Vanitas (latín vanitas, literalmente - "vanidad, vanidad") es un género de pintura de la época barroca, una naturaleza muerta alegórica, cuyo centro compositivo es tradicionalmente un cráneo humano. fotos similares, Etapa temprana desarrollo de la naturaleza muerta, tenían la intención de recordar la fugacidad de la vida, la futilidad del placer y la inevitabilidad de la muerte. Más extendida recibida en Flandes y Holanda en los siglos XVI y siglos XVII, se encuentran ejemplos individuales del género en Francia y España.
Pieter Claesz. (1596-1661). Vanitas bodegón (vanidad de vanidades) con instrumentos musicales(1628) (Ámsterdam, Museo Estatal)
El término proviene del versículo bíblico (Ecl. 1:2) Vanitas vanitatum et omnia vanitas (“¡Vanidad de vanidades, dijo el Eclesiastés, vanidad de vanidades, todo es vanidad!”).
Artista desconocido. Bodegón Vanitas (vanidad de vanidades) con libros (1633) (Ámsterdam, Museo Estatal)
Los símbolos que se encuentran en los lienzos tenían la intención de recordar la fragilidad. vida humana y sobre la fugacidad de los placeres y logros:
- El cráneo es un recordatorio de la inevitabilidad de la muerte. Así como un retrato es solo un reflejo de una persona que alguna vez estuvo viva, el cráneo es solo una forma de una cabeza que alguna vez estuvo viva. El espectador debe percibirlo como un "reflejo", simboliza más claramente la fragilidad de la vida humana.
- La fruta podrida es un símbolo de envejecimiento. Los frutos maduros simbolizan la fertilidad, la abundancia, en sentido figurado, la riqueza y la prosperidad. Varias frutas tienen su propio significado: la caída está representada por peras, tomates, cítricos, uvas, melocotones y cerezas y, por supuesto, una manzana. Higos, ciruelas, cerezas, manzanas o melocotones tienen tintes eróticos.
- Flores (desvanecimiento); la rosa es la flor de Venus, símbolo del amor y del sexo, que se envanece, como todo lo inherente al hombre. Mac - depresivo, del que se hace el opio, símbolo del pecado mortal de la pereza. El tulipán es un objeto de colección en los Países Bajos del siglo XVII, símbolo de la irreflexión, la irresponsabilidad y el trato irrazonable del estado otorgado por Dios.
- Los brotes de cereales, las ramas de hiedra o laurel (raramente) son símbolo del renacimiento y del ciclo de la vida.
- Conchas marinas, a veces caracoles vivos: la concha de un molusco son los restos de un animal que alguna vez estuvo vivo, significa muerte y fragilidad. El caracol rastrero es la personificación del pecado capital de la pereza. almejas grandes denotan la dualidad de la naturaleza, un símbolo de la lujuria, otro de los pecados capitales.
- Burbujas de jabón: brevedad de la vida y repentino de la muerte; una referencia a la expresión homo bulla - "el hombre es una pompa de jabón".
- Vela humeante de extinción (extremo de ceniza) o lámpara de aceite; una tapa para apagar velas: una vela encendida es un símbolo del alma humana, su atenuación simboliza la partida.
- tazas, jugando a las cartas o huesos, ajedrez (raro) - un signo de un error propósito de vida, buscando el placer y una vida pecaminosa. Igualdad de oportunidades en juego también significaba anonimato reprobable.
- Una pipa para fumar es un símbolo de los placeres terrenales fugaces y esquivos.
- La máscara de carnaval es un signo de la ausencia de una persona en su interior. También destinado a una mascarada festiva, placer irresponsable.
- Espejos, bolas de vidrio (espejo): un espejo es un símbolo de vanidad, además, también es un signo de reflejo, sombra y no un fenómeno real.
- Platos rotos, generalmente copas de vidrio. Un vaso vacío, en oposición a uno lleno, simboliza la muerte. El vidrio simboliza la fragilidad, la porcelana blanca como la nieve, la pureza. Mortero y maja - símbolos de macho y sexualidad femenina. La botella es un símbolo del pecado de la embriaguez.
- Cuchillo: recuerda la vulnerabilidad de una persona y su mortalidad. Además, es un símbolo fálico y una imagen oculta de la sexualidad masculina.
- arena y relojes mecanicos- la velocidad del tiempo.
- Instrumentos musicales, notas: la brevedad y la naturaleza efímera de la vida, un símbolo de las artes.
- Libros y mapas geográficos(mappa mundi), la pluma de escribir es un símbolo de las ciencias.
- Globo, tanto la tierra como el cielo estrellado.
- Una paleta con pinceles, una corona de laurel (generalmente en la cabeza de una calavera) son símbolos de pintura y poesía.
- retratos mujer hermosa, dibujos anatómicos. Las letras simbolizan las relaciones humanas.
- Sellos de cera roja.
- Los instrumentos médicos son un recordatorio de las enfermedades y la fragilidad del cuerpo humano.
- Monederos, joyeros: las joyas y los cosméticos están diseñados para crear belleza, atractivo femenino, al mismo tiempo que se asocian con la vanidad, el narcisismo y el pecado mortal de la arrogancia. También señalan la ausencia de sus dueños en la lona.
- Las armas y armaduras son un símbolo de poder y fuerza, una designación de lo que no se puede llevar contigo a la tumba.
- Coronas y tiaras papales, cetros y orbes, coronas de hojas son signos de dominación terrenal transitoria, que se opone al orden mundial celestial. Como máscaras, simbolizan la ausencia de quienes las portaban.
- Llaves - simbolizan el poder ama de casa Gerente de inventario.
- Ruinas: simbolizan la vida transitoria de quienes una vez las habitaron.
