Det finns en kyrklig tradition som säger att den första ikonmålaren i kristen historia var evangelisten och aposteln Lukas, som målade den första bilden av den allra heligaste Theotokos. Bland de otaliga ikonerna som målats under två tusen år har några blivit en standard, höga förebilder för kommande generationer. Bland de många, många mästare som arbetade i bottenfältet, fick bara ett fåtal ikonmålare äran att stanna kvar i kyrkans konst och i världskonstens historia som ljusa stjärnor som lyser upp vägen för sina anhängare. De mest kända ikonmålarna i historien kommer att övervägas av oss i den här artikeln.
Evangelist och ikonmålare Luke (1:a århundradet)
Evangelisten Luke föddes i Antiokia i en grekisk familj, han var inte jude. Aposteln Lukas var i Herren Jesu Kristi omedelbara omgivning, enligt legenden var han ett vittne till Herrens korsfästelse. Evangelisten Lukas skrev ner en av de fyra kanoniska böckerna i evangeliet och Apostlagärningarna och var en ivrig förkunnare av Guds ord. Aposteln krediteras med en ikon som heter "Vladimirskaya". Det finns förslag på att ikonerna för Guds moder "Tikhvinskaya" och "Smolenskaya" också målades av St. Luke. Om det faktum att St. Luke skrev bilden av Guds moder berättar om hans liv och kyrkliga tradition. Många teologiforskare identifierar bilden som aposteln arbetar med på den berömda ikonen, som skildrar själva processen med ikonmålning, som "Vladimir"-ikonen. Originalbilden har funnits i Ryssland sedan 1131, den kom från Konstantinopel. Idag förvaras ikonen i kyrkan på Tretjakovgalleriet. Ikonen avslöjar Guds moders ouppnåeliga skönhet, den himmelska världens andliga skönhet, sedan antiken har den erkänts som mirakulös och är djupt vördad i den kristna världen. Aposteln Lukas är en av de mest kända ikonmålarna, tack vare hans ovärderliga bidrag till skapandet av kyrkokonst.Alypiy Pechersky (11-12 århundraden)
Alypiy Pechersky bodde i Kievan Rus och var känd som en munk i Kiev-Pechersk-klostret. Munken Alipiy målade många ikoner av den allra heligaste Theotokos och Herren Jesus Kristus. Många mirakel är kopplade till bilderna som kom ut under munken Alipys pensel, genom dem ägde mirakulösa helande rum många gånger. Hans ikoner förblev alltid oskadda under bränder och förstörelse av tempel, inga skador uppstod på bilderna. Kyrkans tradition tillskriver författarskapet av S:t Alipius ikonen "Den nuvarande drottningen", som finns i Himmelsfärdskatedralen i Kreml i Moskva. 
Theophanes the Greek (1300-1400-talen)
En av de mest kända ikonmålarna föddes omkring 1340 i Bysans. Han målade templen i det bysantinska riket. Men greken Theophan var avsedd att vinna världsberömdhet på rysk mark. Han började måla ryska kyrkor, mästaren skapade sin första fresk i Frälsarens förklaringskyrka, som har bevarats till denna dag. Theophanes, greken, målade ikonen för Herren Jesu Kristi förvandling på berget Tabor, bilden av Guds moder "Donskaya" och andra. 
Andrei Rublev (1300-1400-tal)
Den stora ikonmålaren i det ryska landet, som grundade ikonmålarskolan och reflekterade i sina verk det ortodoxa Rysslands storhet - Andrei Rublev. Andrey Rublev målade många tempel och kloster Forntida Ryssland. Andrei Rublevs penslar tillhör flera forntida ikoner, varav den viktigaste är den gamla testamentets treenighet. Andrei Rublev målade också många vackra ikoner - "Annunciation", "Baptism", "Nativity of Christ", "Meeting", "Transfiguration", "Resurrection of Lazarus"; "Entré till Jerusalem".
För historien om ikonmålning skapade de olika mästare, och de fyra största ikonmålarna som nämns av oss - detta är naturligtvis inte hela listan över enastående mästare. Det ryska landet har alltid varit känt för sina talanger. Ryska mästares verk är kända över hela världen och värderas högt även i de länder där deras egen ikonmålartradition är mycket utvecklad, till exempel Grekland och öarna som omger den. Tack gode Gud, även idag skapas heliga bilder i Ryssland i enlighet med kanoniska regler, ikonmålningstraditioner återupplivas, och alla, om så önskas, kan
Det antika Rysslands ikonografi var helig. Hela den kreativa processen var föremål för strikta kanoniska regler. Å ena sidan utarmade detta ikonografin i det antika Ryssland, eftersom mästaren använde redan inställd ikonografi. Men samtidigt gjorde detta det möjligt att fokusera på "essensen av ämnet andlighet", med fokus på djup penetrering i bilden och processen att återskapa den med hjälp av utsökt
Gammal rysk ikonmålning lydde lagarna inte bara i själva avbildningstekniken, utan också i valet av material för det. Traditionellt etablerade tekniker användes också i metoden för att förbereda ytan för bilden, sammansättningen av jorden och tekniken för att förbereda färger. Det antika Rysslands ikonografi antog också en obligatorisk skrivföljd.
Skrivningen av bilder utfördes med färger, vars bindande komponent var tempera (vattenemulsion med äggula). Som grund användes som regel träskivor. Att förbereda tavlan för att skriva var ganska lång och mödosam. Vi valde en stock med ett mycket starkt inre lager. Träarbetare (träarbetare) var engagerade i tillverkning av brädor för ikoner, ikonmålare själva gjorde detta mycket sällan.
Ikoner av liten storlek skrevs på en tavla. För stora bilder användes flera tavlor kopplade till varandra.
En median urtagning (ark) skars ut på framsidan av brädan. Han skapade ett slags fönster. Samtidigt bildades en ram (fält) längs kanterna.
Genom beskaffenheten av brädornas infästning, arkens djup, marginalernas bredd kan man ofta bestämma plats och tid för brädets tillverkning. På antika ikoner (11-12 århundraden) gjordes arken som regel djupt och marginalerna var breda. Senare gjordes brädor med smala marginaler. Från och med kan du hitta ikoner utan ramar.
Primeren var gesso. Detta är en blandning av alabaster eller krita med fisk (stör) lim. Skivan smordes flera gånger med lim (flytande och varmt), sedan applicerades en duk (tyg) på den och gnuggade den med handflatan. Levkas applicerades efter att duken hade torkat. Jorden applicerades i flera lager. Dess yta var noggrant jämn, ibland polerad. I vissa fall tillämpades lättnad.
Bilden applicerades på den förberedda jordytan. Ikonografin av det antika Ryssland antog en stegvis ritning. Först, med lätta inslag av mjukt kol från björkgrenar, ritades den första bilden. Den andra ritningen, mer detaljerad utfördes eller svart).
Ibland använde hantverkarna "copybooks" erhållna från ikonerna som fungerade som modeller. På så sätt återgavs bilden.
Sedan började brevet. I det första skedet utfördes "förgyllning" av alla nödvändiga detaljer, sedan producerades ett "delvis" brev (byggnader, kläder, landskap skrevs). Bilden av ansiktena bars ut på sista steget. Det var en strikt sekvens i arbetet med färger.
Skrivningen av ikoner utfördes enligt manualerna ("original"). De innehöll information om tekniken för att skriva en eller annan bild.
Det bör noteras att i sin interna och extern organisation Ikonen är ett mycket komplext konstverk. Men på 1800-talet behandlades ikonmålare som andra klassens konstnärer, samtidigt som ikonen betraktades som en primitiv. De gamla mästarna anklagades för okunnighet om metoderna för att skapa ett direkt perspektiv och mänsklig anatomi. Samtidigt är ikonen resultatet av en virtuos teknik och en hög skildringskultur. Användningen av temperamålning krävde speciella färdigheter som man lärde sig under många års studier.
Ikonmålarna i det antika Ryssland uppfattade skrivandet som en kommunikationshandling med en annan värld. Detta krävde fysisk och andlig rening.
Lite information har kommit ner till oss om antikens mästare. Men sidorna med historiska bevis, fälten och omsättningen av ikoner, tempelväggarna behåller namnen på antika ikonmålare. Bland dem bör man namnge munken Alimpiy, hans samtida Stefan, Gaga, Sezhir, Radko. En av de mest kända ikonerna "Trinity" målades av Andrey Rublev.
Efter att ha antagit kristendomen 988, forntida rysk stat var involverad i en kraftfull ström av bysantinsk kultur. Processen för förståelse och kreativ bearbetning av arvet från det östra romerska imperiet, i kombination med deras egna kulturella traditioner, gav sedan upphov till den ursprungliga och ursprungliga antika ryska konsten. Det är nära förknippat med de historiska förhållandena under vilka det bildades, vilket återspeglar medeltida människans trängande problem och strävanden. Form, ämne, innehåll gammal rysk konst var nära förknippade med religion och stod under sträng kontroll av kyrkan.
