Diccionario musical en cuentos. Vocabulario musical en historias (con ilustraciones) Muchos pueblos conocen desde hace mucho tiempo instrumentos que consisten en

¿Qué son los timbales? Mucha gente asocia los timbales con platillos de cobre, que se golpean para celebrar la victoria. Sin embargo, este no es el caso en absoluto. Timpani es un tambor con un cuerpo metálico en forma de olla, en cuya boca se extiende una membrana de cuero desde arriba. Afinación del instrumento

LIRA. ¿Sabes cuál es el emblema del arte de la música? Durante mucho tiempo se ha acostumbrado a retratarlo en forma de un instrumento elegante: un marco curvo curvo, sujeto en la parte superior por una barra transversal, a la que se estiran las cuerdas. Esta es una lira, un instrumento de cuerda pulsada, conocido desde la antigua Grecia y Egipto. La lira se sostenía con la mano izquierda, y en la derecha había una púa con la que se extraían los sonidos. LIRA GRIEGA ANTIGUA

ORFEO QUE TOCA LA LYRA. DIBUJO DE UN JARRÓN GRIEGO, V C. a.C.

Lyra es la progenitora de muchos otros instrumentos de cuerda, pero ha sobrevivido hasta el día de hoy solo en sus imágenes. El nombre, sin embargo, estaba muy extendido en Ucrania y Bielorrusia, a partir del siglo XVII, pero refiriéndose a un instrumento diferente. Una lira campesina o con ruedas es un pequeño instrumento de teclado. El intérprete oprimía las teclas con una mano, tocaba la melodía y con la otra giraba la rueda, que al tocar las cuerdas creaba un acompañamiento invariable. Con liras de ruedas, errantes, a menudo ciegos, los músicos de liras vagaban por los caminos. CAMPESINO, RUEDA LYRE

LITAURS. Muchos pueblos conocen desde hace mucho tiempo herramientas que consisten en un recipiente hueco, cuya abertura está cubierta con piel. Tales instrumentos se encuentran en India, África, China y entre los pueblos eslavos. De ellos se originaron los timbales modernos, que ocupan un lugar honorable entre los instrumentos de percusión de una orquesta sinfónica. Los timbales fueron los primeros percusionistas en aparecer en la orquesta, allá por el siglo XVII. Se trata de grandes calderos de cobre, cuya parte superior está cubierta de cuero. Con la ayuda de tornillos, se puede cambiar la tensión de la piel y luego el sonido se vuelve más alto o más bajo. LITATURAS

Los timbales se tocan con palos cubiertos de fieltro. Cada timbal solo puede emitir un sonido: el que está afinado. La reconstrucción de los timbales es larga y difícil. Por lo tanto, en una orquesta hay dos o tres timbales de diferentes tamaños con diferente afinación. Los compositores modernos usan cuatro, a veces incluso cinco, timbales. La sonoridad de los timbales puede ser muy diversa: desde la imitación de los truenos hasta un susurro o zumbido silencioso, apenas perceptible. Los ritmos de timbales individuales son apoyados por las voces graves y graves de la orquesta. Y a veces incluso se instruye a los timbales con melodías, por supuesto, sencillas, que constan de tres o cuatro sonidos.

CUCHARAS. Parece que esta palabra no tiene nada que ver en el diccionario musical. Sin embargo, llegó aquí por derecho. Este es un instrumento musical popular ruso, similar, en esencia, a las castañuelas. Consiste en dos cucharas de madera regulares. Se chocan entre sí con sus lados convexos y se obtiene un sonido claro y sonoro. Anteriormente, se ataban pequeñas campanillas a los mangos de cucharas. Se utilizan en orquestas de instrumentos populares. Y a veces organizan conjuntos independientes e incluso orquestas enteras de cucharadas.

CUCHARAS CON NATACIONES. LUBOK RUSO XVIII C.

SKOMOROK MONTANDO UNA CABRA JUEGA CON CUCHARAS

LAÚD. "El instrumento más importante e interesante en el ámbito musical e histórico", es lo que dicen sobre el laúd muchos músicos interesados ​​en la historia de los instrumentos musicales. El laúd estaba muy extendido en todo el mundo antiguo: en Mesopotamia, India y China, en Egipto y Asiria, en la antigua Grecia y Roma, entre los persas y los árabes. Los árabes consideraban que el laúd era el más perfecto de todos los instrumentos musicales y lo llamaban la reina de los instrumentos. Fue a través de los árabes que el laúd llegó a Europa: apareció en España en el siglo VIII, cuando fue conquistada por los moros. Con el tiempo, desde España, el laúd penetró en Italia, Francia, Alemania y otros países. Su dominio en la vida musical continuó durante muchos siglos. En los siglos XV y XVII, sonó en todas partes. Lo usaron tanto como instrumento solista como para acompañamiento. Los laúdes grandes se tocaban en conjuntos e incluso en orquestas.

LUTNISTA (DERECHA) Y ARPISTA.

DIBUJO DE UN GRABADO DEL ARTISTA DE PAÍSES BAJOS ISRAEL VAN MEKENEM.

FIN XV C.

