Въведение
1. Песенната култура на Русия през 19 век
2. Руска композиторска школа
2.1 Михаил Иванович Глинка
2.2 Александър Сергеевич Даргомижски
2.3 "Могъщ куп"
2.4 Пьотър Илич Чайковски
3. Руската музикална култура от началото на 20 век.
Заключение
Библиография
Въведение
Русия през 19 век направи огромен скок в развитието на културата, направи безценен принос към световната култура. Това беше предопределено по редица причини. Културният подем се дължи на процеса на формиране на руската нация в периода на преход към нови капиталистически отношения, растежа на националното самосъзнание. Друг фактор, допринесъл за интензивното развитие на руската култура, е тясното взаимодействие с културите на други страни и народи. Западноевропейската социална мисъл оказва голямо влияние върху културата на Русия. Руското общество възприема напредналите постижения на културите на европейските страни, като същевременно запазва самобитността на националната си култура. Интелигенцията започва да участва активно в развитието на националната култура. В началото тази прослойка на обществото се формира от благородството и духовенството, но вече през 18 век. появяват се простолюдие, а в началото на 19в. - крепостна интелигенция (актьори, художници, архитекти, музиканти, поети). През 18 - първата половина на 19 век основната роля в културното развитие принадлежи на благородната интелигенция, през втората половина на 19 век - на разночинците. Разночинците включваха образовани представители на либералната и демократичната буржоазия, чиновници, дребни буржоа, търговци и селяни. Ето защо през 19в. Русия е в процес на демократизация на културата. Увеличава се броят на писателите, поетите, художниците, композиторите, учените от непривилегированите слоеве.
В това есе ще се опитам да дам обща характеристика на музикалната култура на Русия през 19 - началото на 20 век, да проследя произхода и приемствеността на руското музикално изкуство. Необходимо е да се подчертае важността на изучаването на историята на културата, тъй като настоящето се основава на миналото. Дори най-революционните музикални произведения на нашето време са пряко или косвено повлияни от миналото. Целта на резюмето е да анализира състоянието на музикалната култура на Русия през 19 - началото на 20 век, да идентифицира нейните особености, да разкаже за композиторите от това време и техните произведения, както и да разбере значението на руския език. музика от този период за световната култура.
1. Песенната култура на Русия през 19 век
През 19 век Руските композитори обърнаха голямо внимание на изучаването на фолклора, смятаха народната музика за източник на вдъхновение. Те събираха народни песни и често ги използваха в произведенията си. Появяват се нови музикални жанрове, старите форми (ежедневни песни, песни на тема скитане, сатирични песни) се трансформират под влияние на новите условия на живот, променя се естеството на образите и интонационно-изразните средства. Ежедневната народна песен отразява големи обществено-политически събития от национално значение. В народната песен широко се отразява Отечествената война от 1812 г. До нас е достигнал цикъл от песни за 1812 г., свързани с устната народна традиция. По своето съдържание и музикално-поетични форми те са много разнообразни. Тази война беше причината за появата на лирически песни, които уловиха дълбоката народна скръб, тъга, мъка, причинени от бедствията на родината, разрухата на родната земя, смъртта на близките.
Руската народна песен придоби голяма популярност, разпространена в много оригинални аранжименти - за хор, глас със съпровод и отделни инструменти. През 1806-1815 г. сборникът на Прах е преиздаван няколко пъти. На негова основа бяха създадени колекции от песни от публичен тип.
Данила Кашин, родом от крепостни селяни, придоби голяма слава, създаде много адаптации на народни песни. През 1833-1834г. сборникът му „Руски народни песни” е издаден в три части. През четиридесетте години колекцията е преиздадена, което показва нейната популярност.
Иван Рупин също събира селски песни, подлага ги на обработка, неговото творчество се характеризира със синтез на народна песен и градски романс интонации. Фамилията му е произнесена от съвременници с италианско окончание - Рупини, което свидетелства за неговата слава. През 1831г публикува песенната си колекция. Едновременно с ежедневните аранжименти на народната песен се развива и лирически сантиментален романс. В този жанр простотата на средствата се съчетава с непосредственост и искреност на изразяване. От голямо значение в еволюцията на руския романс от 19 век са композиторите Алябиев, Варламов, Гурилев, Верстовски.
Александър Александрович Алябиев (1787-1851) е от благородството. Служи в армията, участва в Отечествената война от 1812 г. След като се пенсионира, той се отдава на творчеството. Алябиев е автор на популярни романси: „Обичах те“, „Зимен път“ (и двете по стихотворения на А. С. Пушкин), „Славей“ и др. "Славей" е една от най-известните песни на Алябиев. Всичко в него е просто и в същото време искрено. Песента е предшествана от увод на пиано. Още от първите интонации на вокалната част се разгръща завладяващо плавна, замислена мелодия. Тя веднага пленява със своята духовност.
Композитор Александър Егорович Варламов (1801-1848) - автор на популярни романси. Той създава повече от сто произведения от този жанр, предимно по стихотворения на руски поети („Червен сарафан“, „Виелица помита по улицата“, „В зори не я будиш“, „Самотно платно побелява “, и др.). Варламов се доказа и като певец, диригент, китарист и преподавател. Написва учебник за певци - "Пълното училище по пеене" (1840).
Александър Лвович Гурилев (1803-1858) е син на крепостен музикант. Композитор, пианист, цигулар, виолист и преподавател, Гурилев е известен като автор на песни и романси. Най-известни са песните му „Майка гълъбица“, „Звънец“, „Сарафан“, „Къдриците на лястовицата“ и романсите „Раздяла“, „Ти не разбираш моята тъга“. Освен вокални текстове, композиторът работи в жанровете на клавирната музика, събира и обработва народни песни.
Творчеството на Алябиев, Варламов и Гурилев е безценен принос в съкровищницата на руската музика. Техните песни и романси все още са включени в концертния репертоар на певци, хорове и се изпълняват от обикновени хора.
Историята на руската музика, както и историята на руските традиции и обичаи, е резултат от дълга, вековна еволюция, по време на която се формират и развиват отделни културни постижения. Разбира се, такива постижения включват и богатото наследство на руската музикална култура, което включва фолклор, произведения на руски композитори със световна известност, свободно творчество на бардове, както и специален национален стил на руския романс.
Историята на руската музика започва с развитието на фолклорната култура на древните славянски общности, заселили се в земите на Киевска Рус. Огромно количество национално творчество под формата на народни песни, което е оцеляло до нашето време, носи характерен нюанс на езичеството заедно с християнските традиции. Характерните особености на руската народна музика послужиха като основна основа, върху която в бъдеще е изградено цялото руско музикално творчество.
Руската народна музика е разделена на много жанрове, сред които песенният жанр е най-старият. Песните бяха много разнообразни, например обредна песен, сватбена и танцова песен, епични и разказни песни, лирически и драматични песни. Да, и почти цялата древна народна музика е била предимно песенна, което експертите свързват със съществуващата забрана за музикални инструменти в църквата (за католическите народи, напротив, църквата е била център на историческото развитие на музикалната култура). Следователно музикалните инструменти имаха домашен или народен характер. Овчарите, които свиреха на арфа, тръби и рогове, бяха известни занаятчии в музикалното изкуство на Бали.
Освен тези инструменти в древните истории се споменават и тамбури, естествени ловни рога.
В епохата на Средновековието публичните изпълнители и музиканти, наречени шутове, са преследвани и преследвани, техните музикални инструменти, а и не само те, са унищожени навсякъде. Следователно до днес са оцелели буквално няколко средновековни инструмента. Въпреки това, такива инструменти като седемструнната китара, мандолина и акордеон (който се нарича руски акордеон или акордеон) са свързани с руското музикално творчество. Но трябва да знаете, че сто такива инструмента влязоха в руската култура едва през 18-19 век. И още през 19 век е създаден първият оркестър в историята на руската музика, състоящ се само от руски народни инструменти. Музиката, която по-късно става известна като класическа руска музика, се характеризира с произведения на световноизвестни композитори като М. И. Глинко, М. П. Мусоргски, Римски-Корсоков, Бородин, Шаляпин, Чайковски, Рахманинов и др., и от съветските композитори включват не по-малко известни имена на Хачатурян, Прокофиев, Шостакович, Шнитке. За разлика от руската музика, западната класика е склонна да изпълнява в същия стил. Не може да се каже същото за руските автори: всеки от тях се отличава с уникална музикална харизма и дълбоко изразено авторско творчество.
Сред невероятните оперни изпълнители може да се открои особено Шаляпин, певец, който имаше толкова невероятен тембър на гласа, че според слуховете, след като отиде на почивка в Крим, успя да счупи чаша шампанско, предложено му в една от местните планински пещери на княз Лев Голицин.
За съжаление, много класици на руската музика бяха принудени да емигрират след държавния преврат, извършен от съветските власти през 1917 г. Те обаче продължиха да творят от чужбина.
Още в късния съветски период в Русия се разпространява популярно поп изпълнение, най-ярките представители на което са живите А. Пугачева, В. Леонтиев, И. Кобзон, Лещенко, Ротару и много, много други. До края на двадесети век руската популярна музика се развива по западни линии и е популярна главно сред рускоезичното население. В западното музикално поле руските певци рядко успяват да достигнат висоти от световна класа, а в руския език възникна специална абревиатура във връзка с лесно мисленото популярно музикално направление, което звучи като поп музика.