I synnerhet i målningen fanns regler och tekniker som varje konstnär var tvungen att följa - kanonerna. Typer av bilder, kompositionsscheman, symbolik godkändes och belystes av kyrkan.
En medeltida persons världsbild och världsbild skilde sig från moderna och besatt vissa funktioner, utan vetskapen om vilken det är omöjligt att helt uppfatta verken av forntida rysk konst.
Glömsandet av ikonens språk inträffade delvis under påverkan av västerländsk konst och är direkt relaterad till sekulariseringen av samhället. Ikonmålning är asketisk, allvarlig och fullständigt illusorisk. Till skillnad från det sekulära måleriet har det alltid dragits mot fundamental annanhet, skildringen av en annorlunda transformerad overklig värld.
Ett tecken, en symbol, en liknelse är ett sätt att uttrycka sanningen, välkänd för oss från Bibeln. Den religiösa symbolikens språk är kapabelt att förmedla komplexa och djupa begrepp om andlig verklighet. Kristus, apostlarna och profeterna tillgrep liknelsernas språk i sina predikningar. Vinranka, förlorad drakmer, vissnat fikonträd etc. - bilder som blivit betydelsefulla symboler i kristen kultur.
De första kristna kände inte till ikoner i vår förståelse av ordet, men det utvecklade bildspråket i Gamla och Nya testamentet bar redan på ikonologins rudiment.
När man bestämmer de konstnärliga egenskaperna hos en ikon, måste man komma ihåg att för en person från medeltiden är en ikon inte en bild, utan ett föremål för tillbedjan. Dess syfte är en påminnelse om Guds bild, hjälp för att komma in i det psykologiska tillstånd som är nödvändigt för bön.
För en troende har det aldrig funnits en fråga om han gillar en ikon eller inte, hur och hur konstnärligt den är gjord. Innehållet var viktigt för honom. På den tiden kunde många inte läsa, men symbolspråket ingjuts i alla troende från barndomen. Symboliken för färg, gester, avbildade föremål är ikonens språk.
En av kyrkofäderna, Nilus från Sinai, skrev att ikoner förvaras i kyrkor "i syfte att undervisa dem som inte kan och inte kan läsa de heliga skrifterna i tron."
Grunden för uppkomsten av rysk målning var proverna av bysantinsk konst. Det var därifrån kanonerna kom till Ryssland.
Kanonen stoppade inte alls tanken på den medeltida målaren, men den disciplinerade honom och tvingade honom att vara noggrann uppmärksam på detaljer.
Med tanke på ikonmålningens pedagogiska roll var ett enhetligt system av tecken mycket viktigt, som hjälpte tittarna att navigera i handlingen och verkets inre betydelse.
Den filosofiska innebörden av kanonen är att den "andliga världen" är immateriell och osynlig och därför otillgänglig för den vanliga uppfattningen. Det kan endast representeras med symboler. Ikonmålaren strävade inte efter yttre formell realism, tvärtom betonar han starkt skillnaden mellan den avbildade himmelska världen med de helgon som anslutit sig till den och den jordiska värld som betraktaren lever i. För att göra detta är proportionerna medvetet förvrängda, perspektivet kränks.
Användningen av ett omvänt perspektiv eller en enhetlig ogenomtränglig bakgrund, så att säga, förde betraktaren närmare den avbildade bilden, ikonens utrymme verkade röra sig mot den tillsammans med helgonen placerade på den.
Ansiktet (ansiktet) i ikonen är det viktigaste. I praktiken av ikonmålning målade de först bakgrunden, landskapet, arkitekturen, kläderna, de kunde målas av andrahandsmästaren - en assistent, och först då började huvudmästaren måla ansiktet. Att följa denna arbetsordning var viktigt, eftersom ikonen, liksom hela universum, är hierarkisk. Ansiktets proportioner var medvetet förvrängda. Man trodde att ögonen är själens spegel, varför ögonen på ikonerna är så stora och genomträngande. Låt oss komma ihåg de uttrycksfulla ögonen hos förmongoliska ikoner (till exempel Novgorod, Frälsaren som inte är gjord av händer, 1100-talet). Munnen, tvärtom, symboliserade sensualitet, så läpparna drogs oproportionerligt små. Med början från Rublevsky-tiden i början av 1400-talet. ögonen skrev inte längre så överdrivet stort, ändå ägnas de alltid stor uppmärksamhet. På Rublevs ikon "The Savior of Zvenigorod" slår Frälsarens djupa och genomträngande blick oss först av allt. I Theophanes the Greek avbildades några helgon med slutna ögon eller till och med med tomma ögonhålor - på så sätt försökte konstnären förmedla tanken att deras blick inte var riktad mot omvärlden, utan inuti, mot kontemplationen av den gudomliga sanningen och inre bön.
Figurerna av de avbildade bibliska karaktärerna målades mindre tätt, med få lager, medvetet utsträckta, vilket skapade en visuell effekt av deras lätthet och övervann deras kroppars fysiska och volym. De verkar sväva i rymden ovanför jorden, vilket är ett uttryck för deras andlighet, deras förvandlade tillstånd.
Den faktiska bilden av en person upptar ikonens huvudutrymme. Allt annat - kammare, berg, träd spelar en sekundär roll, deras ikoniska natur förs till maximal konventionalitet. Men de bär också en viss semantisk belastning (ett berg symboliserar en persons väg till Gud, en ek är en symbol för evigt liv, en skål och vin- symboler för Kristi försoningsoffer, duvan är en symbol för den Helige Ande, etc.). Ju äldre ikonen är, desto mindre sekundära element har den.
För uppfattningen av ikonmålning av en modern betraktare är det viktigt att komma ihåg att en ikon är ett mycket komplext verk vad gäller dess interna organisation, konstnärliga språk, inte mindre komplex än till exempel en renässansmålning. Ikonmålaren tänkte dock i helt andra kategorier, följde en annan estetik.
Eftersom utbredningen av kristendomen i väst och öst skedde under olika historiska förhållanden utvecklades också kyrkokonsten på olika sätt. I Västeuropa predikades kristendomen bland barbarerna som erövrade det västromerska riket. För dem var ikonen tvungen att visa och berätta evangeliets berättelse så sanningsenligt som möjligt, därav realism, den gradvisa förvandlingen av ikonen till en bild med en religiös handling. Det östra romerska riket - Bysans, tvärtom, bevarade traditionerna från den antika kulturen och utvecklade dem, här förblev ikonen som en symbolisk text och tjänade inte till att excitera fantasin, utan för intern förståelse och kontemplation. Tecknet och symbolen är alfabetet för den medeltida betraktaren.
Märkligt nog, på artonhundratalet. ikoner ansågs vara primitiv konst på grund av att realismen hade ett starkt inflytande på måleriets estetiska uppfattning. Gamla ryska ikonmålare anklagades för okunnighet om anatomi och metoder för att konstruera direkt perspektiv. Senare, i början av 1900-talet, studerade många avantgardekonstnärer, K. Petrov-Vodkin, V. Kadinsky och andra, noggrant och försökte själva adoptera uttrycksmedel gamla mästare. Henri Matisse erkände den ryska ikonens betydande inflytande på hans arbete.
Genom modernism och avantgarde återvänder inte bara Ryssland, utan även västvärlden till konstens ikoniska natur, med hjälp av lokala färger, silhuetter och scheman som uttrycksmedel.
Den ikonografiska kanonen är en separat och krävande specialstudieämne. Här är några grundläggande regler:
- Proportioner. Bredden på gamla ikoner motsvarar höjden 3:4 eller 4:5, oavsett storleken på ikontavlan.
- Figurstorlekar. Ansiktets höjd är lika med 0,1 av kroppens höjd (enligt bysantinska regler är en persons höjd lika med 9 mätningar av huvudet). Avståndet mellan pupillerna var lika med storleken på näsan.
- Rader. Ikonen ska inte ha trasiga linjer, de är antingen stängda eller så kommer de från en punkt, eller så är de anslutna till en annan linje. Ansiktets linjer är tunna i början och slutet, och förtjockade i mitten. Arkitekturens linjer är överallt lika tjocka.
- Användningen av omvänt perspektiv - bestående endast av nära och medelstora planer, var den avlägsna planen begränsad till en ogenomtränglig bakgrund - guld, rött, grönt eller blått. Eftersom avståndet från betraktaren minskar inte objekten utan ökar.
Särskilda regler fastställde tillämpningen av färger, användningen vissa färger etc.
Alla målare tillgrep färgernas symbolik, varje färg bar sin egen semantiska belastning.
- Guld är en färg som symboliserar strålglansen av den gudomliga härligheten, i vilken de heliga bor. Ikonens gyllene bakgrund, helgonglorierna, den gyllene strålglansen runt Kristi gestalt, Frälsarens och Jungfruns gyllene kläder - allt detta fungerar som ett uttryck för helighet och eviga värden som tillhör världen.
- Gult eller ockra - färgen som är närmast guld i spektrum, ofta bara en ersättning för den, är också en färg högsta maktänglar.
