्को दरबार में एक प्रमुख स्थान पर कब्जा कर लिया था।

इन शिक्षकों की गतिविधियों के लिए धन्यवाद, नए शैक्षणिक संस्थान खोले जा रहे हैं - स्कूल, कॉलेज 7. इन संस्थानों में से एक स्लाव-ग्रीक-लैटिन अकादमी (1687) थी, जो एक उच्च शिक्षण संस्थान के रूप में कार्य करती थी, जिसमें भाषाशास्त्र, भाषा और कविता पर बहुत ध्यान दिया जाता था। पैट्रिआर्क निकॉन द्वारा स्थापित पुनरुत्थान न्यू जेरूसलम मठ सबसे बड़ा सांस्कृतिक केंद्र था। जैसा कि यू वी केल्डीश ने नोट किया, इस मठ की भूमिका बहुत महत्वपूर्ण थी, यहां "कविता और चर्च गायन के क्षेत्र में नए रुझान, नई संगीत और काव्य शैलियों का जन्म हुआ और समर्थन मिला" 8।

यूक्रेन में गायन को हमेशा मुख्य स्थान दिया गया है। स्वभाव से, XVI-XVII सदियों में बहुत संगीतमय, यूक्रेनी लोग। अपने गायन व्यवसाय में तेजी से सुधार हुआ, जिसे रूढ़िवादी और कैथोलिक धर्म के बीच संघर्ष से मदद मिली। यूक्रेनी संगीत पोलिश संगीत संस्कृति से बहुत प्रभावित हुआ है। 1596 के संघ 9 ने लैटिन गायन के लिए क्लिरोस तक पहुंचना आसान बना दिया। यह यूक्रेन के दक्षिण-पश्चिमी भाग में विशेष रूप से सच था, जहां पोलैंड के राजनीतिक प्रभुत्व, रोम पर यूनीएट्स की धार्मिक निर्भरता और पोलैंड के साथ सांस्कृतिक संबंधों ने पश्चिमी यूरोपीय संगीत के प्रसार के लिए एक मार्ग प्रदान किया।

पोलिश प्रभाव के प्रवेश को कई दक्षिण रूसी ब्रदरहुडों द्वारा बहुत सुविधाजनक बनाया गया था, जो कैथोलिक प्रभाव और आपस में प्रतिस्पर्धा करते थे। पोलिश कैथोलिक प्रभाव के खिलाफ संघर्ष ने यूक्रेनी गायकों को नया गायन सीखने और अपने विरोधियों के हथियारों का इस्तेमाल करने के लिए मजबूर किया। उदाहरण के लिए, यह ज्ञात है कि XVI सदी के मध्य में लविवि ब्रदरहुड। ग्रीक और सर्बियाई मंत्र सीखने के लिए क्लर्कों को मोल्दोवा भेजा, और गैलिशियन शहरों ने रोमानिया में चर्च गायन का अध्ययन करने के लिए क्लर्क भेजे।

पॉलीफोनिक "अंग-आवाज", अर्थात्, एक अंग की आवाज़ की नकल करते हुए, गायन को रूस में "लैटिन पाषंड" के रूप में माना जाता था, एक प्रलोभन 10 । पूर्व आध्यात्मिक छंदों के बजाय, अक्सर पोलिश में भजन और कैन गाए जाते थे। प्रदर्शन सौंदर्यशास्त्र बदल गया है। ज़्नेमेनी मंत्र की कठोर संयमित धुनों को अभिव्यंजक "मीठी-ध्वनि" धुनों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था। 1654-1656 में यूक्रेन और मॉस्को का दौरा करने वाले अरब लेखक पावेल एलेप्स्की ने यूक्रेनी और मॉस्को गायन की शैली में सबसे अच्छा अंतर दिखाया: एक मुंह; वे संगीत गायन, कोमल मधुर धुनों से प्यार करते हैं। मॉस्को के "इरमोलॉय" में - एकसमान गायन, पी। एलेप्स्की कम पुरुष आवाज़ों के लिए रूसियों की प्रवृत्ति से हैरान थे: "उनकी सबसे अच्छी आवाज़ खुरदरी, मोटी, बासी है, जो श्रोता को आनंद नहीं देती है। जैसा कि हम इसे मानते हैं। एक नुकसान है, इसलिए वे हमारे उच्च हैं, धुन को अशोभनीय माना जाता है। वे अपनी धुनों के लिए कोसैक्स का मजाक उड़ाते हुए कहते हैं कि ये फ्रैंक और डंडे की धुन हैं" 11।