Историята на руската музика, която носи велики произведения, е неразделна част от националното наследство. От млади таланти, опитни ментори винаги се надяваме, че той със сигурност ще стане велик, влизайки в историята на руската музика, както някога са правили велики композитори.
Пеенето, интерпретирано като един от най-старите видове музикално изкуство, не се превърна веднага в такова. То винаги е било и остава свързано с първичната и органична човешка потребност от емоционално изразяване. И тази първична човешка потребност, не по-малко от пряка обществена потребност, определя изключителното място, което пеенето заема в културата на човечеството.
Изследвайки причините, които пораждат пеенето, Н. Чернишевски пише: "Пенето е изначално и по същество, като говоренето, произведение на човешката природа, а не произведение на изкуството." Тази забележка е вярна в смисъл, че първият и основен музикален инструмент, получен от човека от природата, е неговият глас. И той става пеещ под влиянието на чувството, в резултат на спонтанно, неволно себеизразяване, което се определя и оформя от общата интонационна атмосфера на дадена епоха. И в този смисъл всяко пеене е поведение, което се преподава.Като част от фолклорната традиция, пеенето може да бъде както изкуство, така и не изкуство. Във фолклора всичко възниква, се развива и функционира в органична връзка с всички елементи от живота на народа: с неговия исторически, обществен и трудов опит, неговия бит, нрави, обичаи, с неговия мироглед, етически и естетически представи.
Тъй като фолклорът е едновременно изкуство, а не изкуство, комуникацията на неговите носители се осъществява както под формата на естетически, така и под формата на неестетически връзки, въпреки че балансът им на различни етапи от историята на фолклора и в различни видове, жанрове на фолклора не е същото. Самото това колективно творчество е тясно свързано с работата и ежедневието, с цялата жизнена дейност на хората и е част от цялостен комплекс от социализирани норми на взаимоотношения. Познаването им дава възможност да се чуе традицията отвътре и да се оцени според нейните собствени закони.
Предложена е следната типология на формите на общуване във фолклора, въз основа на дефинирането на същността и функциите на връзките, формирани в процеса на създаване на песента:
- Общуването в процеса на художественото творчество, пряко свързано с трудовата дейност. Хората, които пеят и работят едновременно, са обединени от общи положителни емоции и колективно естетизирано отношение към работата.
- Общуването в процеса на художественото творчество, косвено свързано с трудовата дейност във формите на митологично мислене и съответното ритуално възпроизвеждане на трудовия процес или друго магическо въздействие върху силите на природата. Този вид общуване, което обединява в едно цяло комплекс от понятия: човек – труд – природа, се реализира в календарно-обредния фолклор, в три основни форми: а) като пряко ритуално общуване със силите на природата; б) като комуникация със символични обредни фигури като Коляда, Масленица; в) като общуване с помощта на жив посредник, свещеник.
Песенният фолклор остава живо процесуално явление, докато се запазват характерните за него форми на общуване в рамките на колектива, който го създава, и престава да бъде, щом тези форми отстъпят място на другите. Той престава да бъде производствен процес и се превръща в отличен паметник на народното изкуство, материал за професионалисти.
В светлината на гореизложеното познаването на законите на фолклорното изпълнение, разбирането на същността на фолклора, които са необходими за тактичен, разумен подбор и интерпретация на репертоара и определяне на оптималната мярка за неговото художествено обосновано адаптиране на сцената, са необходими. от особено значение.
За изпълнителите е важно разбирането на фолклора не само като художествен текст, но и като жив изпълнителски процес с цялата му специфика на безтекстово общуване, художествена фактура и жанрове на изпълнение.
Пеенето и песента в народния бит винаги са отворени за всеки. Такава „капацитетност”, „неотделяне на статуса на певеца” се осигурява от удивителната гъвкавост на традицията. В една певческа среща различни хора с различна степен на талант и умения се чувстват комфортно. Всеки пее преди всичко за себе си, осъзнавайки своето „аз“. В същото време художественото съвместно творчество се превръща в цел на общуването, колективното пеене - акт не само музикален, но и поведенчески, полифонична песен - разкриваща не само музикалната интонация, но и човешките взаимоотношения.
Смисълът на съвместното музициране за носителите на песенните традиции се крие не само в координацията на вокалните партии, но и в нещо повече, в дълбоките взаимоотношения на пеещите хора, за които няма ясна граница между „музикален” и „не -музикална”, естетична и неестетична, естествена и произволна.
Следователно фолклорът винаги се създава сякаш наново. Спонтанността е налице дори когато хората пеят добре позната песен. „Изненадите”, които неизбежно възникват в този случай, не са дефекти в пеенето, а неговото естествено свойство, неговия вътрешен живот, неговия смисъл.
Л.В. Шамина
„Основи на педагогиката на народната песен“
Федерална агенция за образование
Уфа държавна академия за икономика и услуги
Департамент по туризъм и хотелиерство
КУРСОВА РАБОТА
в дисциплината "Световна култура и изкуство"
на тема: Руската музикална култура на 19 век и нейното световно значение
завършил: студент гр. SD-21
Михайлова И.В.
проверен: кандидат на историческите науки, доцент
Котова Т.П.
Въведение
исторически фон
Развитието на руската песенна култура през 19 век
Руска композиторска школа
Михаил Иванович Глинка
Александър Сергеевич Даргомижски
"Мощна група"
Брилянтният Пьотър Илич Чайковски
Заключение
Библиография
Приложения
Въведение
Без музикаживотът би бил грешка. (Фридрих Ницше)
Музикае умът, въплътен в красиви звуци. (Иван Сергеевич Тургенев)
Музикапосредник между живота на ума и живота на сетивата. (Лудвиг ван Бетовен)
Руската дума "музика" е от гръцки произход. От всички изкуства музиката най-пряко влияе върху възприятието на човек, „заразява с емоции“. Езикът на душата, както е обичайно да се говори за музика, именно защото има силно влияние на подсъзнателно ниво върху областта на чувствата на човек, но не може да се изключи въздействието върху областта на ума. Невъзможно е да се даде изчерпателно точно определение на явлението (или веществото), наречено „музика“.
Богатството на руската музика е неизмеримо. В продължение на повече от десет века нейните традиции се формират и развиват в тесен контакт с музикалната култура на други страни и в постоянно взаимодействие с други видове художествено творчество.
Руската музика е най-важната част от руската култура. Подобно на руската литература, поезия, живопис, театър, тя отразява ярко всички етапи от обществения живот, формирането на руската философска и естетическа мисъл. В своите разнообразни жанрове и форми, историята на народа, неговата освободителна борба, характерът на руския човек, оригиналността на руската природа и живот са намерили своето въплъщение.
В курсовата си работа реших да покажа музикалното развитие на Русия през 19 век, което се случва на фона на най-важните исторически събития - Отечествената война, въстанието на декабристите, премахването на крепостното право и др.
Задачата на работата е да анализира състоянието на музикалната култура на Русия през 19-ти век, да идентифицира нейните особености, да разкаже за композиторите на този век и техните произведения, както и да идентифицира значението на руската музика от 19-ти век. век за световната култура.
В курсовата му работа ще бъдат включени такива изследователски методи като изследване и анализ на литература и документи, обобщение, анализ на продукти от дейността, описание.
При изучаване на тази тема ще използвам литературата: Енциклопедия „Около света“, руска музикална литература от Е. Смирнова, Никитина Л.Д. История на руската музика и др.
исторически фон
композитор на музикална песенна култура
19-ти век в Русия е свързан с големи политически и социални промени, а войната от 1812 г. и премахването на крепостното право изиграха голяма роля в това. В литературата, поезията, музиката и живописта темата за социалното неравенство става все по-остра.
Още през първата половина на 19 век руската култура достига брилянтен, ослепително ярък разцвет. Освободен от елементите на подражание, той намира оригинални и оригинални форми на изразяване за най-разнообразното, най-широко по обхват съдържание и създава големи устойчиви ценности с общочовешко значение. Творчеството на такива брилянтни представители като Пушкин, Лермонтов, Гогол в литературата, Глинка в музиката е един от най-високите върхове не само в руското, но и в световното изкуство.
Силен тласък на възхода на обществената инициатива дава Отечествената война от 1812 г. Патриотизмът на руския народ се проявява в нарастващото безпокойство за общото благо, в широкото осъзнаване на общите интереси на нацията, в желанието за издигане нивото на националната култура и благополучие.
Въстанието на декабристите оказва значително влияние върху развитието на руската култура през 19 век. Всички емоции, мисли, преживявания са отразени в много музикални произведения от онова време. Епохата на декабристите бележи началото на развитието на революционната песен в Русия. Голяма заслуга в това отношение принадлежи на дейците на декабристкото движение - Рилеев и Бестужев. Традициите на революционната песен, заложени от поетите декабристи, се възприемат и развиват от техните съвременници. Темите за свободолюбието и протеста, борбата срещу социалното потисничество дълбоко проникват в ежедневната песен.
С нарастването и разпространението на идеите за освобождение нараства и противопоставянето на правителството срещу тях. Още през втората половина на царуването на Александър I този реакционен курс се определя, изразяващ се в унищожаването на университетите, засилването на цензурата. Дълга поредица от безпрецедентно жестока, тъпа и безмилостна реакция цари в руския живот след потушаването на въстанието на декабристите, заедно с възкачването на трона на Николай I. Съществуването на демократична журналистика и още повече на политически организации, провеждащи практически революционни дейности, беше невъзможно в Русия.