- Vit är en färg som symboliserar renhet och renhet, deltagande i den gudomliga världen. Kristi kläder är skrivna i vitt, till exempel i kompositionen "Transfiguration", såväl som de rättfärdigas kläder på ikonerna som visar den sista domen.
- Svart är en färg som i vissa fall symboliserar helvetet, det maximala avståndet från Gud, i andra är det ett tecken på sorg och ödmjukhet.
- Blått - Jungfruns färg, betydde också renhet och rättfärdighet.
- Blå - storhetens färg, symboliserade det gudomliga, himmelska, mysteriets obegriplighet och uppenbarelsens djup.
- Röd - den kungliga färgen, en symbol för makt och makt (manteln av ärkeängeln Mikael - ledaren för den himmelska armén och St. George - vinnaren av ormen); i andra fall kan det vara en symbol för förlösande blod, martyrskap.
- Grön - symboliserad evigt liv, evig blomning, det är också den Helige Andes färg.
Den medeltida målaren kände inte till paletten, blandade inte färger under arbetet, färgerna ritades upp i förväg och var obligatoriska. Recepten på färger från olika skolor matchade inte, men som regel gnides de på äggula, de var mycket starka och ljusa.
Gestikulationen bar också en symbolisk belastning. Gesten i ikonen förmedlar en viss andlig impuls, bär viss andlig information:
- handen pressad mot bröstet - innerlig empati;
- handen höjd - en uppmaning till omvändelse;
- en hand sträckt framåt med en öppen handflata är ett tecken på lydnad och ödmjukhet;
- två händer upplyfta - en bön om fred;
- händerna lyfts framåt - en bön om hjälp, en gest av begäran;
- händer pressade mot kinderna - ett tecken på sorg, sorg.
Föremålen i händerna på det avbildade helgonet var också av stor betydelse, som tecken på hans tjänst. Så aposteln Paulus avbildades vanligtvis med en bok i sina händer - detta är evangeliet, mer sällan med ett svärd, som symboliserar Guds ord. Petrus brukar ha nycklarna i sina händer – det är nycklarna till Guds rike. Martyrerna är avbildade med ett kors i sina händer eller en palmgren - symboler för att tillhöra Himmelriket, profeterna brukar hålla rullarna med sina profetior i sina händer.
Och detta är långt ifrån uttömmande material om färgens symbolik och gester. Det är ingen slump att ikoner kallades "teologi i färger".
"I ikonens linjer och färger har vi övervägande semantisk skönhet", skrev filosofen E. Trubetskoy 1916. I sitt berömda verk "Spekulation i färger" utvecklade han denna idé djupt och hävdade att de gamla ryska mästarna reflekterade över meningen med livet, bar svar på eviga frågor vara "inte i ord, utan i färger och bilder."
Öppning gammal rysk målning i början av 1900-talet återupplivade erkännandet av dess konstnärliga betydelse förståelsen av dess sanna andliga innebörd. Så filosofen och prästen Sergei Bulgakov, en samtida med Trubetskoy, jämför i sin självbiografi europeisk och rysk målning. När Bulgakov första gången såg den "sixtinska madonnan" av Raphael gjorde bilden ett starkt intryck på honom. Men senare, när han blev bekant med antik rysk konst, såg han plötsligt det viktigaste som den "sixtinska madonnan" saknar: även om hon skildrar Guds moder, kan man inte be inför henne. Om en sekulär konstnär, när han målar en bild, strävade efter maximalt konstnärlig uttrycksförmåga, han är först och främst författaren, sedan tänkte munk-ikonmålaren inte på estetik - han tänkte på prototypen, han trodde att Gud ledde hans hand.
Huvudguiden för skapandet av ikonen till målarna var de antika originalen, hämtade från Bysans. Kanonisk målning under många århundraden passade in i en strikt definierad ram, som endast tillåter upprepning av ikoniska original.
Bilder var strikt reglerade i rymden, poser, en viss plotkontur observerades. För att hjälpa målarna fanns speciella valv med teckningar av bilder av ortodoxa helgon och deras verbala beskrivningar. I slutet av XVII-talet. det fanns till och med en konsoliderad upplaga av originalen, som samlade in mest berättelser ackumulerade under århundradena, liksom referensmaterial, listor över termer och ämnen.
Ikonernas huvudpersoner är Guds Moder, Kristus, Johannes Döparen, apostlarna, förfäderna, profeterna, heliga vänner och stora martyrer. Bilder kan vara:
- huvud (endast ansikte),
- axel (på axlarna),
- midja (till midjan),
- i full tillväxt.
Heliga målades ofta omgivna av separata små kompositioner på teman i deras liv - de så kallade hagiografiska kännetecknen. Sådana ikoner berättade om karaktärens kristna bedrift.
En separat grupp bestod av ikoner tillägnade evangeliehändelser, som utgjorde grunden för de viktigaste kyrkliga helgdagar, samt ikoner målade på basis av Gamla testamentets berättelser.
Tänk på den huvudsakliga ikonografin av Jungfrun och Kristus - de viktigaste och mest vördade bilderna i kristendomen.
Bilder av Guds moder.
Hodegetria (Guide) Detta är en halvlång bild av Guds moder med Kristusbarnet i famnen. Kristi högra hand är i en välsignande gest, i sin vänstra har han en skriftrulle - ett tecken på den heliga läran. Guds moder håller sin son med ena handen och pekar på honom med den andra.
Eleusa (tillgivenhet) det här är en halvlång bild av Guds moder med barnet i famnen, böjda för varandra. Guds moder kramar sin son, han trycker mot hennes kind.
Oranta (bön) Det här är en bild i full längd av Guds moder med händerna höjda mot himlen. När en rund medaljong med barnet Kristus avbildas på bröstet på oranerna kallas denna typ för den stora Panagia (Alla helgon) i ikonografi.
Tecken eller inkarnation Detta är en halvlång bild av Guds moder med händerna upphöjda i bön. Som i Great Panagia, på bröstet av Guds moder finns det en skiva med bilden av Kristus, som symboliserar inkarnationen av Gud-människan.
Totalt fanns det cirka 200 ikonografiska typer av bilden av Guds moder, vars namn vanligtvis är förknippade med namnet på det område där de var särskilt vördade eller där de först dök upp: Vladimirskaya, Kazanskaya, Smolenskaya, Iverskaya, etc. Guds moders kärlek och vördnad bland folket har oupplösligt smält samman med hennes ikoner, några av dem erkänns som mirakulösa och det finns helgdagar till deras ära.
Bland de mest kända ikonerna för Guds moder är Vladimirskaya (tillhör typen "Ömhet"), forskare daterar den till 1100-talet, enligt krönikabevis kom den från Konstantinopel. I framtiden kopierades Our Lady of Vladimir upprepade gånger, det fanns många listor från henne från XIV-XV-talen. Till exempel skapades den berömda upprepningen av "Vår Fru av Vladimir" i början av 1400-talet. för Assumption Cathedral i staden Vladimir, för att ersätta det gamla originalet, transporterat till Moskva.
Den berömda Guds Moder av Don tillhör också typen "Ömhet", förmodligen skriven av Theophanes den greker själv och som blev den viktigaste helgedomen som grundades på 1500-talet. Moskva Donskoy-klostret.
En av de bästa ikonerna av typen Hodegetria anses vara Vår Fru av Smolensk, skapad 1482 av den store konstnären Dionysius. Den kallas Smolenskaya eftersom, enligt krönikalegenden, den äldsta av Hodegetria-kopiorna som fördes till Ryssland förvarades i Smolensk, och det var från den som alla efterföljande ikoner gjordes.
Den huvudsakliga och centrala bilden av forntida rysk målning är bilden av Jesus Kristus, Frälsaren, som han kallades i Ryssland.
Bild av Kristus.
Pantokrator (Allsmäktig) Detta är en bild av Kristus i halv eller full längd. Hans högra hand höjs i en välsignande gest, i den vänstra håller han evangeliet - ett tecken på den lära han förde till världen.
Frälsare på tronen detta är en bild av Kristus i den bysantinske kejsarens kläder som sitter på en tron (tron). Med höger hand upphöjd framför bröstet välsignar han, och med vänster rör han vid det öppnade evangeliet.
Utöver den vanliga kompositionen av Frälsaren på tronen, fanns det också bilder i forntida rysk konst där Kristusgestalten som satt på tronen var omgiven av olika symboliska tecken som indikerar fullheten av hans makt och den dom han fällde över värld. Dessa bilder utgjorde en separat uppsättning och fick namnet Rädd vid makten.
Spas biskop den store bilden av Kristus i en biskopsdräkt, som avslöjar honom i form av en Nya testamentets överstepräst.
Frälsare inte gjord av händer detta är en av gamla bilder Kristus, där endast Frälsarens ansikte är avbildad, präglad på tyget.
Frälsare Not Made by Hands in törnekrona en av varianterna av denna bild, även om den är sällsynt, förekommer denna typ av bild i rysk ikonmålning först på 1600-talet.