Poco a poco, tuvo que ceder el paso a los instrumentos de arco: tenían un sonido más potente y brillante. Y en la creación de música casera, el laúd fue reemplazado por la guitarra. Si alguna vez has visto una reproducción del cuadro de Caravaggio "El laudista", imagina cómo es este instrumento. El cuerpo, que recuerda a medio melón o caparazón de tortuga, es de tamaño bastante grande, cuello ancho con clavijas de afinación. La cubierta inferior, es decir, la parte convexa del cuerpo, a menudo está pavimentada con piezas de ébano o marfil para darle belleza. En medio de la parte superior hay un escote realizado en forma de una preciosa estrella o rosa. Grandes, los llamados archlutenes, tenían tres de esos recortes: rosas. El número de cuerdas en el laúd variaba, de seis a dieciséis, y todas menos las dos cuerdas más altas se doblaban al unísono o en una octava. Tocaban el laúd sentados, poniéndolo en la rodilla izquierda. La mano derecha punteaba las cuerdas, mientras que la izquierda las fijaba en el mástil alargándolas o acortando. Hace varias décadas, parecía que el laúd era un instrumento. ido de nosotros irrevocablemente. Pero en los últimos años ha habido interés por la música antigua, los instrumentos antiguos. Por lo tanto, ahora en los conciertos de conjuntos de música antigua, a veces se puede ver el laúd y sus variedades: el archipiélago y la teorba.

MAYOR - ver Bien.

MANDOLINA. Uno de los muchos descendientes del laúd, la mandolina apareció en Italia en el siglo XVII, y en el siglo siguiente se convirtió en el instrumento popular más popular y querido. Gradualmente también se hizo popular en otros países. La mandolina es un instrumento solista, de acompañamiento y de conjunto. Hay orquestas de mandolina de varios tamaños. Estas orquestas, que a veces incluyen guitarras, se llaman napolitanas. Hay ocasiones en las que la mandolina se incluye incluso en las orquestas de ópera y sinfónica. La mandolina tiene una forma muy similar a un laúd. Sus ocho cuerdas, afinadas en pares, se tocan con una púa.

MANDOLINA

MARCHA. El compositor Dmitry Borisovich Kabalevsky ama mucho a los niños. Para ellos, además de música, escribe libros. Libros que te ayudan a entender la música, siéntete libre en su fascinante mundo. Uno de los libros de Kabalevsky se llama "Acerca de tres ballenas y mucho más". El libro dice sobre la tercera de las ballenas, que, según el pensamiento del autor, contiene la música: “Antes del inicio de la competencia, los atletas caminan por el estadio en chándales ligeros, con enormes pancartas ondeando en el viento: blanco, azul , verde, rojo ... Aquí hay una unidad militar caminando por la calle, los soldados claramente mantienen el paso, caminan como uno solo, con paso firme y vigoroso ... Y al frente - decorado con coletas y cascabeles - un Bunchuk, que, moviéndose frente a los ojos de los músicos, ahora arriba y abajo al ritmo de la música, reemplaza la batuta del director durante la campaña ... Pero preescolares muy pequeños caminan por la gran sala, armados con banderas rojas. se ven tan solemnes, como si estuvieran participando en el desfile "real" del Primero de Mayo. Y su maestro se sienta al piano .. Tú, por supuesto, ya has preparado tu respuesta. Incluso me parece que todos juntos, en un manera clara y armoniosa, ahora golpearás esta palabra corta y en sí misma acuñada: ¡marcha! " Y unas páginas más tarde, Kabalevsky continúa: "... A los pulpos todavía muy jóvenes les encanta marchar al son de la música, nada menos que cantar y bailar canciones. Y no hay nada que decir sobre los pioneros: una corneta y un tambor tocando una marcha. son tan queridos para ellos como la corbata escarlata en su pecho. Muchos, muchos eventos en la vida de cada persona, en la vida de grandes masas de personas están asociados con marchas: vigorosas, alegres, festivas y, a veces, ay, tristes, luto. ¿Qué es una marcha? Marche francés significa caminar. En música, este es el nombre de las piezas escritas en un ritmo claro y enérgico, al que conviene andar en filas. Aunque las marchas difieren entre sí en melodía, carácter y contenido, tienen una cosa en común: la marcha siempre se escribe en un tamaño uniforme: dos o cuatro cuartos para que los que caminan no se levanten. Es cierto que existen raras excepciones a esta regla. La canción "La Guerra Santa" de A. V. Aleksandrov, escrita con los versos de V. I. Lebedev-Kumach al comienzo de la Gran Guerra Patria, es una canción de tres partes. Pero esta es una marcha real: valiente, severa y formidable. Bajo sus sonidos, los soldados se dirigieron al frente. Bueno, por supuesto, conoces muchas marchas "reales". Y los que se escriben para el movimiento debajo de ellos, y los que se incluyen en grandes obras de ópera, sinfonías, oratorios, sonatas. Son muy famosas las marchas de la ópera "Fausto" de Gounod, de "Aida" de Verdi, la marcha de Chernomor de "Ruslan y Lyudmila" de Glinka. La marcha se toca en el tercer movimiento de la Sexta Sinfonía de Tchaikovsky y en el final de la Quinta Sinfonía de Beethoven. Las marchas fúnebres son los movimientos lentos de la Tercera Sinfonía de Beethoven, su Sonata para piano n. ° 12, op. 26, Sonata para piano de Chopin en si bemol menor. Muchas marchas se encuentran entre las piezas de piano para niños. Por ejemplo, en el "Álbum de niños" de Tchaikovsky también hay una marcha fúnebre: "El funeral de una muñeca" y "Marcha de los soldados de madera". A menudo, las canciones se escriben con el carácter y el ritmo de la marcha. En el mismo libro, Kabalevsky, por analogía con el "rey del vals" Johann Strauss, llama a Isaac Osipovich Dunaevsky el rey de las marchas y enumera las canciones-marchas escritas por él: "Marcha de entusiastas", "Marcha de atletas", "Marcha de Jóvenes Naturalistas", "Marcha de Primavera", "Marcha Deportiva", "Marcha de Tractores", "Marcha de la Armada Roja", "Marcha de los Artilleros" ...