При тези условия литературата е особено важна, произведенията на Пушкин, Гогол, Лермонтов се превръщат в основен оратор на еманципаторната мисъл.
Всичко по-горе създава предпоставки за формирането на класически школи на руската национална литература и изкуство.
Глинка изигра роля в развитието на руската музика, в много отношения подобна на тази, която принадлежи на Пушкин в развитието на руската литература. Подобно на Пушкин, Глинка широко приема и прилага различни елементи от съвременната художествена култура. Овладявайки всичко ценно и жизнеспособно от наследството на своите предшественици, Глинка преодолява техните ограничения и постига огромно богатство, пълнота на съдържанието и съвършенство на художественото изражение. По своя вътрешен баланс, идеална хармонична цялост и завършеност, творчеството на Глинка се оказва същият неоспорим модел и класическа норма за следващите поколения, като поезията на Пушкин. С творчеството си Глинка поставя началото на своето световно влияние. Даргомижски следва пътя на Глинка в творчеството си. Той въвежда елементи на по-голяма социална острота, битова и психологическа характеристика, сатира и хумор в руската музика, подготвяйки голяма част от това, което ще получи ясна форма в творчеството на младата национална школа от 60-те години. С творчеството си Глинка поставя началото на своето световно влияние.
От това време в чуждестранната преса все по-често започват да се появяват съобщения за руската музика. Няколко месеца преди появата на статиите на Берлиоз за Глинка, известният френски музиколог Фетис пише за все още младия Даргомижски като оригинален обещаващ музикален талант в Русия.
Исторически период 60-80 години. 19-ти век обикновено се нарича следреформен - през 1861 г. крепостното право е премахнато с кралски указ, което води до либерализация на руския обществен живот. Този етап е белязан от висок разцвет на художествената култура като интегрално и самобитно явление. Тогава в изкуството се формира определена система от духовни и естетически ценности, които са въплътени в литературата и театъра, в живописта и музиката.
Развитието на руската песенна култура през 19 век
„Епохата беше на песните“ - така поетът Г.Р. Державин. Образът на песенната култура от онова време беше необичайно разнообразен и дори многоезичен. Руски и френски песни, цигански и немски, селски и градски, любителски и професионални песни са сложно преплетени в ежедневието. Песента прозвуча от страниците на литературни произведения и беше публикувана в специални сборници "за удоволствие на много влюбени", изпълнявани в домовете на аристократите.
През 19 век голямо внимание продължава да се отделя на изучаването на фолклора. Руските композитори смятат народната музика като източник на вдъхновение. Те събираха народни песни и често ги използваха в произведенията си, без да губят оригиналността на собствения си музикален език.
Възникват нови жанрове, старите форми (битови песни, песни на скитаща тема, сатирични песни) се развиват под влияние на новото житейско съдържание, променят се естеството на образите и интонационно-изразните средства. Ежедневната народна песен отговаря на големи политически и обществени събития от национално значение.
В него е широко отразена Отечествената война от 1812 г. До нас е достигнал цял цикъл песни за дванадесетата година, свързани с устната народна традиция. По своето съдържание и музикално-поетични форми те са много разнообразни. Понякога те използват техниките на стари традиционни видове народна песен.
Отечествената война също предизвика появата на експресивна лирична
песни, които улавят дълбоката народна мъка, тъга и мъка, причинени от тежките бедствия на родината, опустошението на родната земя, загубата на близки.
Руската народна песен започва да се радва на изключително широка популярност, разпространявайки се в много различни аранжименти - за хор, глас със съпровод и отделни инструменти. От 1806 до 1815 г. сборникът на Прах е публикуван във второ и трето издание. На негова основа бяха създадени колекции от песни от публичен тип.
Данила Кашин, талантлив руски музикант, дошъл от крепостни селяни, беше широко известен със своите аранжименти на народни песни. През 1833-1834г. сборникът му „Руски народни песни” е издаден в три части. За времето си той е толкова характерен, колкото и „Сборникът“ на Прах за рубежа на 18-19 век. В началото на 40-те години се появява второто издание на колекцията Kashin, което свидетелства за нейната популярност и голямо търсене на нея. В техниките за обработка на Кашин ясно се вижда желанието за подчертана чувствителност, понякога донякъде истерично.
По същия път с Кашин, пътят на взаимно проникване на интонациите на народната песен и градската романтика беше последван от друг известен колекционер на песни, крепостен по произход, Иван Рупин, който също беше талантлив певец-изпълнител (фамилното му име се произнасяше от негови съвременници с италиански завършек - Рупини) и съставител на популярен сборник с песни, публикуван през 1831 г.
Наред с различни ежедневни пречупвания на руската народна песен се развива лирически сантиментален романс, който също се радва на изключително широка популярност в най-разнообразните слоеве на обществото. Подобно на "руската песен" от 18 век, руският романс в преобладаващата си част се свързва със сферата на домашното музициране. В музикалния език на ежедневната романтика простотата на средствата се съчетава с искрена непосредственост и искреност на изразяване. Композиторите Алябиев, Варламов, Гурилев, Верстовски играят важна роля в развитието на руския романс през 19 век (виж Приложение 1).
Александър Александрович Алябиев(1787-1851) е роден в старо знатно семейство. В младостта си той служи в армията, участва в Отечествената война от 1812 г. Впоследствие той напуска военната служба и се отдава на творческа дейност. Алябиев е автор на добре познати романси: „Обичах те“, „Зимен път“ (и двете по стихотворения на Александър Сергеевич Пушкин), „Славей“ и др. " Славейче"- една от любимите и най-често срещаните песни на Алябиев. Всичко в него е скромно и просто. Песента е предшествана от оживен интродукция на пиано в духа на китарна мелодия. Още от първите интонации на вокалната част се разгръща завладяващо мека, замислена мелодия. Широк и плавно заоблен, той веднага завладява и завладява със своята строга красота.
Композитор Александър Егорович Варламов(1801-1848) - автор на популярни романси. Общо той създава около двеста произведения от този жанр, основно по стихове на руски поети („Червен сарафан“, „Виелица помита по улицата“, „Призори не я събуждаш“, „Самотно платно“ побелява” и др.). Варламов беше известен още като певец, китарист, диригент и преподавател. Написва един от първите руски учебници за вокалисти - "Пълната школа за пеене" (1840).
Александър Лвович Гурилев(1803-1858) е син на крепостен музикант (през 1831 г. той и баща му получават свобода). Композитор, пианист, цигулар, виолист и учител, Гурилев стана известен като автор на песни и романси. Най-известни са песните му „Майка гълъбица“, „Звънец“, „Сарафан“, „Къдриците на лястовицата“ и романсите „Раздяла“, „Ти не разбираш моята тъга“. Освен вокални текстове, композиторът работи в жанровете на клавирната музика, събира и обработва народни песни.
Творчеството на Алябиев, Варламов и Гурилев е ценен принос в съкровищницата на руската музика. Най-добрите им песни и романси са включени в концертния репертоар на певци и хорове, пеят се с любов сред хората в наше време.
Руска композиторска школа от 19 век
Михаил Иванович Глинка
Без съмнение най-видният представител на композиторската школа от първата половина на 19 век е Михаил Иванович Глинка(1804-1857). Творчеството на Михаил Иванович Глинка стои в основата на руската композиторска школа, а неговите произведения, методи на работа, отношение към музикалните жанрове и традиции се възприемат през 19 век като образцови. След като получи сериозно музикално образование в Европа, Глинка беше първият, който разбра дълбоко особеностите на руската национална музика и до голяма степен благодарение на този майстор европейските жанрове получиха оригинална интерпретация в Русия. Детските впечатления на Глинка бяха отразени в творчеството му. Първите години от живота му преминават в имението на баща му сред селската природа на Смоленска територия. Там научава и се влюбва в народните песни, слуша ги. Приказките на крепостната бавачка Авдотя Ивановна, която нежно и всеотдайно го обичаше, дълбоко потънаха във впечатлителната детска душа на малката Глинка.
Събитията от 1812 г. направиха огромно впечатление на Глинка. Бягайки от нахлуването на наполеоновата армия, семейство Глинка напуска имението. Момчето чу много истории за героизма на партизаните и завинаги беше пропит с любов и уважение към руския народ, неговата могъща сила и духовна красота.
В домашния живот на роднините на Глинка често звучеше музика. Чичо ми, който живееше наблизо, имаше добър оркестър, състоящ се от крепостни музиканти. Музиката направи невероятно впечатление на момчето, след концертите той се разхождаше разсеян. „Музиката е моята душа“, каза той веднъж. Крепостният оркестър на вуйчо изпълняваше различни произведения, сред които бяха и народни песни. Припомняйки детските си впечатления, Глинка пише: „... Може би тези песни, които чух в детството си, бяха първата причина по-късно да започна да развивам предимно руска народна музика“.
Композиторското умение на Глинка се прояви най-ясно в две опери - " Живот за краля"("Иван Сусанин") и " Руслан и Людмила". Създава образци на националната руска опера - героично-епичната опера и приказната опера. Последващото развитие на тези жанрове е свързано с принципите, заложени от Глинка.
