Hay una tradición eclesiástica que dice que el primer pintor de iconos de la historia cristiana fue el evangelista y apóstol Lucas, quien pintó la primera imagen de la Santísima Madre de Dios. Entre los innumerables íconos pintados a lo largo de dos mil años, algunos se han convertido en modelos estándar y de alto nivel para las generaciones futuras. Entre los muchos, muchos maestros que trabajaron en el campo inferior, solo unos pocos pintores de iconos tuvieron el honor de permanecer en el arte de la Iglesia y en la historia del arte mundial como estrellas brillantes que iluminan el camino de sus seguidores. En este artículo consideraremos a los pintores de iconos más famosos de la historia.
Evangelista y pintor de iconos Lucas (siglo I)
El evangelista Lucas nació en Antioquía en el seno de una familia griega, no era judío. El Apóstol Lucas estuvo en el entorno inmediato del Señor Jesucristo, según cuenta la leyenda, fue testigo de la Crucifixión del Señor. El evangelista Lucas escribió uno de los cuatro libros canónicos del Evangelio y el libro de los Hechos de los Apóstoles, y fue un ardiente predicador de la palabra de Dios. Al apóstol se le atribuye un icono llamado “Vladimirskaya”. Hay sugerencias de que los iconos de la Madre de Dios "Tikhvinskaya" y "Smolenskaya" también fueron pintados por San Lucas. Sobre el hecho de que St. Lucas escribió la imagen de la Madre de Dios narra su vida y la tradición de la iglesia. Muchos estudiosos de la teología identifican la imagen en la que el apóstol está trabajando en el famoso ícono, que representa el proceso mismo de la pintura del ícono, como el ícono "Vladimir". La imagen original ha estado en Rusia desde 1131, fue traída desde Constantinopla. Hoy el icono se conserva en la iglesia de la Galería Tretyakov. El ícono revela la belleza inalcanzable de la Madre de Dios, la belleza espiritual del mundo celestial, desde la antigüedad ha sido reconocida como milagrosa y es profundamente venerada en el mundo cristiano. El Apóstol Lucas es uno de los pintores de iconos más famosos, gracias a su inestimable contribución a la creación del arte eclesiástico.Alypiy Pechersky (siglos XI-XII)
Alypiy Pechersky vivía en Kievan Rus y era conocido como monje del monasterio de Kiev-Pechersk. El monje Alipiy pintó muchos iconos de la Santísima Madre de Dios y del Señor Jesucristo. Muchos milagros están relacionados con las imágenes que surgieron de debajo del pincel del monje Alipiy, a través de ellas se produjeron muchas veces curaciones milagrosas. Sus íconos siempre permanecieron ilesos durante los incendios y la destrucción de los templos, no se produjeron daños en las imágenes. La tradición eclesiástica atribuye a la autoría de San Alipio el icono “La Reina Actual”, que se encuentra en la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú. 
Teófanes el griego (siglos XIV-XV)
Uno de los pintores de iconos más famosos nació alrededor de 1340 en Bizancio. Pintó los templos del Imperio bizantino. Pero Theophan el griego estaba destinado a ganar fama mundial en suelo ruso. Comenzó a pintar iglesias rusas, el maestro creó su primer fresco en la Iglesia de la Transfiguración del Salvador, que se conserva hasta el día de hoy. Teófanes el griego pintó el ícono de la Transfiguración del Señor Jesucristo en el Monte Tabor, la imagen de la Madre de Dios "Donskaya" y otros. 
Andrei Rublev (siglos XIV-XV)
El gran pintor de iconos de la tierra rusa, que fundó la escuela de pintura de iconos y reflejó en sus obras la grandeza de la Rusia ortodoxa: Andrei Rublev. Andrey Rublev pintó muchos templos y monasterios. Rusia antigua. Los pinceles de Andrei Rublev pertenecen a varios iconos antiguos, el más significativo de los cuales es la Trinidad del Antiguo Testamento. Andrei Rublev también pintó muchos íconos hermosos: "Anunciación", "Bautismo", "Natividad de Cristo", "Encuentro", "Transfiguración", "Resurrección de Lázaro"; "Entrada a Jerusalén".
Para la historia de la pintura de iconos, crearon diferentes maestros, y los cuatro pintores de iconos más grandes que mencionamos: esta, por supuesto, no es la lista completa de maestros destacados. La tierra rusa siempre ha sido famosa por sus talentos. Las obras de los maestros rusos son conocidas en todo el mundo y son muy apreciadas incluso en aquellos países donde su propia tradición de pintura de iconos está muy desarrollada, por ejemplo, Grecia y las islas que la rodean. Gracias a Dios, incluso hoy en Rusia, las imágenes sagradas se crean de acuerdo con las reglas canónicas, se están reviviendo las tradiciones de pintura de iconos y todos, si lo desean, pueden
La iconografía de la antigua Rusia era sagrada. Todo el proceso creativo estuvo sujeto a estrictas normas canónicas. Por un lado, esto empobreció la iconografía de la antigua Rusia, ya que el maestro utilizó una iconografía ya establecida. Sin embargo, al mismo tiempo, esto permitió centrarse en la "esencia del tema de la espiritualidad", centrándose en la penetración profunda en la imagen y el proceso de recrearla con la ayuda de exquisitos
La pintura de iconos rusos antiguos obedecía las leyes no solo en la técnica misma de representación, sino también en la elección del material. También se utilizaron técnicas tradicionalmente establecidas en el método de preparación de la superficie para la imagen, la composición del suelo y la tecnología de preparación de pinturas. La iconografía de la antigua Rusia también asumió una secuencia de escritura obligatoria.
La escritura de las imágenes se realizaba con pinturas, cuyo componente aglutinante era la tempera (emulsión de agua con yema de huevo). Como base, por regla general, se utilizaron tablas de madera. Preparar la pizarra para escribir fue bastante largo y laborioso. Elegimos un tronco con una capa interna muy fuerte. Los carpinteros (trabajadores de la madera) se dedicaban a la fabricación de tableros para íconos, los propios pintores de íconos lo hacían muy raramente.
Se escribieron iconos de tamaño pequeño en un tablero. Para imágenes grandes, se utilizaron varias placas conectadas entre sí.
Se cortó un hueco mediano (arca) en el frente del tablero. Creó una especie de ventana. Al mismo tiempo, se formó un marco (campos) a lo largo de los bordes.
Por la naturaleza de la fijación de las tablas, la profundidad del arca, el ancho de los márgenes, a menudo se puede determinar el lugar y el momento de la fabricación de la tabla. En los íconos antiguos (siglos 11-12), el arca, por regla general, se hizo profunda y los márgenes eran anchos. Los tableros posteriores se hicieron con márgenes estrechos. A partir de, puede encontrar iconos sin bordes.
La imprimación era yeso. Esta es una mezcla de alabastro o tiza con pegamento de pescado (esturión). El tablero se untó varias veces con pegamento (líquido y caliente), luego se le aplicó un lienzo (tela), frotándolo con la palma de la mano. Levkas se aplicó después de que el lienzo se hubo secado. El suelo se aplicó en varias capas. Su superficie fue cuidadosamente nivelada, a veces pulida. En algunos casos se aplicó alivio.
La imagen se aplicó a la superficie del suelo preparado. La iconografía de la antigua Rusia asumió un dibujo escalonado. Primero, con ligeros toques de carbón tierno de ramas de abedul, se dibujó la primera imagen. Se realizó el segundo dibujo, más detallado o negro).
A veces los artesanos utilizaban "cuadernos" obtenidos de los iconos que servían como modelos. Así se reprodujo la imagen.
Entonces comenzó la carta. En la primera etapa, se llevó a cabo el "dorado" de todos los detalles necesarios, luego se produjo una carta "parcial" (se escribieron edificios, ropa, paisajes). La imagen de los rostros se realizó sobre etapa final. Había una secuencia estricta en el trabajo con pinturas.
La escritura de iconos se realizó de acuerdo con los manuales ("originales"). Contenían información sobre la tecnología de escritura de una u otra imagen.
Cabe señalar que en su interior y organización externa El icono es una obra de arte muy compleja. Sin embargo, en el siglo XIX, los pintores de iconos eran tratados como artistas de segunda clase, considerando al icono como algo primitivo. Los antiguos maestros fueron acusados de ignorancia de los métodos para crear una perspectiva directa y la anatomía humana. Al mismo tiempo, el ícono es el resultado de una técnica virtuosa y una alta cultura de representación. El uso de la pintura al temple requería habilidades especiales que se aprendieron durante muchos años de estudio.
Los pintores de iconos de la antigua Rusia percibían la escritura como un acto de comunicación con otro mundo. Esto requería limpieza física y espiritual.
Nos ha llegado poca información sobre los maestros de la antigüedad. Sin embargo, las páginas de testimonios históricos, los campos y rotaciones de iconos, las paredes de los templos conservan los nombres de los antiguos pintores de iconos. Entre ellos, se debe nombrar al monje Alimpiy, sus contemporáneos Stefan, Gaga, Sezhir, Radko. Uno de los iconos más famosos "Trinidad" fue pintado por Andrey Rublev.