A veces, los compositores escriben conciertos no para uno, sino para dos o tres instrumentos solistas. Entonces el concierto se llama: doble ida triple ...

En cuanto al otro significado del término concierto, significa una representación pública de obras musicales en la que el público está presente. Además, lo denominan la interpretación de obras musicales en radio y televisión, aunque los programas suelen ser realizados desde estudios en los que no hay público.

Los conciertos pueden ser diferentes: sinfónicos y de cámara, corales y variados, solistas y mixtos.

CONCERTMASTER. La palabra acompañante, tan similar a las otras dos que puede leer en las páginas de este libro, director y director de coro, también consta de dos palabras: concierto y maestro (en alemán, meister). Tiene dos significados.

En la orquesta, este es el nombre del mejor de los músicos de cualquier grupo de la orquesta, que parece liderar a los integrantes de este grupo. Si una obra sinfónica contiene un episodio en solitario de algún instrumento, es el acompañante quien lo interpreta.

El concertino del grupo principal de la orquesta sinfónica, el grupo de los primeros violines, se considera el acompañante de toda la orquesta. Esta posición es muy responsable y honorable. El concertino es el primer ayudante de dirección, su mano derecha. Por lo general, cuando el público aplaude al director después de la interpretación de una pieza, él, compartiendo su éxito con toda la orquesta, se vuelve hacia el acompañante por separado, le da la mano, gracias por su ayuda. Hay momentos en que el acompañante de la orquesta incluso reemplaza a un director repentinamente enfermo en la consola.

Un pianista también se denomina acompañante que trabaja con estudiantes: violinistas, vocalistas, violonchelistas, etc. Dicho acompañante, un profesor asistente, los guía, les ayuda a aprender sus partes y a encontrar la interpretación correcta de la pieza. Los acompañantes juegan un papel algo diferente, acompañando a cantantes e instrumentistas que son maestros en su oficio. Aquí actúan como miembros iguales de un solo conjunto.

CUCURUCHO. Todos los niños que tocan el piano conocen la "Canción napolitana" del "Álbum infantil" de Tchaikovsky. El compositor también incluyó esta música en el ballet El lago de los cisnes. Solo allí lo bailan, y se llama "danza napolitana". La melodía de la danza es interpretada por el instrumento de viento de corneta.

La corneta suena como una trompeta y tiene el mismo rango. Es más virtuoso que una trompeta, pero su sonido es más débil.

La corneta juega un papel importante en la banda de música. En la sinfonía, es menos común. Además del solo en El lago de los cisnes, Tchaikovsky encargó dos cornetas tocando en tercer lugar con una suave melodía en Capriccio italiano.

XILÓFONO. En 1874, el compositor francés Saint-Saens escribió una pieza que tituló La danza de la muerte. Cuando se representó por primera vez, algunos oyentes se apoderaron del horror: escucharon el estruendo de los huesos, como si la Muerte realmente estuviera bailando: un esqueleto terrible con una calavera mirando con las cuencas de los ojos vacías, con una guadaña oxidada en las manos.

¿Cómo consiguió el compositor tal impresión? Introdujo un xilófono a la orquesta, un instrumento de percusión que parece campanas. El xilófono tiene la misma forma, pero no consta de placas de metal, sino de bloques de madera. Se juegan con dos palos de madera. Gama de xilófonos - desde antes de primero antes antes de cuarta octava. El sonido es seco, clic, repique. Por supuesto, en estos días no asusta a nadie. Las piezas rápidas de scherzous, que a menudo son interpretadas por xilofonistas acompañados de un piano, suenan muy impresionantes en el xilófono.

CULTURA. La palabra latina "culmen" significa pico, punto más alto. En una pieza musical se denomina clímax a un episodio en el que se alcanza la mayor tensión, es decir, el momento más influyente emocionalmente, al que conduce la lógica de la construcción de toda la obra. Puede haber varios clímax a lo largo de una composición larga. Entonces uno de ellos es el principal (a veces se le llama central o general), y el resto son “locales”.