Операта „Живот за царя“ (в СССР през 30-80-те години се приема името Иван Сусанин; 1836) е написана на исторически и патриотичен сюжет. Композиторът се обърна към събитията от началото на 17 век. - борбата на руския народ срещу полските завоеватели. Сюжетът на творбата - подвигът на Иван Сусанин - е предложен на Глинка от поета Василий Андреевич Жуковски.
„Живот за царя“ е първата руска опера без речен диалог; тя се основава на непрекъснато музикално развитие. Музикалната тъкан на композицията е пронизана от хорови сцени. По-специално те отварят (хорът „Моята родина“) и завършват работата (последният ликуващ победоносен хор „Слава“).
В центъра на операта е образът на руския селянин Иван Сусанин. Композиторът подчертава моралната сила на героя. За музикалните му характеристики са използвани интонациите на народните мелодии. Антонида, дъщерята на Сусанин, е ярък и поетичен ("нежно-грациозен", според собствената дефиниция на Глинка) образ на руско момиче. Собинин, годеникът на Антонида, е милиционер, дързък, безстрашен човек, Ваня е осиновен син на Сусанин, „простодушен“, според Глинка, момче на тринадесет години. Образите на младите членове на семейство Сусанини - Ваня, Антонида, Собинин са нарисувани в традициите и интонациите на ежедневната песен на романса.
На руските изображения се противопоставя враждебният лагер на поляците. Подробната хореографска картина представя "полския акт" на операта - великолепен бал в стар замък. Тази симфонична композиция предава блясъка, грацията и гордостта на шляхтата - полското благородство. Звучат мелодиите и ритмите на полонезата, мазурка, краковяк. Красотата на музиката е завладяваща, но като цяло простотата и искреността на "руските" сцени се противопоставят на показния блясък на "полския акт".
Накрая двата лагера се сблъскват директно – полският отряд идва в село Домнино при Сусанин и настоява той да ги заведе до мястото, където се намира цар Михаил Романов. Сцената на Сусанин с поляците в гъсталака, където ги води до смъртта им, е кулминацията на операта. Развръзката е трагична - главният герой дава живота си за Русия. През нощта, в гората, Сусанин изпълнява своя умиращ монолог речитатив „Те миришат на истината“, превръщайки се в молитва ария „Вдигай се, моя зоре“, в която героят моли Бог за сила да посрещне последния час. Той съдържа както дълбока скръб, така и надежда. Музиката – бавна на темпо, строга и концентрирана по настроение – напомня църковни песнопения.
Операта „Живот за царя“ е изпълнена с голям успех на 27 ноември 1836 г. в Болшой театър в Санкт Петербург. Прогресивните хора на руското общество я оцениха високо.
Съзнанието за творческа победа вдъхнови композитора за нови идеи, а няколко години по-късно и оперната приказка " Руслан и Людмила» (1842 г.). Написано е върху сюжета на едноименната поема от А. С. Пушкин. Небързаното развитие на музикалното действие напомня за древни епоси и легенди. Операта съдържа фолклорни обредни сцени, цветни картини на природата и фантастични образи. Светът на руските герои (Руслан, Ратмир), певеца Боян, княз Владимир се противопоставя от приказния свят на магьосниците - Черномор и Наина. Героите са показани с епична сериозност и епично величие. Черномор и Найна (както и нещастният съперник на Руслан - Фарлаф) са нарисувани с несъмнен дял от хумор; авторът сякаш казва на слушателя: това са просто приказни герои, по-скоро комични, отколкото зли. Основната характеристика на Черномор, господарят на магическия замък, е полушеговито марш. Оркестърът играе важна роля в създаването на образи. Рисувайки царството Черномор, композиторът използва интонациите на музиката на Изтока. Пред слушателя са турски и арабски танци, лезгинка. Операта Руслан и Людмила, като всяка приказка, завършва с победата на доброто над злото и триумфа на любовта.
Романси и песни Глинка- гордостта на руските класици. Композиторът ги пише през целия си живот. Лирическите романси на Глинка са един вид изповед на душата му. Някои от тях изобразяват снимки на руската природа и живот. В романсите Глинка обобщава и развива всичко най-добро, създадено от неговите предшественици и съвременници - авторите на ежедневната романтика. Много добре познати романси, например „Аз съм тук, Инезила“, „Спомням си един прекрасен момент“, са написани по стиховете на А. С. Пушкин. Глинка също се обърна към творчеството на В. А. Жуковски, А. А. Делвиг и други руски поети. По думите на популярния тогава поет Нестор Василиевич Куколник, композиторът създава цикъл от дванадесет романса „Сбогом на Санкт Петербург“ (1838 г.), както и известния романс „Съмнение“, който се харесва на изключителния руски певец Фьодор Иванович Шаляпин да изпълнява.
За оркестъра Глинка написа една частна симфонична фантастична увертюра. Най-добрите му творби в този жанр са "Камаринская" (1848), "Хота Арагонска" (1845) и "Нощ в Мадрид" (1851). "Камаринская", според общото мнение на руските композитори, положи основата на руската симфонична музика. „Испанските“ увертюри „Хота от Арагон“ и „Една нощ в Мадрид“ са брилянтен пример за овладяването на Глинка с интонациите и стила на испанската музика. Пиесата за оркестър "Валс Фантазия" (1856) подготвя появата на симфонични валсове от П. И. Чайковски.
Благодарение на работата на Михаил Иванович Глинка, руската музикална школа е постигнала признание в Европа. Следващите поколения композитори и просто любители на музиката винаги са оценявали високо приноса на майстора към културата на Русия.
Александър Сергеевич Даргомижски (1813-1869)
Даргомижски е по-млад съвременник и последовател на Глинка. Той влезе в историята на руската музика като "велик учител на музикалната истина", смел новатор.
Възгледите на Даргомижски се оформят през 30-те и 40-те години на миналия век. XIX век, времето на бурно развитие на руската култура. Той чувствително реагира на всичко напреднало, прогресивно в руското изкуство. В творчеството си той е близък до демократичните писатели и художници на Русия. Особено тесни са връзките между вокалната музика на Даргомижски и Пушкин, Гогол и Лермонтов. Неслучайно най-добрите творения на Даргомижски са написани по стиховете на Пушкин и Лермонтов.
В работата на Даргомижски централно място заемат романси и опери. Композиторът композира камерна вокална музика през целия си живот: пише над сто романса, песни, вокални ансамбли. Тези жанрове бяха своеобразна творческа лаборатория за Даргомижски - в тях се формира неговият музикален език. Най-известните романси са „Обичах те“ (към стихотворения на А. С. Пушкин), „И скучно, и тъжно“, „Тъжно ми е“ (към стихотворения на Михаил Юриевич Лермонтов). Те са пропити с фин лиризъм, настроение на самотата.
В творчеството на A. S. Dargomyzhsky се появи нов жанр вокални текстове - сатирична песен. Ярки примери за такива произведения са песните „Червей“ и „Титулярен съветник“ (и двете 50-те). Използвайки речитатив, доближаващ се до естествената реч, композиторът рисува експресивни социални портрети.
Най-добрите произведения на Даргомижски включват опера "Русалка"(1855 г.). Въз основа на текста на едноименната незавършена пиеса от А. С. Пушкин самият композитор написа либретото. Русалка е първата руска опера от естеството на психологическа ежедневна музикална драма. Основната задача, поставена от композитора, е да отрази духовния свят на героите, техните преживявания и характери.
През 60-те години. Даргомижски получи широко обществено признание. Премиерите на неговите опери се провеждат с голям успех, композиторът е избран за член на комитета на Санкт Петербургския клон на Руското музикално общество.
"Мощна група"
Втората половина на XIX век - следреформения период, премахването на крепостното право, либерализацията на обществения живот, разцветът на революционните настроения в руското общество. Този етап е белязан от висок разцвет на художествената култура като интегрално и самобитно явление. Тогава в изкуството се формира определена система от духовни и естетически ценности, които са въплътени в литературата и театъра, в живописта и музиката.
Музикалното изкуство не е останало встрани от наболелите проблеми на нашето време. Популистките позиции са характерни за мирогледа на много композитори, вярвали в месианската роля на руския народ, в триумфа на неговия исторически духовен подвиг. Музиката отразява целия спектър от интензивни морални търсения на руската интелигенция от онези години, въплъщаваше идеалите, вдъхновени от времето в музикални образи. Някои майстори идеализираха руската история, чистотата на народния живот, други вярваха в самоусъвършенстването на личността въз основа на законите на народната етика, докато трети се стремяха да въплъщават в творчеството си определен прототип на народната култура, роден от вечно жив източник - първична природа.
Жанровото своеобразие на руската музика е тясно свързано с "литературния центризъм", характерен за художествената култура от следреформената епоха. Породена от естетиката на реализма, тя се изразява в приоритетната роля на словото, художествено и публицистическо. Водещият музикален жанр по това време е операта – историческа, епична, лирична, драматична. Други синтетични музикални жанрове продължават да се развиват - романс, песен. Вокалната музика допълва "музикалната енциклопедия" на руската поезия, обогатявайки я със социално обвинителни и лирико-психологически образи.
Втората половина на 19 век е времето на възникване на партньорство, което получи лека ръка от критика В.В. Стасова, име "Мощна група". Тя включваше M.A. Балакирев, Ц.А. Cui, M.P. Мусоргски, Н.А. Римски-Корсаков, A.P. Бородин.