Habiendo adoptado el cristianismo en 988, antiguo estado ruso estuvo involucrado en una poderosa corriente de la cultura bizantina. El proceso de comprensión y procesamiento creativo de la herencia del Imperio Romano de Oriente, combinado con sus propias tradiciones culturales, dio lugar posteriormente al arte ruso antiguo original y original. Está íntimamente relacionado con las condiciones históricas en las que se formó, reflejando los acuciantes problemas y aspiraciones del hombre medieval. Forma, tema, contenido antiguo arte ruso estaban estrechamente asociados con la religión y estaban bajo el estricto control de la iglesia.
En particular, en la pintura había reglas y técnicas que todo artista debía seguir: los cánones. Tipos de imágenes, esquemas compositivos, simbolismo fueron aprobados e iluminados por la iglesia.
La cosmovisión y la cosmovisión de una persona medieval diferían de las modernas y poseían ciertas características, sin cuyo conocimiento es imposible percibir completamente las obras del antiguo arte ruso.
El olvido del lenguaje del icono se produjo en parte bajo la influencia del arte occidental y está directamente relacionado con la secularización de la sociedad. La pintura de iconos es ascética, severa y completamente ilusoria. A diferencia de la pintura secular, siempre ha gravitado hacia la otredad fundamental, la representación de un mundo irreal transformado diferente.
Un signo, un símbolo, una parábola es una forma de expresar la verdad, bien conocida por nosotros de la Biblia. El lenguaje del simbolismo religioso es capaz de transmitir conceptos complejos y profundos de la realidad espiritual. Cristo, los apóstoles y profetas recurrieron al lenguaje de las parábolas en sus sermones. Vid, dracma perdida, higuera marchita, etc. - imágenes que se han convertido en símbolos significativos en la cultura cristiana.
Los primeros cristianos no conocían iconos en nuestra comprensión de la palabra, pero la imaginería desarrollada del Antiguo y Nuevo Testamento ya llevaba los rudimentos de la iconología.
Al determinar las características artísticas de un ícono, se debe recordar que para una persona de la Edad Media, un ícono no es una imagen, sino un objeto de adoración. Su finalidad es un recordatorio de la imagen de Dios, ayuda para entrar en el estado psicológico necesario para la oración.
Para un creyente, nunca se ha cuestionado si le gusta o no un ícono, cómo y cuán artísticamente está hecho. Su contenido era importante para él. En aquella época, muchos no sabían leer, pero el lenguaje de los símbolos se inculcaba a cualquier creyente desde la infancia. El simbolismo del color, los gestos, los objetos representados es el lenguaje del icono.
Uno de los padres de la iglesia, Nilus of Sinai, escribió que los íconos se guardan en las iglesias “con el propósito de instruir a aquellos que no conocen y no pueden leer las Sagradas Escrituras en la fe”.
La base para el surgimiento de la pintura rusa fueron las muestras del arte bizantino. Fue desde allí que los canónigos llegaron a Rusia.
El canon no frenó en absoluto el pensamiento del pintor medieval, pero lo disciplinó, obligándolo a prestar mucha atención a los detalles.
Dada la función educativa de la pintura de iconos, un sistema unificado de signos era muy importante, ya que ayudaba a los espectadores a navegar por la trama y el significado interno de la obra.
El significado filosófico del canon es que el “mundo espiritual” es inmaterial e invisible y, por lo tanto, inaccesible a la percepción ordinaria. Sólo se puede representar con símbolos. El pintor de iconos no luchó por el realismo formal externo, por el contrario, enfatiza fuertemente la diferencia entre el mundo celestial representado con los santos que se han unido a él y el mundo terrenal en el que vive el espectador. Para ello, se distorsionan deliberadamente las proporciones, se viola la perspectiva.
El uso de una perspectiva inversa o un fondo uniforme e impenetrable, por así decirlo, acercó al espectador a la imagen representada, el espacio del ícono parecía moverse hacia él junto con los santos colocados en él.
La cara (cara) en el icono es lo más importante. En la práctica de la pintura de iconos, primero se pintaban el fondo, el paisaje, la arquitectura, la ropa, también podían ser pintados por un maestro de segunda mano, un asistente, y solo entonces el maestro principal comenzó a pintar la cara. El cumplimiento de este orden de trabajo fue importante, porque el ícono, como todo el universo, es jerárquico. Las proporciones de la cara fueron distorsionadas deliberadamente. Se creía que los ojos son el espejo del alma, por eso los ojos de los íconos son tan grandes y penetrantes. Recordemos los ojos expresivos de los íconos premongoles (por ejemplo, Novgorod el Salvador no hecho a mano, siglo XII). La boca, por el contrario, simbolizaba la sensualidad, por lo que los labios se dibujaban desproporcionadamente pequeños. A partir de la época de Rublevsky a principios del siglo XV. los ojos ya no escribían tan exageradamente grandes, sin embargo, siempre se les presta mucha atención. Sobre el icono de Rublev "El Salvador de Zvenigorod" nos sorprende ante todo la mirada profunda y penetrante del Salvador. En Teófanes el griego, algunos santos fueron representados con los ojos cerrados o incluso con las cuencas de los ojos vacías; de esta manera, el artista trató de transmitir la idea de que su mirada no se dirigía al mundo exterior, sino al interior, a la contemplación de la verdad divina y oración interior.
Las figuras de los personajes bíblicos representados fueron pintadas con menos densidad, con pocas capas, deliberadamente estiradas, lo que creaba un efecto visual de su ligereza, superando la fisicalidad y el volumen de sus cuerpos. Parecen volar en el espacio por encima de la tierra, lo cual es una expresión de su espiritualidad, su estado transformado.
La imagen real de una persona ocupa el espacio principal del icono. Todo lo demás: cámaras, montañas, árboles juegan un papel secundario, su naturaleza icónica se lleva a la máxima convencionalidad. Sin embargo, también tienen una cierta carga semántica (una montaña simboliza el camino de una persona hacia Dios, un roble es símbolo de vida eterna, un cuenco y vino- símbolos del sacrificio expiatorio de Cristo, la paloma es un símbolo del Espíritu Santo, etc.). Cuanto más antiguo es el icono, menos elementos secundarios tiene.
Para la percepción de la pintura de iconos por parte de un espectador moderno, es importante recordar que un icono es una obra muy compleja en cuanto a su organización interna, lenguaje artístico, no menos compleja que, por ejemplo, una pintura del Renacimiento. Sin embargo, el pintor de iconos pensó en categorías completamente diferentes, siguió una estética diferente.
Dado que la expansión del cristianismo en Occidente y en Oriente tuvo lugar en diferentes condiciones históricas, el arte eclesiástico también se desarrolló de diferentes maneras. En Europa Occidental, el cristianismo se predicaba entre los bárbaros que capturaron el Imperio Romano Occidental. Para ellos, el icono tenía que mostrar y contar la historia del evangelio con la mayor veracidad posible, de ahí el realismo, la transformación gradual del icono en una imagen con una trama religiosa. El Imperio Romano de Oriente - Bizancio, por el contrario, conservó las tradiciones de la cultura antigua y las desarrolló, aquí el ícono permaneció, por así decirlo, como un texto simbólico y sirvió no para excitar la imaginación, sino para la comprensión y la contemplación internas. El signo y el símbolo son el alfabeto del espectador medieval.
Curiosamente, en el siglo XIX. los iconos se consideraban arte primitivo debido a que el realismo tenía una fuerte influencia en la percepción estética de la pintura. Los antiguos pintores de iconos rusos fueron acusados de ignorancia de la anatomía y los métodos para construir una perspectiva directa. Más tarde, a principios del siglo XX, muchos artistas de vanguardia, K. Petrov-Vodkin, V. Kadinsky y otros, estudiaron cuidadosamente y trataron de adoptar ellos mismos Medios de expresión antiguos maestros. Henri Matisse reconoció la importante influencia del icono ruso en su obra.
A través del modernismo y la vanguardia, no solo Rusia, sino también Occidente están volviendo a la naturaleza icónica del arte, utilizando colores, siluetas y esquemas locales como medio de expresión.
El canon iconográfico es un tema aparte y exigente. estudio especial tema. Aquí hay algunas reglas básicas:
- Dimensiones. El ancho de los íconos antiguos corresponde a la altura 3:4 o 4:5, independientemente del tamaño del tablero de íconos.
- Tamaños de figuras. La altura de la cara es igual a 0,1 de la altura de su cuerpo (según las reglas bizantinas, la altura de una persona es igual a 9 medidas de la cabeza). La distancia entre las pupilas era igual al tamaño de la nariz.
- Líneas. El ícono no debe tener líneas rotas, o están cerradas, o vienen de un punto, o están conectadas a otra línea. Las líneas de la cara son delgadas al principio y al final, y engrosadas en el medio. Las líneas de la arquitectura tienen en todas partes el mismo grosor.
- El uso de la perspectiva inversa, que constaba solo de planos cercanos y medios, el plano lejano se limitaba a un fondo impenetrable: dorado, rojo, verde o azul. A medida que se aleja del espectador, los objetos no disminuyen, sino que aumentan.
Reglas especiales estipulaban la aplicación de pinturas, el uso ciertos colores etc
Todos los pintores recurrieron al simbolismo de los colores, cada color llevaba su propia carga semántica.