Hay un clímax en cualquier melodía. Este suele ser uno de sus sonidos superiores, acentuado por una duración más larga y un ritmo fuerte.

VERSO. ¿Alguna vez has visto a soldados caminando? Primero, escriben silenciosamente un paso bajo el mando del comandante, y luego una voz sonora se eleva sobre la formación, cantando una alegre canción de soldado. Canta algunas estrofas y luego todos la levantan en un coro amistoso.

Lo que canta el solista es el comienzo de la canción. ¿Alguna vez has notado cómo está compuesta la canción? Especialmente una canción que muchos pueden cantar juntos: en una demostración, en una caminata o por la noche alrededor de una fogata pionera. Parece estar dividido en dos partes, que luego se repiten varias veces. Estas dos partes son el coro o, en otras palabras, el verso (la palabra francesa pareado significa estrofa) y el coro, también llamado estribillo(esta palabra también es francesa - estribillo). En las canciones corales, el cantante suele interpretar el protagonista solo, y el coro retoma el coro. La canción no consta de uno, sino, por regla general, de varios versos. La música en ellos generalmente no cambia o cambia muy poco, pero las palabras son diferentes cada vez. El coro siempre permanece sin cambios tanto en texto como en música. Piense en cualquier canción pionera o en una que cante cuando vaya de excursión en verano y compruebe por sí mismo cómo está construida.

Por tanto, la forma en que se escriben la inmensa mayoría de las canciones se denomina forma de verso. * L *

MUCHACHO. Esta es una buena palabra eslava: armonía. Es bueno cuando las cosas van bien, cuando la familia está feliz, cuando el vestido está bien hecho ... Se pueden citar muchos ejemplos con esta raíz, y todas las palabras resultarán ligeras y amables. No es de extrañar que la armonía sea armonía, paz, armonía, orden.

Pero, ¿qué tienen que ver todos estos conceptos con la música?

Resulta ser el más directo.

La música es un arte en el que los sonidos se organizan de forma armoniosa, coherente y ordenada. Intente presionar las teclas del piano o puntear las cuerdas de la guitarra al azar: ¡ninguna música funcionará!

Sin embargo, la palabra traste no es solo armonía y armonía. Este es un término especial que significa la interconexión de los sonidos entre sí, su consistencia, coherencia.

Piense en cualquier melodía: una canción, un baile, un fragmento de una pieza instrumental. Si comienza a tararearlo, encontrará que es imposible detenerse en cualquier lugar arbitrario. Y no solo porque, por ejemplo, todas las palabras no "encajaban" o el movimiento del baile no terminaba. No: el caso es que los sonidos, cuando se combinan entre sí, se perciben de forma diferente. Algunos son igual de estables. Puede detenerse en ellos un poco más y, en general, finalizar el movimiento. Sobre ellos el compositor termina un verso de una canción, una sección o una pieza instrumental completa. No hay forma de detenerse en los demás: provocan una sensación de incompletitud y requieren avanzar, hacia un sonido de referencia estable.

La combinación de sonidos que son diferentes en tono y gravitan entre sí se llama traste. El sonido principal del traste, el más estable, al que gravitan todos los demás, se llama tónico. Un acorde de tres sonidos, el más bajo de los cuales es el tónico, se llama tríada tónica.

Los trastes, es decir, asociaciones similares de sonidos, son diferentes. Los trastes más comunes en la música europea se llaman importante y menor. En el corazón de la mayor hay una tríada tónica, en la que primero, desde abajo, hay una tercera grande (vea lo que está escrito sobre la tercera en la historia "Intervalo"), y arriba hay una pequeña. Un mayor resultará si usted, subiendo al piano, presiona todas las teclas blancas en secuencia desde la nota antes de hasta la siguiente nota antes de una octava más alta. Este sonido secuencial de notas dentro de una octava se llama gama. Lo que jugaste es una escala de C mayor. Puede tocar una escala mayor de cualquier otro sonido, solo entonces, en algunos lugares, la tecla blanca tendrá que ser reemplazada por una negra. Después de todo, la construcción de escalas está sujeta a un cierto patrón. Entonces, en todas las escalas mayores, después de dos tonos seguidos, sigue un semitono, luego hay tres tonos seguidos y nuevamente un semitono. En la escala menor, los sonidos se alternan de manera diferente: tono, semitono, dos tonos, semitono, dos tonos. En este caso, la escala siempre se nombra por su primer sonido.

Cuál es la diferencia entre gama y ¿tonalidad? Gama puede ser ascendente y descendente, es decir, los sonidos que contiene subirán o bajarán. Pero ciertamente se ubican secuencialmente, sin saltos; se mueven de un paso a otro (recuerde esta comparación, todavía la necesitamos). A llave... Suponga que está cantando una canción en su lección escolar. La canción terminó y el maestro dice: "Está bien, lo hiciste en Re mayor (Re mayor significa el sonido básico más estable de la canción - re, y en el acompañamiento, el acorde más estable en el que termina la canción es la tríada de Re mayor). Ahora intentemos cantarlo un poco más alto ". Te da "afinación": algunos acordes en Mi mayor para que te acostumbres al sonido y dirijas la canción en un tono diferente. La melodía es la misma, como si nada hubiera cambiado, pero la canción suena un tono más alto que antes. Y el principal sonido constante de la canción ya no es re, a mi... Y así todo terminó con un acorde de Mi mayor.