Могъщата шепа е изключителен феномен на руското изкуство. Тя остави дълбока следа в много области от културния живот на Русия - и не само Русия. В следващите поколения музиканти - до нашето време - има много преки наследници на Мусоргски, Бородин, Римски-Корсаков, Балакирев. Обединявайки техните идеи, техните прогресивни възгледи бяха модел за напреднали художници в продължение на много години.
Ръководител и водач на "Могъщата шепа" беше Мили Алексеевич Балакирев(1836/37-1910). Той е един от основателите (1862) и ръководител (1868-73 и 1881-1908) на Свободното музикално училище. От 1867 до 1869 г. е диригент на Руското музикално общество, а от 1883 до 1894 г. е управител на Придворния хор. Най-известните му произведения са „Увертюра по темите на три руски песни“ (1858), симфонични стихотворения „Тамара“ (1882), „Русь“ (1887), „В Чехия“ (1905), ориенталско фентъзи за пиано „ Исламей" (1869), романси, аранжименти на руски народни песни и др.
Сред композиторите на "Могъщата шепа" Модест Петрович Мусоргски(1839-1881) е най-видният говорител на музиката революционни демократични идеи60-те години gg. XIX век. Именно Мусоргски, както никога досега, успя да разкрие в музиката суровата истина за живота на руския народ с голяма обвинителна сила, да пресъздаде, както каза В. В. Стасов, „целия океан от руски хора, живот, характери , взаимоотношения, нещастие, непоносим товар, унижение”. Каквото и да пише Мусоргски: опери, песни, хорове, навсякъде той действа като ядосан и страстен изобличител на социалната несправедливост.
През 1863 г. композиторът започва да композира операта „Саламбо“ (по едноименния роман на френския писател Гюстав Флобер), а през 1868 г. — операта „Сватбата“ (по непроменен текст от комедията на Н. В. Гогол). И двете произведения остават недовършени, но подготвят Мусоргски за създаването на операта „Борис Годунов“ (1869), която се превръща в значимо явление в руската музика.
Цялата сила на таланта на Мусоргски се разкрива в опера "Борис Годунов"след трагедията на Пушкин. В тази трагедия Мусоргски е привлечен от възможността да покаже в операта пробуждането на силата на народа, което води до открито недоволство, а в крайна сметка - до спонтанно въстание. Основната идея на операта е конфликтът между престъпния цар Борис и народа, водещ до въстание. Вниманието на композитора беше насочено към разкриването на основната идея: сблъсъкът на царя и народа. Хората в операта на Мусоргски са главният герой. Въпреки голямото значение на масовите сцени, основното внимание в операта се отделя на характеристиката на вътрешния свят на героите. На преден план, разбира се, е образът на Борис, който се разкрива чрез разширени моноложни сцени. Брилянтно владеейки техниката на речитатив, Мусоргски предава в музиката душевното състояние на героя - смътно безпокойство, скръб и депресия, измъчваща съвест, страх и дори халюцинации. Партията на оркестъра е много трудна в операта. Той гъвкаво следва гласа, добавяйки важни психологически нюанси към вокалната част. Тази опера е близка по дух до революционно-демократичните настроения в руското общество през 60-70-те години. XIX век.
През 1872 г. композиторът започва работа върху операта "Хованщина", която самият той нарича "народна музикална драма". В същото време той написа произведение от съвсем различен план - лирико-комедийната опера "Сорочински панаир" по романа на Н. В. Гогол (остана недовършен).
Според съвременниците Мусоргски е отличен пианист. Като почит към любимия си инструмент той създава голяма клавирна сюита от десет пиеси. "Снимки на изложба"(1874). Концепцията на апартамента е вдъхновена от посмъртната изложба на творби на неговия приятел, художник и архитект Виктор Александрович Хартман. Цикълът започва с въведение, което се превръща в лайтмотив на творбата. Авторът я нарече „Разходка“ не случайно: тя предава движението на посетителя през залите на изложбата. Следват отделни „картинки“: „Гном“, „Старият замък“, „Градина на Тюйлери“, „Говеда“, „Балет на неизлюпени пилета и т.н. Музиката на встъплението периодично се повтаря и благодарение на това цикъл придобива единство и се възприема като интегрална композиция.
Мусоргски е автор на известни песни и романси. Първата публикувана песен „Къде си, звездичко...“ (думи на поета и преводач Николай Порфириевич Греков) поражда лирическа тема във вокалното творчество на композитора, която достига своя връх във фантастичния романс „Нощ“ ( текст на А. С. Пушкин). Забавни скици от руския семеен живот са представени в романсите „Но ако можех да те срещна“ (текст на поета Василий Степанович Курочкин) и „Светик Савишна“ и „Семинарист“ (текст на композитора).
Мусоргски е истински народен композитор, посветил цялото си творчество на историята за живота, скърбите и надеждите на руския народ. Работата му беше такава оригинален и иновативен, който все още оказва силно влияние върху композитори от различни страни.
Александър Порфириевич Бородин (1833-1887) -уникален композитор. В музиката той продължи в много отношения традициите на Глинка. В своята музика Бородин въплъщава величието и силата на руския народ, героичните черти на характера на руския народ, величествените образи на националния епос. И заедно с това в творчеството на Бородин има образи лирични, искрени, пълни със страст и нежност.
Бородин е един от основателите на руснака класическа симфония(2-ро, " Богатирска“, 1876 г., който отваря героично-епичната посока в руската симфония; симфонична картина "В Централна Азия", 1980), руски класически струнен квартет. Майстор на вокалната лирика („За бреговете на далечната родина“); въвежда образи на героичния епос в романса, въплъщава освободителните идеи от 60-те години. 19 век („Спящата принцеса“, „Песен на тъмната гора“).
Едно забележително произведение на древноруската литература от 12 век - "Слово за похода на Игор" - завладява Бородин, пленява го и го вдъхновява да създаде опера. Мирянинът разказа за неуспешния поход на храбрия княз Игор срещу половците. Авторът призовава князете към обединение и в тази патриотична насоченост на творбата е неговата прогресивна роля. По този сюжет Бородин създава своята грандиозна опера "Княз Игор"(завършен от Римски-Корсаков през 1890 г.).
Княз Игор е лиро-епична опера в 4 действия с пролог. Музиката на операта до голяма степен се основава на интонациите на народни песни – руски и ориенталски. Фолклорните сцени, както руски, така и ориенталски, са боядисани в ярки цветове. В това Бородин е последовател на Глинка, който също намира художествено убедителна характеристика за изобразяване на лагера на враговете.
Николай Андреевич Римски-Корсаков (1844-1908).Сред композиторите на Могъщата шепа Римски-Корсаков заема особено място. С творчеството му процъфтява руската музика приказка. Целият му живот е безкористно и безкористно служене на изкуството, лоялност към идеалите му.
Обхватът от теми и сюжети, въплътени от Римски-Корсаков, е широк и разнообразен. Както всички "кучкисти", композиторът се обърна към руската история, картини от народния бит, образи на Изтока, той се докосна и до областта на ежедневната драма и лирическата и психологическата сфера. Но с най-голяма пълнота талантът на Римски-Корсаков се разкрива в произведения, свързани със света на фантазията и различните форми на руското народно изкуство. Приказка, легенда, епос, мит, ритуал определят не само тематиката, но и идейния смисъл на повечето от неговите произведения. Разкривайки философските оттенъци на фолклорните жанрове, Римски-Корсаков разкрива мирогледа на хората: тяхната вечна мечта за по-добър живот, за щастие, въплътени в образите на ярки приказни страни и градове (царство Берендеево в Снежанката, градът на Леденец в Приказката за цар Салтан); неговите морални и естетически идеали, олицетворени, от една страна, от завладяващо чистите и нежни героини на оперите (Принцесата в Кашчей Безсмъртния), от друга страна, от легендарните певци (Лел, Садко), тези символи на неувяхващо народно творчество; възхищението му от животворната сила и вечната красота на природата; накрая, неразрушимата вяра на хората в триумфа на силите на светлината, справедливостта и доброто - източникът на оптимизъм, присъщ на творчеството на Римски-Корсаков.
Особеностите на стила и художествения метод на композитора най-пълно се разкриват в опера. 15-те опери на Римски-Корсаков представляват изключително разнообразие от жанрови, драматични, композиционни и стилистични решения. Сред тях има композиции, които гравитират към числова структура („Майска нощ”, „Снежанката”, „Царската булка”) и към непрекъснато развитие („Моцарт и Салиери”, „Кашчей Безсмъртният”, „Легендата за Невидим град Китеж”, „Златен петел”); опери с широки масови сцени (Псковската девойка, Майска нощ, Снежанка, Млада, Садко, Китеж) и без тях (Моцарт и Салиери, Вера Шелога, Кашчей Безсмъртен) , с разширени пълни ансамбли („Царската булка“) и без ансамбли („Моцарт и Салиери“, „Златният петел“) Във всеки конкретен случай (изборът на жанр, принципите на драматични и стилови решения се определят от предпоставките на сюжета. Никога не съм вярвал и не вярвам, - подчерта Римски-Корсаков, - в една единствена истинска оперна форма, вярвайки, че колкото истории има в света, толкова трябва да има (почти толкова) съответстващи самостоятелни оперни форми.. Утвърждавайки възгледа за операта като основно музикално произведение, Римски-Корсаков в същото време поставя високи изисквания към нейната поетическа основа, единство и последователност на литературния стил. Той активно ръководи творчеството на либретистите. Редица оперни либрета са написани от самия композитор.