- Una hoja de papel con un dicho moralizante (pesimista), por ejemplo:
Jacob de Hein I. Naturaleza muerta con calavera (1603) (82,6 x 54) (Nueva York, Metropolitan)
Muy raramente, las naturalezas muertas de este género incluyen figuras humanas, a veces el esqueleto es la personificación de la muerte. Los objetos a menudo se representan en desorden, simbolizando el derrocamiento de los logros que representan.
Aelbert Jansz. van der Schoor. Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1640-1672) (Ámsterdam, Museo Estatal)
Los bodegones de vanitas en su forma inicial eran imágenes frontales de calaveras (generalmente en nichos con una vela) u otros símbolos de muerte y fragilidad, que se escribieron en los reversos de los retratos durante el Renacimiento. Estas vanitas, así como las flores que también se pintaron en el reverso, son los primeros ejemplos del género de bodegones en el arte europeo de la Nueva Era (por ejemplo, el primer bodegón holandés es precisamente “Vanitas” de Jacob de Gheyn ).
Edwaert Collier (c.1640 - después de 1707). Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1662) (Ámsterdam, Museo Estatal)
Estas calaveras del reverso de los retratos simbolizaban la mortalidad de la naturaleza humana (mors absconditus) y se contrastaban con el estado de vida del modelo del reverso del cuadro. Las primeras vanitas suelen ser las más modestas y sombrías, a menudo casi monocromáticas. Los bodegones vanitas surgen como género independiente hacia 1550.
B. Schaak. Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1675-1700) (Ámsterdam, Museo Estatal)
Los artistas del siglo XVII dejaron de representar el cráneo estrictamente frontal en la composición y, por lo general, lo "dejaron" a un lado. A medida que avanzaba la era barroca, estas naturalezas muertas se volvieron más opulentas y exuberantes.
Franciscus Gysbrechts (antes de 1630 - después de 1676)). Bodegón Vanitas (vanidad de vanidades) (115 x 134) (Amberes, Museo Real de Bellas Artes)
Ganaron popularidad en la década de 1620. El desarrollo del género hasta el declive de su popularidad alrededor de la década de 1650. centrado en Leiden, la ciudad holandesa que Bergstrom, en su estudio de la naturaleza muerta holandesa, declaró "el centro de la creación de vanitas en el siglo XVII". Leiden fue un centro importante del calvinismo, una tendencia que condenaba la depravación moral de la humanidad y luchaba por una firme código moral. Bergstrom creía que para los artistas calvinistas, estas naturalezas muertas eran una advertencia contra la vanidad y la fragilidad y eran una ilustración de la moralidad calvinista de la época. Además, la composición del género probablemente estuvo influenciada por puntos de vista humanistas y el legado del género memento mori.
Harmen Steenwyck. Vanitas Still Life (Vanidad de vanidades) (1640)
Jacques de Claeuw. Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1650) (Ámsterdam, Museo Estatal)
Jan Jansz. Treck (c.1606 - 1652). Vanitas Still Life (Vanidad de vanidades) (1648) (Londres, National Gallery)
Jan Pauwel Gillemans el Viejo (1618-1675). Bodegón Vanitas (vanidad de vanidades) (1654) (96 x 140) (San Petersburgo, Hermitage)
Jan van Kessel (1626-1679). Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1665-1670) (20,3 x 15,2) (Washington, National Gallery)
Joris van Son (1622-1667). Alegoría de la vida humana (1658-1660) (124,7 x 92,7) (Baltimore, Museo Walters)
N. L. Peschier. Vanitas Still Life (Vanidad de vanidades) (1659-166) (Museo de Arte de Filadelfia)
N. L. Peschier. Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1660) (Ámsterdam, Museo Estatal)
Peter Sion el Viejo. Vanitas bodegón (vanity of vanities) (colección particular)
Pieter Claesz. (1596-1661). Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1628) (24,1 x 35,9) (Nueva York, Metropolitan)
Pieter Claesz. (1596-1661). Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1630) (39,5 x 56) (La Haya, Galería Real Mauritshuis)
Pieter Claesz. (1596-1661). Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (c.1628) (36 x 59) (Nuremberg, Museo Nacional de Alemania)
Franciscus Gysbrechts (antes de 1630 - después de 1676)). Bodegón Vanitas (vanidad de vanidades) (85,7 x 59)
Pieter Claesz. Bodegón Vanitas (vanidad de vanidades) (1636) (47 x 61) (Munster, Museo Estatal de Historia de la Cultura y el Arte de Westfalia)
Pieter Symonsz. Alfarero. Bodegón Vanitas (1646) (Ámsterdam, Museo Estatal)
Stevers. Naturaleza muerta Vanitas (vanidad de vanidades) (1630-1660) (Ámsterdam, Museo Estatal)
Bartholomeus Brain el Viejo, 1er piso. siglo 16
Philippe de Champagne, segundo piso siglo 17
Pedro Boel, 1663
Simón Renard de Saint-André, c. 1650
Jurian van Streck, c. 1670
El bodegón holandés admira el mundo material. Incluso cuando el lienzo no representa comida lujosa y copas de vino, sino símbolos de la muerte y la fragilidad de la vida terrenal.
Después de largas guerras con los Habsburgo españoles, los Países Bajos del Norte al final siglo XVI obtuvo la independencia (de jure se aseguró solo en 1648). En Europa se formó la primera república con una constitución democrática y un calvinismo victorioso. Esta revolución política provocó cambios igualmente dramáticos en las artes visuales. El calvinismo condenó toda pompa y prohibió las imágenes en las iglesias. Si los artistas anteriores se dedicaban principalmente a la decoración de templos e interiores de palacios, ahora han perdido estos encargos. Por otro lado, hubo una demanda masiva de pintura de caballete, pinturas de un formato relativamente pequeño, que en las casas burguesas e incluso campesinas servían tanto como decoración como una especie de narrador, al igual que ahora tenemos un televisor. El auge pintoresco dio lugar a toda una galaxia de artistas destacados: en la pequeña Holanda (la principal provincia del norte de los Países Bajos), dos genios universales trabajaron simultáneamente: Jan Vermeer y Harmens Rembrandt, el asombroso retratista Frans Hals, y en general hubo más de dos mil pintores.