Medio, llave es la altura del traste, la altura a la que se encuentra. A veces se le llama palatonalidad.

El nombre de la clave se obtiene cuando el nombre de su sonido principal - tónico - se agrega a la definición de una escala - en C mayor, E bemol mayor, G menor, F sostenido menor ... Así que obtuvimos el nombre de otro escala - menor. Este es también un modo muy común de música europea. Se basa en una sobriedad menor, en la que los tercios están dispuestos de la siguiente manera: abajo es pequeño y arriba es grande. Un menor resultará si toca en una fila en las teclas blancas todos los sonidos de la antes de la.

Los sonidos del traste se denominan pasos y están numerados en números romanos en orden de abajo hacia arriba: I, II, III, IV, V, VI, VII. Tonic es el primer paso.

Major y Minor son los modos más famosos y comunes. Pero hay muchos otros además de ellos. Están muy extendidos en la música folclórica y se utilizan cada vez más en la música profesional moderna. También hay trastes artificiales inventados por compositores. Entonces, por ejemplo, Mikhail Ivanovich Glinka inventó el modo de tono completo. Se llama así porque la distancia entre todos los sonidos es un tono completo. Suena extraño, inusual. Glinka lo inventó para transmitir un estado de entumecimiento, algo fantástico y sin vida.

Muchos modos, como mayor y menor, constan de siete pasos, pero también hay trastes de un número diferente de sonidos. Entonces, en el tono completo, seis pasos. Hay todo un grupo de trastes llamados pentatónicos (en griego pente - cinco, tonos - tono) - estos son trastes de cinco pasos. También hay trastes con diferente número de pasos.

LAUREADO. Este concepto nos llegó desde la antigüedad. Incluso en la Antigua Grecia, y luego en Roma, los ganadores de los concursos fueron coronados con coronas de laurel. Desde entonces, apareció la palabra laureatus, en latín, coronada de laureles.

En nuestro tiempo, esta palabra se usa con dos significados. El primero es el ganador de un concurso de música, concurso. Probablemente conozca a muchos de estos galardonados, especialmente a los ganadores de los concursos musicales más autorizados, el Concurso PI Tchaikovsky. Entre sus galardonados se encuentran Van Cliburn y Valery Klimov, Boris Gutnikov y Grigory Sokolov, Stefan Rukha y John Ogdon, Andrei Gavrilov y Mikhail Pletnev, Natalia Shakhovskaya e Ivan Monighetti, Lyudmila Shemchuk, Elena Obraztsova y Evgeny Nesterenko.

El segundo significado de la palabra "laureado" se refiere no solo a los representantes del mundo del arte. Este es el nombre de una persona galardonada con un premio alto. Tenemos galardonados con el Premio Lenin (este es el premio más honorable que se puede otorgar a una persona), galardonados con premios estatales, galardonados con el premio Lenin Komsomol. Dichos galardonados no son solo músicos, sino también artistas, poetas, arquitectos, cineastas, científicos que han hecho descubrimientos, inventores que han inventado nuevos dispositivos, trabajadores que se han distinguido por su alto rendimiento en el trabajo.

MÚSICA LIGERA. Debemos admitir de inmediato que este término no es uno de los más exitosos. De hecho: si hay música ligera, ¿debería haber también música pesada? Pero no existe tal cosa en el mundo. Hay música seria, lúgubre, triste, trágica, pero no pesada.

Por lo tanto, en lugar de "fácil", es mejor hablar de alguna manera diferente. Por ejemplo, entretenido. De hecho: la música entretenida es la más “fácil” disponible en términos de contenido. No causa pensamientos profundos. Su negocio es entretener, y en ocasiones distraer, dar un descanso. Sin embargo, "fácil" y "entretenido" no son sinónimos. Después de todo, la música ligera incluye opereta, música de baile, canciones pop, composiciones de jazz. Y esto no siempre es solo entretenimiento. Y hay operetas como, por ejemplo, "Free Wind" de Dunaevsky, que habla de la lucha por la paz contra los instigadores de una nueva guerra. Y las canciones pop son divertidas, pero también las hay muy serias, dramáticas, que hacen reflexionar ... Y el jazz tampoco es siempre un arte entretenido. Probablemente ya hayas leído sobre él en las páginas de este libro. Y sin embargo, ese término sigue vivo, música ligera. Y tienes que aceptarlo. Solo que siempre recordaremos lo convencional que es.

LEITMOTIVO. Probablemente, cualquier escolar ha tenido al menos una vez la oportunidad de escuchar el cuento de hadas sinfónico de Prokofiev "Petya y el lobo" sobre cómo el pionero Petya atrapó un lobo.