Relativt sällsynt är bilden av Kristus i barndom kalladEmmanuel
("Gud är med oss").Ännu mindre vanlig är bilden av spädbarnet Kristus med en stjärnformad nimbus, som personifierar Kristus före inkarnationen (d.v.s. före födseln), eller Kristus i form av en ärkeängel med vingar. Dessa ikoner kallasDet stora rådets ängel
.
Ikonerna som återgav Image Not Made by Hands var de mest talrika. Den äldsta överlevande är Novgorod-frälsaren Not Made by Hands, skapad på 1100-talet. och ägs idag av Statens Tretjakovgalleri. Inte mindre känd är "Frälsaren som inte är gjord av händer" från Assumption Cathedral i Moskva Kreml, med anor från 1400-talet.
Det fanns också många bilder av den Allsmäktiges Frälsare. De berömda "Zvenigorod Spas" av Andrei Rublev från denna serie är ett av de största verken av forntida rysk målning, en av författarens bästa skapelser.
I Ryssland ansågs ikonmålningen vara den viktigaste, statliga angelägenheten. Chronicles, tillsammans med händelser av nationell betydelse, noterade byggandet av nya kyrkor och skapandet av ikoner.
Det fanns en uråldrig tradition - att bara tillåta munkar till ikonmålning, dessutom de som inte färgade sig själva med syndiga handlingar. Stoglavy-katedralen från 1551 uppmärksammade bland annat ikonmålning. Rådet beslutade att ikonmålaren skulle vara en man med ett rättfärdigt, rent liv, och hans hantverk är att tjäna Gud och kyrkan. Så de största ikonmålarna i det antika Ryssland Andrei Rublev och Daniil Cherny, enligt samlingen av "Tales of the Holy Elders", var rättfärdiga och "överträffade alla i dygder", för vilka de tilldelades sina ovanliga talanger.
I många århundraden var ikoner i Ryssland omgivna av en gloria av stor moralisk auktoritet. Arbetet med ikonen började med ivrig bön, inte bara av artistmunken, utan av hela klostret. Det ansågs vara en stor synd att slänga eller bränna ikoner. Om bilden mörknade eller bleknade (detta hände ofta: i gamla dagar var det vanligt att täcka bilden ovanpå med torkande olja, på grund av vilken de mörknade med tiden), "spelades in" den med en ny målning. Det fanns också en sed att bortskämda och oanvändbara ikoner svävade nedför floden med framsidan nedåt efter en preliminär bönsgudstjänst. Vissa gamla ikoner var särskilt vördade och ansågs mirakulösa, d.v.s. kunna utföra mirakel. Historien om sådana mirakulösa ikoner innehöll många legender om mirakulösa räddningar och helande till de troende.
Så den viktigaste helgedomen i Novgorod - ikonen för Our Lady of the Sign från kyrkan Hagia Sophia påstås ha räddat staden från belägringen. Krönikorna berättar hur den helige Johannes av Novgorod år 1169, efter att ha fått veta att Suzdal-folket skulle ut i krig mot Novgorod, började be innerligt och plötsligt hörde en röst: han beordrades, när belägringen började, att gå ut till Suzdalfolket med tecknets ikon av Guds Moder. Det gjorde de, varefter suzdalerna besegrades.
Den berömda ikonen för Vår Fru av Vladimir är krediterad för att rädda Moskva från Tamerlane 1395, när han plötsligt avbryter sin kampanj mot staden och återvänder till stäppen. Muskoviter förklarade denna händelse genom förbön från Guds moder, som påstås ha visat sig för Tamerlane i en dröm och beordrade att inte röra staden. Ikonen "Our Lady of the Don", enligt legenden, var med Dmitry Donskoy på Kulikovo-fältet 1380 och hjälpte till att besegra tatarerna.
Enligt legenden hjälpte Kazan-ikonen för Guds moder Minin och Pozharsky att befria Moskva från polackerna 1612.
Tron på ikonernas mirakulösa kraft är fortfarande stark idag, och den moderna kyrkan bevarar också traditionerna för sin vördnad. Ikonen som andligt fenomen väcker alltmer uppmärksamhet, inte bara i den ortodoxa, utan även i den katolska världen. I Nyligen Allt Mer Kristna utvärderar ikonen som ett gemensamt kristet andligt arv. Idag är det gammal ikon uppfattas som en uppenbarelse nödvändig för den moderna människan.
Ikonografi är inte mindre intressant för historiker och konsthistoriker. Idag behöver ingen bevisa det estetiska värdet av ikonen, men för att förstå dess sanna andliga värde, för att förstå författarens konstnärliga språk, för att reda ut dess djupa innebörd, är det nödvändigt att fortsätta studiet av detta mest intressant lager av gammal rysk konst.
cand. ist. Vetenskaper, konst. lärare
avdelningar samhällsvetenskap Och
regionala studier av Ryssland
Statens institut
ryska språket dem. SOM. Pusjkin
Kuprina I.V.
Ingenstans har ikonografi nått en sådan utveckling som i Ryssland, ingenstans har den skapat så många mästerverk och har inte blivit en favoritform av konst för ett helt folk i århundraden.
Kulten av ikonen (från det grekiska eikon - bild, bild) uppstod på 200-talet. och blomstrade på 300-talet; De äldsta bevarade ikonerna går tillbaka till 600-talet. Ikonen bör inte betraktas som en bild som är identisk med gudomen, i motsats till förkristna idoler, utan som en symbol som tillåter andlig gemenskap med "originalet" (arketypen), det vill säga penetration in i den övernaturliga världen genom ämnet av den materiella världen.
Ikoner gjordes ursprungligen i tekniken enkaustisk (vaxmålning), sedan tempera och, i sällsynta fall, mosaik, och senare (främst från 1700-talet), oljemålning. Ikonen var särskilt utbredd i Bysans; ursprungliga skolor för ikonmålning uppstod i det koptiska Egypten och Etiopien, i de sydslaviska länderna, i Georgien. Den gamla ryska ikonen fick verklig konstnärlig ljusstyrka och originalitet.
På grundval av arkeologiska utgrävningar har det konstaterats att arbetet med färger var känt i det antika Ryssland redan innan kristendomen antogs. Detta bevisas av upptäckten av en mortelstöt för att slipa färger, upptäckt i en utgrävning på platsen för den antika Saransk-bosättningen, där staden Rostov den store senare grundades. Men tekniken för målning och bindemedel, på vilka tunna färger skrevs över, är ännu inte känd.
Ikonen består av fyra till fem lager, ordnade i följande ordning: bas, primer, färglager, skyddande lager. Ikonen kan ha en lön av metaller eller något annat material.
Det första lagret är basen; oftast är det en träskiva med ett tyg som kallas duk limmat på. Ibland händer tavlan utan en duk. Mycket sällan gjordes grunden för verk av äggula tempera endast av duk. Orsaken till detta fenomen är uppenbar. Trä, inte sten, fungerade som vårt huvudsakliga byggnadsmaterial, så att den stora majoriteten av ryska kyrkor (9/10) var av trä. Med sin dekorativa effekt, enkla placering i tinningen, ljusstyrkan och styrkan i deras färger (malda på äggula), var ikonerna målade på tavlan (furu och lind, täckt med alabaster primer - "gesso"), de bästa lämpad för dekoration av ryska träkyrkor. Inte konstigt att det noterades att ikonen i det antika Ryssland var samma klassiska form av konst som i Egypten - en relief, i Hellas - en staty och i Bysans - en mosaik.
Det andra lagret är jord. Om ikonen är målad på ett sent sätt, kombinerar tempera med färger på andra bindemedel (främst olja), och skikten av primern är färgade (färgade pigment används, inte traditionell krita eller gips), så kallas det "mald" . Men i det guletempera som rådde inom ikonmåleriet är marken alltid vit. Denna typ av jord kallas gesso.
Det tredje lagret är färgglatt. Färgskiktet består av olika färger som successivt appliceras på primern. Detta är den viktigaste delen av en målning, eftersom det är med hjälp av färger som en bild skapas.
Det fjärde är ett skyddande (eller täckande) lager av torkande olja eller oljelack. Mycket sällan användes protein som material för skyddsskiktet. kycklingägg(på vitryska och ukrainska ikoner). För närvarande - hartslacker.
Löner för ikoner gjordes separat och fixerades på dem med naglar. De är gjorda av metaller, broderade tyger och till och med snidat trä, täckt med gesso och förgyllning. De täckte inte hela bildytan med löner, utan främst glorier (kronor), ikonens bakgrund och fält, och mer sällan nästan hela ytan, med undantag för bilder av huvuden (ansikten), armar och ben.
Under många århundraden i Ryssland skrev de i tekniken med äggula tempera; nu använder de termerna "äggtempera", eller helt enkelt "tempera".