- El oro es un color que simboliza el resplandor de la gloria divina, en el que moran los santos. El fondo dorado del ícono, los halos de los santos, el resplandor dorado alrededor de la figura de Cristo, las vestiduras doradas del Salvador y la Virgen: todo esto sirve como una expresión de santidad y valores eternos que pertenecen al mundo.
- Amarillo u ocre: el color más cercano en el espectro al oro, a menudo solo un sustituto, también es un color. poder supremoángeles
- El blanco es un color que simboliza la pureza y la pureza, la participación en el mundo divino. La ropa de Cristo está escrita en blanco, por ejemplo, en la composición "Transfiguración", así como la ropa de los justos en los íconos que representan el Juicio Final.
- El negro es un color que en algunos casos simboliza el infierno, la distancia máxima de Dios, en otros es signo de tristeza y humildad.
- Azul - el color de la Virgen, también significaba pureza y rectitud.
- Azul: el color de la grandeza, simboliza lo divino, lo celestial, la incomprensibilidad del misterio y la profundidad de la revelación.
- Rojo: el color real, un símbolo de poder y fuerza (la capa de Miguel Arcángel, el líder de la hueste celestial y San Jorge, el ganador de la serpiente); en otros casos, podría ser símbolo de sangre redentora, martirio.
- Verde - simbolizado vida eterna, eterno florecimiento, es también el color del Espíritu Santo.
El pintor medieval no conocía la paleta, no mezclaba colores durante el trabajo, los colores se elaboraban de antemano y eran obligatorios. Las recetas de pinturas de diferentes escuelas no coincidían, pero, por regla general, se frotaban con yema de huevo, eran muy fuertes y brillantes.
La gesticulación también tenía una carga simbólica. El gesto en el ícono transmite un cierto impulso espiritual, lleva cierta información espiritual:
- mano presionada contra el pecho - empatía sincera;
- mano levantada - un llamado al arrepentimiento;
- una mano extendida hacia adelante con la palma abierta es un signo de obediencia y humildad;
- dos manos levantadas - una oración por la paz;
- manos levantadas hacia adelante: una oración de ayuda, un gesto de solicitud;
- manos presionadas en las mejillas: un signo de tristeza, dolor.
Los objetos en manos del santo representado también fueron de gran importancia, como signos de su servicio. Entonces, el apóstol Pablo generalmente se representaba con un libro en sus manos: este es el Evangelio, con menos frecuencia con una espada, que simboliza la Palabra de Dios. Pedro suele tener las llaves en sus manos: estas son las llaves del reino de Dios. Los mártires están representados con una cruz en la mano o una rama de palma, símbolos de pertenencia al Reino de los Cielos, los profetas suelen tener en sus manos los rollos de sus profecías.
Y esto está lejos de ser un material exhaustivo sobre el simbolismo del color y los gestos. No es casualidad que los íconos fueran llamados "teología en colores".
“En las líneas y colores del ícono, tenemos una belleza predominantemente semántica”, escribió el filósofo E. Trubetskoy en 1916. En su famosa obra “La especulación en los colores”, desarrolló profundamente esta idea, argumentando que los antiguos maestros rusos reflexionaron sobre el significado de la vida, llevaron respuestas a preguntas eternas siendo "no en palabras, sino en colores e imágenes".
Apertura pintura rusa antigua a principios del siglo XX, el reconocimiento de su significado artístico revivió la comprensión de su verdadero significado espiritual. Entonces, el filósofo y sacerdote Sergei Bulgakov, contemporáneo de Trubetskoy, en su autobiografía compara la pintura europea y rusa. Cuando Bulgakov vio por primera vez la "Madonna Sixtina" de Rafael, la imagen le causó una fuerte impresión. Sin embargo, más tarde, cuando se familiarizó con el antiguo arte ruso, de repente vio lo principal que le falta a la "Madonna Sixtina": aunque representa a la Madre de Dios, no se puede rezar ante ella. Si un artista secular, al pintar un cuadro, se esforzó por lograr el máximo expresividad artistica, él es, en primer lugar, el autor, luego el monje-pintor de iconos no pensó en la estética, pensó en el prototipo, creía que Dios estaba guiando su mano.
La guía principal para la creación del icono para los pintores fueron los originales antiguos, traídos de Bizancio. La pintura canónica durante muchos siglos encaja en un marco estrictamente definido, permitiendo solo la repetición de los originales de la pintura de iconos.
Las imágenes estaban estrictamente reguladas en el espacio, las poses, se observaba un cierto esquema de trama. Para ayudar a los pintores, había bóvedas especiales con dibujos de imágenes de santos ortodoxos y sus descripciones verbales. A finales del siglo XVII. incluso hubo una edición consolidada de los originales, que recogió más historias acumuladas a lo largo de los siglos, así como materiales de referencia, listas de términos y materias.
Los personajes principales de los íconos son la Madre de Dios, Cristo, Juan el Bautista, los apóstoles, los antepasados, los profetas, los santos asociados y los grandes mártires. Las imágenes podrían ser:
- principal (solo cara),
- hombro (sobre los hombros),
- cintura (hasta la cintura),
- en pleno crecimiento.
Los santos a menudo se pintaban rodeados de pequeñas composiciones separadas sobre los temas de sus vidas, los llamados sellos hagiográficos. Tales íconos hablaron sobre la hazaña cristiana del personaje.
Un grupo separado constaba de íconos dedicados a eventos evangélicos, que formaron la base de la principal vacaciones de la iglesia, así como iconos pintados sobre la base de historias del Antiguo Testamento.
Considere la iconografía principal de la Virgen y Cristo, las imágenes más importantes y veneradas del cristianismo.
Imágenes de la Madre de Dios.
Odigitria (Guía) Esta es una imagen de medio cuerpo de la Madre de Dios con el Niño Jesús en sus brazos. La mano derecha de Cristo está en un gesto de bendición, en su izquierda tiene un rollo, un signo de la Sagrada Enseñanza. La Madre de Dios sostiene a su hijo con una mano y lo señala con la otra.
Eleusa (Afecto) esta es una imagen de medio cuerpo de la Madre de Dios con el bebé en sus brazos, inclinados el uno al otro. La Madre de Dios abraza a su hijo, él se aprieta contra su mejilla.
oranta (oración) Esta es una imagen de cuerpo entero de la Madre de Dios con las manos levantadas hacia el cielo. Cuando se representa un medallón redondo con el niño Cristo en el pecho de los Orans, este tipo se denomina Gran Panagia (Todos los Santos) en iconografía.
Signo o Encarnación Esta es una imagen de medio cuerpo de la Madre de Dios con las manos levantadas en oración. Como en la Gran Panagia, en el pecho de la Madre de Dios hay un disco con la imagen de Cristo, que simboliza la encarnación del Dios-hombre.
En total, había alrededor de 200 tipos iconográficos de la imagen de la Madre de Dios, cuyos nombres generalmente se asocian con el nombre del área donde fueron especialmente venerados o donde aparecieron por primera vez: Vladimirskaya, Kazanskaya, Smolenskaya, Iverskaya, etc El amor y la veneración de la Madre de Dios entre la gente se ha fusionado indisolublemente con sus íconos, algunos de ellos son reconocidos como milagrosos y hay fiestas en su honor.
Entre los íconos más famosos de la Madre de Dios se encuentra Vladimirskaya (pertenece al tipo "Ternura"), los científicos lo datan del siglo XII, según la evidencia de la crónica, fue traído de Constantinopla. En el futuro, Nuestra Señora de Vladimir fue repetidamente copiada, había muchas listas de ella de los siglos XIV-XV. Por ejemplo, la famosa repetición de "Nuestra Señora de Vladimir" se creó a principios del siglo XV. para la Catedral de la Asunción en la ciudad de Vladimir, para reemplazar el antiguo original, transportado a Moscú.
También pertenece a la tipología “Ternura” la famosa Madre de Dios del Don, presuntamente escrita por el propio Teófanes el griego y que se convirtió en el principal santuario fundado en el siglo XVI. Monasterio Donskoy de Moscú.
Se considera que uno de los mejores íconos del tipo Odigitria es la Virgen de Smolensk, creada en 1482 por el gran artista Dionisio. Se llama Smolenskaya porque, según la leyenda de la crónica, la más antigua de las copias de Odigitria traídas a Rusia se mantuvo en Smolensk, y fue a partir de ella que se hicieron todos los íconos posteriores.
La imagen principal y central de la pintura rusa antigua es la imagen de Jesucristo, el Salvador, como se le llamaba en Rusia.
Imagen de Cristo.
Pantocrátor (Todopoderoso) Esta es una imagen de Cristo de medio cuerpo o de cuerpo entero. Su mano derecha está levantada en un gesto de bendición, en su izquierda sostiene el Evangelio, un signo de la enseñanza que trajo al mundo.
Salvador en el trono esta es una imagen de Cristo con la ropa del emperador bizantino sentado en un trono (trono). Con la mano derecha levantada delante del pecho, bendice y con la izquierda toca el Evangelio abierto.
Además de la composición habitual de El Salvador en el Trono, también había imágenes en el arte ruso antiguo donde la figura de Cristo sentado en el trono estaba rodeada de varios signos simbólicos que indicaban la plenitud de su poder y su juicio sobre el mundo. Estas imágenes formaron un conjunto aparte y recibieron el nombre Guardado en poder.