¿Recuerdas los personajes en él? Un pato divertido que se balancea de un lado a otro, un pájaro alegre, un abuelo gruñón, un lobo feroz ... Parece que los vemos a todos: la música de los personajes de cuentos de hadas se dibuja de manera muy vívida. Además, el texto leído por el actor puede que no diga nada, por ejemplo, sobre el pájaro que se cierne frente a la nariz del lobo, pero escuchamos que está aquí ... ¿Por qué? Porque suena la música que la caracteriza: pasajes rápidos de una pequeña flauta de flautín. El compositor dibuja a Petya con una hermosa melodía melódica, similar a una marcha pionera, el abuelo, con el bajo gruñido de un fagot, Wolf, con el terrible aullido de los cuernos franceses ... Todos los personajes del cuento musical de Prokofiev se caracterizan por leitmotivs .

El leitmotiv es una palabra alemana (Leitmotiv), que significa el motivo principal de la traducción. Este es el nombre de un tema musical brillante y bien recordado; más a menudo una melodía, pero también puede ser un motivo corto de varios sonidos y una secuencia de acordes que describe algún tipo de imagen o situación dramática. Los leitmotifs se utilizan en grandes piezas musicales (óperas, ballets, composiciones sinfónicas) y aparecen repetidamente a lo largo de ellas, a veces de forma modificada, pero siempre reconocible.

Al compositor alemán Richard Wagner le gustaba mucho utilizar leitmotivs. Sobre todo hay muchos de ellos en su tetralogía Der Ring des Nibelungen, donde los leitmotifs caracterizan no solo a los héroes, sino también a sus sentimientos, e incluso a objetos individuales, como la querida espada, el anillo de oro que simboliza el poder sobre el mundo, el cuerno de llamada de el joven héroe Siegfried.

El leit motiv también fue utilizado por compositores rusos. En la ópera The Snow Maiden, Rimsky-Korsakov le da leitmotivs a la propia hija de Spring y Frost, a la hermosa Vesna y a Leshem, la personificación de un poder fantástico salvaje y aterrador. El leitmotiv de los cisnes suena en El lago de los cisnes de Tchaikovsky. ¿Recuerdas la ópera Ivan Susanin de Glinka? El compositor caracteriza a los polacos con melodías y ritmos de sus bailes nacionales: polonesa, krakowiak, mazurka. Posteriormente, durante los siguientes actos de la ópera, la mazurca adquiere el significado de un leitmotiv. Primero, en el segundo acto, en el castillo del rey Segismundo, suena solemne y sonoro. En el siguiente acto, en la casa de Susanin, donde los invasores irrumpen para obligar al viejo campesino a llevarlos a Moscú, la melodía de la mazurca suena bélica y amenazante. Finalmente, en el cuarto acto, en un bosque profundo, en un matorral impenetrable, donde Susanin conducía a los polacos, la mazurca "marchita" perdió su brillo, su autoconfianza y su beligerancia. En él se escuchan confusión, ansiedad, ira impotente.

LIBRETO. Si amas la música (lo cual es indudable porque necesitas este libro), probablemente hayas visto libros llamados "Opera Librettos". Establecieron el contenido de muchas óperas rusas, soviéticas y extranjeras.

¿Qué significa el libreto - contenido? No, este es un nombre inexacto. De hecho, el libreto (la palabra italiana libreto significa un librito) es el texto completo de una composición musical y escénica, es decir, una ópera, una opereta.

Por regla general, el libreto está compuesto por autores libretistas especializados en este tema. Famosos en la historia del teatro musical son destacados libretistas que influyeron significativamente en el desarrollo de la ópera, como P. Metastasio, R. Calzabigi, y más tarde A. Boito en Italia, E. Scribe, A. Melyak y L. Halevy en Francia. En Rusia fue M. I. Tchaikovsky, quien escribió el libreto de su hermano P. I. Tchaikovsky, V. I. Belsky, quien trabajó con N. A. Rimsky-Korsakov. Muchos libretos para compositores soviéticos fueron escritos por el cantante S. A. Tsenin.

A menudo, una obra literaria o dramática sirve como fuente principal de un libreto. Recuerda las óperas más populares: Eugene Onegin, La reina de espadas, La Traviata, Rigoletto, Carmen, La doncella de nieve, Boris Godunov, Guerra y paz, Katerina Izmailova. Aquí las óperas rusas, extranjeras y soviéticas se nombran al azar, basadas en las conocidas obras de Pushkin, Tolstoi, Leskov, Ostrovsky, Merimee, Hugo, Dumas-son. Sin embargo, estas obras cambian mucho, porque el género de la ópera tiene sus propias particularidades. Entonces, el texto de una ópera debe ser muy lacónico: después de todo, la palabra cantada suena mucho más larga que la hablada. Además, la base de una obra dramática es el diálogo. En la ópera, sin embargo, debe haber arias, conjuntos, coros. Todo esto también requiere procesamiento. Incluso una obra de teatro fue reelaborada. Sin embargo, si se elige una historia o una novela como fuente primaria, las alteraciones son aún mayores: se reduce el número de personajes, se destaca una línea argumental y otras desaparecen por completo. Compare, por ejemplo, "Eugene Onegin" de Pushkin y la ópera de Tchaikovsky, y usted mismo podrá verlo fácilmente por sí mismo. A veces, al mismo tiempo, los personajes de los personajes cambian, incluso hasta cierto punto, la idea de la obra. Por eso, a veces se reprocha al compositor haber distorsionado la intención del escritor. Pero tales reproches son infundados: después de todo, el compositor, junto con el libretista, escribe su propia obra independiente. Cualquier obra literaria, acontecimiento histórico y leyenda popular puede tomarse como principio fundamental.