17 वीं शताब्दी में यूक्रेन में। अभिव्यंजक गायन का एक नया तरीका आकार ले रहा है, नए प्रकार के मोनोडिक मंत्रों का निर्माण किया जा रहा है। 17 वीं शताब्दी की यूक्रेनी गायन पांडुलिपियां। - इरमोलोगियन, स्थानीय मंत्रों के मंत्रों से भरा हुआ। उनके नाम अक्सर यूक्रेन में उनके मूल और वितरण के स्थान से जुड़े होते हैं - वोलिन, ल्विव, ओस्ट्रोह, स्लटस्क, क्रेमेनेट्स, पॉडगॉर्स्की। कभी-कभी उनके मंत्र गायन की स्थानीय मठवासी परंपरा से जुड़े होते हैं, सबसे अधिक बार बड़े मठों के साथ - सुप्रासल, कीव-पेचेर्स्क, मेझीगोर्स्क, कुटिन्स्की। लेकिन सबसे आम, जो मॉस्को में व्यापक रूप से जाना जाने लगा, वे तीन थे - कीव, बल्गेरियाई और ग्रीक। जाहिरा तौर पर उन्हें यूक्रेनी गायकों द्वारा उनके साथ लाया गया था जो 1950 के दशक में मास्को आए थे। XVII सदी, और विशेष रूप से कीव ब्रदरहुड मठ के गायन स्कूल से, जिसके संस्थापक प्रसिद्ध यूक्रेनी शिक्षक और राजनीतिज्ञ लज़ार बरानोविच थे।

कीवन, बल्गेरियाई और ग्रीक मंत्रों को कीवन संकेतन में दर्ज किया गया था, वे परासरण की प्रणाली से जुड़े थे और कुछ सामान्य शैलीगत विशेषताएं थीं जो उन्हें ज़नामेनी मंत्र से अलग करती हैं। ये विभिन्न ग्रंथों के साथ छंद की धुनों के दोहराव पर आधारित ज़ोरदार मंत्र थे। नए मंत्रों में एक कड़ाई से परिभाषित मीटर, लयबद्ध आवधिकता दिखाई दी, जो उन्हें कैंट और स्तोत्र के करीब ले आई, जिसमें यूरोपीय माधुर्य, गीतात्मक गीत और यहां तक कि नृत्य की विशेषताएं थीं। इस प्रकार प्राचीन रूसी गायन संस्कृति का सौंदर्यशास्त्र धीरे-धीरे बदल रहा है। अंतहीन रूप से विकसित होने वाले सख्त ज़नामनी मंत्र के बजाय, जैसे कि मीटर के बिना बढ़ते माधुर्य, मीट्रिक, सरल और अधिक गीत-समान, मधुर, आसानी से याद रखने वाली धुनें आती हैं।

बल्गेरियाई मंत्र के मंत्र उनकी अभिव्यक्ति और मधुरता से प्रतिष्ठित हैं 12 . इसकी लय सममित है, यह आमतौर पर चार-बीट मीटर में फिट होती है, पाठ को मध्यम रूप से गाया जाता है, हालांकि बड़े अंतर-अक्षर मंत्र का सामना अक्सर होता है।

ग्रीक मंत्र 13 को संक्षिप्तता और सरलता की विशेषता है। ग्रीक मंत्र की धुन सुरीले और सुरीले होते हैं, एक सममित लय के साथ। उन्हें विभिन्न पंक्तियों की पुनरावृत्ति के आधार पर संगीत रचनाओं में जोड़ा जाता है:

कीव मंत्र ज़नामेनी मंत्र की एक दक्षिण रूसी शाखा है। यह पाठ के पंक्ति-दर-पंक्ति जप पर आधारित है। कीव मंत्र के माधुर्य में पाठ और मंत्र निर्माण दोनों होते हैं, पाठ के अलग-अलग शब्दों और वाक्यांशों की पुनरावृत्ति अक्सर पाई जाती है, जिसे ज़नामेनी गायन में अनुमति नहीं थी। 17 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से मास्को में कीव मंत्र व्यापक हो गया। कीव मंत्र की दो किस्में ज्ञात हैं - बड़ी और छोटी (बड़े का संक्षिप्त संस्करण)।

कीवन और ग्रीक मंत्र, ज़नेमेनी मंत्रों के साथ, रोज़मर्रा की ज़िंदगी के सबसे महत्वपूर्ण ग्रंथों में, ऑल-नाइट विजिल और लिटुरजी के हर रोज़ भजन गाए गए थे। दक्षिण रूसी इरमोलोगियन में उनमें से कई हैं। 17वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में पार्श्व गायन की शुरुआत के साथ। कीवन, बल्गेरियाई और ग्रीक मंत्रों के आंशिक पॉलीफोनिक सामंजस्य दिखाई दिए।