Balneario Obispo el Grande la imagen de Cristo con túnica de obispo, revelándolo en la forma de un sumo sacerdote del Nuevo Testamento.
Salvador no hecho por manos este es uno de Imágenes antiguas Cristo, donde solo se representa el rostro del Salvador, impreso en la tela.
Salvador no hecho por manos en corona de espinas una de las variedades de esta imagen, aunque rara, este tipo de imagen aparece en la pintura de iconos rusa solo en el siglo XVII.
Relativamente rara es la imagen de Cristo en infancia llamadoemmanuel
("Dios esta con nosotros").Aún menos común es la imagen del niño Cristo con un nimbo en forma de estrella, personificando a Cristo antes de la encarnación (es decir, antes del nacimiento), o Cristo en forma de arcángel con alas. Estos iconos se llamanÁngel del Gran Consejo
.
Los iconos que reproducían la Imagen No Hecha a Mano eran los más numerosos. El más antiguo que se conserva es el Salvador de Novgorod no hecho a mano, creado en el siglo XII. y propiedad hoy de la Galería Estatal Tretyakov. No menos famoso es el "Salvador no hecho a mano" de la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú, que data del siglo XV.
También había numerosas imágenes del Salvador del Todopoderoso. El famoso "Zvenigorod Spas" de Andrei Rublev de esta serie es una de las mejores obras de la pintura rusa antigua, una de las mejores creaciones del autor.
En Rusia, la pintura de iconos se consideraba el asunto estatal más importante. Las crónicas, junto con eventos de importancia nacional, señalaron la construcción de nuevas iglesias y la creación de íconos.
Había una antigua tradición: admitir solo monjes en la pintura de iconos, además, aquellos que no se mancharon con actos pecaminosos. La Catedral de Stoglavy de 1551, entre otros temas, prestó atención a la pintura de iconos. El Concilio decidió que el pintor de iconos debe ser un hombre de vida justa y pura, y su oficio es el servicio de Dios y de la iglesia. Entonces, los más grandes pintores de íconos de la antigua Rusia, Andrei Rublev y Daniil Cherny, según la colección de "Cuentos de los Santos Ancianos", fueron justos y "superaron a todos en virtudes", por lo que fueron premiados con sus talentos inusuales.
Durante muchos siglos, los íconos en Rusia estuvieron rodeados por un halo de gran autoridad moral. El trabajo en el icono comenzó con la oración ferviente, no solo del monje ejecutante, sino de todo el monasterio. Se consideraba un gran pecado tirar o quemar iconos. Si la imagen se oscurecía o se desvanecía (esto sucedía a menudo: en los viejos tiempos era costumbre cubrir la imagen con aceite secante, por lo que se oscurecían con el tiempo), se "grababa" con una nueva pintura. También existía la costumbre de que los íconos estropeados e inutilizables flotaran río abajo boca abajo después de un servicio de oración preliminar. Algunos íconos antiguos fueron especialmente venerados y considerados milagrosos, es decir. capaz de obrar milagros. la historia de tal iconos milagrosos incluye muchas leyendas sobre rescates milagrosos y sanidades traídas a los creyentes.
Entonces, el santuario principal de Novgorod, el ícono de Nuestra Señora del Signo de la iglesia de Hagia Sophia, supuestamente salvó a la ciudad del asedio. Las crónicas cuentan cómo, en 1169, San Juan de Novgorod, al enterarse de que el pueblo de Suzdal iba a la guerra contra Novgorod, comenzó a orar con fervor, y de repente escuchó una voz: se le ordenó, cuando comenzó el asedio, salir a el pueblo de Suzdal con el icono de la Madre de Dios del Signo. Así lo hicieron, después de lo cual los suzdalianos fueron derrotados.
Al famoso icono de Nuestra Señora de Vladimir se le atribuye haber salvado Moscú de Tamerlán en 1395, cuando interrumpió inesperadamente su campaña contra la ciudad y regresó a la estepa. Los moscovitas explicaron este evento por la intercesión de la Madre de Dios, quien supuestamente se apareció a Tamerlán en un sueño y le ordenó no tocar la ciudad. El ícono "Nuestra Señora del Don", según la leyenda, estuvo con Dmitry Donskoy en el campo de Kulikovo en 1380 y ayudó a derrotar a los tártaros.
Según la leyenda, el icono de Kazán de la Madre de Dios ayudó a Minin y Pozharsky a liberar Moscú de los polacos en 1612.
La fe en el poder milagroso de los iconos sigue siendo fuerte hoy en día, y la iglesia moderna también conserva las tradiciones de su veneración. El ícono como fenómeno espiritual está atrayendo cada vez más la atención, no solo en el mundo ortodoxo, sino también en el católico. EN Últimamente todos más Christians evalúa el icono como una herencia espiritual cristiana común. Hoy es icono antiguo percibida como una revelación necesaria para el hombre moderno.
La iconografía no es de menor interés para los historiadores y los historiadores del arte. Hoy en día, nadie tiene que probar el valor estético del ícono, sin embargo, para comprender su verdadero valor espiritual, para comprender el lenguaje artístico del autor, para desentrañar su significado profundo, es necesario continuar el estudio de este más interesante capa de arte ruso antiguo.
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departamentos Ciencias Sociales Y
estudios regionales de Rusia
Instituto Estatal
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En ninguna parte la pintura de iconos ha alcanzado un nivel de desarrollo tan grande como en Rusia, en ninguna parte ha creado tantas obras maestras y en ninguna parte se ha convertido en la forma favorita de las bellas artes para toda una nación a lo largo de los siglos.
El culto al icono (del griego eikon - imagen, imagen) se originó en el siglo II. y floreció en el siglo IV; Los íconos más antiguos que se conservan datan del siglo VI. El icono debe ser considerado no como una imagen idéntica a la Deidad, en contraste con los ídolos precristianos, sino como un símbolo que permite la comunión espiritual con el “original” (arquetipo), es decir, la penetración en el mundo sobrenatural a través del sujeto. del mundo material.
Los iconos se hicieron originalmente en la técnica de la encáustica (pintura a la cera), luego al temple y, en casos raros, mosaicos, y más tarde (principalmente a partir del siglo XVIII), la pintura al óleo. El icono estaba especialmente extendido en Bizancio; Las escuelas originales de pintura de iconos surgieron en el Egipto copto y Etiopía, en los países eslavos del sur, en Georgia. El icono de la antigua Rusia adquirió un verdadero brillo artístico y originalidad.
Sobre la base de excavaciones arqueológicas, se ha establecido que el trabajo con pinturas se conocía en la antigua Rusia incluso antes de la adopción del cristianismo. Esto se evidencia por el descubrimiento de un mortero para moler pinturas, descubierto en una excavación en el sitio del antiguo asentamiento de Saransk, donde más tarde se fundó la ciudad de Rostov el Grande. Pero la tecnología de pintura y aglutinantes, en la que se sobrescribieron pinturas delgadas, aún no se conoce.
El ícono consta de cuatro a cinco capas, dispuestas en el siguiente orden: base, imprimación, capa de pintura, capa protectora. El icono puede tener un salario de metales o cualquier otro material.
La primera capa es la base; la mayoría de las veces es una tabla de madera con una tela llamada lienzo pegada. A veces el tablero pasa sin lienzo. Muy raramente, la base para los trabajos de temple de yema se hizo solo de lienzo. La razón de este fenómeno es obvia. La madera, no la piedra, sirvió como nuestro principal material de construcción, por lo que la gran mayoría de las iglesias rusas (9/10) eran de madera. Con su efecto decorativo, la facilidad de colocación en el templo, el brillo y la fuerza de sus colores (molidos en yema de huevo), los iconos pintados en el tablero (pino y tilo, cubiertos con imprimación de alabastro - "gesso"), fueron los mejores adecuado para la decoración de iglesias rusas de madera. No es de extrañar que se haya notado que en la antigua Rusia el ícono era la misma forma clásica de bellas artes que en Egipto: un relieve, en Hellas, una estatua y en Bizancio, un mosaico.
La segunda capa es tierra. Si el icono se pinta de forma tardía, combinando témpera con pinturas sobre otros aglutinantes (principalmente óleo), y se colorean las capas de la imprimación (se utilizan pigmentos de colores, no la tiza o el yeso tradicionales), entonces se denomina “tierra”. . Pero en el temple de yema que prevaleció en la pintura de iconos, el suelo siempre es blanco. Este tipo de suelo se llama yeso.
La tercera capa es colorida. La capa de pintura se compone de varias pinturas aplicadas sucesivamente a la imprimación. Esta es la parte más esencial de una pintura, ya que es con la ayuda de pinturas que se crea una imagen.
La cuarta es una capa protectora (o cubierta) de aceite secante o barniz de aceite. Muy raramente, se utilizó proteína como material para la capa protectora. Gallina, huevo(sobre íconos bielorrusos y ucranianos). Actualmente - barnices de resina.
Los salarios de los íconos se hicieron por separado y se fijaron con clavos. Están hechos de metales, telas bordadas e incluso madera tallada, recubierta de yeso y dorado. No cubrieron con salarios toda la superficie pictórica, sino principalmente halos (coronas), el fondo y campos del icono, y menos frecuentemente casi toda su superficie, con excepción de las imágenes de cabezas (rostros), brazos y piernas.