El paisaje, las escenas se hicieron populares. intimidad, naturaleza muerta, que en Holanda se llamaba stilleven - "vida tranquila y congelada". Las naturalezas muertas de los "pequeños holandeses" (como más tarde comenzaron a llamarse los artistas holandeses que trabajaron en estos géneros "pequeños") se distinguieron por una asombrosa variedad temática: desayunos (una mesa con comida y vino), flores - con insectos , caracoles y lagartos (representados con una precisión digna de un atlas botánico y zoológico), los atributos de un fumador: pipas, cajas de rapé, etc., bodegones de peces, bodegones de caza, con armas y trofeos, científicos, con libros, globos terráqueos, instrumentos musicales... sobre la fugacidad de la vida, la futilidad de todas las cosas y la inevitabilidad de la muerte. El título hace referencia al versículo bíblico Vanitas vanitatum omnia vanitas (“¡Vanidad de vanidades, dijo el Eclesiastés, vanidad de vanidades, todo es vanidad!” Ecl. 1:2). El género remonta en parte su ascendencia a las imágenes de calaveras y flores, que a veces se pintaban en el reverso de los retratos de los artistas del Renacimiento. Estos signos, aparentemente, sirvieron como una especie de amuletos para el modelo vivo representado en el retrato (para una conciencia mágica supersticiosa, un retrato es algo peligroso, ya que roba el alma de la persona representada en él). Los bodegones de vanitas aparecieron alrededor de 1550. Los primeros de ellos son casi monocromáticos, estrictos y sombríos, generalmente con una representación frontal de un cráneo (la mayoría de las veces en un nicho con una vela). En el siglo XVII, su composición, de acuerdo con los gustos de la época, se vuelve predominantemente barroca, con fuertes contrastes de color, un montón de objetos, atributos de lujo, vanidad y alboroto, como en la pintura Vanitas vanitatis de Jurian van Streck, presentado en la edición. Estos bodegones se pusieron de moda en la década de 1620. La ciudad del aprendizaje de Leiden fue especialmente famosa por ellos. La base de su trama se remonta a las pinturas alegóricas medievales: "triunfos" y "danzas de la muerte": en ellas, la muerte lleva a personas de todas las edades, rangos y clases a otro mundo en una danza circular. Solo las cosas “bailan” sobre vanitas, no las personas. En una palabra, para que un amante busque códigos ocultos en la imagen, cualquier naturaleza muerta holandesa es un regalo del cielo: incluso el humo de la pipa no es solo humo, sino un símbolo de la naturaleza efímera de nuestras esperanzas.
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Libro La tragedia de Sófocles "Electra" este caso símbolo de varios valores. Al colocarlo en la composición, el artista recuerda la inevitabilidad de la retribución por cualquier crimen no en la tierra, sino en el cielo, ya que la tragedia está impregnada de este pensamiento. El motivo antiguo en tales naturalezas muertas a menudo simbolizaba la continuidad del arte. Sobre el pagina del titulo se encuentra el nombre del traductor, el famoso poeta holandés Joost van den Vondel, cuyas obras sobre temas antiguos y bíblicos fueron tan actuales que incluso fue perseguido. Es poco probable que el artista colocara a Vondel por casualidad; es posible que, hablando de la vanidad del mundo, decidiera mencionar la vanidad del poder. |
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espada y casco- el emblema de la gloria militar transitoria. |
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Blanco con penacho rojo- el centro compositivo de la imagen. Las plumas siempre significan vanidad y vanidad. La imagen está fechada por el casco con el penacho. Lodewijk van der Helst en 1670 representado con un casco de este tipo en el retrato póstumo del almirante Sterlingwerf. El casco del almirante está presente en varios bodegones más de van Streck. |
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Retrato de un sanguíneo. A diferencia del óleo, la sanguina está muy mal conservada, al igual que el papel, a diferencia del lienzo. Esta hoja habla de la inutilidad de los esfuerzos del artista, los bordes desgastados y rasgados están diseñados para reforzar esta idea. |
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franja dorada- la vanidad del lujo. Van Streck volvió a pintar este fleco en un bodegón con naranjas y limones, que también se exhibe en el Museo Pushkin. |
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Remar- en la cultura antigua, un atributo de Kronos (Saturno), es decir, un símbolo del tiempo. La Rueda de la Fortuna también se representó con una calavera. Para los cristianos es signo de vanidad mundana, contemplación mental de la muerte, atributo de la vida ermitaña. Con él representado San Francisco de Asís, San Jerónimo, María Magdalena, el Apóstol Pablo. La calavera también es un símbolo. vida eterna Cristo crucificado en el Calvario, donde, según la leyenda, fue enterrado el cráneo de Adán. |
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Pila de papeles viejos- la vanidad del conocimiento. |
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Cuerno de polvo en una cadena- un tema muy característico de la naturaleza muerta holandesa. Aquí, aparentemente, debe interpretarse como algo que trae la muerte, en contraste con la cornucopia. |
El destino del lienzo.
El cuadro fue pintado al óleo sobre lienzo en un formato bastante grande (98 × 84 cm) hacia 1670. El príncipe Dmitry Golitsyn lo compró en 1766 para el Hermitage en una subasta donde se vendía la colección del artista francés Jacques Aved. En 1854, Nicolás I ordenó venderlo, junto con muchas otras pinturas, para reponer el tesoro, mermado por los gastos militares. Desde 1928, la naturaleza muerta se conserva en el Museo Estatal de Bellas Artes de Moscú.
codigo cultural
Ekaterina Yashanina
El bodegón holandés admira el mundo material. Incluso cuando el lienzo no representa comida lujosa y copas de vino, sino símbolos de la muerte y la fragilidad de la vida terrenal.