Tempera (av italienska "temperare" - att blanda färger) - målning med färger, där bindemedlet oftast är en emulsion av vatten och äggula, mindre ofta - från vegetabiliskt eller animaliskt lim utspätt i vatten med tillsats av olja eller oljelack. Färg och ton i verk skrivna i tempera är ojämförligt mer motståndskraftiga mot yttre påverkan och behåller sin ursprungliga fräschör mycket längre jämfört med oljemålningsfärger. Tekniken för äggula tempera kom till Ryssland från Bysans i slutet av 900-talet tillsammans med konsten att måla ikoner.
Fram till slutet av 1800-talet använde ryska ikonmålare, som talade om processen att blanda ett pigment med ett bindemedel, uttrycket "gnugga färger" eller "upplösa färger". Och själva färgerna kallades "skapade". Från början av 1900-talet började bara färger gjorda av pulver av guld eller silver blandat med ett bindemedel (skapat guld, tillverkat silver) kallas skapade. Resten av färgerna kallades helt enkelt tempera.
Ikoner i Ryssland dök upp som ett resultat av den bysantinska kyrkans missionsverksamhet vid en tidpunkt då betydelsen av kyrkokonst upplevdes med särskild kraft. Det som är särskilt viktigt och som var en stark inre impuls för den ryska kyrkliga konsten är det faktum att Ryssland antog kristendomen just vid epok av återupplivandet av andligt liv i själva Bysans, epok av dess storhetstid. Under denna period var ingenstans i Europa kyrkokonsten så utvecklad som i Bysans. Och på den tiden fick det nykonverterade Ryssland, bland andra ikoner, som exempel på ortodox konst, ett oöverträffat mästerverk - ikonen för Guds moder, som senare fick namnet Vladimir.
Rostov-Suzdal skola.
Rostov-Suzdal och Zalesskaya Rus är i antiken vidsträckta länder från Oka och Volga till Vita sjön. Dessa länder blev det andra centrumet för rysk stat och kultur efter Kiev. I mitten av Ryssland i tre århundraden, från den 10:e till den 13:e, uppstod städerna Rostov den store, Murom, Suzdal, Vladimir, Belozersk, Uglich, Kostroma, Tver, Nizhny Novgorod, Moskva.
Ikonerna målade i Rostov den store representerar det som ett centrum, en slags akademi för målare i nordöstra Ryssland. De bekräftar betydelsen och den ljusa originaliteten hos den nationella centralryska antika målningen och dess viktiga roll i offentlig konst.
Ikonerna för Rostov-Suzdal-skolan redan vid den första bekantskapen förvånar oss med ljusets ljusstyrka och renhet, uttrycksfullheten hos en strikt design. De kännetecknas av en speciell harmoni av en rytmiskt byggd komposition, mjuka varma färgnyanser.
äldst av Suzdal ikoner- Maksimovskaya Guds moder - skrevs 1299 på order av Metropolitan Maxim i samband med överföringen av Metropolitan See från Kiev till Vladimir. Guds moder är avbildad i full längd med en bebis i famnen. Ikonen har betydande förluster från gammal målning, men den ovanligt uttrycksfulla silhuetten, smidigt löpande linjerna i ritningen talar om den mycket höga skickligheten hos dess skapare.
Målningar från 1300-talet - tiden för kampen med mongol-tatarerna - bär tidens drag, deras bilder är fulla av djup sorglig kraft. De kom till uttryck i Jungfruikonen (1300-talet). Det är karakteristiskt att även jungfruns kläder - maforium - med sin nästan svarta färg symboliserar djupet av sorg.
1400-talet anses med rätta vara den antika ryska målningens storhetstid. I traditionerna från Rostov-Suzdal-skolan målades ett av mästerverken på 1400-talet - en ikon som skildrar förbönshögtiden. Denna semester introducerades av Andrei Bogolyubsky och blev särskilt populär i Vladimir-Suzdal-landet. Den centrala bilden av detta verk är Guds Moder, som överskuggar människor med sitt omslag och skyddar dem från problem. Detta arbete är fullt av lugnande harmoni. Detta intryck skapas av en balanserad komposition, färg, byggd på förhållandet mellan ljusbruna, röda och vita färgnyanser.
På 1400-talet blev hagiografiska ikoner särskilt utbredda, där helgonbilden ramas in med kännetecken med scener ur hans liv. Så här görs ikonen av Nikola (1500-talet) - ett helgon, särskilt populärt i Ryssland. I denna ikon är rikedomen av rosa, ljusgrön, ljusbrun, de finaste nyanserna, bredvid blå och röda fläckar på en vit bakgrund, slående. Denna färgrikedom ger ikonen friskhet och klang.
För 1500-talet, när idén om stat växer sig starkare, är strikta, sublima bilder karakteristiska. Vid denna tidpunkt målades ikonen för Guds moder Hodegetria (på grekiska - "krigare"). Tillsammans med sådana verk finns det andra, de känner en levande folklig förståelse för bilderna, deras tolkning.
I ikonen för tillkännagivandet introducerar konstnären bilden av svanar, som i den populära fantasin var förknippade med bilden av en jungfru brud.
Från 1500-talets andra hälft började sammansättningen av ikoner bli mer komplicerad. Denna trend ökar successivt och på 1600-talet strävar konstnären efter att så detaljerat som möjligt förmedla den legend som ligger bakom den eller den ikonbilden. Så ikonen "Descent into Hell" är inte bara mycket detaljerad, men för större övertygelse kompletteras den med inskriptioner. I underjorden, bredvid demonerna, som personifierar mänsklig synd, finns det inskriptioner: "tatba", "otukt", "förtvivlan".
I slutet av 1600-talet dök det upp drag i rysk ikonmålning, vilket indikerar tillvägagångssättet för den realistiska målningens era. Konstnärer strävar efter att måla ikoner på ett sätt som är nära realistiskt och förmedlar volymen av ansikten, figurer och miljö. Det är dessa egenskaper som kännetecknar ikonen för Vladimir Guds moder i slutet av 1600-talet.
Alla dessa ikoner från Rostov-Suzdal-skolan förvånar oss antingen av ljusstyrkan, friskheten och harmonin i den konstnärliga strukturen, eller av berättelsens komplexitet och underhållande, vilket öppnar ett fönster in i det förflutna för oss och ger oss möjlighet att komma in. beröra våra förfäders rika och på något sätt inte helt förstådda värld.
Moskva skola.
Moskvaskolan tog form och utvecklades intensivt under en tid präglad av förstärkningen av Moskvafurstendömet. Målning av Moskvaskolan på 1300-talet. representerade en syntes av lokala traditioner och avancerade trender inom bysantinsk och sydslavisk konst (ikonerna "Savior the Fiery Eye" och "Savior the Shoulder", 1340, Assumption Cathedral i Moskva Kreml). Moskvaskolans storhetstid i slutet av 1300-talet - början av 1400-talet. förknippad med aktiviteterna hos framstående konstnärer Theophan the Greek, Andrei Rublev, Daniil Cherny. Traditionerna för deras konst utvecklades i Dionysius ikoner och väggmålningar, som lockar med sofistikerade proportioner, dekorativ festlighet av färg och balans mellan kompositioner.
Rostov-Suzdal-skolan, känd i Ryssland sedan före-mongoltiden, fungerade som den jord på vilken Moskva-målningen utvecklades och utvecklades under 14-16-talen.
Den existerade länge bredvid Rostov-Suzdal-målningen, men den slutliga upplösningen av Rostov-Suzdal-målningen i den nya Moskva-riktningen skedde inte. Originaliteten hos den första är uppenbar, och även på 1500-talet förblir deras verk trogna sina traditioner.
När dök Moskvas målarskola upp?
Detta är mycket svårt att fastställa, eftersom Moskvas konst till en början liknade konsten i Vladimir-Suzdal-landet, precis som Moskvas historia smälte samman med dess historia.
Kanske kan ursprunget till Moskvaskolan associeras med sådana ikoner av centralryskt ursprung, som till exempel "Boris och Gleb" från det tidiga 1300-talet. Kungligt majestätiska, slanka och graciösa är dessa unga krigare i magnifika kläder, med ett svärd och ett kors i händerna.
Redan i de tidiga Moskva-ikonerna kompletterar färger varandra, och skönheten i deras dimensionella konsistens, och inte i kontraster. Och den linjära rytmen i Moskva-ikonmålningen är också mjukt men tryggt koordinerad i uppmätt ljud, utan de effekter som till exempel en jämförelse av det vertikala med det horisontella ger.
I början av 1400-talet intog Moskva en exceptionell position i Östeuropa, både politiskt och kulturellt. Moskvafurstendömet växte sig starkare och växte. Konstnärer från många länder rusade till Moskva, för vilka det blev ett av de största kulturcentrumen. Så greken Theophanes, som redan blivit känd i Novgorod, hamnade i Moskva.
Perfektionen av Feofans konstnärliga tekniker - arvet från en mycket uråldrig kultur som länge hade nått sin zenit - var särskilt viktig för den slutliga bildningen av konsten hos en ung, men redan medveten om dess världsmakt.