Durante muchos siglos en Rusia escribieron en la técnica del temple de yema; ahora usan los términos "tempera de huevo", o simplemente "tempera".
Tempera (del italiano "temperare" - mezclar pinturas) - pintar con pinturas, en las que el aglutinante suele ser una emulsión de agua y yema, con menos frecuencia, de pegamento vegetal o animal diluido en agua con la adición de aceite o barniz de aceite. El color y el tono de las obras escritas al temple son incomparablemente más resistentes a la Influencias externas y conservan su frescura original mucho más tiempo en comparación con las pinturas al óleo. La técnica del temple de yema llegó a Rusia desde Bizancio a finales del siglo X junto con el arte de la pintura de iconos.
Hasta finales del siglo XIX, los pintores de iconos rusos, al hablar sobre el proceso de mezclar un pigmento con un aglutinante, usaban la expresión "pinturas frotadas" o "pinturas disueltas". Y las pinturas mismas fueron llamadas "creadas". Desde principios del siglo XX, solo las pinturas hechas de polvos de oro o plata mezclados con un aglutinante (oro creado, plata artesanal) comenzaron a llamarse creadas. El resto de las pinturas se llamaban simplemente témperas.
Los iconos en Rusia surgieron como resultado de la actividad misionera de la Iglesia bizantina en un momento en que la importancia del arte eclesiástico se experimentaba con especial fuerza. Lo que es especialmente importante y lo que fue un fuerte impulso interno para el arte eclesiástico ruso es el hecho de que Rusia adoptó el cristianismo precisamente en la época del renacimiento de la vida espiritual en Bizancio mismo, la época de su apogeo. Durante este período, en ninguna parte de Europa el arte de la iglesia estaba tan desarrollado como en Bizancio. Y en ese momento, la Rusia recién convertida recibió, entre otros íconos, como ejemplo del arte ortodoxo, una obra maestra insuperable: el ícono de la Madre de Dios, que luego recibió el nombre de Vladimir.
Escuela de Rostov-Suzdal.
Rostov-Suzdal y Zalesskaya Rus son en la antigüedad vastas tierras desde el Oka y el Volga hasta el Lago Blanco. Estas tierras se convirtieron en el segundo centro del Estado y la cultura rusa después de Kiev. En el mismo centro de Rusia durante tres siglos, del 10 al 13, surgieron las ciudades de Rostov el Grande, Murom, Suzdal, Vladimir, Belozersk, Uglich, Kostroma, Tver, Nizhny Novgorod, Moscú.
Los iconos pintados en Rostov el Grande la representan como un centro, una especie de academia para pintores del noreste de Rusia. Confirman el significado y la brillante originalidad de la pintura antigua nacional de Rusia Central y su importante papel en el arte público.
Los íconos de la escuela de Rostov-Suzdal ya en el primer contacto nos sorprenden con el brillo y la pureza de la luz, la expresividad de un diseño estricto. Se caracterizan por una armonía especial de una composición construida rítmicamente, suaves tonos cálidos de color.
más antiguo de Iconos de Súzdal- Maksimovskaya Madre de Dios - fue escrito en 1299 por orden del metropolitano Maxim en relación con el traslado de la sede metropolitana de Kiev a Vladimir. La Madre de Dios está representada de cuerpo entero con un bebé en brazos. El ícono tiene pérdidas significativas de la pintura antigua, pero la silueta inusualmente expresiva, las líneas suaves del dibujo hablan de la gran habilidad de sus creadores.
Las pinturas del siglo XIV, la época de la lucha con los mongoles-tártaros, muestran las características de la época, sus imágenes están llenas de un profundo poder lúgubre. Encontraron expresión en el icono de la Virgen (siglo XIV). Es característico que incluso los vestidos de la Virgen -maforium- con su color casi negro simbolizan la profundidad de la tristeza.
El siglo XV se considera con razón el apogeo de la pintura rusa antigua. En las tradiciones de la escuela Rostov-Suzdal, una de las obras maestras fue pintada en el siglo XV: un ícono que representa la Fiesta de la Intercesión. Esta fiesta fue introducida por Andrei Bogolyubsky y se hizo especialmente popular en la tierra de Vladimir-Suzdal. La imagen central de esta obra es la Madre de Dios, que eclipsa a las personas con su manto, protegiéndolas de los problemas. Este trabajo está lleno de armonía relajante. Esta impresión es creada por una composición equilibrada, color, basada en la relación de tonos de color marrón claro, rojo y blanco.
En el siglo XV se generalizaron especialmente los iconos hagiográficos, donde la imagen del santo está enmarcada con punzones con escenas de su vida. Así es como se hace el ícono de Nikola (siglo XVI), un santo, especialmente popular en Rusia. En este icono llama la atención la riqueza de los tonos rosas, verdes claros, marrones claros, los más finos, junto a manchas azules y rojas sobre fondo blanco. Esta riqueza de color le da frescura y sonoridad al ícono.
Para el siglo XVI, cuando la idea de estado se hace más fuerte, las imágenes estrictas y sublimes son características. En este momento, se pintó el ícono de la Madre de Dios Odigitria (en griego, "guerrero"). Junto con tales obras, hay otras que sienten una comprensión popular viva de las imágenes, su interpretación.
En el icono de la Anunciación, el artista introduce la imagen de los cisnes, que en el imaginario popular se asociaban con la imagen de una novia virgen.
A partir de la segunda mitad del siglo XVI, la composición de los iconos comenzó a complicarse. Esta tendencia está aumentando gradualmente, y en el siglo XVII el artista se esfuerza por transmitir con el mayor detalle posible la leyenda que subyace en esta o aquella imagen del icono. Entonces, el ícono "Descenso a los infiernos" no solo es muy detallado, sino que, para una mayor persuasión, se complementa con inscripciones. En el inframundo, junto a los demonios, que personifican el pecado humano, hay inscripciones: "tatba", "fornicación", "desesperación".
A fines del siglo XVII, aparecieron características en la pintura de iconos rusa, lo que indica el acercamiento de la era de la pintura realista. Los artistas se esfuerzan por pintar íconos de una manera cercana a la realidad, transmitiendo el volumen de las caras, las figuras y el entorno. Son estas características las que caracterizan el icono de la Madre de Dios Vladimir de finales del siglo XVII.
Todos estos íconos de la escuela Rostov-Suzdal nos sorprenden ya sea por el brillo, la frescura y la armonía de la estructura artística, o por la complejidad y diversión de la narración, abriéndonos una ventana al pasado, dándonos la oportunidad de entrar. tocar con el rico y en cierto modo no completamente entendido mundo de nuestros antepasados.
escuela de Moscú.
La escuela de Moscú tomó forma y se desarrolló intensamente en la era del fortalecimiento del principado de Moscú. Pintura de la escuela de Moscú en el siglo XIV. representó una síntesis de las tradiciones locales y las tendencias avanzadas del arte bizantino y eslavo del sur (los íconos "Salvador del ojo ardiente" y "Salvador del hombro", 1340, la Catedral de la Asunción del Kremlin de Moscú). El apogeo de la escuela de Moscú a finales del siglo XIV y principios del XV. asociado con las actividades de destacados artistas Theophan the Greek, Andrei Rublev, Daniil Cherny. Las tradiciones de su arte se desarrollaron en los íconos y murales de Dionisio, que atraen con la sofisticación de las proporciones, la fiesta decorativa del color y el equilibrio de las composiciones.
La escuela de Rostov-Suzdal, conocida en Rusia desde la época anterior a los mongoles, sirvió como terreno en el que se desarrolló y desarrolló la pintura de Moscú en los siglos XIV-XVI.
Existió durante mucho tiempo junto a la pintura de Rostov-Suzdal, pero la disolución final de la pintura de Rostov-Suzdal en la nueva dirección de Moscú no sucedió. La originalidad de los primeros salta a la vista, e incluso en el siglo XVI sus obras se mantienen fieles a sus tradiciones.
¿Cuándo apareció la escuela de pintura de Moscú?
Esto es muy difícil de determinar, ya que al principio el arte de Moscú se parecía al arte de la tierra de Vladimir-Suzdal, así como la historia de Moscú misma se fusionó con su historia.
Quizás el origen de la escuela de Moscú se pueda asociar con íconos de origen ruso central, como, por ejemplo, "Boris y Gleb" de principios del siglo XIV. Realmente majestuosos, esbeltos y gráciles son estos jóvenes guerreros vestidos con magníficas ropas, con una espada y una cruz en sus manos.
Ya en los primeros íconos de Moscú, los colores se complementan entre sí y la belleza de su consistencia dimensional, y no en contrastes. Y el ritmo lineal de la pintura de iconos de Moscú también se coordina suave pero confiadamente en un sonido medido, sin los efectos que, por ejemplo, da una comparación de lo vertical con lo horizontal.
A principios del siglo XV, Moscú ocupaba una posición excepcional en Europa del Este, tanto política como culturalmente. El principado de Moscú se fortaleció y creció. Artistas de muchos países se apresuraron a llegar a Moscú, para quienes se convirtió en uno de los centros culturales más grandes. Entonces Theophanes el griego, que ya se había hecho famoso en Novgorod, terminó en Moscú.