Vanidad. Jurian van Streck, c. 1670
Después de largas guerras con los Habsburgo españoles, los Países Bajos del Norte en finales del XVI siglos obtuvo la independencia (de jure se aseguró sólo en 1648). En Europa se formó la primera república con una constitución democrática y un calvinismo victorioso. Esta revolución política provocó cambios igualmente dramáticos en las artes visuales. El calvinismo condenó toda pompa y prohibió las imágenes en las iglesias. Si los artistas anteriores se dedicaban principalmente a la decoración de templos e interiores de palacios, ahora han perdido estos encargos. Por otro lado, hubo una demanda masiva de pintura de caballete, pinturas de un formato relativamente pequeño, que en las casas burguesas e incluso campesinas servían tanto como decoración como una especie de narrador, al igual que ahora tenemos un televisor. El auge pintoresco dio lugar a toda una galaxia de artistas destacados: en la pequeña Holanda (la principal provincia del norte de los Países Bajos), dos genios universales trabajaron simultáneamente: Jan Vermeer y Harmens Rembrandt, el asombroso retratista Frans Hals, y en general hubo más de dos mil pintores.
El paisaje, las escenas de la vida privada y la naturaleza muerta se hicieron populares, lo que en Holanda se llamaba stilleven: "vida tranquila y congelada". Las naturalezas muertas de los "pequeños holandeses" (como más tarde comenzaron a llamarse los artistas holandeses que trabajaron en estos géneros "pequeños") se distinguieron por una asombrosa variedad temática: desayunos (una mesa con comida y vino), flores - con insectos , caracoles y lagartos (representados con una precisión digna de un atlas botánico y zoológico), los atributos de un fumador: pipas, cajas de rapé, etc., bodegones de peces, bodegones de caza, con armas y trofeos, científicos, con libros, globos terráqueos, instrumentos musicales... sobre la fugacidad de la vida, la futilidad de todas las cosas y la inevitabilidad de la muerte. El título hace referencia al versículo bíblico Vanitas vanitatum omnia vanitas (“¡Vanidad de vanidades, dijo el Eclesiastés, vanidad de vanidades, todo es vanidad!” Ecl. 1:2). El género remonta en parte su ascendencia a las imágenes de calaveras y flores, que a veces se pintaban en el reverso de los retratos de los artistas del Renacimiento. Estos signos, aparentemente, sirvieron como una especie de amuletos para el modelo vivo representado en el retrato (para una conciencia mágica supersticiosa, un retrato es algo peligroso, ya que roba el alma de la persona representada en él). Los bodegones de vanitas aparecieron alrededor de 1550. Los primeros de ellos son casi monocromáticos, estrictos y sombríos, generalmente con una representación frontal de un cráneo (la mayoría de las veces en un nicho con una vela). En el siglo XVII, su composición, de acuerdo con los gustos de la época, se vuelve predominantemente barroca, con fuertes contrastes de color, un montón de objetos: atributos de lujo, vanidad y vanidad, como en la pintura Vanitas vanitatis de Jurian van Streck. Estos bodegones se pusieron de moda en la década de 1620. La ciudad del aprendizaje de Leiden fue especialmente famosa por ellos. La base de su trama se remonta a las pinturas alegóricas medievales: "triunfos" y "danzas de la muerte": en ellas, la muerte lleva a personas de todas las edades, rangos y clases a otro mundo en una danza circular. Solo las cosas “bailan” sobre vanitas, no las personas. En una palabra, para que un amante busque códigos ocultos en la imagen, cualquier naturaleza muerta holandesa es un regalo del cielo: incluso el humo de la pipa no es solo humo, sino un símbolo de la naturaleza efímera de nuestras esperanzas.
Libro- la tragedia de Sófocles "Electra" - en este caso, el símbolo es ambiguo. Al colocarlo en la composición, el artista recuerda la inevitabilidad de la retribución por cualquier crimen no en la tierra, sino en el cielo, ya que la tragedia está impregnada de este pensamiento. El motivo antiguo en tales naturalezas muertas a menudo simbolizaba la continuidad del arte. En la portada está el nombre del traductor, el famoso poeta holandés Joost van den Vondel, cuyas obras sobre temas antiguos y bíblicos fueron tan actuales que incluso fue perseguido. Es poco probable que el artista colocara a Vondel por casualidad; es posible que, hablando de la vanidad del mundo, decidiera mencionar la vanidad del poder.
espada y casco- el emblema de la gloria militar transitoria.
Blanco con penacho rojo- el centro compositivo de la imagen. Las plumas siempre significan vanidad y vanidad. La imagen está fechada por el casco con el penacho. Lodewijk van der Helst en 1670 representado con un casco de este tipo en el retrato póstumo del almirante Sterlingwerf. El casco del almirante está presente en varios bodegones más de van Streck.
Retrato de un sanguíneo. A diferencia del óleo, la sanguina está muy mal conservada, al igual que el papel, a diferencia del lienzo. Esta hoja habla de la inutilidad de los esfuerzos del artista, los bordes desgastados y rasgados están diseñados para reforzar esta idea.
franja dorada- la vanidad del lujo. Van Streck volvió a pintar este fleco en un bodegón con naranjas y limones, que también se exhibe en el Museo Pushkin.