Симфоничното творчество на Римски-Корсаков не е толкова мащабно и разнообразно в сравнение с операта. Той обаче направи и поразителен и оригинален принос в тази област. Образната конкретност на музикалното мислене на композитора обуславя склонността му към програмен (предимно изобразителен, изобразителен) и жанров (свързан с народна песенна и танцова тематика) симфонизъм. Оттук и характерният избор на жанрове и форми – увертюра (фантазия), симфонична картина, сюита и определена стилова насока – склонност към вариации, орнаменти в развитието на материала, особено внимание към колористични възможности на хармонията и оркестрация.
Римски-Корсаков остави огромно творческо наследство в почти всички музикални жанрове. Творбите му са разнообразни по съдържание, но основната им черта е дълбокото проникване в бита и живота на народа, неговите мисли и стремежи.
Брилянтният Пьотър Илич Чайковски (1840-1893)
Сред руските класически композитори се откроява името на Чайковски. Той е скъп за любителите на музиката по целия свят. Творбите му еднакво улавят и вълнуват всички хора – професионални музиканти и широката публика. Чайковски посвети творчеството си на човека, на любовта си към родината и руската природа, на стремежа си към щастие и на смелата си борба срещу тъмните сили на злото. В музиката на композитора - целият живот на човек с неговата радост, скръб, надежди, борба, отчаяние. И каквото и да казва Чайковски, той винаги е правдив и искрен.
Стилът на музиката на Чайковски се развива в контекста на нетрадиционните представи на композитора за природата на националната идентичност. В тълкуването на "национално" и "народно" той върви по различен път от привържениците на "кучкоизма". Руският фолклор не беше универсален източник за него, основният принцип на музикалния език. С помощта на обобщени, косвени народнопесенни интонации, Чайковски въплъщава националния образ на „рускостта”, Русия, руската действителност в нейната съвременна многостранност. Следователно композиторът не си поставя задачата да използва в музиката специфични жанрове на истинския селски фолклор, а се обръща към „интонационния речник“ на заобикалящия го градски музикален живот. Обичайните градски интонации, съчетани с емоционална откритост, искреност и мелодичност, направиха музиката на Чайковски разбираема и достъпна за най-широката публика както в Русия, така и в чужбина. Ето защо произведенията на Чайковски бързо спечелиха симпатиите на европейците, допринесоха за международното признание на руската музика в целия свят.
Чайковски е писал в почти всички жанрове и във всеки от тях е казал новата си дума като брилянтен художник. Но може би любимият му жанр беше опера.В него Чайковски беше истински реформатор. Композиторът си представя операта като най-демократичния жанр. „Опера“, пише той, „и само операта те доближава до хората, прави музиката ти свързана с истинската публика…“. Оперното действие се основава на силни човешки чувства и преживявания. Чайковски обърна голямо внимание на съдържанието на оперите си, като винаги отдава предпочитание на сюжета на руския живот, тъй като той наистина познаваше и разбираше добре руския човек.
Едно от най-добрите произведения на Чайковски опера Евгений Онегин.Много преди решението да напише опера по сюжета на Евгений Онегин, Чайковски е страстно увлечен от стиховете на Пушкин. Едно от любимите му места в поетичния роман беше писмото на Татяна до Онегин и композиторът мечтаеше да композира музика към тези думи. Първото изпълнение на операта, по желание на композитора, се състоя от студентите на Московската консерватория под диригентството на Н. Рубищайн на 17 март 1879 г.
Чайковски нарече операта си „лирични сцени“. Композиторът насочи цялото си внимание към разкриването на вътрешния, духовен свят на своите герои.
Операта "Евгений Онегин" е едно от най-високите постижения на руското оперно изкуство. Истинските образи на романа на Пушкин помогнаха за решаването на проблема със създаването на „интимна, но мощна драма“, чиито герои бяха „реални живи хора“. Личната драма на героите се разгръща на фона на ежедневни сцени. Разнообразните ежедневни сцени придават на операта особен чар.
Иновацията на "Лебедово езеро" - неговата необичайност и несходство с всичко, което го предшества - ако не беше напълно разбрано веднага, то веднага беше отбелязано от публиката и критиката, въпреки че понякога предизвикваше недоумение на просветените меломани. Някои упрекнаха композитора за бедността на творческото въображение, монотонността на темите и мелодиите и известна монотонност. Други вярваха, че музиката е красива, освен това дори твърде добра за балет. Въпреки това премиерата на балета в Московския Болшой театър (20 февруари 1877 г.) е успешна и представлението остава в репертоара до 1883 г., когато декорацията на тази постановка се разпада.
Първият преглед в пресата, където беше оценено създаването на нов балет, принадлежеше на G.A. Ларош: „Лебедово езеро в музикално отношение е най-добрият балет, който съм чувал... Мелодии, една друга по-пластична, мелодична и по-вълнуваща, се леят като от рог на изобилието; ритъмът на валса, който преобладава между танцовите номера, е въплътен в такова разнообразие от грациозни и завладяващи рисунки, че мелодичният образ на талантлив и многостранен композитор никога не е издържал по-брилянтно изпитание ... "
Същевременно важно място в творчеството на Чайковски заема и симфоничната музика. Написва 6 симфонии и програмната симфония "Манфред", три концерта за пиано и оркестър, един за цигулка и редица оркестрови сюити. От симфоничните едночастни пиеси се открояват фентъзито „Франческа да Римини“ и програмните пиеси по сюжети на Шекспир (увертюрата-фантазия „Ромео и Жулиета“, фантастиката „Бурята“).
Обхватът на творческите интереси на композитора е необичайно широк. Неговото наследство включва десет опери (Евгений Онегин, Ундина, Ковачът Вакула, Пиковата дама и др.), три балета (Лебедово езеро, Спящата красавица, Лешникотрошачката), седем симфонии, повече от десет оркестрови композиции, инструментални концерти, хорови и клавирна музика, камерни и вокални произведения. Във всяка област Чайковски беше новатор, въпреки че никога не се стремеше към реформизъм. Използвайки традиционните жанрове, композиторът намери възможности да ги актуализира.
„Бих пожелал с цялата си сила на душата си“, пише Чайковски, „моята музика да се разпространява, да се увеличава броят на хората, които я обичат, намират утеха и подкрепа в нея“.. Желанието на композитора се сбъдна.
Творчеството на Чайковски е върхът на световната музикална култура на 19 век, вечно жив и скъп извор, от който композиторите на 20 век и нашите съвременници не спират да черпят вдъхновение.
Заключение
19-ти век даде забележителни композиции на руската и световната музика. „Руслан и Людмила“ и „Иван Сусанин“, „Евгений Онегин“ и „Лебедово езеро“ са гордостта на руската култура. Златният фонд на руската музика включва произведения на Бородин, романси на Балакирев, Римски-Корсаков, Бородин, Куи.
Руските композитори започват да пътуват в чужбина. Там те общуват с изтъкнати майстори на музикалното изкуство и най-важното - получават европейско музикално образование. Русия предизвика реципрочен интерес в Европа и в продължение на един век много изключителни музиканти обикаляха Москва и Санкт Петербург. Въведението в европейската култура не само повиши интелектуалното и професионалното ниво на руските композитори и изпълнители, но и им помогна да разберат по-добре традициите на националната музика, да се опознаят по-добре.
Кой е най-обичаният руски композитор в Америка в наши дни? Разбира се, Чайковски. Много американци дори смятат Пьотър Илич за американски композитор. Той дирижира композициите си в Америка, когато е поканен на откриването на известната Карнеги Хол в Ню Йорк. Музиката му се чува почти всеки ден в Америка по радиото, особено 4-та и 6-та симфония и 1-ви концерт за пиано. Лешникотрошачката е любимият балет на Америка.
Творчеството на класическите композитори Глинка, Даргомижски, Бородин, Римски-Корсаков, Чайковски е истинско съкровище на руската култура от 19 век. Техните традиции са внедрени и развити в творчеството на композитори от края на 19 и началото на 20 век - Танеев и Глазунов, Лядов и Аренски, Калиников, Скрябин и Рахманинов. Всички те са достойни наследници на своите велики предшественици.
В курсовата си работа показах музикалното развитие на Русия през 19 век, анализирах състоянието на музикалната култура, идентифицирах нейните особености, говорих за композиторите на този век и техните произведения, а също така разкрих значението на руската музика от 19 век. век за световната култура.
Руската музикална култура от 19 век, чрез сливане с европейската култура, чрез нейната трансформация, придобива оригинални особености и от своя страна започва да оказва значително влияние върху нея, развивайки се и до днес.
Библиография
1. Голяма съветска енциклопедия
2. Левашова О., Келдиш Ю. История на руската музика-М., 1980 г.
Енциклопедия по света
Смирнова Е. Руска музикална литература - М., 2001
Никитина Л.Д. История на руската музика - М., 1999
Рапатская Л.А. История на руската музика: От Древна Русия до "Сребърния век" - М., 2001
www.rimskykorsakov.ru
Приложение 1
Гурилев, Варламов, Алябиев, Верстовски
Федор Иванович Глинка
Дизайн на костюми "Зора". Опера "Руслан и Людмила"
Приложение 2
Петър Илич Чайковски
Балет "Лешникотрошачката" с участието на актьорите от Болшой театър
Обучение
Имате нужда от помощ при изучаването на тема?