La perfección de las técnicas artísticas de Feofan, el legado de una cultura muy antigua que había alcanzado su cenit durante mucho tiempo, fue especialmente importante para la formación final del arte de un poder joven, pero ya consciente de su significado mundial.
En Moscú, tal vez bajo la influencia de la tradición pictórica de Moscú, Feofan mostró en sus composiciones menos pasión, menos dinamismo, pero más que en Novgorod, majestuosa solemnidad. Esto se evidencia por las figuras centrales pintadas por él del nivel deesis del iconostasio de la Catedral de la Anunciación, entre las cuales la figura de María es especialmente atractiva con su perfección pintoresca. Sus otras obras de Moscú no se han conservado.
Además del propio Theophan, trabajaron en la pintura de la Catedral de la Anunciación bajo su supervisión general "Prokhor el mayor de Gorodets y el negro Andrei Rublev".
Andrei Rublev fue reverenciado durante su vida por su habilidad sobresaliente, pero la verdadera fama le llegó después de su muerte, y no inmediatamente. Pero esta gloria resultó ser indiscutible.
El descubrimiento de la "Trinidad" de Rublev causó una impresión impresionante, todos quedaron atrapados en una admiración sin límites: una de las creaciones más significativas y espirituales de la pintura mundial fue liberada de la mazmorra que la había escondido durante tanto tiempo.
"Trinity" sirvió como base para la reconstrucción de la individualidad creativa de Andrei Rublev. E incluso se expresó la idea de que era esta obra maestra de Rublev la que probablemente da la clave para comprender las bellezas de toda la pintura rusa antigua.
Toda la pintura de Rublyov suena como una sinfonía deliciosa, como un verso lírico sobre el afecto fraternal universal. Cuánta alegría se nos prepara generosamente aquí solo por medio de la pintura, de modo que ante esta creación de Rublev estamos realmente dispuestos a estar de acuerdo con Leonardo Da Vinci, quien dijo que la pintura es la reina de las artes.
Estos sentimientos, estas alegrías surgen en la contemplación de la "Trinidad" de Rublev, aunque no sepas cuál es, en esencia, su trama. El icono en maravillosos colores e imágenes glorifica la fraternidad, la unidad, la reconciliación, el amor, y con su misma belleza proclama la esperanza del triunfo de estos buenos principios.
En la obra de Rublev, la antigua cultura pictórica rusa encontró su expresión más vívida y completa, y su “Trinidad” estaba destinada a servir como un faro para toda la pintura de iconos rusa posterior, hasta que este arte mismo perdiera su plenitud. El sello del genio de Rublev en muchas obras de arte de las que el pueblo ruso tiene derecho a estar orgulloso.
Varios excelentes íconos de Moscú de las primeras décadas del siglo XV dan testimonio del florecimiento general de la pintura en la era de Rublev. Uno de los más grandes maestros, cuyos nombres no nos han llegado, fue el autor del ícono del Arcángel Miguel de la Catedral del Arcángel en Moscú, que, en términos de méritos artísticos, puede equipararse con el más alto. logros de la pintura rusa antigua. Además, en este ícono, triunfa el comienzo de la alegría no brillante o la sinceridad pacificadora, sino la épica, heroica.
El Arcángel Miguel aquí no es un ángel manso y reflexivo con una cabeza poéticamente inclinada, sino un joven guerrero amenazadoramente erguido, con una espada en sus manos, respirando coraje. No en vano, fue considerado el líder de la hueste celestial, el conquistador de Satanás y el patrón de los príncipes rusos. Ya no existe el dulce sueño de un mundo bien ordenado, sino la encarnación de la destreza militar y la voluntad de luchar.
Toda la composición en su ritmo lineal y colorista es dinámica, todo en ella hierve, como obedeciendo a cierta fuerza que se trasluce en la mirada del guardián alado de la tierra rusa.
... La antorcha del arte ruso, tan exaltada por Rublev, pasa a finales de siglo a manos de su digno sucesor Dionisy. Sus frescos en el Monasterio de Ferapontov son un monumento del antiguo arte ruso. En sus composiciones hay una elegancia tan brillante, una decoración tan alta, una gracia tan exquisita, una feminidad tan dulce en su ritmo, en su sonido suave y, al mismo tiempo, una "lentitud" tan solemne y estrictamente medida, que correspondía al ceremonial de la corte. del entonces Moscú. En esta regularidad, moderación, Dionisio muestra una sabiduría artística, ya apreciada por sus contemporáneos. Los giros de las figuras apenas están indicados, los movimientos a veces se congelan en un gesto o incluso en un atisbo de gesto. Pero esto es suficiente, porque la integridad y la belleza de sus composiciones se basan en el equilibrio interno absoluto de todas las partes. Y como bien dice P.P. Muratov, “después de Dionisio, la pintura rusa antigua creó muchas obras hermosas, pero nunca se le devolvió la dimensión y la armonía dionisíacas”.
El último gran batir de alas de la antigua creatividad rusa.
escuela Stroganov.
El nombre "escuela Stroganov" surgió debido al uso frecuente de la marca familiar de los comerciantes de Solvychegodsky Stroganovs en reverso iconos de esta dirección, pero los autores de la mayoría de las obras de la escuela Stroganov fueron pintores de iconos reales de Moscú, que también cumplieron las órdenes de los Stroganov, conocedores de la artesanía fina y sofisticada. Los íconos de la escuela Stroganov se caracterizan por su pequeño tamaño, escritura en miniatura, combinación de colores de medios tonos jugosos y densos, enriquecidos por el uso extensivo de oro y plata, el frágil afeminamiento de las poses y gestos de los personajes, y la fantasía compleja. de fondos de paisaje.
escuela de Nóvgorod.
Los monumentos antiguos mejor conservados de la pintura de Novgorod. En algunas obras, se puede rastrear la influencia del arte bizantino, lo que indica los amplios vínculos artísticos de Novgorod. Es común el tipo de un santo inmóvil con rasgos grandes y ojos muy abiertos. Por ejemplo, "San Jorge", la Armería, Moscú; icono de doble cara con imágenes del Salvador no hecho a mano y la Adoración de la Cruz, finales del siglo XII, Galería Tretyakov.
La gloria de las "letras de Novgorod", los íconos de la escuela de Novgorod, fue tan grande que muchos conocedores consideraron que casi todos los mejores íconos rusos antiguos eran Novgorod, y algunos investigadores incluso intentaron atribuirle Rublev y Dionisy.
Estos intentos no estaban justificados. Pero no hay duda de que en el siglo XV la escuela de Novgorod alcanzó su apogeo, que "deja atrás todo lo que se creó antes". (IV Alpatov)
En la pintura de Novgorod, casi desde sus inicios y en todos los siglos posteriores, el principio popular se manifiesta con especial fuerza, con especial perseverancia. En él se encontrará un amplio reflejo de la actitud práctico - económica frente a las funciones y significados de los santos.
Heredado del paganismo, el entrelazamiento más cercano con la vida cotidiana, las fuerzas divinas con las fuerzas de la naturaleza y sus beneficios ha dejado su huella durante mucho tiempo en la cosmovisión rusa antigua.
El pintor de iconos nunca pintó de la naturaleza, se esforzó por capturar una idea. El arte de Novgorod se caracteriza especialmente por el deseo de hacer que la idea sea extremadamente clara, realmente tangible y accesible.
Entre los primeros íconos de Novgorod que nos han llegado se encuentran obras maestras de importancia mundial. Tal, por ejemplo, es el "Ángel de los cabellos de oro", escrito probablemente a finales del siglo XII. ¡Qué alta y pura belleza en esta imagen inolvidable!
En el ícono de la escuela de Novgorod "Asunción" (siglo XIII), algunas figuras de los apóstoles literalmente nos impactan con la verdad de la vida de esas experiencias profundas que un artista inspirado desconocido para nosotros capturó en ellas. A menudo, el artista representaba completamente gente real, mientras que los representantes típicos de la élite gobernante de Novgorod, con mayor poderes celestiales. Este es un fenómeno significativo en la pintura rusa antigua, muy característico de la escuela de Novgorod con su deseo de concreción, expresividad veraz. Gracias a esto, podemos imaginar claramente la apariencia del entonces noble Novgorodian.
Los íconos de Novgorod son muy emotivos. Así, en los iconos de la Asunción de la Virgen, el artista transmitió con asombrosa fuerza el gran drama de la muerte, el dolor humano que todo lo consume. El mismo tema encontró expresión en el famoso icono "El Entierro" (segunda mitad del siglo XV).
Los íconos de Novgorod son hermosos en sus contrastes de color. En ellos, cada color juega por sí solo, y cada uno realza al otro en oposición mutua. Las composiciones de la pintura de Novgorod, sin importar cuán complejas puedan ser (naturaleza narrativa de una, dos, tres figuras o múltiples tramas), son todas simples, perfectamente inscritas en el plano y consistentes con sus formas. Todos los elementos se distribuyen en ellos de manera uniforme y según su importancia. No tienen asientos demasiado ocupados ni vacíos. Los espacios de fondo entre las imágenes individuales adquieren formas hermosas y juegan un papel importante en la composición. Figuras, montañas, árboles a menudo están dispuestos simétricamente. Esta composición cerrada, recibió una finalización completa. Al mismo tiempo, esta simetría fue rota por los giros de las figuras, las inclinaciones de sus cabezas, diversas formas de montañas, sargos, edificios, árboles y otras imágenes.