Remar- en la cultura antigua, un atributo de Kronos (Saturno), es decir, un símbolo del tiempo. La Rueda de la Fortuna también se representó con una calavera. Para los cristianos es signo de vanidad mundana, contemplación mental de la muerte, atributo de la vida ermitaña. Con él representado San Francisco de Asís, San Jerónimo, María Magdalena, el Apóstol Pablo. La calavera es también símbolo de la vida eterna de Cristo, crucificado en el Calvario, donde, según la leyenda, fue enterrada la calavera de Adán.
Oreja , envuelto alrededor de una calavera, es un símbolo de la inmortalidad del alma ("Yo soy el pan de vida" - Juan 6:48), esperanza de vida eterna.
Pila de papeles viejos- la vanidad del conocimiento.
Cuerno de polvo en una cadena- un tema muy característico de la naturaleza muerta holandesa. Aquí, aparentemente, debe interpretarse como algo que trae la muerte, en contraste con la cornucopia.
El destino del lienzo.
El cuadro fue pintado al óleo sobre lienzo en un formato bastante grande (98 × 84 cm) hacia 1670. El príncipe Dmitry Golitsyn lo compró en 1766 para el Hermitage en una subasta donde se vendía la colección del artista francés Jacques Aved. En 1854, Nicolás I ordenó venderlo, junto con muchas otras pinturas, para reponer el tesoro, mermado por los gastos militares. Desde 1928, la naturaleza muerta se conserva en el Museo Estatal de Bellas Artes de Moscú.
Retratos grabados de Johan Hendrik Roos y Juriaan van Streek(retrato inferior), de Jakob Campo Weyerman, 1729
Jurian van Streck (1632-1687) y Hendrick van Streck (1659-1713)
Se ha conservado poca información biográfica sobre la familia de artistas van Streck, pero sus deliciosas naturalezas muertas: "desayunos" y "postres", que crean una sensación de celebración en el espectador, son la decoración de los museos más famosos del mundo. Frutas lujosas del sur, flores maravillosas: estos son los motivos principales de las obras de padre e hijo van Streck.
El pintor holandés Jurian van Streck nació en Ámsterdam. En esta ciudad trabajó hasta últimos días propia vida. El artista se hizo famoso por sus bodegones con frutas y flores magistralmente ejecutados.
Felipe de Champaña (1602-1674). Vida, muerte y tiempo. Hacia 1671 / La Vanitas de Philippe de Champaigne se reduce a tres elementos esenciales: Vida, Muerte, y tiempo. hacia 1671. 28х37 cm Musée de Tessé, Le Mans, Francia. vía
Casi al mismo tiempo que los monjes estrictos se saludaban recordando la muerte, y un poco antes: en los siglos XVI-XVII, el tipo alegórico de pinturas de vanitas se generalizó en los Países Bajos y Flandes. Esta palabra se traduce del latín como "vanidad; vacío, vacío, insignificancia; futilidad, inutilidad; engaño, jactancia, vanidad, frivolidad". En las pinturas de Vanitas, el cráneo humano sirvió como centro compositivo, estaban destinados a recordar la fugacidad de la vida, la futilidad de los placeres y la inevitabilidad de la muerte.
Rogier van der Weyden (1399/1400-1464). Tríptico de la familia Braque, hacia 1452. Tríptico cerrado. Louvre, París / Los paneles exteriores del Tríptico Braque de Rogier van der Weyden muestran el cráneo del patrón expuesto en los paneles interiores Los huesos descansan sobre un ladrillo, un símbolo de su antigua industria y logro
El nombre Vanitas proviene de la frase "Vanitas vanitatum et omnia vanitas" / "Vanitas de vanidades y toda vanidad" del Libro del Eclesiastés o Predicador, que se atribuye al rey Salomón, en la Biblia se sitúa entre los Libros de Salomón. Por primera vez se encuentran las palabras "Vanitas vanitatum et omnia vanitas" en traducción al latín Biblia Vulgata.
3.
Andrea Previtali llamado Cordeliaghi (1470-1528) (italiano) (Pintor). Retrato de un hombre - Memento Mori. panel. 23,8x18 cm. Museo Poldi Pezzoli. inversión 1598 vers.
"Palabras de Eclesiastés, hijo de David, rey en Jerusalén.
¡Vanidad de vanidades, decía el Eclesiastés, vanidad de vanidades, todo es vanidad!
¿De qué sirve al hombre todo el trabajo con que se afana debajo del sol?
La generación pasa y la generación viene, pero la tierra permanece para siempre.
4.
Jan Gossaert (1478-1532). Trompe-l'oeil Calavera. Fecha 1517, madera. 43x27 cm. Museo del Louvre. via
Sale el sol, y se pone el sol, y se apresura a su lugar de donde sale.
El viento va al sur, y va al norte, girando, girando en su curso, y el viento vuelve a sus círculos.
5.
Bartholomeus Brain el Viejo (circa 1493-1555). Vanitas, primera mitad del siglo XVI. / Barthel Bruyn el Viejo (hacia 1493-1555). Vanitas, óleo sobre tabla. Dimensiones 61 × 51 cm. Ubicación actual Museo Kroller-Müller. Inscripciones: La tarjeta de posición junto al cráneo dice en latín: Omnia morte cadunt, mors ultima linia rerum. En traducción al inglés: Todo pasa con la muerte, la muerte es el límite último de todas las cosas a través de
Todos los ríos desembocan en el mar, pero el mar no se desborda: al lugar donde los ríos desembocan, vuelven a fluir de nuevo.
Todas las cosas están en labor: una persona no puede volver a contar todo; El ojo no se sacia de ver, el oído no se llena de oír.
6.
Solesmes, Bibliothèque de l'abbaye Saint-Pierre, 018, f. 145. Horas de Ottobeuren, siglo XVI
Lo que fue, es lo que será; y lo que se ha hecho, eso se hará, y no hay nada nuevo bajo el sol.
7.