Нашите експерти ще съветват или предоставят уроци по теми, които ви интересуват.
Подайте заявлениекато посочите темата в момента, за да разберете за възможността за получаване на консултация.
Особености на историческото развитие
17 век се откроява като един от най-важните етапи в развитието на историята на руската държава. През 17 век настъпват големи промени и трансформации в руския социален живот и култура. Тези трансформации се дължат на края на развитието на средновековна Русия и началото на нова ера, свързана със западноевропейската култура, което води до сблъсък на две различни системи на мислене и последващи конфликти. Промените засегнаха всички аспекти на руския живот през 17 век, включително културата и изкуството. Пътят на развитие на руската култура през XVII век. пресечена със Западна Европа. В руското изкуство, което се развива изолирано през Средновековието до втората половина на 17 век, се появяват нови форми на западноевропейското изкуство. Начинът на руския живот постепенно се променя.
Процеси на историческо развитие през XVII век. характеризиращ се със социални конфликти. В средата на XVII век. Руската държава се укрепва и разширява, но в същото време постепенно се извършва поробването на селяните, в резултат на което се установява крепостничество, което в продължение на много години се превърна в тежко бреме за руското селянство. Това предизвика недоволство, бунтове, селски войни.
17-ти век се превърна в една от най-драматичните страници от руската история. Началото му е съпроводено с неблагоприятни външнополитически събития 1 – „Смутно време” – години на тежки времена, които са съпроводени с непрекъснати войни, довели страната до разруха. Глад и неурожай, вътрешни противоречия, въстания на градските долни класи, селската война, водена от Иван Болотников (1606), борбата срещу полската интервенция характеризират ситуацията в началото на века.
Не по-малко драматични събития са свързани с втората половина на 17 век, белязана от разцепление в руската църква и движение на староверците, селска война, водена от Степан Разин, и бунтове на стрелци.
Реформите на Петър I донесоха най-големите промени в обичайния начин на живот на Русия. Успешните войни укрепват руската държава, допринасят за издигането на националното самосъзнание на руския народ и водят в средата на 17 век. за укрепване на силата на Русия. По това време Украйна, Поволжието, значителна част от Сибир и Далечния изток стават част от Русия. Много събития от XVII век. бяха отразени в народното изкуство, в историческите песни - песни на свободни хора, съставени в памет на селския водач Степан Разин, имаше много песни за Ермак, Гришка Отрепиев и убития царевич Димитрий, за Петър I.
Русия, 17 век преживява дълги войни, опустошения и сериозни държавни трансформации. Подобна ситуация се очертава по това време навсякъде. През 17 век води се борба срещу контрареформацията, в много европейски страни в борбата за национално освобождение се разраства народно движение. То придобива особен размах в Украйна, като кулминацията му е обединението на Украйна с Русия през 1654 г.
Музикален живот през 17 век
Музикалният живот на това време е многостранен и противоречив. В него се преплитат и борят нови и стари явления, средновековни догматични представи – с нови европейски. И така, през 1648 г. цар Алексей Михайлович издава указ за прогонването на шута и дори унищожаването на техните музикални инструменти: „Изгорете кръвоносните съдове!“ (Принцовете не дават такива инструкции дори в дълбокото Средновековие.) Но скоро, по заповед на същия Алексей Михайлович, в Москва се отваря първият придворен театър, който продължава четири години (1672-1676).
Музикалните инструменти са донесени в Русия от Запад. Вече не само в двора, но и болярите започват музика по "германски", просветените западняци имат орган, клавикорди, флейти, виолончела. През 17 век в московска Русия започват да се развиват некултови форми на домашно музициране – псалми и песнопения.
От началото на 17 век активизира се творчеството на руските певци, появяват се много авторски песнопения, песнопения на местната традиция, разпространяват се северни мелодии: Соловецки, Тихвински, Новгородски, Усолски и южни - киевски, български, гръцки. По-нататъшно развитие през XVII век. намира теорията за знамената нотация, довела до реформи, предприети първо от Иван Шайдур, а след това и от Александър Мезенец. И двамата работиха върху усъвършенстването на нивото на височината на знаците: Шайдур въведе цинобърни маркировки, Мезенец - знаци, които направиха възможно дешифрирането на Знаменната нотация в наше време.
История на музиката на 17 век. се разделя на две половини; първият все още се свързва с традициите на Средновековието, но по това време вече се въвеждат елементи, които отговарят на новия дух на времето. От втората половина на XVII век. (с пристигането на украинските певци в Москва през 1652 г.) започва нов етап в развитието на руската музика, белязан от появата на петлинейна (киевска) нотация и полифония от хармоничния европейски тип.
През втората половина на XVII век. Руските музиканти се запознават със западноевропейската музикална култура, с нейната теория и практика, композиционна техника, нови музикални жанрове. В разгорещени спорове се формира нова естетика на изкуството. Раждат се полемичните трактати на привържениците на старото и новото изкуство.
Формирането на нов стил става в рамките на църковната музика. Одобрението му се оказва пряко свързано с реформите на патриарх Никон. Новото изкуство в западен стил беше чужда, чужда култура за привържениците на старите обреди, тя противоречи на изконния староруски канон.
17-ти век е повратна точка; като всички критични епохи, това е конфликт. Нова естетика на изкуството през 17 век. противоположно на стария. Този конфликт се изразява в изкуството и дори в езика. Богословски, езикови, езикови проблеми - спорове за нови преводи на свещени книги, направени при патриарх Никон - са в основата на конфликта между привържениците на стария (староверци, староверци) и новия обред. Към тях се присъедини конфликтът, породен от сблъсъка на старото и новото изкуство. Привържениците на стария обред, които утвърждаваха старите идеали, виждат в партийната музика разширяването на идеологическия враг - католицизма - католическото влияние 2 . Поддръжниците на новото изкуство утвърждават нов естетически стандарт. Западното изкуство също се превръща в отправна точка за руските музиканти от края на 17 век. Западът започва да се възприема по различни начини: за шампионите на новото изкуство (Н. Дилецки, И. Коренев, С. Полоцки, И. Владимиров) западната култура се превръща в еталон. Те се стремят да използват, повтарят, копират най-добрите западни образци. За привържениците на старата култура, „ревнители на древното благочестие“, всичко западно е чуждо, става обект на отричане и отхвърляне (протойерей Аввакум, Александър Мезенец и др.).
В естетиката и системата от възгледи на музиканти и теоретици от западната посока се развиват принципите на бароковия стил. Излагайки опонентите си в невежество, отхвърляйки Знаменното пеене, неговата теория и нотация, Дилецки и Коренев установяват нова ценностна ориентация. Принципно ново в сравнение със средновековието е понятието музика (musikia), което се използва еднакво по отношение както на инструменталната, така и на вокалната музика. Дилецки и Коренев признават необходимостта от използване на органа в обучението на музиканти, особено на композитори.
Противопоставянето на тези култури и техният открит сблъсък предизвикаха непримирим конфликт, който скоро последва. Този конфликт на епохата, отразен в староверците, разтърси цялата руска култура от втората половина на 17 век. Възникналата в него празнина се проявява както в музиката, така и в литературата, изобразителното изкуство, литургията и в начина на живот.
Новата музика беше символ на ново религиозно съзнание, но борбата се водеше не само в сферата на идеологията, богословските спорове, тя беше обективно изразена в художественото творчество, в музикалната полемика. Партеската музика е свързана със западната, католическа култура. „В Москва пеят песни, а не божествено пеене, на латински и техните закони и харти са латински: махат с ръце и кимат с глави, и тъпчат краката си, както е обичайно сред латинците на органите“ 3 , - това така протойерей Аввакум изобличава новото пеене на латински, западен стил, което се разпространява в московските църкви от 17 век. „Няма какво да слушаш – танцьори на скафандрите пеят на латиница“, оплаква се той 4 .
Стремежът за запазване и опазване на културата на старото време е характерен като цяло за много фигури от 17 век, придържали се към консервативно-защитни тенденции. Д. С. Лихачов вижда в този вид „реставрационна“ дейност белег на новото време. Този тип „реставрационни“ феномени включва и нова систематизация на знаците на знамената нотация в ABC. Например в „Съобщението за най-съгласните знаци” на старейшина Мезенец вече са въведени не само знаци, но и знаци, които опростяват разчитането на куките. Към същия тип явления принадлежат и поправянето на книги и текстове за пеене „за говор“ и борбата с многоголосието.
Характеристики на развитието на руското изкуство от XVII век. и се крие именно в диалогичното развитие на културата. Старото, без да умира, съжителства с новото. Със стабилизирането на художествено-историческите процеси той продължава да се развива и в бъдеще по два пътя: единият е пътят на широките контакти със западноевропейската култура, вървящ синхронно с развитието на европейските художествени стилове, другият е пътят на опазването на древната традиция в общностите на староверците, които през три века защитават своето изкуство и старите традиции от външни въздействия 5 . По това време те се намират в изключително положение, като носители на старата вяра и старата култура, заобиколени от бързо развиващо се ново изкуство, те са пазители на древността.