I Moskva, kanske under inflytande av Moskvas målartradition, visade Feofan i sina kompositioner mindre passion, mindre dynamik, men mer än i Novgorod, majestätisk högtidlighet. Detta bevisas av de centrala figurer som målats av honom av deesis-nivån i ikonostasen av Annunciation Cathedral, bland vilka Mariagestalten är särskilt attraktiv med sin pittoreska perfektion. Hans andra verk i Moskva har inte bevarats.
Förutom Theophan själv arbetade de med målningen av bebådelsekatedralen under hans allmänna överinseende "Prokhor den äldre från Gorodets och den svarte Andrei Rublev".
Andrei Rublev var vördad under sin livstid för enastående skicklighet, men sann berömmelse kom till honom efter hans död, och inte omedelbart. Men denna härlighet visade sig vara obestridlig.
Upptäckten av Rublevs "Trenity" gjorde ett fantastiskt intryck, alla greps av gränslös beundran: en av världsmålningens mest betydelsefulla, mest andliga skapelser släpptes från fängelsehålan som hade gömt den så länge.
"Trinity" fungerade som grunden för återuppbyggnaden av den kreativa individualiteten hos Andrei Rublev. Och till och med tanken uttrycktes att det var detta Rublev-mästerverk som sannolikt ger nyckeln till att förstå skönheten i all gammal rysk målning.
Hela Rublyovs målning låter som en förtjusande symfoni, som en lyrisk vers om universell broderlig tillgivenhet. Hur mycket glädje är generöst förberedd för oss här genom att enbart måla, så att vi innan denna skapelse av Rublev verkligen är redo att hålla med Leonardo Da Vinci, som sa att måleriet är konstens drottning.
Dessa känslor, dessa glädjeämnen uppstår i kontemplationen av Rublevs "Trenity", även om du inte vet vad, i huvudsak, dess handling är. Ikonen i underbara färger och bilder förhärligar broderskap, enhet, försoning, kärlek och förkunnar med sin skönhet hoppet om dessa goda principers triumf.
I Rublevs verk fann den forntida ryska bildkulturen sitt mest levande, mest fullständiga uttryck, och hans "treenighet" var avsedd att fungera som en ledstjärna för allt efterföljande ryskt ikonmåleri, tills denna konst själv förlorade sin fullblodighet. Sigillet på Rublevs geni på många konstverk som det ryska folket har rätt att vara stolt över.
Ett antal utmärkta Moskva-ikoner från de första decennierna av 1400-talet vittnar om den allmänna uppblomstringen av måleriet under Rublev-eran. En av de största mästarna, vars namn inte har kommit ner till oss, var författaren till ikonen för ärkeängeln Mikael från ärkeängelskatedralen i Moskva, som när det gäller sina konstnärliga förtjänster kan jämställas med de högsta prestationer av forntida rysk målning. Dessutom, i denna ikon segrar inte början av ljus glädje eller lugnande uppriktighet, utan det episka, heroiska.
Ärkeängeln Michael här är inte en ödmjuk, eftertänksam ängel med ett poetiskt lutande huvud, utan en hotfullt uträtad ung krigare, med ett svärd i händerna, andas mod. Det var inte för inte som han ansågs vara ledaren för den himmelska härskaran, Satans erövrare och de ryska prinsarnas beskyddare. Det finns inte längre en söt dröm om en välordnad värld, utan förkroppsligandet av militär skicklighet och vilja att slåss.
Hela kompositionen i sin linjära och färgstarka rytm är dynamisk, allt i den sjuder, som om man lyder en viss kraft som lyser igenom i den bevingade väktaren av det ryska landets blick.
... Den ryska konstens fackla, så högt uppvuxen av Rublev, övergår i slutet av århundradet i händerna på hans värdiga efterträdare Dionisy. Hans fresker vid Ferapontov-klostret är ett monument av forntida rysk konst. I hans kompositioner finns en sådan ljus elegans, sådan hög dekorativitet, sådan utsökt grace, sådan söt femininitet i deras rytm, i deras milda ljud, och samtidigt en sådan högtidlig, strikt mätt, "långsamhet", som motsvarade hovceremonien. av dåvarande Moskva. I denna regelbundenhet, återhållsamhet visar Dionysius konstnärlig visdom, redan uppskattad av sin samtid. Figurernas vändningar är knappt indikerade, rörelserna fryser ibland i en gest eller till och med en antydan till en gest. Men det räcker, eftersom integriteten och skönheten i hans kompositioner är baserade på den absoluta inre balansen mellan alla delar. Och som P.P. Muratov med rätta säger, "efter Dionysius skapade forntida rysk målning många vackra verk, men den dionysiska dimensionen och harmonin återvände aldrig till den."
Det sista stora vingslaget av forntida rysk kreativitet.
Stroganov skola.
Namnet "Stroganov-skolan" uppstod på grund av den frekventa användningen av familjemärket för Solvychegodsky-handlarna Stroganovs på baksidan ikoner i denna riktning, men författarna till de flesta av Stroganov-skolans verk var Moskva kungliga ikonmålare, som också utförde order från Stroganovs - kännare av fint och sofistikerat hantverk. Stroganov-skolans ikoner kännetecknas av sin ringa storlek, miniatyrskrift, saftiga, täta, halvtoniga färgschema, berikade av den omfattande användningen av guld och silver, den bräckliga feminiteten i karaktärernas poser och gester, och den komplexa fantasin av landskapsbakgrunder.
Novgorod skola.
De mest fullt bevarade antika monumenten av Novgorod-målning. I vissa verk kan inflytandet från bysantinsk konst spåras, vilket indikerar Novgorods breda konstnärliga band. Typen av ett orörligt helgon med stora drag och stora ögon är vanlig. Till exempel "St. George", vapenhuset, Moskva; dubbelsidig ikon med bilder av Frälsaren som inte är gjord av händer och tillbedjan av korset, sent 1100-tal, Tretjakovgalleriet.
Härligheten av "Novgorod-bokstäverna" - Novgorod-skolans ikoner - var så stor att många kännare ansåg nästan alla de bästa forntida ryska ikonerna vara Novgorod, och vissa forskare försökte till och med tillskriva Rublev och Dionisy till det.
Dessa försök var inte motiverade. Men det råder ingen tvekan om att på 1400-talet nådde Novgorod-skolan sin höjdpunkt, som "lämnar efter sig allt som skapades tidigare". (I.V. Alpatov)
I Novgorod-målningen, nästan från starten och under alla efterföljande århundraden, manifesterar folkprincipen sig med speciell kraft, med speciell uthållighet. Den kommer att finna en bred återspegling av den praktiska - ekonomiska inställningen till helgonens funktioner och betydelser.
Ärvd från hedendomen, den närmaste sammanflätningen med vardagen, gudomliga krafter med naturens krafter och dess fördelar har länge satt sin prägel på den antika ryska världsbilden.
Ikonmålaren målade aldrig från naturen, han strävade efter att fånga en idé. Novgorodkonsten kännetecknas särskilt av viljan att göra idén extremt tydlig, verkligen påtaglig, tillgänglig.
Bland de tidigaste Novgorod-ikonerna som har kommit till oss är mästerverk av världslig betydelse. Sådan är till exempel "Ängeln med gyllene hår", troligen skriven i slutet av 1100-talet. Vilken hög, ren skönhet i denna oförglömliga bild!
I ikonen för Novgorod-skolan "Antagandet" (1200-talet) chockerar vissa figurer av apostlarna oss bokstavligen med sanningen om de djupa upplevelser som en inspirerad konstnär okänd för oss fångade i dem. Ofta avbildade konstnären helt riktiga människor, medan typiska representanter för den styrande Novgorod-eliten, med högre himmelska krafter. Detta är ett betydande fenomen i forntida rysk målning, mycket karakteristisk för Novgorod-skolan med sin önskan om konkrethet, sanningsenlig uttrycksförmåga. Tack vare detta kan vi tydligt föreställa oss utseendet på den då ädla Novgorodian.
Novgorod-ikoner är väldigt känslosamma. Sålunda förmedlade konstnären med häpnadsväckande kraft det stora dödsdramat, den alltförtärande mänskliga sorgen, i ikonerna för Jungfruns antagande. Samma tema kom till uttryck i den berömda ikonen "Begravningen" (andra hälften av 1400-talet).
Novgorod-ikoner är vackra i sina färgkontraster. I dem spelar varje färg på egen hand, och var och en förstärker den andra i ömsesidig opposition. Kompositionerna av Novgorod-målningen, oavsett hur komplexa de kan vara - en-, två-, tresiffrig eller multi-plot, narrativ natur - de är alla enkla, perfekt inskrivna i planet och överensstämmer med sina former. Alla element är fördelade i dem jämnt och enligt deras betydelse. De har varken för upptagna eller tomma platser. Bakgrundsutrymmena mellan de enskilda bilderna tar vackra former och spelar en stor roll i kompositionen. Figurer, berg, träd är ofta arrangerade symmetriskt. Denna komposition stängde, fick en fullständig komplettering. Samtidigt bröts denna symmetri av figurernas vändningar, lutningarna på deras huvuden, olika former av berg, braxar, byggnader, träd och andra bilder.