Livre d "heures, en latin et en français, à l" uso de Cambray. Idear. Vous seúl. Fecha: 1401-1500. Bibliothèque de l'Arsenal, reserva Ms-1185. Procedencia: bnf.fr.
Hay algo de lo que dicen: “mira, esto es nuevo”; pero [esto] ya estaba en las edades que fueron antes de nosotros.
No hay recuerdo del primero; y de lo que será, no habrá memoria para los que vendrán después.
8.
Douai, Bibliothèque municipale, 0118, detalle de f. 281 (ilustración marginal del Oficio de Muertos). Principios del siglo XVI. vía
Yo, el Eclesiastés, era rey sobre Israel en Jerusalén;
y di mi corazón para escudriñar y probar con sabiduría todo lo que se hace debajo del cielo: esta ardua obra la dio Dios a los hijos de los hombres para que la ejercitaran en ella.
Vi todas las obras que se hacen debajo del sol, y he aquí, todo es vanidad y aflicción de espíritu.
Lo torcido no puede volverse recto, y lo que no lo es, no se puede contar.
9.
San Marino, Huntington Library, HM 01132, detalle de f. 106. Libro de Horas, uso de Roma. Italia, finales del siglo XV
Así hablé a mi corazón: He aquí, he sido exaltado y adquirido más sabiduría que todos los que fueron antes de mí sobre Jerusalén, y mi corazón ha visto mucha sabiduría y conocimiento.
Y di mi corazón a conocer la sabiduría ya conocer la necedad y la estupidez: aprendí que esto es aflicción del espíritu;
10.
S t. Gallen, Stiftsbibliothek, Cod. Cantó. 357, detalle de f. 343. Misal. S t. Gallo, 1555
porque en mucha sabiduría hay mucha tristeza; y quien aumenta el conocimiento, aumenta el dolor".
11.
Vincent van Gogh (1853-1890). Calavera, 1887 / Van Gogh, Calavera, 1887. Óleo sobre lienzo, 41,5 x 31,5 cm. Museo Van Gogh, Ámsterdam.
Flandes y los Países Bajos en los siglos XVI y XVII, se encuentran ejemplos aislados del género en Francia y España.
El término se remonta a Versículo de la Biblia (Ecl 1:2 ) Vanitas vanitatum y omnia vanitas (“¡Vanidad de vanidades, decía el Eclesiastés, vanidad de vanidades, todo es vanidad!”).
La mirada triste de estos elementos neutralizados por los dones de la tierra que los rodea: flores, frutas, canastas de frutas y niños jugando con estas cosas -amorcillos. Estética género lleno de significado contrastes Y " reducido"trágico al borde de lo irónico grotesco , típico del estilo artístico Barroco .
Naturaleza muerta tipo " vanitas "comenzó a aparecer en flamenco pintura del siglo XVII, y luego se generalizó en el arte Holanda , Italia Y España . Los maestros más famosos P. van der Villige, M. Vythos, J. van Streck amaban pintar bodegones - rompecabezas con objetos misteriosos inscripciones . Estas pinturas se convirtió en un misterio de la época barroca.
Los artistas españoles tendían a ser más optimistas"bodegones"
y los italianos, y sobre todo
venecianos
, bodegones preferidos como
accesorio
,
antecedentes
por la imagen de mujeres hermosas en el baño frente a
espejo. Uno de los bodegones más interesantes del suizo J. Heinz ( está bien. 1600) es en
Pinacoteca
Brera en
Milán
, Italia en el genero "vanitas"
Pintores flamencos trabajados en Francia: Philippe de Champaigne, J. Bouillon. Es caracteristico que "vanitas
"permaneció en
historia del Arte
fenómeno predominantemente flamenco y holandés.
simbolos , encontrados en lienzos, tenían la intención de recordar la fragilidad de la vida humana y la fugacidad de los placeres y logros:
Remar
- un recordatorio de la inevitabilidad de la muerte. De la misma manera comoretrato
es solo un reflejo de una persona que alguna vez estuvo viva, por lo que el cráneo es solo una forma de una cabeza que alguna vez estuvo viva. El espectador debe percibirlo como " reflexión”, simboliza más claramente la fragilidad de la vida humana.- fruta podrida- un símbolo del envejecimiento.
- Frutas maduras simbolizan la fertilidad, la abundancia, en sentido figurado, la riqueza y la prosperidad.
- Una serie de frutas tienen su propio significado: se indica la caída peras, Tomates, cítricos, uvas, melocotones y cerezas, y por supuesto, una manzana. Los matices eróticos tienen higos, ciruelas, cerezas, manzanas o melocotones.
Flores ( desvanecimiento)
; rosa - la flor de Venus, un símbolo del amor y el sexo, que es vano, como todo lo inherente al hombre. La amapola es un sedante del que se obtiene el opio, símbolo del pecado capital de la pereza. El tulipán es un objeto de colección en los Países Bajos del siglo XVII, símbolo de la irreflexión, la irresponsabilidad y el trato irrazonable del estado otorgado por Dios.- Brotes de cereales, ramas de hiedra o laurel ( raramente) - un símbolo de renacimiento y el ciclo de la vida.
- Marinaconchas , a veces caracoles vivos- la concha de un molusco son los restos de un animal que alguna vez estuvo vivo, significa muerte y fragilidad. Un caracol rastrero es la personificación del pecado capital de la pereza.Grandes moluscos denotan la dualidad de la naturaleza, símbolo de la lujuria, otro de los pecados capitales.
- Burbuja- brevedad de la vida y súbita de la muerte; haciendo referencia a una expresión homo bulla - « hombre comiendo una pompa de jabón».
- Vela humeante de extinción(ceniza) o lámpara de aceite; una tapa para apagar velas: una vela encendida es un símbolo del alma humana, su extinción simboliza la partida.