ситуация през втората половина на 17 век. близо до ситуацията от XI век. Както и в Киевска Рус X-XI век. се сблъскват две различни култури – езическа и византийска, през XVII век. старата руска средновековна култура влиза в сблъсък със западноевропейската. През 17 век оголват се противоречията на тези две култури, има противопоставяне – „стара” и „нова”. Древната, вековна канонична средновековна музикална традиция е свързана със "старото", а бароковият стил, партескната полифония от западен тип - с "новото". Старото монодично, знамено пеене, подобно на древната иконопис - сякаш плоско, едномерно, се противопоставяше на обемното, многогласно изкуство на барока. Създава ново усещане за пространство. Неговата текстура, буйна, многопластова, ефирна, предава усещане за движение, характерно за всички видове бароково изкуство.
Под влияние на всички сътресения и промени през XVII век. основите на средновековния мироглед започват да се разхлабват. В полемиката между привържениците на старото и новото изкуство постепенно се оформя нова естетика. Замяната на една стилистична посока с друга се осъществи в остра борба, предизвикана от сериозно преструктуриране на светогледа. Преходът от изкуството на Средновековието към изкуството на барока е свързан със засилването на светското начало, активното развитие на нови музикални жанрове и форми и нов тип музикално мислене.
Пътят на развитие на руската полифонична музика в епохата на барока (от средата на 17-ти до средата на 18-ти век) е поразителен със своята бързина. Това, което западното изкуство е преминало за 700 години, Русия овладява за сто. В Русия традициите на западноевропейския барок веднага се насаждат, но в руската версия. Младо, енергично, свежо бароково изкуство пленява със своята красота, богатство, пълнота на цветовете. Многохоровите концерти, разпространили се първо в Украйна, а след това и в московска Русия, удивиха слушателите с невиждан блясък.
Бароковото изкуство от края на 17 - първата половина на 18 век. се свързва с появата на партисни концерти (от лат. partis - купон), наречени така, защото, за разлика от унисонното руско пеене, те се пееха в купони. Бароковата епоха в Русия е свързана с разцвета на полифонията. След толкова дълго царуване на монодия, продължило почти 700 години, започва период на господство на полифонията. Партесни полифонични композиции за 4, 8, 12 - създават се до 48 гласа, а произведенията за 12 гласа стават норма. Развиват се техники за хармонично и полифонично писане. От средата на XVII век. утвърждава се нов стил на партиево пеене, съответстващ на епохата на барока, който намира своето въплъщение в партийни хармонизации на старинни песнопения, авторски композиции, песнопения, псалми и концерти.
Концертното пеене, донесено в Москва, Русия от Украйна, беше продукт на европейската култура. От Германия и Италия през Полша прониква в Украйна, а след това и в Москва. Подобен път е естествен за онзи период през 17 век, когато много западни влияния в изкуството идват в Русия главно от Полша през Украйна.
Югозападно влияние в Московска Русия
В средата на XVII век. Преките връзки на Русия със Западна Европа 6 са значително засилени, но особено важно по това време е влиянието на украинско-белоруското просвещение, което се засилва след присъединяването на Украйна към Русия (през 1654 г.). Съединението на Украйна с Русия допринесе за трансформацията на руската култура. Като част от Британската общност, Украйна е усвоила много черти на католическата полска култура. В началото на XVII век. в Украйна под влиянието на полската култура се формират нови форми на художествено мислене, които са пряко свързани със западноевропейското влияние, особено италианското. Полската култура чрез украински музиканти от средата на 17 век. започва активно да влияе върху културата на Московска Русия.
В средата на XVII век. Украински и беларуски учени, певци, книжовници се преместват в Москва. Сред тях бяха украинският филолог, преводач, учител, автор на речници Епифаний Славинецки, беларуският поет и драматург Симеон Полоцки, който заемаше видно място в московския двор, като възпитател на царските деца.
Благодарение на дейността на тези педагози се откриват нови образователни институции - училища, колежи 7. Една от тези институции е Славяно-гръцко-латинската академия (1687), която служи като висше учебно заведение, в което се обръща голямо внимание на филологията, езиците и поезията. Най-големият културен център е Възкресенският нов Йерусалимски манастир, основан от патриарх Никон. Както отбелязва Ю. В. Келдиш, ролята на този манастир е много значима, тук „се раждат и намират опора нови тенденции в областта на поезията и църковното пеене, нови музикални и поетични жанрове“ 8 .
Пеенето в Украйна винаги е било основно място. По природа, много музикален, украинският народ през XVI-XVII век. бързо подобрява певческия си бизнес, което е улеснено от борбата между православието и католицизма. Украинската музика е силно повлияна от полската музикална култура. Съюз 9 от 1596 г. улеснява достигането на латинското пеене до клироса. Това е особено вярно в югозападната част на Украйна, където политическото господство на Полша, религиозната зависимост на униатите от Рим и културните връзки с Полша осигуряват път за разпространението на западноевропейската музика.
Проникването на полското влияние е улеснено от многобройни южноруски братства, които се конкурират с католическото влияние и помежду си. Борбата срещу полското католическо влияние принуди украинските певци да научат ново пеене и да използват оръжията на своите противници. Известно е например, че Лвовското братство в средата на XVI век. изпратили чиновници в Молдова да научат гръцко и сръбско песнопение, а галисийските градове изпратили чиновници да учат църковно пеене в Румъния.
Полифоничното „органогласно”, тоест имитиращо звука на орган, пеенето се възприемаше в Русия като „латинска ерес”, изкушение 10 . Вместо предишните духовни стихове се пееха псалми и песнопения, често на полски. Естетиката на изпълнение се промени. Строго сдържаните мелодии на песнопения „Знамен” бяха заменени от експресивни „сладкозвучни” мелодии. Най-хубавото е, че разликата между стила на украинско и московско пеене е показана от арабския писател Павел Алепски, който посещава Украйна и Москва през 1654-1656 г.: „Пенето на казаците радва душата и лекува от скърби, защото тяхната мелодия е приятно, идва от сърцето и се изпълнява като с една уста, те страстно обичат музикалното пеене, нежните сладки мелодии. В московското „irmoloy” – унисонно пеене, П. Алепски е изненадан от пристрастията на руснаците към ниските мъжки гласове: „Най-добрият им глас е груб, плътен, бас, който не доставя удоволствие на слушателя. Тъй като ние го считаме за недостатък , така че те имат нашата висока мелодия се счита за неприлична. Те се подиграват на казаците за техните мелодии, като казват, че това са мелодии на франките и поляците" 11 .
в Украйна през 17 век. оформя се нов начин на изразително пеене, създават се нови видове монодични песнопения. Украински певчески ръкописи от 17 век. - Ирмологии, пълни с песнопения на местни песнопения. Имената им най-често се свързват с мястото на произход и разпространение в Украйна - Волин, Лвов, Острох, Слуцк, Кременецки, Подгорски. Понякога песнопенията им се свързват с местната монашеска традиция на пеене, най-често с големи манастири - Супраслски, Киево-Печерски, Межигорски, Кутеински. Но най-разпространените, които станаха широко известни в Москва, бяха три – киевски, български и гръцки. Очевидно са били донесени със себе си от украински певци, дошли в Москва през 50-те години на миналия век. XVII век, и по-специално от певческата школа на Киевския братски манастир, чийто основател е известният украински просветител и политик Лазар Баранович.
Киевски, български и гръцки песнопения са записани в киевска нотация, те са свързани със системата на осмоза и имат някои общи стилистични особености, които ги отличават от Знаменното песнопение. Това бяха строфични песнопения, базирани на многократно повторение на мелодии на строфа с различни текстове. В новите песнопения се появява строго определен метър, ритмична периодичност, което ги доближава до песнопения и псалми, които имат черти на европейска мелодия, лирическа песен и дори танц. Ето как постепенно се променя естетиката на древноруската певческа култура. Вместо строгия знамен напев с безкрайно развиваща се, сякаш рееща се мелодия без метър, идват метрични, по-прости и по-песенни, мелодични, лесно запомнящи се мелодии.
Напевите на българското песнопение се отличават със своята изразителност и мелодичност 12 . Ритъмът му е симетричен, обикновено се вписва в четиритактов метър, текстът се пее умерено, въпреки че често се среща голямо вътрешносричково песнопение.
Гръцкият напев 13 се характеризира със сбитост и простота. Мелодиите на гръцкото песнопение са мелодични и речитативни, със симетричен ритъм. Те са комбинирани в музикални композиции, базирани на разнообразно повторение на реплики:
Киевско песнопение е южноруски клон на Знаменното песнопение. Тя се основава на строфичност, ред по ред припяване на текста. В мелодията на киевското песнопение има както речитативни, така и напевни конструкции, често се срещат повторения на отделни думи и фрази от текста, което не беше позволено в Знаменното пеене. Киевското песнопение става широко разпространено в Москва от втората половина на 17 век. Известни са две разновидности на киевски песнопения - голям и малък (съкратен вариант на големия).
Киевски и гръцки песнопения, наред със Знаменните песнопения, се пеят в най-важните текстове от ежедневието, ежедневните песнопения на Всенощното бдение и Литургията. В Южноруския Ирмологион има много от тях. С въвеждането на партис пеене през втората половина на 17 век. появяват се партисни полифонични хармонизации на киевски, български и гръцки песнопения.
Страница 1 - 1 от 3
Начало | Предишна | 1 | Следа. | Край | Всичко
© Всички права запазени