Andra skolor för ikonografi.
Volga skola.
Ikonerna i Volga-regionen kännetecknas av följande egenskaper: energisk, tydlig konstruktion, mörka, djupt klingande toner. Ikonens Volga-ursprung avslöjar en speciell förkärlek för vattenlandskap. Det finns fyra av dem. Tre visar våldsamma mörka vatten som leker med branta vågor. På det fjärde - tysta vatten, en sandstrand, där ett mirakel sker mitt på ljusa dagen: en resenär med en vit säck på axeln kommer i land från en gapande enorm mun av en fisk. Denna ikon av Nikola Zaraisky med liv (1500-talet).
Ikonen "The Entombment" (slutet av 1400-talet) är intressant. Karaktärernas figurer är ordnade i tydliga horisontella rader parallellt med graven med Kristi kropp. Som om de skulle upprepa dessa horisontella linjer, reser sig avsatser av kullar i bakgrunden, divergerande från mitten till sidorna. Maria Magdalenas gestalt med händerna högt upp, så att säga, personifierar hopplöshet och förtvivlan.
I ikonen Sista måltiden”(slutet av 1400-talet) förmedlade ikonmålaren den dramatiska situationen extremt uttrycksfullt: frusna i olika poser, med olika handgester, avbildas apostlarna runt ett vitt ovalt bord. Till vänster, i spetsen, sitter Kristus, till vilken den extrema aposteln hukade sig i en uttrycksfull rörelse.
Yaroslavl skola.
Yaroslavl ikonmålarskola uppstod i början av 1500-talet. under perioden snabb tillväxt stadens befolkning, bildandet av köpmansklassen. Verken av Yaroslavl-mästarna från början av 1200-talet har kommit ner till oss, verken från 1300-talet är kända och av antalet överlevande monument för målning från 1500- och 1600-talen. Yaroslavl-skolan är inte sämre än andra gamla ryska skolor. I Yaroslavl-mästarnas arbete bevarades traditionerna för den höga konsten i det antika Ryssland noggrant fram till mitten av 1700-talet. I dess kärna förblev deras målning trogen den stora stilen, vars principer bildades i antiken utvecklats under lång tid inom miniatyrmåleri. Tillsammans med de "små" bilderna, Yaroslavl ikoner på 1700-talet. de skrev också kompositioner där kärleken till stora massor, till strikta och lakoniska silhuetter, för en tydlig och tydlig ordning av scener i frimärken är påtaglig på samma sätt som i mästares verk från 1400-1500-talen. Verk av Yaroslavl-mästare från andra hälften av 1600-talet - början av 1700-talet. under lång tid erkändes de i Ryssland som prover på den gamla nationella konsten. De samlades in av beundrare av forntida ikonmålning - de gamla troende, noggrant studerade av konstnärerna i Palekh och Mstera, som fortsatte under 19-20-talen. att måla ikoner i det ryska medeltida måleriets traditioner.
En av de äldsta ikonerna som har kommit ner till oss är "Our Lady of the Great Panagia". I den dekorativa designen av ikonen spelar användningen av guld en viktig roll, vilket ger bilden ett intryck av majestätisk skönhet och ojordisk prakt. I den rytmiska konstruktionen av ikonen används också aktiviteten av den vita färgen, skickligt applicerad i målning av ansikten.
Bildens känslomässiga rikedom är typisk för ikonen för Frälsaren Not Made by Hands (1200-talet). Den förstärks av den saftiga, stora målningen av bakgrunden - tavlan, upprätthållen i ljusa gula och röda toner i flera nyanser.
Nizhny Novgorod skola.
En av de intressanta ikonerna från Nizhny Novgorods ursprung är "Profeten Elias eldiga uppstigning med livet" (1300-talet). Det är skrivet brett, fritt. Livets scener är fulla av rörelse, gester är uttrycksfulla. Den rikaste variationen av individuella egenskaper hos karaktärerna. Ansiktena är skrivna i mörk sankir: fria bokstäver i ljust vitt markerar ansiktsformernas uttrycksfullhet, skärpan i blicken. Konstnären fokuserar på det viktigaste - sinnestillstånd, impuls, andens uttryck; spänningen råder i ikonen, något slags koncentrerat tillstånd av förståelse av sanningen och meditation.
Ikonen "The Miracle of Demetrius of Thessalonica with Life" (första hälften av 1500-talet) gjordes på samma sätt - samma karakteristiska grafiska klarhet i siluetten och ljusa mättade färger, som utmärker Nizhny Novgorod-monumenten från 1300-talet - 1500-talet.
Tver skola.
Tver-skolan för ikonmålning utvecklades på 1200-talet. Ikoner och miniatyrer av Tver-skolan kännetecknas av allvarlig uttrycksförmåga av bilder, spänning och uttryck för färgförhållanden och betonad linjäritet i skriften. På 1400-talet fokuset på de konstnärliga traditionerna i länderna på Balkanhalvön, som var karaktäristiska för henne tidigare, intensifierades.
Pskov skala.
Pskovskolan tog form under perioden av feodal fragmentering och nådde sin höjdpunkt på 1300-1400-talen. Hon kännetecknas av ökat uttryck av bilder, skärpa av ljusreflektioner, pastositet av stroke (ikonerna "Cathedral of Our Lady" och "Paraskeva, Barbara and Uliana" - båda andra hälften av 1300-talet, Tretyakov Gallery). Inom måleriet började kollapsen av Pskov-skolan vid 1400- och 1500-talens skiftning.
Ikonografi - skrivandet av ikoner, en typ av målning, vanlig under medeltiden, tillägnad religiösa ämnen och teman.
Ikonen som föremål för religiös tillbedjan är ett oumbärligt tillbehör för varje ortodox kyrka. I det antika Ryssland fanns det till exempel en kult av ikoner som heliga föremål. De dyrkades, många legender komponerades om dem, vidskepliga människor trodde att ikonerna var utrustade med en mystisk kraft. Ett mirakel förväntades av dem, befrielse från sjukdomar, hjälp att övervinna fienden. Ikonen var ett oumbärligt tillbehör inte bara för kyrkans dekoration, utan också för varje bostadshus. Samtidigt fick ikonernas konstnärliga kvalitet ibland underordnad betydelse.
I vår tid värdesätter vi bara de ikoner som är konstverk, vi uppfattar dem som monument från det förflutna och erkänner deras höga estetiska värde.
Georges mirakel om ormen. 1500-talet Moskva skola. Statens Tretjakovgalleri. Moskva.
De äldsta monumenten av ikonmålning går tillbaka till 600-talet. Stora samlingar av dem är koncentrerade i kloster i Sinai (Sinaihalvön), Athos-berget (Grekland) och Jerusalem. Ikonmåleri uppstod på grundval av traditionerna inom senhellenistisk konst. Originalverken - "porträtt" av helgon - gjordes i tekniken mosaik, enkaustisk, sedan målades ikonerna i tempera, från 1700-talet. - oljefärger på träskivor, mindre ofta - på metall.
Under X-XII århundradena. Bysans blev centrum för ikonmålning (se bysantinsk konst). I början av XII-talet. det berömda mästerverket skapades - ikonen för Vår Fru av Vladimir, som nu förvaras i Tretjakovgalleriet. Den bysantinska stilen hade ett stort inflytande på målningen av Västeuropa, det antika Ryssland, de sydslaviska länderna, Georgien, som var förknippad med spridningen av kristendomen.
Storhetstiden för forntida rysk målning faller i slutet av XIV - mitten av XVI-talet. Vad är denna period av vår historia? Efter att ha gått igenom prövningarna av det mongoliska-tatariska oket började det ryska folket förenas för att bekämpa fienden och inse deras enhet. I konsten förkroppsligade han sina strävanden och strävanden, sociala, moraliska, religiösa ideal. Bland den här tidens ikoner sticker de märkliga verken av Theophanes den grekiska ut. Hans konst, passionerad, dramatisk, klok, sträng, ibland tragiskt spänd, gjorde ett starkt intryck på ryska mästare.
Eran återspeglades på sitt eget sätt i Andrei Rublevs och hans elevers arbete. I verk av Andrei Rublev, med extraordinär konstnärlig kraft, förkroppsligades hans samtidas dröm om ett moraliskt ideal; hans bilder bekräftar idéerna om vänlighet, medkänsla, harmoni, glädje, som mötte folkets strävanden.
Tillsammans med Moskva-skolan under XIV-XV-talen. ikonografi blomstrar i Novgorod, Pskov, Tver, Suzdal och andra städer.
I slutet av XV-talet. dyker upp på Moskvas himmel ny stjärna- mästare Dionysius. Dionysius hade ett stort inflytande på sin samtid. under hela första hälften av 1500-talet. reflektioner av poesin av dess färger faller.
Dionysius. Metropoliten Alexy helar Taidula (hustru till Khan). Stämpel från ikonen "Metropolitan Alexy in his life". Början av 1500-talet Trä, tempera. Statens Tretjakovgalleri. Moskva.