Otras Escuelas de Iconografía.
escuela Volga.
Los íconos de la región del Volga se caracterizan por las siguientes características: construcción enérgica y clara, tonos oscuros y profundos. El origen Volga del icono revela una especial predilección por los paisajes acuáticos. Hay cuatro de ellos. Tres muestran violentas aguas oscuras jugando con fuertes olas. En el cuarto: aguas tranquilas, una orilla arenosa, donde ocurre un milagro a plena luz del día: un viajero con un saco blanco en el hombro llega a tierra desde la enorme boca abierta de un pez. Este icono de Nikola Zaraisky con vida (siglo XVI).
Es interesante el icono “El Entierro” (finales del siglo XV). Las figuras de los personajes están dispuestas en claras hileras horizontales paralelas al sepulcro con el cuerpo de Cristo. Como si repitieran estas líneas horizontales, las cornisas de las colinas se elevan en el fondo, divergiendo desde el centro hacia los lados. La figura de María Magdalena con las manos en alto, por así decirlo, personifica la desesperanza y la desesperación.
en el icono La última cena”(finales del siglo XV), el pintor de iconos transmitió la situación dramática de manera extremadamente expresiva: congelados en varias poses, con diferentes gestos de las manos, los apóstoles están representados alrededor de una mesa ovalada blanca. A la izquierda, a la cabeza, se sienta Cristo, a quien el apóstol extremo se agachó en un expresivo movimiento.
escuela de Yaroslavl.
La escuela de pintura de iconos de Yaroslavl surgió a principios del siglo XVI. durante el periodo crecimiento rápido población de la ciudad, la formación de la clase mercantil. Las obras de los maestros de Yaroslavl de principios del siglo XIII nos han llegado, las obras del siglo XIV son conocidas y por la cantidad de monumentos de pintura sobrevivientes de los siglos XVI y XVII. la escuela de Yaroslavl no es inferior a otras antiguas escuelas rusas. En el trabajo de los maestros de Yaroslavl, las tradiciones del arte elevado de la antigua Rusia se conservaron cuidadosamente hasta mediados del siglo XVIII. En esencia, su pintura se mantuvo fiel a ese gran estilo, cuyos principios se formaron en tiempos antiguos desarrollado durante mucho tiempo en la pintura de miniaturas. Junto con las imágenes "pequeñas", los íconos de Yaroslavl en el siglo XVIII. también escribieron composiciones en las que el amor por las grandes masas, por las siluetas estrictas y lacónicas, por un orden claro y claro de las escenas en los sellos es palpable de la misma manera que en las obras de los maestros de los siglos XV-XVI. Obras de maestros de Yaroslavl de la segunda mitad del siglo XVII - principios del siglo XVIII. durante mucho tiempo fueron reconocidos en Rusia como muestras del antiguo arte nacional. Fueron recopilados por admiradores de la pintura de iconos antiguos: los viejos creyentes, cuidadosamente estudiados por los artistas de Palekh y Mstera, que continuaron en los siglos 19-20. pintar iconos en las tradiciones de la pintura medieval rusa.
Uno de los iconos más antiguos que nos han llegado es “Nuestra Señora de la Gran Panagia”. En el diseño decorativo del ícono, el uso del oro juega un papel importante, dando a la imagen una impresión de majestuosa belleza y esplendor sobrenatural. En la construcción rítmica del icono se utiliza también la actividad del color blanco, magistralmente aplicado en la pintura de rostros.
La riqueza emocional de la imagen es típica del icono del Salvador no hecho a mano (siglo XIII). Se realza con la jugosa y mayor pintura del fondo - el tablero, sostenido en vivos tonos amarillos y rojos de varios matices.
Escuela de Nizhny Novgorod.
Uno de los íconos interesantes del origen de Nizhny Novgorod es "El ascenso ardiente del profeta Elías con vida" (siglo XIV). Está escrito ampliamente, libremente. Las escenas de la vida están llenas de movimiento, los gestos son expresivos. La más rica variedad de características individuales de los personajes. Los rostros están escritos en sankir oscuro: las letras libres en blanco brillante marcan la expresividad de las formas de los rostros, la nitidez de la mirada. El artista se enfoca en lo principal: el estado mental, el impulso, la expresión del espíritu; en el icono reina la tensión, una especie de estado concentrado de comprensión de la verdad y meditación.
El ícono "El milagro de Demetrio de Tesalónica con vida" (primera mitad del siglo XVI) se hizo de la misma manera: la misma claridad gráfica característica de la silueta y los tonos brillantes y saturados que distinguen a los monumentos de Nizhny Novgorod de los siglos XIV-XVI. .
Escuela de Tver.
La escuela de pintura de iconos de Tver se desarrolló en el siglo XIII. Los íconos y miniaturas de la escuela de Tver se caracterizan por la severa expresividad de las imágenes, la tensión y la expresión de las relaciones de color y la linealidad enfatizada de la escritura. en el siglo XV el enfoque en las tradiciones artísticas de los países de la Península Balcánica, característico de ella antes, se intensificó.
Escala de Pskov.
La escuela de Pskov tomó forma durante el período de fragmentación feudal y alcanzó su apogeo en los siglos XIV-XV. Se caracteriza por una mayor expresión de las imágenes, la nitidez de los reflejos de la luz, la pastosidad del trazo (los íconos "Catedral de Nuestra Señora" y "Paraskeva, Barbara y Uliana", ambos de la segunda mitad del siglo XIV, Galería Tretyakov). En pintura, el colapso de la escuela de Pskov comenzó a finales de los siglos XV y XVI.
Iconografía - la escritura de iconos, un tipo de pintura, común en la Edad Media, dedicada a temas y temas religiosos.
El icono como objeto de culto religioso es un accesorio indispensable de toda iglesia ortodoxa. En la antigua Rusia, por ejemplo, existía un culto a los iconos como objetos sagrados. Fueron adorados, se compusieron muchas leyendas sobre ellos, las personas supersticiosas creían que los íconos estaban dotados de un poder misterioso. Se esperaba un milagro de ellos, liberación de enfermedades, ayuda para vencer al enemigo. El ícono era un accesorio indispensable no solo para la decoración de iglesias, sino también para todos los edificios residenciales. Al mismo tiempo, a veces se daba una importancia secundaria a la calidad artística de los iconos.
En nuestro tiempo, valoramos solo aquellos íconos que son obras de arte, los percibimos como monumentos del pasado, reconociendo su alto valor estético.
El milagro de George sobre la serpiente. siglo 16 escuela de Moscú. Galería Estatal Tretyakov. Moscú.
Los monumentos más antiguos de pintura de iconos datan del siglo VI. Grandes colecciones de ellos se concentran en monasterios en Sinaí (Península de Sinaí), Monte Athos (Grecia) y Jerusalén. La pintura de iconos surgió sobre la base de las tradiciones del arte helenístico tardío. Las obras originales - "retratos" de santos - fueron realizadas en la técnica de mosaicos, encáusticas, luego los iconos fueron pintados al temple, a partir del siglo XVIII. - pinturas al óleo sobre tablas de madera, con menos frecuencia - sobre tablas de metal.
En los siglos X-XII. Bizancio se convirtió en el centro de la pintura de iconos (ver arte bizantino). A principios del siglo XII. se creó la famosa obra maestra: el icono de Nuestra Señora de Vladimir, que ahora se conserva en la Galería Tretyakov. El estilo bizantino tuvo una gran influencia en la pintura de Europa occidental, la antigua Rusia, los países eslavos del sur, Georgia, que se asoció con la expansión del cristianismo.
El apogeo de la pintura rusa antigua cae a fines del siglo XIV, a mediados del siglo XVI. ¿Qué es este período de nuestra historia? Habiendo pasado por las pruebas del yugo mongol-tártaro, el pueblo ruso comenzó a unirse para luchar contra el enemigo y realizar su unidad. En el arte, encarnó sus aspiraciones y aspiraciones, ideales sociales, morales y religiosos. Entre los iconos de esta época destacan las notables obras de Teófanes el Griego. Su arte, apasionado, dramático, sabio, severo, a veces trágicamente tenso, causó una fuerte impresión en los maestros rusos.
La era se reflejó a su manera en el trabajo de Andrei Rublev y sus alumnos. En las obras de Andrei Rublev, con un poder artístico extraordinario, se encarnó el sueño de sus contemporáneos sobre un ideal moral; sus imágenes afirman las ideas de bondad, compasión, armonía, alegría, que respondieron a las aspiraciones de la gente.
Junto con la escuela de Moscú en los siglos XIV-XV. la iconografía florece en Novgorod, Pskov, Tver, Suzdal y otras ciudades.
A finales del siglo XV. aparece en el cielo de Moscú Nueva estrella- maestro Dionisio. Dionisio tuvo una gran influencia en sus contemporáneos. a lo largo de la primera mitad del siglo XVI. caen reflejos de la poesía de sus colores.