El libreto puede ser independiente, no basado en una obra literaria. El libretista lo compone él mismo o lo crea a partir de algunos documentos, fuentes folclóricas, etc. Así es como, por ejemplo, un magnífico y muy peculiar libreto de la ópera de N. Rimsky-Korsakov "La leyenda de la ciudad invisible de Kitezh y la Doncella Fevronia "escrito por V. Belsky.

A veces, el propio compositor se convierte en autor del libreto. Así que Alexander Porfirevich Borodin, sobre la base del gran monumento de la poesía rusa antigua "La endecha de la hostia de Igor", creó el libreto de su ópera "El príncipe Igor". El propio Modest Petrovich Musorgsky escribió el libreto de Boris Godunov y Khovanshchina, y en nuestro tiempo esta tradición fue continuada por RK Shchedrin, quien no solo es el autor de la música, sino también el autor del libreto de la ópera Dead Souls.

La historia de la música conoce casos en los que un compositor elige como libreto una obra dramática terminada. Tal es, por ejemplo, "The Stone Guest" de Dargomyzhsky, escrito en el texto inalterado de la pequeña tragedia de Pushkin.

LIRA. ¿Sabes cuál es el emblema del arte de la música? Durante mucho tiempo se ha acostumbrado a retratarlo en forma de un instrumento elegante: un marco curvo curvo, sujeto en la parte superior por una barra transversal, a la que se estiran las cuerdas. Esta es una lira, un instrumento de cuerda pulsada, conocido desde la antigua Grecia y Egipto. La lira se sostenía con la mano izquierda, y en la derecha había una púa con la que se extraían los sonidos.

Lyra es la progenitora de muchos otros instrumentos de cuerda, pero ha sobrevivido hasta el día de hoy solo en sus imágenes. El nombre, sin embargo, estaba muy extendido en Ucrania y Bielorrusia, a partir del siglo XVII, pero refiriéndose a un instrumento diferente.

Una lira campesina o con ruedas es un pequeño instrumento de teclado. El intérprete oprimía las teclas con una mano, tocaba la melodía y con la otra giraba la rueda, que al tocar las cuerdas creaba un acompañamiento invariable. Con liras de ruedas, errantes, a menudo ciegos, los músicos de liras vagaban por los caminos.

LITAURS. Muchos pueblos conocen desde hace mucho tiempo herramientas que consisten en un recipiente hueco, cuya abertura está cubierta con piel. Tales instrumentos se encuentran en India, África, China y entre los pueblos eslavos. De ellos se originaron los timbales modernos, que ocupan un lugar honorable entre los instrumentos de percusión de una orquesta sinfónica.

Los timbales fueron los primeros percusionistas en aparecer en la orquesta, allá por el siglo XVII. Se trata de grandes calderos de cobre, cuya parte superior está cubierta de cuero. Con la ayuda de tornillos, se puede cambiar la tensión de la piel y luego el sonido se vuelve más alto o más bajo.

Los timbales se tocan con palos cubiertos de fieltro. Cada timbal solo puede emitir un sonido: el que está afinado. La reconstrucción de los timbales es larga y difícil. Por lo tanto, en una orquesta hay dos o tres timbales de diferentes tamaños con diferente afinación. Los compositores modernos usan cuatro, a veces incluso cinco, timbales.

La sonoridad de los timbales puede ser muy diversa: desde la imitación de los truenos hasta un susurro o zumbido silencioso, apenas perceptible. Los ritmos de timbales individuales son apoyados por las voces graves y graves de la orquesta. Y a veces incluso se instruye a los timbales con melodías, por supuesto, sencillas, que constan de tres o cuatro sonidos.

CUCHARAS. Parece que esta palabra no tiene nada que ver en el diccionario musical. Sin embargo, llegó aquí por derecho. Este es un instrumento musical popular ruso, similar, en esencia, a las castañuelas. Consiste en dos cucharas de madera regulares. Se chocan entre sí con sus lados convexos y se obtiene un sonido claro y sonoro. Anteriormente, se ataban pequeñas campanillas a los mangos de cucharas.

Se utilizan en orquestas de instrumentos populares. Y a veces organizan conjuntos independientes e incluso orquestas enteras de cucharadas.

LAÚD. “El instrumento más importante e interesante en términos de música e historia”, es lo que dicen sobre el laúd muchos músicos interesados ​​en la historia de los instrumentos musicales.