Vändpunkten i ikonmåleriets utveckling skedde i mitten av sextondeårhundradet, då kyrkans kontroll över ikonmålarnas arbete ökade dramatiskt. Besluten från Stoglavy Sobor hänvisade till Andrei Rublev som en modell, men skar i huvudsak av den dyrbara tråden som rinner från honom.
Den historiska övervägandet av ikonografi hjälper till att förstå dess väsen. Ikonmålare uppfann vanligtvis inte, komponerade inte sina ämnen, som målare. De följde den ikonografiska typ som utvecklats och godkänts av tullen och kyrkans myndigheter. Detta förklarar det faktum att ikoner på samma tomt, även åtskilda av århundraden, är så lika varandra. Man trodde att mästarna var skyldiga att följa proverna som samlats in i de ursprungliga ikonmålningarna och endast kunde uttrycka sig i färg. Annars dominerades de av traditionella kanoner. Men även inom ramen för ständiga evangelieberättelser, med all respekt för traditionen, lyckades mästarna alltid tillföra något av sig själva, berika, tänka om den gamla modellen.
Fram till 1600-talet målare signerade vanligtvis inte sina verk. Krönikor och andra litterära källor nämner de mest vördade ikonmålarna: Theophan the Greek, Andrei Rublev, Daniil Cherny, Dionysius. Naturligtvis fanns det mycket mer duktiga hantverkare, men deras namn förblev okända för oss.
Den moderna människan kan inte annat än bli överraskad av de skarpa motsättningarna mellan grymhet och moralens oförskämdhet. feodala Ryssland och den forntida ryska konstens ädelhet och höghet. Detta betyder inte alls att den vände sig bort från livets dramatik. Det ryska folket på den tiden grävde ner sig i livets gång, men försökte sätta i konsten vad de saknade i verkligheten och vad de drogs till av folkets strävanden.
Till exempel såg bilderna av martyrerna Boris och Gleb då ut som en uppmaning till prinsarna att överge inbördesstridigheter. Ikonen "Slaget om Novgorodians med Suzdalians" manifesterade den lokala patriotismen under de åren när Moskva-prinsarnas regementen började hota Novgorods frihet.
Gamla ryska mästare var djupt övertygade om att konst gör det möjligt att röra tillvarans hemligheter, universums hemligheter. Den hierarkiska stegen, pyramidalitet, integritet, underordning av delar - detta är vad som erkändes som grunden för världsordningen, där de såg ett sätt att övervinna kaos och mörker.
Denna idé tog sig uttryck i strukturen för varje ikon. Det kristna templet var tänkt som en sken av världen, rymden och kupolen - himlavalvet. Följaktligen uppfattades nästan varje ikon som ett slags tempel och samtidigt som en modell av kosmos. Modern man accepterar inte det gamla ryska kosmos. Men även han kan inte annat än att fångas av frukterna av poetisk kreativitet som genereras av denna syn: den ljusa kosmiska ordningen som segrar över det dystra kaosets krafter.
Gammal rysk ikonmålning ägnade stor uppmärksamhet åt bilder av evangeliescener från Kristi liv, Guds Moder (Jungfru Maria) och helgon. Bland de många olika motiven valde hon det mest permanenta, stabila och universellt betydelsefulla.
George krigaren. Ikon av 1100-talet. Statliga museer i Moskva Kreml.
Särskilt anmärkningsvärt är en grupp av sådana ikoner, där folkliga ideal manifesterades, jordbruks-Ryssland hade sitt att säga. Först och främst är dessa ikoner tillägnade Florus och Laurus, boskapens beskyddare, George, Blasius och Profeten Elia, som avbildades mot en ljus, eldig bakgrund som efterträdaren till den hedniska guden åsk och blixt Perun.
Bland de intriger och motiv som särskilt tilltalade människorna i det antika Ryssland, bör rublevtypen av treenigheten nämnas: tre figurer fulla av vänligt sinnelag, som utgör en sluten grupp. Andrei Rublev uttryckte detta tillstånd med största klarhet och fängslande elegans. Rehashingar av hans kompositioner, fria variationer på detta tema finns ständigt i ryska ikoner.
I de gamla ryska ikonernas värld är den mänskliga principen av stor betydelse. Huvudämnet för ikonmålning är en gudom, men den uppträder i form av en vacker, upphöjd person. Den ryska ikonens djupa humanism ligger också i det faktum att allt som skildras har passerat genom degeln av en sympatisk mänsklig själ, färgad av dess empati. I sin impuls till det höga förlorar en person inte förmågan att kärleksfullt se på världen, att beundra vare sig hästarnas lustiga löpning eller herdarna med sina får - med ett ord, hela den "jordiska varelsen", eftersom det var då brukligt att säga.
Ikonografi är en symbolisk konst. Den bygger på föreställningen att absolut allt i världen bara är ett skal, bakom vilket ligger, som en kärna, den högsta meningen. Konstverket får flera betydelser härifrån, vilket gör det svårt att uppfatta ikonen. Både handlingen och konstformen är symboliska här. Varje ikon, förutom att avbilda en legendarisk händelse eller karaktär, har också en undertext som avslöjar dess sanna innehåll.
Ikoner i deras innehåll är inte riktade till en person, utan till en gemenskap av människor. De bildade en rad i templet - en ikonostas, som drar nytta av grannskapet med varandra. Den gamla ryska ikonostasen var en holistisk harmonisk enhet. De första stora ikonostaserna med figurer i människostorlek går tillbaka till början av 1400-talet och sedan dess har inte en enda kyrka stått utan en sådan majestätisk struktur. Dess bokstavliga betydelse är de heligas bön, riktad till Kristus, den Allsmäktige, som sitter på tronen (deesis rang är en rad). Men eftersom det också fanns en lokal rad med ikoner på olika teman, och festligt - med scener ur Kristi och Marias liv, och profetiska (bilder av apostlarna, profeterna) fick ikonostasen värdet av ett slags kyrkouppslagsverk. Samtidigt är ikonostasen en anmärkningsvärd konstnärlig skapelse av forntida rysk kultur. Dess betydelse i utvecklingen av den gamla ryska ikonen kan knappast överskattas. Många ikoner kan inte förklaras och förstås utanför kombinationen där de fanns i ikonostasen.
Ikonmåleri utvecklade den högsta konstnärliga skickligheten, en speciell förståelse för teckning, komposition, rymd, färg och ljus.
Ritningen förmedlade konturerna av föremål så att de kunde kännas igen. Men syftet med ritningen var inte begränsat till identifikationsbetydelse. Grafisk metafor - den poetiska likningen av en person vid ett berg, ett torn, ett träd, en blomma, en smal vas - är en vanlig företeelse i ryskt ikonmåleri.
Komposition - speciellt forte gamla ryska ikoner. Nästan varje ikon var tänkt som en sken av världen, och följaktligen är mittaxeln alltid närvarande i kompositionen. I den övre delen stiger himlen (tillvarans högre nivåer), och under den betecknas vanligtvis jorden ("pozyom"), ibland under den - underjorden. Denna grundläggande struktur av ikonen, oavsett handlingen, påverkade hela dess sammansättning.
I gamla texter är favoritfärgerna hos våra ikonmålare listade: ockra, cinnober, skarv, krok, fylld kål, smaragd. Men i verkligheten är utbudet av färger i forntida rysk målning mer omfattande. Tillsammans med rena, öppna färger fanns det många mittemellan. De är olika i ljusstyrka och mättnad; bland dem finns det ibland namnlösa nyanser som inte kan beskrivas med ett ord, de kan bara fångas av det mänskliga ögat. Färgerna lyser, lyser, ringer, sjunger, och allt detta ger stor glädje. Ibland med bara en färg, till exempel en röd kappa som fladdrar i vinden i ikonen "The Miracle of George about the Serpent", ges en krigare en djup karaktär.
Gammal rysk ikonmålning är ett av de största fenomenen inom världskonsten, ett säreget, oefterhärmligt fenomen av stort konstnärligt värde. Det genereras av de historiska förutsättningarna för utvecklingen av vårt land. Men de värden den skapade är allmän egendom. För oss är forntida rysk ikonmålning av stort värde, särskilt eftersom många av dess konstnärliga egenskaper användes i en omtänkt form av de största samtida konstnärerna (till exempel K. S. Petrov-Vodkin, V. A. Favorsky, P. D. Korin och andra.) .
I vårt land har insamlingen och avslöjandet av verk av forntida rysk ikonmålning fått en rikstäckande skala. Lenins dekret om nationalisering av konstmonument (se Skydd av historiska och kulturella monument i Sovjetunionen) lade grunden för skapandet av de största förråden av forntida rysk målning i Tretjakovgalleriet och Ryska museet.
Året för 600-årsdagen av Andrei Rublevs födelse öppnades museet för gammal rysk konst uppkallat efter honom i det före detta Andronikov-klostret i Moskva.