Dionisio. El metropolitano Alexy cura a Taidula (esposa del Khan). Sello del icono "Metropolitan Alexy in his life". Principios del siglo XVI Madera, témpera. Galería Estatal Tretyakov. Moscú.
El punto de inflexión en el desarrollo de la pintura de iconos tuvo lugar en mediados del decimosexto siglo, cuando el control de la iglesia sobre el trabajo de los pintores de iconos aumentó dramáticamente. Las decisiones de Stoglavy Sobor se refirieron a Andrei Rublev como modelo, pero esencialmente cortaron el hilo precioso que lo separaba.
La consideración histórica de la iconografía ayuda a comprender su esencia. Los pintores de iconos por lo general no inventaron, no compusieron sus temas, como los pintores. Siguieron el tipo iconográfico desarrollado y aprobado por las autoridades aduaneras y eclesiásticas. Esto explica que los iconos de una misma trama, incluso separados por siglos, sean tan similares entre sí. Se creía que los maestros estaban obligados a seguir las muestras recogidas en las pinturas de iconos originales y solo podían expresarse en color. De lo contrario, estaban dominados por los cánones tradicionales. Pero incluso en el marco de tramas evangélicas constantes, con el debido respeto a la tradición, los maestros siempre lograron agregar algo de sí mismos, enriquecer, repensar el modelo antiguo.
Hasta el siglo XVII los pintores no solían firmar sus obras. Las crónicas y otras fuentes literarias mencionan a los pintores de iconos más venerados: Theophan the Greek, Andrei Rublev, Daniil Cherny, Dionysius. Por supuesto, había artesanos mucho más talentosos, pero sus nombres seguían siendo desconocidos para nosotros.
El hombre moderno no puede dejar de sorprenderse por las agudas contradicciones entre la crueldad y la rudeza de la moral. Rusia feudal y la nobleza y sublimidad del antiguo arte ruso. Esto no significa en absoluto que se haya apartado del drama de la vida. El pueblo ruso de esa época se adentró en el curso de la vida, pero buscó poner en el arte lo que le faltaba en la realidad y lo que le atraía de las aspiraciones del pueblo.
Por ejemplo, las imágenes de los mártires Boris y Gleb parecían entonces una exhortación a los príncipes a abandonar la guerra civil. El ícono "La batalla de los novgorodianos con los suzdalianos" manifestó el patriotismo local de aquellos años cuando los regimientos de los príncipes de Moscú comenzaron a amenazar la libertad de Novgorod.
Los viejos maestros rusos estaban profundamente convencidos de que el arte permite tocar los secretos del ser, los secretos del universo. La escalera jerárquica, la piramidalidad, la integridad, la subordinación de las partes: esto es lo que se reconoció como la base del orden mundial, en el que vieron un medio para superar el caos y la oscuridad.
Esta idea encontró expresión en la estructura de cada icono. El templo cristiano fue concebido como una apariencia del mundo, el espacio y la cúpula, el firmamento. En consecuencia, casi todos los íconos se entendían como una especie de templo y, al mismo tiempo, como un modelo del cosmos. Hombre moderno no acepta el antiguo cosmos ruso. Pero incluso él no puede dejar de ser cautivado por los frutos de la creatividad poética generada por esta visión: el orden cósmico brillante triunfando sobre las fuerzas del caos sombrío.
La pintura de iconos rusos antiguos prestó gran atención a las imágenes de escenas del evangelio de la vida de Cristo, la Madre de Dios (Virgen María) y los santos. Entre los numerosos motivos diversos, eligió el más permanente, estable y universalmente significativo.
Jorge el guerrero. Icono del siglo XII. Museos Estatales del Kremlin de Moscú.
De particular interés es un grupo de tales íconos, en los que se manifestaron los ideales populares, la Rusia agrícola tuvo su opinión. En primer lugar, estos son íconos dedicados a Florus y Laurus, los patrones del ganado, George, Blasius y Elijah the Prophet, quien fue representado sobre un fondo brillante y ardiente como el sucesor del dios pagano del trueno y el relámpago Perun.
Entre las tramas y motivos que atrajeron especialmente a la gente de la antigua Rusia, se debe mencionar el tipo Rublev de la Trinidad: tres figuras llenas de disposición amistosa, que constituyen un grupo cerrado. Andrei Rublev expresó este estado con la mayor claridad y elegancia cautivadora. Constantemente se encuentran refritos de sus composiciones, variaciones libres sobre este tema en los íconos rusos.
En el mundo de los iconos rusos antiguos, el principio humano es de gran importancia. El tema principal de la pintura de iconos es una deidad, pero aparece en la forma de una persona bella y exaltada. El profundo humanismo del icono ruso reside también en el hecho de que todo lo representado ha pasado por el crisol de un alma humana solidaria, coloreada por su empatía. En su impulso hacia lo alto, una persona no pierde la capacidad de mirar el mundo con afecto, admirar la carrera juguetona de los caballos o los pastores con sus ovejas, en una palabra, toda la "criatura terrenal", como lo es. entonces se acostumbraba decir.
La iconografía es un arte simbólico. Se basa en la noción de que absolutamente todo en el mundo es solo un caparazón, detrás del cual se encuentra, como un núcleo, el significado más elevado. La obra de arte adquiere a partir de aquí varios significados, lo que dificulta la percepción del icono. Tanto la trama como la forma de arte son aquí simbólicas. Cada ícono, además de representar un evento o personaje legendario, también tiene un subtexto que revela su verdadero contenido.
Los íconos en su contenido están dirigidos no a una persona, sino a una comunidad de personas. Formaron una fila en el templo, un iconostasio, beneficiándose del vecindario entre ellos. El antiguo iconostasio ruso era una unidad holística armoniosa. Los primeros grandes iconostasios con figuras de tamaño humano datan de principios del siglo XV, y desde entonces ninguna iglesia ha estado sin una estructura tan majestuosa. Su significado literal es la oración de los santos, dirigida a Cristo, el Todopoderoso, sentado en el trono (el rango deesis es una fila). Pero como también había una fila local con íconos en varios temas, y festivo: con escenas de la vida de Cristo y María, y profético (imágenes de los apóstoles, profetas), el iconostasio adquirió el significado de una especie de enciclopedia de la iglesia. Al mismo tiempo, el iconostasio es una notable creación artística de la antigua cultura rusa. Difícilmente se puede sobrestimar su importancia en el desarrollo del antiguo icono ruso. Muchos íconos no pueden explicarse ni comprenderse fuera de la combinación en la que estaban en el iconostasio.
La pintura de iconos desarrolló la más alta habilidad artística, una comprensión especial del dibujo, la composición, el espacio, el color y la luz.
El dibujo transmitía los contornos de los objetos para que pudieran ser reconocidos. Pero el propósito del dibujo no se limitaba al significado de identificación. La metáfora gráfica, la comparación poética de una persona con una montaña, una torre, un árbol, una flor, un jarrón esbelto, es un hecho común en la pintura rusa de iconos.
Composición - especialmente forte antiguos iconos rusos. Casi todos los íconos fueron concebidos como una apariencia del mundo y, en consecuencia, el eje central siempre está presente en la composición. En la parte superior, el cielo se eleva (los niveles superiores del ser), y debajo generalmente se designa la tierra ("pozyom"), a veces debajo, el inframundo. Esta estructura fundamental del icono, independientemente de la trama, influyó en toda su composición.
En los textos antiguos, se enumeran los colores favoritos de nuestros pintores de iconos: ocre, cinabrio, cormorán, anzuelo, col rellena, esmeralda. Pero en realidad, la gama de colores de la pintura rusa antigua es más amplia. Junto con los colores puros y abiertos, había muchos intermedios. Son diferentes en luminosidad y saturación; entre ellos a veces hay matices sin nombre que no se pueden describir con una palabra, solo pueden ser captados por el ojo humano. Los colores brillan, brillan, resuenan, cantan, y todo esto produce una gran alegría. A veces, con un solo color, por ejemplo, una capa roja ondeando al viento en el ícono "El milagro de George sobre la serpiente", se le da una caracterización profunda a un guerrero.
La pintura de iconos rusos antiguos es uno de los fenómenos más grandes del arte mundial, un fenómeno peculiar e inimitable de gran valor artístico. Es generado por las condiciones históricas del desarrollo de nuestro país. Pero los valores que creó son propiedad pública. Para nosotros, la pintura de íconos rusos antiguos es de gran valor, en particular, porque muchas de sus características artísticas fueron utilizadas en una forma repensada por los artistas contemporáneos más importantes (por ejemplo, K. S. Petrov-Vodkin, V. A. Favorsky, P. D. Korin y otros). .
En nuestro país, la colección y divulgación de obras de pintura de iconos rusos antiguos ha adquirido una escala nacional. Los decretos de Lenin sobre la nacionalización de los monumentos artísticos (ver Protección de los monumentos históricos y culturales en la URSS) sentaron las bases para la creación de los depósitos más grandes de pintura rusa antigua en la Galería Tretyakov y el Museo Ruso.
En el año del 600 aniversario del nacimiento de Andrei Rublev, se inauguró el Museo de Arte Ruso Antiguo que lleva su nombre en el antiguo Monasterio Andronikov en Moscú.