Copas, naipes o dados, ajedrez (raro)- un signo de un objetivo de vida erróneo, la búsqueda del placer y una vida pecaminosa. La igualdad de oportunidades en el juego también significaba un anonimato reprobable.- Fumando- un símbolo de placeres terrenales fugaces y esquivos.
- máscara de carnaval- es un signo de la ausencia de una persona en su interior. También destinado a una mascarada festiva, placer irresponsable.
- Espejos, bolas de cristal (espejo)- un espejo es un símbolo de vanidad, además, también es un signo de reflejo, sombra y no un fenómeno real.
- Platos rotos, generalmente copas de vidrio. Vaso vacío, opuesto al lleno, simboliza la muerte. Vidrio simboliza la fragilidad, porcelana blanca- limpieza. El mortero y la maja son símbolos de la sexualidad masculina y femenina. Botella- un símbolo del pecado de la embriaguez.
- Cuchillo- recuerda la vulnerabilidad de una persona y su mortalidad. Además, esteSímbolo fálico y una representación oculta de la sexualidad masculina.
- arena y mecánicareloj - la velocidad del tiempo.
Instrumentos musicales
, notas- la brevedad y lo efímero de la vida, símbolo de las artes.- Libros y mapas ( mapamundi), bolígrafo- un símbolo de la ciencia.
- globo tanto la tierra como el cielo estrellado.
- Paleta con pinceles, corona de laurel (normalmente en la cabeza de la calavera)- simboloscuadro y poesía
- Retratos de mujeres hermosas, dibujos anatómicos. Letras simbolizar las relaciones humanas.
- Sellos de cera roja, instrumentos médicos- un recordatorio de las enfermedades y la fragilidad del cuerpo humano.
- Monederos, joyeros- Las joyas y los cosméticos están diseñados para crear belleza, atractivo femenino, al mismo tiempo que se asocian con la vanidad, el narcisismo y el pecado mortal de la arrogancia. También señalan la ausencia de sus dueños en la lona.
- Armas y armaduras- un símbolo de poder y fuerza, una designación de lo que no se puede llevar contigo a la tumba.
Coronas y tiaras papales, cetros y orbes, coronas de hojas- signos de dominación terrenal transitoria, que se opone al orden mundial celestial. Como máscaras, simbolizan la ausencia de quienes las portaban.
Teclas- simbolizar el poder de un ama de casa que administra acciones.- Ruina- simbolizan la vida transitoria de quienes una vez los habitaron.
- Una hoja de papel con un dicho moralizante (pesimista), por ejemplo: vanitas vanitatum; Ars longa vita breve; Hodie mihi cras tibi (hoy por mí, mañana por ti); Finis gloria mundi; recuerdo mori; Homo bulla; In ictu oculi (en un abrir y cerrar de ojos); Aeterne pungit cito volat et occidit (la gloria de las hazañas heroicas se desvanecerá como un sueño); Omnia morte cadunt mors ultima linia rerum (todo es destruido por la muerte, la muerte es el último límite de todas las cosas); Nil omne (todo es nada)
Muy raramente, las naturalezas muertas de este género incluyen figuras humanas, a veces un esqueleto, la personificación de la muerte. Los objetos a menudo se representan en desorden, simbolizando el derrocamiento de los logros que representan.
bodegones vanitas en su forma inicial, eran imágenes frontales de calaveras (generalmente en nichos con una vela) u otros símbolos de muerte y fragilidad, que se escribían en los reversos de los retratos del Renacimiento. Estas vanitas , así como flores, que también fueron pintadas en la parte posterior, los primeros ejemplos del género de naturaleza muerta en el arte europeo de la Nueva Era ( por ejemplo, el primer bodegón holandés es “Vanitas” de Jacob de Gein). Estos cráneos en la parte posterior de los retratos simbolizaban la mortalidad de la naturaleza humana. (Mors absconditus) y contrastado con el estado de vida del modelo en la parte posterior de la imagen. más temprano vanitas - generalmente el más modesto y sombrío, a menudo casi monocromático. bodegones vanitas surgió como un género independiente alrededor de 1550.
Los artistas del siglo XVII dejaron de representar el cráneo estrictamente frontal en la composición y, por lo general, " ponerél a un lado. A medida que avanzaba la era barroca, estas naturalezas muertas se volvieron más opulentas y exuberantes.
Ganaron popularidad en la década de 1620. El desarrollo del género hasta el declive de su popularidad alrededor de la década de 1650. se concentró en Leiden, la ciudad holandesa, que Bergstrom, en su estudio de la naturaleza muerta holandesa, declaró "el centro de la creación vanitas en el siglo 17." Leiden fue un centro importante del calvinismo, un movimiento que denunciaba la depravación moral de la humanidad y luchaba por un código moral sólido. Bergstrom creía que para los artistas calvinistas, estas naturalezas muertas eran una advertencia contra la vanidad y la fragilidad y eran una ilustración de la moralidad calvinista de la época. Además, la composición del género probablemente estuvo influenciada por la perspectiva humanista y la herencia del género. recuerdo mori.
La calavera es el emblema de la mortalidad humana. Al mismo tiempo, se le considera como un receptáculo del alma, de la vida de un ser, y se le ha dotado de un especial valor ritual desde el Paleolítico. Entre los celtas, fue reverenciado como el foco del poder sagrado, que protegía a una persona de las fuerzas adversas y otorgaba salud y riqueza. La calavera es un atributo de los ermitaños hindúes, sannyasins, como signo de su renuncia al mundo en el camino de la salvación. También actúa como atributo de las formidables deidades del panteón tibetano. Los inmortales taoístas (xian) a menudo se representan con un cráneo demasiado grande, un signo de lo que han acumulado en su cerebro. gran cantidad energía yang.
los musulmanes se unen dicho famoso que el destino de una persona está escrito en su frente, con las costuras del cráneo, cuyos giros son como letras.