El laúd estaba muy extendido en todo el mundo antiguo: en Mesopotamia, India y China, en Egipto y Asiria, en la antigua Grecia y Roma, entre los persas y los árabes. Los árabes consideraban que el laúd era el más perfecto de todos los instrumentos musicales y lo llamaban la reina de los instrumentos. Fue a través de los árabes que el laúd llegó a Europa: apareció en España en el siglo VIII, cuando fue conquistada por los moros. Con el tiempo, desde España, el laúd penetró en Italia, Francia, Alemania y otros países. Su dominio en la vida musical continuó durante muchos siglos. En los siglos XV y XVII, sonó en todas partes. Lo usaron tanto como instrumento solista como para acompañamiento. Los laúdes grandes se tocaban en conjuntos e incluso en orquestas.

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LITATURAS

Muchos pueblos conocen desde hace mucho tiempo herramientas que consisten en un recipiente hueco, cuya abertura está cubierta con piel. Tales instrumentos se encuentran en India, África, China y entre los pueblos eslavos. De ellos se originaron los timbales modernos, que ocupan un lugar honorable entre los instrumentos de percusión de una orquesta sinfónica. Los timbales fueron los primeros percusionistas en aparecer en la orquesta, allá por el siglo XVII. Se trata de grandes calderos de cobre, cuya parte superior está cubierta con cuero. Con la ayuda de tornillos, se puede cambiar la tensión de la piel y luego el sonido se vuelve más alto o más bajo. Los timbales se tocan con palos cubiertos de fieltro. Cada timbal solo puede emitir un sonido: el que está afinado. La reconstrucción de los timbales es larga y difícil. Por lo tanto, en una orquesta hay dos o tres timbales de diferentes tamaños con diferente afinación. Los compositores modernos utilizan cuatro, a veces incluso cinco, timbales. La sonoridad de los timbales puede ser muy diversa: desde la imitación de los truenos hasta un susurro o zumbido silencioso, apenas perceptible. Los ritmos de timbales individuales son apoyados por las voces graves y graves de la orquesta. Y a veces incluso se instruye a los timbales con melodías, por supuesto, sencillas, que constan de tres o cuatro sonidos.

Retratos creativos de compositores. - M.: Música. 1990 .

Vea qué es "LITAVRY" en otros diccionarios:

Clasificación Instrumento de percusión, membranófono ... Wikipedia

- (tambor árabe el thabl). Una especie de instrumento musical; 2 hemisferios de cobre, cubiertos de piel, a lo largo de los cuales. golpear con un palo especial, usado en parejas en la orquesta. Diccionario de palabras extranjeras incluidas en el idioma ruso. Chudinov A.N., 1910. ... ... Diccionario de palabras extranjeras del idioma ruso.

LITAURS, timbales, ed. timbales, timbales, esposas. (refiriéndose a los politaurs ucranianos, explican mucho de los tambores griegos poly y taurea) (música). Instrumento musical de percusión en forma de dos hemisferios recubiertos de cuero. Diccionario explicativo de Ushakov. D.N. Ushakov. 1935 ... ... Diccionario explicativo de Ushakov

LITAURS, avr, ed. a, s, esposas. Hemisferios de instrumentos musicales de membrana de percusión recubiertos de cuero. Batir en l. (también traducción: celebrar la victoria, el éxito; generalmente irónico.). | adj. timbales, oh, oh. Diccionario explicativo de Ozhegov. SI. Ozhegov, ... ... Diccionario explicativo de Ozhegov

Nus., Número de sinónimos: 2 breasts (12) nakara (4) Diccionario de sinónimos ASIS. V.N. Trishin. 2013 ... Diccionario de sinónimos

tímpanos- timbales, género. timbales y timbales obsoletos ... Diccionario de pronunciación y dificultades de estrés en ruso moderno

Tímpanos- LITAURS, viejo. músico. instrumento antiguo Pers. origen. La última Cruz aparece en Europa. caminatas, y tenemos al final. polkakh extranjero. edificio XVII Art. Con establecimiento bajo Peter V. regular. los ejércitos de L. han adquirido el significado del presente. plata ... ... Enciclopedia militar

Instrumento musical de percusión formado por un cuerpo semiesférico o en forma de huevo de metal (o cerámica) cubierto con una membrana de cuero. Suele utilizarse en pares de diferentes tamaños y pasos. Los primeros timbales ... ... Enciclopedia de Collier

Minnesota. Instrumento musical de percusión, otro ruso. timbales — el mismo (Boris Godunov, 1589; ver Srezn. II, 24), ukr. politavri, blr. polytavry, resina. Desde mié. griego * πολυταυρέα de ταυρέα timbales; ver Mikkola, BB 21, 118; Bernecker 1, 725; Vasmer, Gr. ... ... Diccionario etimológico de la lengua rusa por Max Vasmer

tímpanos- ta / vr; pl. (lit. lit. / vra, s; f.) (del griego poly, muchos y tambores tauréa) ver también. timbales Instrumento musical de percusión formado por dos hemisferios recubiertos de cuero. Instala los timbales. Sonido de timbales. batir los timbales ... Diccionario de muchas expresiones

Libros

• Timbales del Sol, I. Severyanin. Igor Vasilyevich Severyanin (1887 1941), poeta ruso de la Edad de Plata, fundador del ego-futurismo, merecidamente proclamado por sus contemporáneos el Rey de los poetas. Las piñas en champán son maravillosas ...