La calavera, como la guadaña, y la anciana se incluyen en la matriz principal de símbolos de la muerte. El cráneo es un atributo de muchas imágenes de apóstoles y santos cristianos, como St. Pablo, San Magdalena, Santa Francisco de Asís. Los ermitaños a menudo se representan con una calavera, lo que indica su contemplación de la muerte. En algunos íconos, el crucifijo se representa con una calavera y huesos al pie y sirve como un recordatorio de la muerte en la cruz. Según una leyenda, esta cruz se paró sobre los huesos de Adán y, gracias a la crucifixión del Salvador, todas las personas obtendrán la vida eterna.
EN cultura occidental la muerte fue desplazada de su lugar apropiado en ciclo vital, aunque es el más antiguo, como el nacimiento, el principal función biológica. Los mecanismos de morir son desarrollados por la naturaleza con la misma atención que los mecanismos de nacimiento, con preocupación por el bienestar del organismo, con la misma abundancia de información genética para guiar todas las fases de la muerte, que estamos acostumbrados a encontrar en situaciones criticas nuestra vida. Por lo tanto, la muerte pone sus señales, advierte cuidadosamente su proximidad. No es de extrañar que el antiguo "recordar la muerte" tuviera que expresarse en símbolos y signos que se colocan en los caminos de la vida. adivinos diferente tipo tenía un cráneo humano diferente tipo la brujería, por ejemplo, se colocaba a la cabeza y se invocaba a la calavera para que dijera la verdad.
En alquimia, la “cabeza muerta” son los restos en el crisol, productos de desintegraciones alquímicas que son inútiles para acciones y transformaciones posteriores. En sentido figurado: algo desprovisto de contenido, una forma muerta, una especie de escoria. Los sabinos creían que el alma humana desciende precisamente hasta el cráneo, por lo que se hicieron cuencos rituales con cráneos. El rabino Maimónides hizo el incienso de mirto alrededor del cráneo, el rabino Eleazar describió cómo hacer un terafim: sacrificaron al primogénito, cortaron la cabeza, salaron y pusieron una placa de oro con una inscripción debajo de la lengua, después de lo cual esperaron los mensajes de él. No en vano los terafines secuestraron a Raquel para que el jefe no informara a Labán que Jacob había huido. Vemos los restos del culto lemuriano de los terafines en el cristianismo: la cabeza de Adán, así como en el Reich oculto, donde había una orden y una división completa llamada "Cabeza muerta". E incluso en vida moderna- uno de los carteles del festival internacional de cine de Moscú fue la cabeza roja de un terafim.
Algunos pueblos de Siberia tenían una costumbre: ponían la cabeza de un animal muerto, por ejemplo, un oso, y pedían perdón a su espíritu patrón patrimonial por tener que matar a este animal. Entre los mexicanos, las profundidades de la tierra se dan al cráneo. La marca negra, un signo de cabeza muerta entre piratas y filibusteros, se envió como advertencia a aquellos que estaban destinados a la muerte.
Es del cráneo de un caballo muerto de donde sale una serpiente, picando a Profético Oleg.
La calavera blanca es el signo del más alto sephirah, que libera rocío y devuelve la vida a los muertos. El Odín escandinavo siempre llevaba consigo la cabeza de Mimir, que le traía noticias de otros mundos. La historia de la calavera de fuego de Jacob de Molay simboliza la vital vitalidad, y esta historia comenzó en 1314, cuando el principal maestre de la orden de los Caballeros del Temple fue quemado en la hoguera. Se dice que los templarios supervivientes pagaron al verdugo y este, habiendo extinguido el fuego, sacó el cráneo, que luego fue limpiado. Luego el cráneo, junto con el ídolo de Baphomet, fue enviado a Escocia, desde donde, ya en la época de la conquista de América por los masones, emigró a la ciudad de Charleston, donde fue recibido por los palladistas modernos. Según Albert Pike, durante el contacto de los más altos rangos de la orden con este cráneo, que descansaba sobre una columna de granito negro, una luz brilló dentro del cráneo e inundó toda la habitación.
Según otro testigo, el mítico doctor Bataille, de los agujeros de las cuencas de los ojos brotaban llamas: a veces rojas, a veces blancas, a veces verdes, y estos tres rayos eran similares serpientes ardientes. Además de las propiedades de fuego, el cráneo poseía el poder de una maldición. Habló palabras blasfemas durante el ritual del fuego. De hecho, durante la ejecución en 1314, Jacob de Molay maldijo a los tres principales perpetradores del juicio de la orden: el Papa Clemente V, que murió 40 días después de la muerte del maestro, y unos meses después murió de un desconocido terrible enfermedad y Felipe el Hermoso, luego la misma suerte corrieron sus tres hijos, que murieron uno tras otro durante 14 años. El pueblo los llamaba "malditos reyes". Mayor desarrollo la leyenda atribuye a Jacob de Molay la profecía de que la dinastía de los reyes franceses acabará en el tajo. Y la maldición se hizo realidad: en 1786. Luis XVI fue condenado a muerte en una reunión masónica, y tres años después, durante la Revolución, fue decapitado.
En la tradición tibetana, siguiendo las líneas de Karma Pa ( corona negra) hubo una meditación compleja de varias etapas sobre los huesos humanos, que permitió a una persona superar el miedo a la muerte, sin olvidar la fragilidad de la vida. También en el Tíbet había un cuenco kapal, un recipiente ritual hecho de un cráneo humano. Este objeto ritual se presentaba como un símbolo de compasión, ya que, según la representación figurativa, en él se depositaba la sangre de todos los seres que sentían profundamente.
